Советская живопись и скульптура 30 -50 –ых гг.

Советская живопись и скульптура 30 -50 –ых гг.
В 30-ые годы дает о себе знать тяготение советского искусства к монументализму. В станковую
картину проникает героическая обобщенность. Таким путем шел крупный советский художник Борис
Иогансон (1893 – 1973)
В его творчестве заметны гражданственные черты русского искусства 19 века. Он по-своему
перерабатывает наследие Сурикова и репина, внося новое содержание. Таковы картины «Допрос
коммунистов» (1933 г.) и «На старом уральском заводе» (1937 г.) «Допрос коммунистов»
Мы видим обобщенные образы коммунистов и их противников. Конкретное действие в конкретной
обстановке – традиции Репина. Мы не знаем ни их имен, ни места события, но весь строй картины
утверждает победу революции. Обречены на смерть двое коммунистов, но в их манере держаться сила,
воля, мужество, стойкость. Недаром художник показывает их стоящими рядом друг с другом. Их враги
беспокойны, нервозны, психологически разобщены, они обречены перед лицом истории. Контрастное
сопоставление красного, синего, белого с первого взгляда рождают ощущение тревоги, драматического
напряжения. Противопоставлены и силуэты левой и правой групп. Слева – спокойный овал, справа –
угловатость, несобранность. В правой группе господствует черно-золотая гамма, в левой - цвета
меняются. Языком живописи Иогансон рассказал о славном пути, пройденном в тяжелейших условиях
революцией. Картина стала новым словом в советской живописи.
Но именно в 30-ые годы начинается в живописи эпоха культа личности Сталина. Именно художники
создали целый ряд слащавых, ложнопафосных произведений, главным героем которых стала
идеализированная фигура вождя. В творчестве Александра Герасимова сталинская тема затмила все
остальные. Такова его картина «Сталин и К. Е. Ворошилов в Кремле». Свой путь воспевания вождей
начал и художник Дмитрий Налбандян. Лживые по самой своей сути, подобные полотна должны были
воспеть неусыпную заботу Сталина и его окружения и советском народе. Такой путь развития для
советской живописи был губителен. Но среди таких явлений продолжало развиваться творчество
замечательных художников.
Портретная живопись
Среди наиболее значительных произведений этого жанра в 30–ые годы стало портретное творчество
М. В. Нестерова. Художник, сформировавшийся задолго до революции, автор религиозно-мистических
произведений, теперь создает целый ряд портретов деятелей советской интеллигенции, в которых
утверждает деятельное, активное отношение к жизни. Его персонажи – люди творческого труда в любой
профессии. «Портрет И. П. Павлова» (1935 г.)
Человек старческого возраста, положил перед собой руки с твердо сжатыми кулаками. Именно этот
жест, по словам самого художника, помог ему почувствовать научную убежденность академика
Павлова, его волю. Фигура изображена в профиль, отчетливо вырисовывающийся на фоне стены и окна.
Свет и воздух наполняют полотно, что тоже контрастирует с немолодым возрастом академика,
утверждая идею созидательной и плодотворной жизни. Тому же способствует и геометрически точный
пейзаж, раскрывающийся за окном дачи академика Павлова. Сложный цвет картины построен на
сочетании холодных и теплых тонов, характеризуя душевную ясность и цельность внутреннего мира
ученого. Хирург Юдин тоже изображен в профиль, сидящим за столом. Выразительность этого образа
строится на характерном «летящем» жесте руки, поднятой кверху. Вытянутые пальцы Юдина –
типичные пальцы хирурга, ловкие и сильные, готовые исполнить его волю. Скульптор Мухина
изображена в момент творчества, она лепит скульптуру, не обращая внимания на художника, целиком
подчиняясь порыву творчества. В портретах Нестеров выступает как продолжатель В. А. Серова, он
подчеркивает характеристики, акцентирует внимание на жестах, характерных позах своих героев.
Аркадий Александрович Пластов (1893 – 1983)
Художник был связан с русской деревней, которой он посвятил все свое жизнеутверждающее
творчество. Всю жизнь он прожил в деревне Прислонихе. Пластов не мыслит жанровую сцену вне
пейзажа, а пейзаж у него предстает всегда наполненным лирическим началом. Самые простые виды
нарисованы с огромной любовью. На картинах Пластова отсутствует конфликт, а изображенное
действие как бы растянуто. Предстает момент некой жизненной ситуации: крестьяне обедают в поле,
подпасок пасет стадо. Но в этих простых действиях столько поэзии, ощущения тайны жизни.
1
Тем сильнее во время войны прозвучало полотно Пластова «Фашист пролетел» (1942г). На картине
все та же прекрасная вечная природа, пасется стадо, в далеком небе еле виден силуэт самолета, а на
лугу лежит бессмысленно расстрелянный немецким летчиком подпасок. Страшно воет собака,
оставшаяся без хозяина. Это одно из самых потрясающих произведений о войне.
Юрий Пименов (1903 – 1977)
В 1937 г. бывший член ОСТа Пименов создал свое самое известное произведение «Новая Москва».
Городской пейзаж новой Москвы увиден как бы из мчащейся машины, за рулем которой сидит спиной к
зрителю молодая женщина. Перед ней сверкает красками площадь Свердлова, возводятся новые здания.
Быстрый бег автомобиля, строительство новых сооружений, светлые краски, обилие света и воздуха,
широта пространства, кадровость композиции – все говорит об оптимистическом мировосприятии
художника.
Г. Г. Нисский (1903 – 1987)
Последователь остовцев, Нисский воспринял от них лаконизм, остроту композиционных и ритмических
решений. В его пейзажах всегда видна преобразовательная деятельность человека. Таковы его картины
уже в 30-ые годы «Осень» 1932 и «На путях» 1933 г.
Его путь – это художественное освоение новой динамики, нового типа природы. Главные мотивы
картин Нисского – железнодорожные пути, линии автострады и высоковольтных передач, самолеты,
летящие над картообразными «планами» земли, жизнь морских портов. Яхты на водных просторах,
вновь сооруженные водохранилища. Основой композиции многих картин Нисского является быстрое,
активное движение, развивающееся в решительных монументальных ритмах. Художник часто
прибегает к острым ракурсам, причудливым разворотам пространства. Он сопоставляет большие
цветовые плоскости, как правило. По принципу контраста. Общая цветовая гамма Нисского сдержанна,
холодновата, в ней преобладают серо-стальные оттенки, среди которых вспыхивают резкие цветовые
акценты.
Искусство в годы Великой Отечественной войны
На второй день войны на московских улицах появился плакат «Беспощадно разгромим и уничтожим
врага». Создатели его – группа художников (Куприянов, Крылов, Соколов), сокращенно Кукрыниксы.
На плакате был изображен Гитлер, разрывающий своей головой Пакт о ненападении, и красноармеец,
встречающий его могучим ударом штыка. Плакат имел особое значение в годы войны. Простой, ясный
и точный язык плаката помогал донести необходимую мысль до зрителя. Возродились традиции «Окон
РОСТА», теперь называемых «Окна ТАСС». Плакат Тоидзе «Родина-мать зовет» (1941) творчески
переосмысливал знаменитый плакат Моора «Ты записался добровольцем?». Фигура женщины
непосредственно обращена к зрителю. В ее руках текст военной присяги, позади, как лучи солнца,
штыки. Язык плаката лаконичен, скупое сочетание красного, черного и белого делает плакат
необыкновенно выразительным. Интересен плакат Иванова «Пьем воду родного Днепра, будем пить
из Прута, Немана и Буга» (1943). Плакат проникнут чувством оптимизма, фигура молодого солдата,
пьющего воду из каски, четким силуэтом рисуется на фоне Днепра с наведенной на нем переправой и
высокого неба с дымами пожарищ. Корецкий в своем творчестве пользовался приемами фотомонтажа.
Его плакат «Воин Красной Армии, спаси!» (1942) можно считать одним из самых впечатляющих
произведений времен Великой Отечественной войны. На плакате изображена молодая женщина с
ребенком, на которых направлен окровавленный штык фашистской винтовки.
В это время к работе с текстами плакатов активно привлекались советские поэты: Демьян Бедный, А.
Жаров, С. Маршак, В. Лебедев-Кумач. Возрождались традиции, заложенные Маяковским. Точные,
острые, едкие и саркастичные подписи под плакатами «Окон ТАСС» мгновенно реагировали на
события на фронте и вселяли в воинов оптимизм и уверенность в победе над фашизмом. Кукрыниксы
активно использовали карикатуру в изображении Гитлера и его подручных.
Станковая графика
Станковая графика военных лет развивала принцип серийности. Большие серии стали возникать уже в
1941 году. Так появились серии художника Сойфертиса «Севастополь» и «Крым», выполненный в
технике черной акварели. Художник всю войну провел на фронте, где столкнулся с подлинным
героизмом. Сойфертис изображает только быт, но это военный быт, и он тесно связан с повседневной
борьбой народа за свою родину. В замечательном листе «Некогда» изображен бывалый матрос, который
2
торопится в бой, он начищает свои ботинки и пользуется услугами сразу двух мальчишекчистильщиков». Работы художника выполнены быстро, легко, непринужденно. Но в них чувствуется
верная и твердая рука мастера. В серии рисунков Дементия Шмаринова представала другая сторона
войны: страдания народа, народный гнев, героическая сила, предрекающая победу над захватчиками.
В осажденном Ленинграде художник Пахомов создает серию «Ленинград в дни блокады». Лучшие ее
листы посвящены страданиям жителей героического города: голоду, холоду, гибели женщин и
стариков. Такова работа «На Неву за водой», где маленькие девочки с лицами старух с огромным,
предельным напряжением сил добывают питьевую воду.
Живопись
С первых же дней войны художники включились в создание произведений непосредственно связанных
с темой войны.
Александр Дейнека. Одна из первых картин «Окраина Москвы. Ноябрь 1941 года» Художник
фиксирует непривычное впечатление от московской улицы, но за этим впечатлением встает общая
картина потрясенности советского народа внезапным переходом от мира к войне, и одновременно с
этим сурово ожесточившегося против захватчика. Перед нами вздыбленная земля, силуэты домов
врезаются в небо, цветовые контрасты пейзажа (огромное поле белого снега и черно-красные
изображения противотанковых балок и "«ежей"»), динамичное построение пространства – диагональное
пересечение направление улиц с «аллеей» противотанковых сооружений.
«Оборона Севастополя» 1942 г.
Эта картина отличается по своему языку от предыдущей. Перед нами событийная картина, эпопея,
сюжет которой представлен языком живописи. Так силуэты моряков, отстаивающих буквально
последние сантиметры севастопольского пирса, раскаленным цветом своих белых одежд почти
сливаются с белой землей Севастополя и составляют с ними одно целое. В то же время черно-зеленый
цвет мундиров захватчиков делает врага чуждым этой земле, символизируя их инородность.
Контрастное изображение моряков – крупные фигуры первого плана - и мелкие фигуры фашистов на
заднем плане – создают ощущение необоримости советских людей, выражает уверенность в их скорой
победе.
Тот же прием контраста светлого и темного использует Сергей Герасимов. «Мать партизана» 1943
год. Женщина вписана в силуэт равнобедренного треугольника, отчего монолитность самого
изображения переходит в нашем представлении в чувство духовной твердости героини.
П. Д. Корин (1892 – 1967)
Корин получил воспитание в среде живописцев Палеха и свой творческий путь начал с писания икон. В
1911 г. по совету Нестерова он поступил в Московское училище живописи, ваяния и зодчества.
Суровый и требовательный к себе, он принес и в живопись черты сурового стиля. В 1932 г. с портрета
Горького Корин начал галерею ученых, артистов, писателей своей эпохи. Черты портретной живописи
Корина – монументальность, четкое выявление силуэта, контрастный фон, широкая заливка цветом
больших площадей холста, острый экспрессивный рисунок. Для его портретов характерно обилие
темно-серых, темно-синих, доходящих порой до черного тонов. Он четко лепит формы своих
персонажей.
Во время Великой Отечественной войны Павел Дмитриевич Корин создал замечательное произведение
– центральную часть своего триптиха «Александр Невский». В суровом до аскетичности образе
полководца ярко выражено героическое начало, внутренняя напряженность и энергия. Это те качества
народа, которые присущи ему в наиболее суровые годы испытаний. Александр Невский изображен в
рост. Его красно-черный строгий, стремительный силуэт как бы вырастает на фоне белой громады
Софийского собора и простора российской природы. В образе полководца, двумя руками сжимающего
рукоять огромного меча, сосредоточено представление о нерушимой преграде, вставшей на пути перед
врагом, пришедшим на русскую землю.
Послевоенное искусство
В 1947 году появилась нашумевшая, вызвавшая споры картина художника Лактионова «Письмо с
форонта». Она изображает сцену чтения письма маленьким мальчиком в присутствии других
персонажей: раненого бойца, девушки, женщины, видимо, получившей письмо и ее дочери. Картина,
3
кажется, должна быть близка простому человеку, его переживаниям. Но эта близость кажущаяся. Вся
ситуации инсценирована: художник поставил фигуры в нужных позах и в нужном месте. Картина
насквозь литературна, чрезмерно мажорна, в ней отсутствует тот драматизм, который сопровождал
получение долгожданной весточки с фронта, а ведь появление почтальона в те годы чаще вызывало
страх, так как именно почтальоны приносили страшные извещения о гибели родных.
В юности под влияние Лактионова попал современный художник Шилов, в портретах которого
присутствует типично лактионовская гладкопись.
В эти же годы развернулось творчество художницы Яблонской. Ее картины приподнято-поэтичны,
прославляют мирный труд, они довольно пафосны («Хлеб» 1949 г.), Яблонская предпочитает
изображение утра, весны.
В картине «Ужин тракториста» (1951 г.) Пластов с огромной убедительностью передаст единство
человека и земли, особую поэтичность трудового ритма, духовную общность семьи простого
труженика, трудом которого богатее земля. По-особому светоносны краски в этой картине, интенсивна
живопись. В 1954 г. Пластов создал одно из самых выразительных полотен советской живописи –
картину «Весна». Обратившись к простому повседневному мотиву, художник воспел молодость,
красоту физического бытия человека, радость общения с природой. На полотне предстает предбанник
«черной» деревенской бани, в котором обнаженная девушка одевает девочку. В новом открытии темы
обнаженного тела, в сочетании золотистых, зеленых, красных алых и коричневых пятен звучит сама
современность.
Скульптура
В скульптуре тех лет наиболее интересны памятники великим деятелям русской культуры, истории.
Но не все из них можно назвать подлинными произведениями искусства.
В 1953 г. коллектив авторов (Орлов, Антропов, Штамм) возвели в центре Москвы, на площади
Моссовета памятник Юрию Долгорукому. На этом месте до революции стоял памятник герою
русско-турецкой войны генералу Скобелеву, снятый в первые годы после революции. Затем появилась
стелла «Освобожденный труд». Памятник Долгорукому традиционен.Князь восседает на коне и
указывает на землю, где будет «город заложен». Но явное желание авторов напомнить о «Медном
всаднике» идет в ущерб их работе. Памятник статичен, перегружен деталями. Облик самого князя
совершенно не выразителен, но памятник стал уже весьма заметной частью столицы.
В 1958 г. скульптор Кибальников поставил на площади Маяковского памятник выдающемуся поэту.
Маяковский стоит на невысоком постаменте, что еще более зрительно увеличивает его огромную
фигуру. Жесты поэта решительны, энергичны, мы видим «агитатора, горлана, главаря», таким
представлялся Маяковский в 40 –50-ые годы. Но напрочь исчезает лирическая нота творчества поэта,
горечь его последних произведений, Маяковский на памятнике обеднен.
К значительным достижениям эпохи можно отнести памятник А. С. Пушкину работы Михаила
Аникушина 1957г. Памятник поставлен на площади Искусств в Санкт – Петербурге (Ленинграде)
перед Русским музеем. Поэт предстает в свободной позе: он читает свои стихи, как бы обращаясь к
потомкам. Для своей работы Аникушин предпочел образ поэта романтического периода, его памятник,
интересно продолжает традиции знаменитого московского памятника Пушкину.
В 40-50 г. Вера Мухина поставила памятник П. И. Чайковскому перед зданием Консерватории.
Памятник традиционен, композитор изображен в кресле дирижирующим. Такая повествовательная
манера была характерна для русской скульптуры 19 века.
В те же годы был переставлен со своих мест памятник Пушкину, в результате чего фигура лишилась
уютного окружения в конце Тверского бульвара, и был утерян смысл ее движения. Памятник Гоголю
работы скульптора Андреева в конце Гоголевского бульвара был сочтен излишне мрачным и
гротесковым и перенесен во двор того дома, где писатель закончил свои дни. А на прежнее место был
поставлен невыразительный памятник Гоголю работы скульптора Томского.
В 1945 г. на родину вернулся старейший скульптор С. Т. Коненков. В 1954 г. он создал свой
замечательный скульптурный автопортрет. Мощь, артистизм, душевный размах, вдохновенность –
таковы черты этого образа. В 57 г. он был удостоен за эту работу Ленинской премии.
4