II. Выполнение натюрморта акварелью

ГОСУДАРСТВЕННОЕ БЮДЖЕТНОЕ ПРОФЕССИОНАЛЬНОЕ
ОБРАЗОВАТЕЛЬНОЕ УЧРЕЖДЕНИЕ ВЛАДИМИРСКОЙ ОБЛАСТИ
"ЮРЬЕВ-ПОЛЬСКИЙ ИНДУСТРИАЛЬНО-ГУМАНИТАРНЫЙ КОЛЛЕДЖ"
МЕТОДИЧЕСКАЯ РАЗРАБОТКА
Тема: «Технология выполнения натюрморта акварелью»
Специальность: 050139 Изобразительное искусство и черчение
Выполнил:
преподаватель спец. дисциплин Филиппов А. А.
Юрьев – Польский 2015
1
Содержание
Пояснительная записка--------------------------------------------------------------------3
I. Натюрморт акварелью.
I.I Истории развития натюрморта-------------------------------------------------------4
I.II История акварельной живописи-----------------------------------------------------8
II Глава. Выполнение натюрморта акварелью
II. I Выбор сюжета-------------------------------------------------------------------------12
II.II Основные этапы в работе над натюрмортом-----------------------------------14
III.III Написание натюрморта акварелью---------------------------------------------19
Заключение---------------------------------------------------------------------------------21
Библиография------------------------------------------------------------------------------22
Приложение
2
Пояснительная записка.
Одной из важнейших задач образования является всестороннее развитие
личности ребенка, в том числе эстетическое воспитание подрастающего
поколения. Эстетическое воспитание- это сложный и длительный процесс,
дети получают первые художественные впечатления, овладевая различными
видами художественной деятельности. Изобразительная деятельность специфическое, образное познание действительности, которое может идти
различными путями.
Одним из видов изобразительного искусства является натюрморт - «мертвая
природа», изображение неодушевленных предметов, объединенных в единую
композиционную группу.
В данной методической разработке мы постарались показать большие
потенциальные возможности одного из самых выразительных жанров
изобразительного искусства – натюрморта для формирования творческих
способностей и художественного вкуса.
3
I. Натюрморт акварелью.
I.I Истории развития натюрморта
Искусство распадалось на разные жанры, потом сливалось обратно воедино,
а в различные периоды истории выделяли то пейзаж, то бытовые картины, то
портрет. Но в случае, если ставился эксперимент в живописи, когда говорили
об анализе мира, уже утвердившаяся система проходила "испытание
натюрмортом". Пройдя многие века, история показывает, что натюрморт один
из
самых
жизнеспособных
жанров
живописи.
Натюрморт - дословно с французского - мертвая природа. Техника
изобразительного искусства, в которой изображаются неодушевлённые
предметы - овощи, фрукты, цветы, посуда и т.д. Цель художника в
натюрморте - передать всю красоту предметов, которые окружают человека,
их материальную и духовную сущность и выразить свое личное отношение к
данным предметам, выражая при этом свои интересы, уровень культуры и
непосредственно саму жизнь. Натюрморт можно выполнить, используя
акварельные, гуашевые или масляные краски, пастель, карандаши или же
уголь.
В 15-16 веках натюрморт рассматривали как часть жанровой или
исторической композиции. На протяжении длительного времени он носил в
себе религиозный характер - вокруг картины делалось обрамление в виде
цветочных гирлянд, фигуры Христа и Марии, его Матери. В 16 веке
популярным было создание портретов, где изображался череп (например,
картина Яна Госсарта "Череп"). Натюрморты использовали для украшения
шкафа или маскировки дыр или ниш в стенах. Как отдельный жанр в
творчестве натюрморт был сформирован в 18 веке голландскими и
фламандскими художниками. Зачастую при выборе предметов, художники
вкладывают в них аллегорический смысл, такой как неизбежность смерти
или быстротечность всего материального. Это зависит от того, какие
предметы и как были использованы в композиции, чаще всего это были
4
предметы
повседневного
использования,
которых
художник
наделял
символическим смыслом.
Среди представителей данного жанра живописи можно назвать таких, как
Эдуард Мане ("Букет в хрустальной вазе", "Ваза с цветами" - 1882), Винсент
Ван Гог ("Подсолнухи" - 1888), Клод Моне ("Яблоки и виноград" - 1880),
Огюст Ренуар ("Анемоны" - 1898). А среди современных художников можно
выделить Ирину Прохорович, Александру Мертенс, Николая Соколова и др.
В XIX-XX веках русские художники всерьёз увлеклись цветами. Натюрморт
становился популярным жанром, но только в нашей стране, так как период
расцвета этого жанра уже закончился.
В Эрмитаже хранилось много работ голландцев, ученики Академии
художеств приходили туда на занятия. Их задание заключалось в
копировании картин известных мастеров. С 1830 года ученики стали
издавать полотна с натюрмортами, выполненные в стиле старых мастеров.
Первым таким художником стал Хруцкий. Он изображал цветы и фрукты.
Его натюрморты пользовались спросом и имели большой успех. Часто
Хруцкий делал копии со своих работ, иногда добавляя новые детали:
догорающую свечу, тлеющую сигару, подсвечник. Он низко ценил свою
работу, и вскоре перестал писать натюрморты, отдав предпочтение
религиозной тематике.
Хруцкий был первым художником в России, который отнёсся к жанру
натюрморт всерьёз. Все остальные просто копировали картины старых
голландских мастеров в качестве учебной программы.
Даже когда натюрморт стал довольно распространён, некоторые художники
всё равно придерживались старой голландской школы. Один из них —
художник Харламов. Его картина «Цветы» — образец идеального владения
техникой прошлых лет. Эстонский живописец Гирв в «Натюрморте с
цветами» расположил кувшин, горшок, цветы, фрукты, вазу в точности, как
на старых голландских картинах. Использованные в натюрморте предметы
5
были созданы в начале XX века. Сочетание старых приёмов в живописи и
современных предметов на изображение создавали элемент вневременности.
Художники не старались сделать что-то новое.
В конце XIX века в русской живописи цветы использовались, как прекрасное
дополнение. Цветами украшали дамы свои шляпки и платья, произволили
оформление зала цветами на свадьбу. Художники писали пейзажи с
цветущими или наоборот, увядающими цветами. Яркий букет цветов на
сером фоне был типичным приемом для салонной живописи второй
половины XIX века. Букеты, большие и малые, кочевали с картины на
картину.
Долгое время русские художники отказывались от точной передачи строения
цветка.
Их
предпочтение
было
отдано
краскам,
стилю,
созданию
феерических, ярких букетов. Художники расписывали фарфоровую посуду.
Щекотихина-Потоцкая сначала работала с фарфоровой посудой, потом
начала писать натюрморты.
В конце XIX века началось новое понимание цветочного натюрморта. В этом
направлении работали такие мастера, как Левитан, Грабарь, Коровин,
Жуковский. В своих работах они объединяли жанр пейзажа и натюрморта.
Они располагали цветы на столе в парке, на подоконнике, на террасе.
Известные натюрморты Коровина: «Гвоздики и фиалки в белой вазе», «Букет
бумажных роз», «Розы на фоне моря».
«Лесные фиалки
и
незабудки», «Одуванчики»,
«Белая
сирень»
—
натюрморты Левитана.
Наконец, натюрморт был оценён, как самостоятельный жанр. Развитие его
легко проследить по картинам Коровина. Сначала художник писал яркие,
красочные букеты на фоне Парижа или моря в Гурзуфе. Поздние его картины
стали скромнее. Он сосредотачивался на самом букете цветов, а не на том,
что букет окружало. Интерес к натюрморту возник в России благодаря
французским импрессионистам и постимпрессионистам. В нашей стране
было много последователей Мане, Сезанна, Ван Гога, Гогена. Один из них
6
Николай Тархов. Работал в стиле импрессионизма, уехал жить в Париж. Его
высоко ценили такие мастера, как Бенуа, Малевич и Маковский. Одним из
самых известных натюрмортов Тархова является «Натюрморт. Цветы,
овощи, фрукты».
Значительное место занимал натюрморт в творчестве Кончаловского,
Машкова, Лентулова, Фалька, Гончарова, Осмеркина. Художники входили в
общество «Бубновый валет». Они исповедовали здоровый материализм,
влюбленность в яркую плоть вещей, грубоватую, почти лубочную
выразительность.
Они
сделали
физически
ощутимым
то,
что
импрессионисты только видели, уменьшили дистанцию между зрителем и
предметом.
В середине XX века классические натюрморты создаёт Удальцова. Многие
художники работают в своих маленьких мастерских и пишут натюрморты.
Некоторые из них избрали удобную жизненную позицию, так как советская
власть к натюрмортам придраться не могла. «Он — летопись мирной жизни
изгоев советского художественного мира», — говорили о натюрморте.
В 20-30-х годах натюрморт приобретает некие абстрактные формы. Стол,
цветы, рисунки, предметы превращаются в декоративный орнамент,
подобный узорам на персидском ковре. Создателями подобных натюрмортов
были Минчин, Ланский, Исаев. В их картинах предметное соединялось с
беспредметным.
Сегодня натюрморты, к счастью, принимаемы и любимы публикой.
7
I.II История акварельной живописи
Акварельная техника стала развиваться в Китае после изобретения бумаги
во II веке нашей эры. В XII—XIII веках бумага получила распространение в
Европе, прежде всего в Испании и Италии. Предшественницей акварельной
техники в Европе была роспись по сырой штукатурке (фреска), позволявшая
получать сходные эффекты.
В Европе акварельная живопись вошла в употребление позже других
родов живописи. Из первостепенных художников Ренессанса значительный
след в акварели оставили Дюрер, чей «Заяц» стал хрестоматийной работой,
затем акварели отдали дань Антонис ван Дейк, Клод
Лоррен и Джованни
Кастильоне. Однако эти примеры оставались единичными вплоть до рубежа
XVIII—XIX веков, так что даже в 1829 году Пайо де Монтабер в «Полном
трактате о живописи» упоминает об акварели вскользь как об искусстве, не
заслуживающем серьёзного внимания.
В то же время техника с использованием ослабленных контуров и
растушёвки
кистью
широко
применялась,
особенно
в
XVIII
веке,
участниками научных и военных экспедиций для зарисовки археологических
и
геологических
объектов,
растений,
животных,
при
раскраске
архитектурных и топографических планов: первоначально употреблялась
китайскаятушь, затем тушь с лак-кармином, сепия, а затем и другие водяные
краски. В середине XVIII века рисование водяными красками сделалось
популярным видом досуга для непрофессионалов: распространению этого
развлечения особенно способствовали публиковавшиеся в 1780-е гг. и
воспевающие красоту английской глубинки путевые дневники Уильяма
Гилпина, которые он снабдил собственными иллюстрациями. В результате на
рубеже XVIII—XIX века усилиями сперваПола Сэндби, затем Томаса
Гёртина и наконец, прежде всего, Джозефа Тёрнера акварель превратилась в
8
едва ли не важнейший вид английской живописи — в 1804 г. было основано
Общество акварелистов (англ. Society of Painters in Water Colours).
Кроме того, популярность акварели возросла и в связи с распространившейся
во второй половине XVIII в. моде на портретную миниатюру, — жанр,
который с успехом начали осваивать многочисленные художники-любители.
Новации Гёртина, начавшего пользоваться акварелью для картин большого
формата, и Тёрнера, существенно обогатившего арсенал технических
приёмов акварелиста, вызвали к жизни дальнейший подъём английской
акварели в творчестве таких художников, как пейзажисты Джон Селл
Котмен, Энтони Копли Филдинг, Ричард Паркс Бонингтон, Дэвид Кокс,
много
писавший
архитектурные
натюрмортовУильям
Генри
сооружения Сэмюэл
Хант,
а
также Сэмюэл
Праут,
мастер
Палмер, Джон
Варли, Джон Фредерик Льюис, Майлз Бёркет Фостер,Фридерик Уокер и
другие мастера. Роль акварели в английском изобразительном искусстве
была
закреплена
сочинениями Джона Рёскина, объявившего
Тёрнера
крупнейшим художником своего времени.
В середине XIX века акварель завоевала широкую популярность также в
США
благодаря
работам
таких
художников,
как Уильям
Трост
Ричардс, Томас Моран, Томас Икинс и Уинслоу Хомер.
Во Франции распространение акварельной живописи было связано с
именами Поля Делароша, Эжена Делакруа, Анри Жозефа Арпинье, а также
мастера сатирических рисунков Оноре Домье.
К концу XIX века произошёл некоторый пересмотр отношения к акварели,
отчасти связанный с тем, что многие новые краски, введённые в широкое
употребление
акварелистами
середины
века,
оказались
весьма
недолговечными, быстро выцветающими. Тем не менее на рубеже веков
акварели отдали дань Поль Синьяк и Поль Сезанн во Франции, Морис
Прендергаст и Джон
Кандинский, Эмиль
Сингер
Сарджент в
Нольде, Эгон
США,
Шиле, Пауль
а
затем Василий
Клее и Рауль
Дюфи.
По инициативе мексиканского художника Альфредо Гуати Рохо в 2001 году
9
день 23 ноября был провозглашен Международным днем акварели.
Английская традиция акварели оказала сильное влияние на русских
художников, прежде всего тех, кто был связан с императорской Академией
художеств,
находившейся
в
столице
империи —
Санкт-Петербурге.
Первое имя в летописи русской акварели, которое по праву зачинателя и
уровню мастерства необходимо назвать — Петр Фёдорович Соколов (1791—
1848). Он исполнял портреты, сцены охоты, жанры, запечатлев лик своей
эпохи и своих современников.
Во второй половине XIX века, в ряду акварельных произведений выделяются
листы, исполненные Михаилом Клодтом (1832—1902), маринистами Львом
Лагорио (1828—1905)
и Александром
Беггровым (1841—1914).
Свою
оригинальную дань искусству акварели принесли такие живописцы, как Илья
Репин(1844—1930), Михаил Врубель (1856—1910), Валентин Серов (1865—
1911).
Акварельная
живопись
увлекала
и
членов
объединения
«Мир
искусства» Александра Бенуа (1870—1960), Льва Бакста (1866—1924), Ивана
Билибина(1876—1942), Константина
Сомова (1869—1939), Анну
Остроумову-Лебедеву (1871—1955). Акварелью владел поэт Максимилиан
Волошин (1877—1932), рисунки которого пересекались с его поэтическими
произведениями.
Важным этапом в развитии русской акварели стала организация в 1887
году «Общества русских акварелистов», возникшего из кружка акварелистов.
Его первым председателем был избран А. Н. Бенуа. Общество вело активную
выставочную деятельность, проведя за 1896—1918 гг. тридцать восемь
выставок. Его членами были А. К. Беггров, Альберт Бенуа, П. Д. Бучкин, Н.
Н. Каразин, М. П. Клодт, Л. Ф. Лагорио, А. И. Мещерский, Е. Д. Поленова, А.
П. Соколов, П. П. Соколов и другие. Общество прекратило свою
деятельность в 1918 году. В 1998 году общество было возрождено
как «Общество
акварелистов
Санкт-Петербурга».
В ХХ веке круг русских советских художников, работавших в технике
10
акварели значительно расширился. Об этом интересе свидетельствуют
Всесоюзные выставки акварели, регулярно проводившиеся начиная с 1965
года. Например, в VI Всесоюзной выставке акварели в 1981 году в Москве
приняло участие около 400 художников[2]. Среди крупнейших мастеровакварелистов XX века Н. А. Тырса, С. В. Герасимов, А. А. Дейнека, С. Е.
Захаров, М. А. Зубреева, А. С. Ведерников, Г. С. Верейский, П. Д. Бучкин, В.
М. Конашевич, Н. Ф. Лапшин, В. В. Лебедев, Г. К. Малыш, А. Н.
Самохвалов, С. И. Пустовойтов, В. А. Ветрогонский, В. С. Климашин, В. К.
Тетерин, А. И. Фонвизин и другие.
Такова в общих чертах история развития русской акварели. Ее особенность
состоит в том, что в России не было обособленной подготовки узких
профессионалов-акварелистов. Наметившийся в конце XX века рост интереса
к акварели, изменил положение вещей. Знаковым событием стало открытие
школы и академии акварели Сергея Андрияки.
11
II. Выполнение натюрморта акварелью
II. I Выбор сюжета
Сегодня натюрморт - самый распространенный жанр среди художников. Их
пишут в интерьере, на пленэре (в пейзаже), используют сложную или
простую
постановку,
устаревшие
или
современные
предметы
из
повседневной жизни человека.
Составить натюрморт - дело не из легких. Оно подразумевает умение не
просто срисовать предметы, но изобразить форму, используя цветовые
законы, перспективу, тень. Основа его составления - подбор предметов таким
образом,
чтобы тема
композиции
была
выражена наиболее
четко.
Можно выделить несколько подвидов натюрморта: учебный, творческий,
сюжетно-тематический и учебно-творческий. Их различают по цветам, месту
расположения, колориту, освещенности, времени, когда была исполнена
картина.
В натюрморте на пленэре различают две разновидности: он может быть
случайным или составленным по теме. Он может быть, как самостоятельной
композицией, так и одной из частей пейзажа или какой-либо жанровой
картины. Для изображения натюрморта в интерьере предполагается большое
пространство, в котором предметы сочетаются с темой и сюжетом картины.
В учебном и сюжетно-тематическом задача стоит подобрать предметы так,
чтобы они подходили по размеру, цвету, форме. Учебный ещё называют
академическим или постановочным. Он отличается от творческого тем, что у
учебного
натюрморта
есть
определённая
цель
-
научить
основам
изобразительного искусства и самостоятельному творчеству. Декоративный
натюрморт выявляет определенные качества натуры, создает впечатление
нарядности. Он не точно изображает натуру, но размышления о ней - все
характерные качества. Там нет ничего случайного, вся картина подчинена
задумке художника. Главный принцип - превратить пространственную
глубину в условное пространство. Одновременно с этим можно использовать
12
несколько планов, которые можно расположить в определенной глубине.
Основная задача в обучении декоративному натюрморту - это выявлять
самое выразительное качество и давать ему усиление через декоративную
обработку. Такой вид натюрморта развивает понятие и чувствование
гармонии цвета, ритма, размеров плоскостей, и в общем вдохновляет на
творчество.
13
II.II Основные этапы в работе над натюрмортом
Особенная роль в натюрморте уделяется освещению, как искусственному,
так и естественному. Боковой, рассеянный или направленный свет задает
настрой всему рисунку. Например, если освещение будет из окна, то часть
цвета будет пропадать, а если сбоку или спереди, то появится определенная
контрастная светотень. При рассеянном освещении мы увидим тональную
разницу.
Натюрморт рисуется в несколько этапов. В начале работы нужно определить
где он будет размещен на бумаги, создаем композицию. Делаем несколько
небольших зарисовок на листе, при этом улавливая все детали: как
распределены на предметах тень и свет, где самые светлые и самые темные
места. Также замечаем, какие из предметов находятся на переднем плане,
какие немного дальше. Далее выполняем рисунок на листе. Если
использовать акварель, то в полноте передать тень и свет не получится,
можно лишь указать границы данной формы, которая благодаря цвету
кажется материальной и придает объем. Рисовать можно карандашом или
использовать уголь. Итак, мы выявляем форму, пропорцию, намечаем
теневые и световые границы и блики. В процессе работы нужно бумагу
немого смачивать водой, чтобы её обезжирить.
Сделав такую зарисовку, можно выполнять непосредственно сам натюрморт.
Начинаем с общей передачи объемов. Выбираем цвета, которые подойдут
каждому предмету и для фона, определяем отношения цветов. На палитре
проверяем те цвета, которые мы делаем посредством смешивания красок и
накладываем их большими пятнами на рисунок, конечно же туда, куда
нужно. Каждый цвет отдельно сравниваем с другими и, если нужно, немного
уточняем. Сразу накладывать цвета лучше на светлые места, постепенно
переходя к более темным. Там, где требуется, усиливаем цвет, повторно
нанося краску. Таким образом мы все ближе и ближе подходим к реальному
цвету предмета. При процессе нанесения теневых и световых цветов, не
14
забываем выделить цвет рефлекса и блик.
Когда цветовые отношения уже определены, можно переходить к детальному
изображению объема. Уточняем цвета, используя густую краску и большие
мазки. Чтобы не переусердствовать с осветлением, сравниваем цвет с
бумагой, на которой рисуем. А для того, чтобы как можно более реально
представить объем на рисунке, сравниваем насыщенность цвета предметов в
тени и на более освещенных участках рисунка. Более четко выделяем
предметы, стоящие на первом плане, поскольку они отображают формы и
цвета более подробно. Чем дальше находится предмет, все меньше и меньше
у него должна быть насыщенность цветов и контраст между тенью и светом.
При выделении планов в натюрморте нужно постоянно сравнивать цвета
предметов, которые располагаются на разных промежутках. Если предметы,
находящиеся дальше, чересчур выступают и резко бросаются в глаза, нужно
немного уменьшить их красочность, смягчить очертания, а предметы на
переднем
плане,
напротив
же,
усилить
насыщенность
и
контраст.
Чтобы произвести впечатление глубины пространства, нужно также обратить
внимание на фон. Его цвет необходимо все время сравнивать с цветами
предметов. Особенно сложно это делать, когда у нас насыщенный светлый
фон.
Тогда
лучше
контрастировать.
использовать
Это
предметы,
поспособствует
которые
выявлению
будут
формы
и
сильно
цвета,
обогащению все картины в целом и выделению предметов первого плана.
Достичь передачи материала на бумаге можно посредством передачи
цветовых отношений натуры. Для этого лучше всего технику мазков сделать
разнообразной:
крупные,
мелкие
мазки,
разное
направление.
Завершаем работу, обобщая отдельные оттенки. Этим мы внесем постановке
целостность. Последние штрихи делаем прозрачные и яркие. Фундамент в
натюрморте - видеть правильно основные черты цельно и конкретно в
отдельных моментах работы, понять их суть. Благодаря этому можно
передать
предметную
связь,
используя
15
разные
цветовые
тоны,
насыщенность, освещение, их размещение в пространстве.
Предметы должны располагаться не произвольно, не случайно. Каждый
предмет должен быть связан по смыслу с другим предметы в натюрморте не
только должны быть родственны по назначению, они должны ещё и отвечать
одному из главных принципов эстетической выразительности изображения:
разнообразию форм, материала, фактура, цвета, тона и т.д. Два или несколько
одинаковых предметов по размерам и форме не могут произвести
впечатления единого целого.
В натюрморте даже из двух-трех предметов какой-то должен быть главным,
он как бы открывает действие, начинает рассказ и в первую обращает на себя
внимание. Все второстепенное и по заметности и по смыслу должно
подчиняться главному. Этот главный предмет художник выделяет и
контрастом светотени, и цветом, расположением предметов. Очень важно
решить, при каком освещении (боковом или мрямом, дневном или вечернем)
выгоднее написать натюрморт. Переднее освещение делает едва заметным,
боковое-резко усиливает выпуклость объемных масс, заднее придает
силуэтные очертания.
Величина изображения всей группы предметов должна находиться с
соответствии с фоном. Предметам не должно быть тесно на плоскости холста
но и фон не должен преобладать над изображением. Предметы должны так
располагаться, чтобы они не загораживали друг друга, хорошо выделяли свои
характерные свойства. Для этого надо выбрать наиболее выгодную точку
зрения. Удачный выбор точки зрения и линии горизонта позволяет добиться
большой выразительности композиции натюрморта.
Изображая натюрморт, художники иногда ставят чисто декоративные задачи:
яркость цвета, ритмику пятен. Но здесь необходимо сказать о том, что в
натюрмортной живописи самым замечательным является материальность и
плотность изображаемых предметов. Прозрачное стекло бокалов, плотная
поверхность керамических сосудов, блестящий холодный металл-все пленяет
нас своей вещественностью, материальностью, жизненной убедительностью.
16
Только в этом случае действительность в натюрмортах предстанет перед
нами в необычайной красоте, поверхностью фактур. Богатство чувственного
восприятия
вызывает
радость
полноты
ощущения
жизни.
Живопись-это тончайшая нюансировка оттенков цвета в пределах цветовой
гаммы. Каждая поверхность предмета должна пульсировать и мерцать
теплыми и холодными оттенками, подчиненными единому колориту. Только
в этом случае натюрморт показывает красоту окружающих предметов, их
цветовую
драгоценность.
Правдиво
изображать
натуру-это
уметь
конструктивно и перспективно строить предметы, передавать их пропорции,
объем, материальность, пространственное расположение, проводить рисунок
или этюд к цветовой целостности и единству, выявить характерные
особенности Изображаемых предметов и объектов, их эстетические свойства
и красоту. Все вышеуказанные качества грамотного реалистического
изображения предметов объектов на начальной стадии обучения можно
приобрести при выполнении учебных натюрмортов. Именно натюрморт
является особенно ценным объектом изображения для познания основ
изобразительной грамоты. Рисунок и живопись натюрморта - это и строгая
живописная школа и творческий эксперимент, где начинающий художник
постигает законы цветовой гармонии. Натюрморт называют камерной
музыкой живописи. В нем можно проследить мастерство наложения мазков,
оценить гармонию колорита и пластику форм.
Известно, что работа над художественным произведением, при всем
разнообразии
подходов
и
творческой
индивидуальности
мастера,
осуществляется поэтапно и проходит закономерные стадии исполнения. Идея
дипломной работы возникла прежде всего, из любви к горскому быту.
Определившись с темой и жанром дипломной работы, я должен был выбрать
материал. Мой выбор пал на масляную живопись, потому что именно цветом
можно передать все характерные особенности предмета и выразить идею.
Название моей темы - «Атрибуты горского быта». Я долго думал над
17
раскрытием содержание этой темы. Пыталась раскрыть в изображении все
возможные предметы быта. А, чтобы натюрморт стал более творческим было
введено, помимо естественного освещения и искусственное для передачи
состояния натюрморта. Практическая работа началась с разработки эскизов
натюрморта. Этот этап был достаточно длительным и требующим знаний по
композиции. Поэтому приходилось в эскизах разрабатывать собирательный
образ. В дальнейшем работа шла в основном над цветовыми решениями
композиции,
уточнением
отдельных
предметов
натюрморта.
После
завершения работы нам подготовительным материалом, определения
композиции, я приступил непосредственно к выполнению дипломной
работы.
18
II.III Написание натюрморта акварелью
1 этап-компоновка натюрморта (см. приложение 1-33).
Здесь первое необходимо было сделать, - это правильно выбрать точку
зрения на постановку. Важно было найти такое место, откуда натюрморт
смотрелся наиболее выразительно.
Далее
я
выбирал
формат
(в
данном
случае
горизонтальный),
соответствующий постановке и выбранной точке зрения.
Компоновку
натюрморта
я
начал
с
поисков
и
определения
его
композиционного центра, величина и расположение остальных предметов
натюрморта зависела именно от его месторасположения.
В итоге предметы натюрморта были скомпонованы в обобщенной форме, без
проработки деталей.
2 этап-рисунок под живопись.
Рисунок под живопись акварелью следует делать осторожно, чтобы не
нарушить фактуры фунта. Рисовать можно карандашом или кистью. Линии в
подготовительном рисунке должны быть как можно более точными. Цель
данного этапа состоит в том, чтобы рисунок под живопись был построен
конструктивно верным, с учетом перспективных сокращений, связанных с
месторасположением предметов натюрморта в пространстве и моей точки
зрения на них. На этом этапе необходимо учесть характерные признаки
изображаемых предметов.
3 этап-работа с цветом.
Первое на данном этапе-подмолёвок.
Подмалёвок-это тонкая прописка красками с расчётом на последующее
письмо; первая прокладка красочного слоя, в которой находят обобщенное
19
цветовое решение картины и дают моделировку форм предметов светотенью.
Начинают подмалёвок с теневых и темных мест натюрморта прозрачным
красочным слоем. Подмалёвывать необходимо не густо.
В подмалёвке я намечал цветовые и тональные отношения предметов
натюрморта (свет, полутень, тень, рефлекс) в соответствии с характером
освещения и формой предмета.
После того, как работа над подмалёвкой была завершена, я приступил к
дальнейшей лепке формы с цветом и уточнению цветовых и светотеневых
отношений, имевшихся в натуре. Изображая светотень, я пользовалась
известным техническим приемом-освещенные поверхности писала корпусно,
плотными мазками, но прозрачными, а тени-легкими прозрачными красками.
Работая над одним участком изображениям постоянно сравнила его с
соседними местами.
Необходимо было добиться, чтобы натюрморт смотрелся цельно, поэтому
заключительная стадия работы-обобщение, подчинение деталей целому. Все,
что в изображении «вырывается» наружу, пестрит и нарушает единство
целого, надо обобщить. Особенно важно погасить те детали, которые
бросаются в глаза при цельном взгляде на натуру.
20
Заключение
В связи с новой реконструкцией общества в системе народного образования
произошли большие изменения. Сейчас в стране много лицеев, гимназий,
частных школ с тем или иным уклоном (изобразительное искусство,
хореография, музыка) и это большая платформа для выявления и развития
способностей у детей еще в школьном возрасте. Ведь это тот возраст, в
котором дети, не уставая, могут рисовать по своему воображению. Самыми
первыми рисунками детей обычно бывают натюрморты.
Чистые детские сердца всегда тянутся к красивому, приятному, радостному,
яркому. А в чем, как ни в натюрмортах, все эти качества заключены и с кем,
как ни с детьми нам работать?
Живопись натюрморта предполагает изображение предметов, созданных
руками
человека
-
в
общем
всего
предметного
мира.
Натюрморт играет огромное значение в обучении детей изобразительному
искусству в школе - здесь он незаменимый объект для изображения, развития
глаза, руки, чувств.
21
Библиография
1. Беда Г.В. Цветовые отношения и колорит. - Краснодарское книжное
издательство, 1967.
2. Беда Г.В. Основы изобразительной грамоты: Рисунок, живопись,
композиция - 2-е изд., перераб. и доп. - М.: Просвещение, 1981.
3. Беда Г.В. Живопись - М.: Просвещение, 1986.
4. Безгодова Т.Г. Живопись: Учебное пособие - Карачаевск: КЧГПУД997.
5. Бергер Я. История техники масляной живописи - NJ., 1967.
6. Волков Н.Н. Композиция в живописи. - М., 1977.
7. Изобразительное искусство в школе. Под ред. Колокольникова В.В. - М.:
Искусство, 1979.
8. Неменский Б.М. Экспериментальная программа с краткими
методическими рекомендациями. Изобразительное искусство 1 – 7 кл. – М.:
Просвещение, 1988, 138с.
9. Косминская В.Б., Халезова Н.Б. Основы изобразительного искусства и
методика руководства изобразительной деятельностью детей. - М., 1987.
10. Краткий словарь терминов изобразительного искусства. - М., 1965.
11. Кирцер Ю.М. Рисунок и живопись: учебное пособие, 4-е издание,
стереотип. – М.: Высшая школа; Издательский центр «Академия», 2001, 272с.
12. Кузин В.С. Методика преподавания изобразительного искусства в 1 – 3
кл.: пособие для учителей, 2-е издание – М.: Просвещение, 1983, 191с.
13. Одноранов Н.В. Материалы в изобразительном искусстве. Пособие для
учителей. - М., 1989.
22
14. Петров-Водкин К.С. Мастера искусств об искусстве - М., 1970.
15. Пучков А.С., Трисялев А.В. Методика работы над натюрмортом. - М.,
1982.
16. Ростовцев
Н.Н.
История
методов обучения
рисованию.
-
М.:
Просвещение, 1982.
17. Ростовцев Н.Н. Методика преподавания изобразительного искусства в
школе - М.: Просвещение, 1980.
23
Приложение.
Приложение 1
Приложение 2
Приложение 3
24
Приложение 4
Приложение 5
Приложение 6
25
Приложение 7
Приложение 8
Приложение 9
26
Приложение 10
Приложение 11
Приложение 12
27
Приложение 13
Приложение 14
Приложение 15
28
Приложение 16
Приложение 17
Приложение 18
29
Приложение 19
Приложение 20
Приложение 21
30
Приложение 22
Приложение 23
31
Приложение 24
Приложение 25
Приложение 26
32
Приложение 27
Приложение 28
Приложение 29
33
Приложение 30
Приложение 31
34
Приложение 32
Приложение 33
35