Нидерландская школа живописи

Нидерландская школа живописи
Нидерланды – крупнейшая провинция Испании, нынешняя Бельгия. Богатые нидерландские города
быстро шли по пути буржуазного развития, славились торговлей и ремеслом, промышленностью.
Нидерландское искусство приобрело более демократический характер, чем искусство Италии.
Устойчивыми были средневековые традиции. Художники Нидерландов не создали образ совершенного
человека – титана. Человек у них не противостоит мирозданию, а связан с ним.
Ян ван Эйк
Ян ван Эйк родился в Маастрихте на рубеже 14 – 15 столетий. В 1425 году он стал придворным
художником герцога Бургундии Филиппа Доброго. Пользовался его полным доверием и даже выполнял
секретные миссии в Испании и Португалии. В эпоху Яна ван Эйка в Нидерландах была изобретена
масляная краска. Ван Эйк усовершенствовал ее, научился класть один на другой тончайшие слои и
добился огромных результатов.
«Чета Арнольфини».1434 год. Дубовая доска. Масло.
На двойном портрете мы видим бракосочетание именитого итальянского купца, поселившегося в
Брюгге, где жил художник. Картина наполнена символами, расшифровка которых позволяет понять ее
смысл. Супруг изображен в одежде, которая была принята при дворе герцога Филиппа Доброго. Он
снял обувь, так как совершается церковный обряд бракосочетания – то есть таинство. На стене висят
хрустальные четки – подарок жениха невесте, они символизируют чистоту и благочестие невесты. За
спиной Арнольфини – апельсины, крайне редкие в ту пору плоды, символизировавшие запретные
плоды райского сада. Невеста – Джованна Ченами происходила из богатого рода. На ней зеленое
платье. Зеленый символ плодородия, она не беременна, но ее поза подчеркивает линию живота, так как
живот считался в средневековье - главным признаком красоты. На стене – зеркало, в котором отражены
свидетели и сам художник, зеркало обрамлено изображением сцен Страстей и Воскресенья Христа, что
вновь напоминает о религиозном характере брака. Красные драпировки супружеского ложа
символизируют любовную страсть. На люстре горит одна единственная свеча – символ всевидящего ока
Божия. Картина полна удивительной умиротворенности, домашнего уюта и молитвенной серьезности.
Полотно принесло Яну ван Эйку всеевропейскую славу. В то время он оказывал большое влияние на
развитие живописи и в Италии.
«Гентский алтарь»
Это самое прославленное произведение братьев Ван Эйк. Губерт, старший брат Яна принялся за
триптих для церкви Святого Бавона в Генте, но умер в 1426 году, и брат продолжил его работу. В
закрытом виде, то есть в обычные дни алтарь, представлял собой одноцветную, под деревянную
скульптуру сцену, где присутствовали сам заказчик алтаря – Йодкус Вейдт и его жена Изабелла
Борлют, Иоанн Креститель и Иоанн Богослов. Выше их изображений – Архангел Гавриил приносит
благую весть Марии. Событие изображено в комнате Богоматери, а из ее ока открывается вид на Гент,
где можно увидеть даже дом заказчика. Интерес к подробностям жизни – важнейшая черта Северного
искусства. В комнате Марии – умывальник и полотенце – это символы чистоты и непорочности.
Тройное окно обозначает Троицу. Когда по праздникам алтарь раскрывался, зрителя поражала яркая,
многоцветная, потрясающая картина мироздания. 25 картин, 250 персонажей представало перед
изумленными прихожанами.В центре восседает Бог-Отец в сверкающей тиаре с ниспадающей
перевязью в священнических одеждах.У его ног царская корона – атрибут Христа.Слева – Богоматерь в
плаще с застежками и в облегающем платье, справа – Иоанн Креститель. Справа и слева фигуры
музицирующих ангелов. По бокам – обнаженные Адам и Ева, написанные без всякой идеализации с
невиданной для того времени реалистичностью. Центр нижнего ряда – цветущий луг, на переднем
плане – источник жизни, дальше – алтарь, покрытый пурпурной тканью, а на алтаре – Белый агнец, то
есть ягненок, которому все спешат поклониться. Вокруг алтаря гирлянды ангелов в белых, бледнорозовых и светло – серых одеждах. Большое пустое пространство – зеленая лужайка с белыми
полевыми цветами маргариток. Над алтарем в светящемся круге изображен Дух Святой в виде белого
голубя. Если учесть, что агнец – символ Христа, то по вертикали Бог-Отец, Дух Святой и Христос
выстраиваются в Троицу. Первый план слева – в серединном панно – коленопреклоненные пророки, те,
кто уверовал в Христа еще до его рождения и прорек его скорый приход, здесь же ученые-язычники,
философы, античные поэты, гентские бюргеры с густыми бородами, курносыми лицами, надутыми
1
губами – свидетельство высокого реализма художника. Первый план справа – 12 апостолов и группа
истинных служителей Евангелия, то есть священники, аббаты, епископы, папы. Они преклоняются в
полном блаженстве, не глядя на агнца. Красные одежды, золотые ризы, митры, посохи, епитрахили,
жемчуга, рубины, изумруды сверкают и переливаются на пылающем пурпуре – любимом цвете ван
Эйка. Третий план за агнцем, на высоком холме – зеленый лес, апельсиновая роща, кусты роз и миртов
в цветах и плодах. Слева выходит шествие мучеников, справа – святые жены с розами в волосах и с
пальмовыми ветвями в руках. Перед нами бледно-голубые, синие, розовые и лиловые цвета. Мученикиепископы в синих одеждах. Еще дальше – темная полоса холмов и силуэт Иерусалима (колокольни,
башни, шпили). А на последнем плане – далекие синие горы, чистое, голубое, подсвеченное
ультрамарином в зените небо – поистине художник сумел изобразить все мироздание и пропел ему
потрясающий гимн. По сложности сюжета, по блистательному мастерству исполнения и новизне
приемов масляной живописи произведение Яна ван Эйка представляет собой одно из высших
достижений искусства.
Главное в творчестве этого художника – утверждение реальности прекрасного мира, вот почему он
творил в технике масляной живописи.
«Мадонна каноника ван дер Пале» 1436 год.
Перед нами монументальный образ старика-каноника, сурового, властного, надменного. В руках он
держит книгу, перчатки и роговые очки. Атмосфера торжества и покоя при обилии деталей – обычная
черта живописи художника. Мадонна некрасива, а ребенок кажется рахитичным, он написан без
прикрас. В руках ребенка цветы, он ласкает попугая. По правую руку от Мадонны – Святой Донат в
золотой митре и синем облачении, по левую, образуя кулису, - Святой Георгий, прекрасный юноша в
доспехах из вороненой стали с насечкой. Он приподнимает шлем, кланяется и улыбается младенцу.
Интерьер комнаты тоже довольно подробен: трон, балдахин с красным рисунком на черном фоне,
сложная архитектура, темный мрамор, края цветных окон. Через окна интерьер связан с просторами
природы. Под ногами Марии – мраморный паркет и прекрасный, персидский старый ковер.
«Мадонна канцлера Роллена».
Перед нами лоджии дворца, которые открывают перспективу на пространство, город, улочки, храм,
деревья, холмы, реку – все это объединено золотистой дымкой. Ван Эйк утверждает ценность
единичного человека, но он отказывается от героического профильного портрета.
Творчество Яна ван Эйка открывает блистательную историю нидерландской живописи.
Иеронимус Босх (1450 – 1526)
Один из крупнейших мастеров Северного Возрождения, считается одним из самых загадочных
живописцев в истории западного искусства. Художник исключительной силы воображения. Босх жил и
работал преимущественно в родном Хертогенбосе, который в те времена входил в состав Бургундского
герцогства, а сейчас является административным центром провинции Северный Брабант в
Нидерландах. Его загадочный стиль вдохновлен был средневековым мировоззрением. Его взгляд на мир
мрачен, его искусство нравоучительно. Изгнание Адама и Евы из Рая он считал первопричиной зла в
мире. Вечные муки и Ад – одна из важнейших его тем. Этим он близок величайшему поэту Италии –
Данте.
Босх использует сложную символику. Зубчатые башни, полые внутри деревья, пожары, являясь
символами Ада, одновременно намекают на огонь в опытах алхимиков; герметичный сосуд или
плавильный горн — эмблемы чёрной магии и дьявола. На его картинах встречаются «нечистые» с точки
зрения средневековья животные: верблюд, заяц, свинья, лошадь, аист. Жаба в алхимии обозначала
серу, деревья, скелеты животных – символы дьявола и смерти. Сова на его полотнах служит знаком зла
как ночная птица и хищник и символизирует глупость, духовную слепоту и безжалостность всего
земного. В триптихе «Воз сена» сюжет, видимо, основывался на старой нидерландской пословице:
«Мир,— стог сена, и каждый старается ухватить с него сколько может». Это было первое крупное
произведение мастера зрелого периода, в котором он выступает великолепным рассказчиком,
объединяющим основной темой множество занимательных эпизодов и символов.
«Сад земных наслаждений» 1500 год.
Перед нами триптих. На левом панно – рай, обиталище человека до грехопадения. Среднее –
всевозможное проявление греха невоздержности, страстей. Правое – изображение наказания за
2
тягчайшие грехи – вечные муки в аду. Левое панно изображает последний день творения, когда Бог
создал человека. Райский сад полон диковинных растений, животных: жираф, трехголовая птица.
Посреди райского сада, на скале, усыпанной драгоценностями, высится Фонтан жизни. На среднем
плане, справа – древо познания добра и зла. Корни его обвивает змея. Бог запретил человеку вкушать
плоды с этого древа, но Адам и Ева нарушили запрет. Звери в раю уже пожирают друг друга, но человек
еще не опустился до греховного поведения. Бог в образе Христа дает человеку в подруги Еву, скоро
начнется земная история людей.
Среднее панно – это целый трактат о грехах плоти. Четыре скалы населены прелюбодеями, четыре –
цифра четырех углов земли. Посреди сада купается Венера, которую в средневековье считали главной
виновницей греха прелюбодеяния. Огромные ягоды земляники символизируют наслаждения плоти.
Внизу, справа, Адам и Ева пребывают в пещере, где, по некоторым преданиям, нашли приют на земле.
Обратим внимание на высокий горизонт на панно. Это делает фигуры маленькими и лишает их
героического ореола.
Левое панно – изображение всевозможных, отталкивающих адских мук. Люди, пронзенные копьями,
драконы, пожирающие грешников, музыкальные инструменты – символы любовного греха –к которым
пригвождены грешники – неисчерпаема и мрачна фантазия художника. В верхней части Ада –
традиционная картина пламени и серы. Внизу Дьявол пожирает грешников и низвергает их в смрад и
нечистоты. Таково наказание за обжорство. На голове у страшилища – кастрюля. В левом нижнем углу
демоны расправляются с людьми ударами ножей и мечей, вздымают пронзенные сердца, замахиваются
игральной доской. Не все символы Босха поддаются расшифровке, но все они мрачны и говорят о
трагическом взгляде на мир. Если Данте ведет нас через Ад к Чистилищу и в Рай, то Босх от Рая через
земные грехи приводит нас в мрачный и ужасающий Ад.
Рогир ван дер Вейден (1399 – 1464)
«Снятие со креста» 1435 – 1440 год.
«Снятие со креста» – главная часть алтарного триптиха. Перед нами великолепная масляная живопись,
когда все предметы, человеческие тела, ткани, дерево передаются художником с поразительной силой.
Мраморный цвет тела Христа оттеняет белый цвет наброшенной на него пелены. Его образ трагически
прекрасен. Сочащаяся из ран кровь и терновый венец как будто украшают тело Спасителя. Скорбная
фигура справа – Мария Магдалина, которая присутствовала при растпятии. Красный цвет рукавов ее
одежды и красный цвет одеяний Иоанна Богослова созвучны цвету крови Христа и напоминают о его
страданиях. Тело Спасителя поддерживает Иосиф Аримафейский, богатый человек, добившийся
разрешения снять Христа и положить его тело в каменный гроб на своей земле. Поза Богоматери вторит
позе мертвого тела Христа и усиливает впечатление трагизма. Страшны физические муки распятого,
страшны и душевные муки матери Христа. Платье Марии написано ультрамарином, который
изготавливали из ляпис-лазури. Белый плат на голове Марии – символ чистоты и непорочности. Белый
цвет распределен на картине очень умело. Силится сдержать свою печаль Иоанн, которому Христос
перед смертью поручил заботы о своей матери.
Эмоциональность и точность в передаче деталей – одна из характернейших черт искусства Северной
Европы. Шедевр Рогира ван дер Вейдена оказал большое влияние на искусство его времени.
Питер Брейгель Старший (1525—1569)
Величайший нидерландский художник 16 века. Творчески переработал уроки итальянской живописи,
создал глубоко национальное искусство, опирающееся на нидерландские традиции и фольклор. В
творчестве Брейгеля сложно переплелись юмор и фантастический гротеск, лиричность и эпичность
картин мироздания.
Художник родился предположительно между 1525 и 1530 г. (точная дата неизвестна) в провинции
Брабант, на границе нынешней Бельгии и Голландии. Брейгель начинал как подмастерье у крупного
антверпенского живописца Питера Кука ван Альста, в 1551 был принят в члены Антверпенской гильдии
св. Луки, где получил звание мастера. Около 1552 отправился в традиционное для европейских
художников путешествие в Италию. Потрясенный древними памятниками Рима и шедеврами
Возрождения, морскими стихиями и живописными гаванями Средиземноморья, Брейгель приступает к
первым живописным полотнам.
3
Некоторые приемы босховской живописи — большой размер холста и мелкий — фигур,
бесчисленное количество сюжетов характерны для ранних картин Брейгеля («Нидерландские
пословицы», «Игры детей», «Безумная Грета», «Битва Поста и Масленицы»), представляющих
собою картины-притчи на темы фламандского фольклора. Картина с изображением нидерландских
пословиц — «энциклопедия всей человеческой мудрости», — включает более 100 сцен-метафор,
посредством которых народное остроумие высмеяло тщеславие и глупость многих человеческих
начинаний. Тот же принцип в основе картины «Игры детей»: перспектива улицы, усыпанной
играющими детьми, не имеет предела, их веселые и бессмысленные забавы — своего рода символ столь
же абсурдной суеты всего человечества.
В написанном около 1562 «Триумфе Смерти» Брейгель, как бы глядя на мир сквозь призму Босха,
создает жуткий «панегирик» Смерти: в зареве пожаров ставшая бесплодной и безлюдной земля,
покрытая столбами с колесами пыток и виселицами; на горизонте — такое же пустынное море с
гибнущими кораблями. Впечатление зловещей фантастичности усилено еще и тем, что Брейгель
представил Смерть в виде бесчисленных полчищ воинов-скелетов, влекущих толпы людей —
кардиналов и королей, крестьян и солдат, женщин и монахов, рыцарей, любовников, пирующих — к
огромному распахнутому гробу. Человечество перед лицом Смерти предстает как бессильная
множественность слепых частиц в царстве бессмыслицы, жестокости и всеобщей гибели.
В 1563 году художник переселяется с семьёй в Брюссель.
Главные персонажи во многих картинах брюссельского периода («Проповедь Иоанна
Крестителя»; «Избиение младенцев»; «Обращение Савла»; «Перепись в Вифлееме»; «Несение
креста») главные персонажи с трудом различимы среди групп или толп людей. Художник
подчеркивает незаметность события или происходящего чуда в повседневном течении жизни, тем
самым обостряя их переживания. Так, в «Несении креста» многочисленной толпе, глумящейся над
несущим крест Христом, противопоставляется незаметная фигура Спасителя, подлинный центр и смысл
человеческой истории.
Цикл «Времена года»: «Охотники на снегу» (Январь), «Хмурый день» (Февраль), «Возвращение
стад» (Ноябрь), «Сенокос» (Июль) и «Жатва» (Август).
В 1565 году были написана серия Картины месяцев или времён года. У Брейгеля в смене времён года
основную роль играет природа, а люди, так же как и леса, горы, вода, животные, становятся лишь
частью необозримого ландшафта. История человечества — только часть истории Вселенной; в
пейзажах Брейгеля эта идея обретает форму и образ. На дальних планах его картин встают
величественные и призрачные горы головокружительной высоты, открываются панорамы широких
равнин с морскими берегами, его эпически-грандиозные ландшафты — воплощение вечных
космических законов.
Чтобы не путать Питера Брейгеля с его сыном — тоже живописцем, Старшего позднее окрестили
Брейгелем Мужицким.
В 1567-1569 Брейгель исполнил ряд картин на темы народной жизни (которым и обязан своим
прозвищем) («Крестьянский танец», «Крестьянская свадьба». Художника интересует обличье,
характерные типы, повадки крестьян. Никто из художников ранее не осмеливался создавать
произведения на подобные темы.
Питеру Брейгелю было около сорока, когда армия испанского герцога Альбы с приказом уничтожить
еретиков - протестантов в Нидерландах вошла в Брюссель. В течение последующих лет Альба
приговорил к смерти несколько тысяч нидерландцев. Последние годы жизни художника прошли в
атмосфере террора, насаждаемого Альбой. Картины Брейгеля этого периода полны трагизма.
Гениальный дар обобщения и умение выразить драматическую коллизию или иносказание через
ритмику жестов и движения достигли своей вершины в «Притче о слепых» 1568). В разных стадиях
падения фигур слепых, следующих за слепым же и споткнувшимся поводырем, в неумолимой логике
этого падения, в лицах-масках с пустыми глазницами, смотрящих на ясный дневной свет, воплотился
образ человечества, спотыкающегося во тьме. Это ясное и трагическое осознание неизбежности судьбы
и времени, чувство грандиозности мироздания и понимание истинного места человека в нем, делают
Брейгеля одним из величайших художников в искусстве Нового времени.
4