японское изо иc-во, историческая справка

Суми-э (Sumi-e) –
японская монохромная
живопись тушью, это направление возникло в
XIV веке и было заимствовано из Китая.
Слово суми-э представляет собой соединение двух японских слов, которые в переводе
означают «тушь» (суми) и «живопись» (э). То есть суми-э – это тип монохромной
живописи, похожей на акварель. Культивируемая в крупных дзэнских монастырях
Камакура и Киото, суми-э очень ценилась дзэнскими художниками и их покровителями.
Дзэнские монахи-художники рисовали портреты тиндзо, но к концу XIV века
монохромная пейзажная живопись стала основным и наиболее почитаемым в дзэнских
монастырях жанром изобразительного искусства. В наши дни на Западе принято называть
суми-э любое изображение, написанное тушью с использованием технических приемов
работы кистью, традиционно принятых в Азии. Подробнее здесь – Sumi-e
Суйбокуга (Suibokuga) – живопись тушью, китайский стиль, заимствованный японскими
художниками в XIV в. Это искусство импровизации, другое название – суми-э. Искусство
возникло в Китае около 6000 лет назад, каллиграфия дала развитие живописи. Живопись
тушью является художественной формой, которой свойственна высочайшая степень
свободы.
Специалисты уже давно обратили внимание на то, что искусство живописи в странах
Дальнего Востока генетически связано с искусством каллиграфии. В Японии, в частности,
существует понятие единства каллиграфических и живописных принципов. Соответственно в
японской живописи, как и в китайской, издавна большую роль играет линия и распространены
монохромные картины. Вместе с тем влияние искусства каллиграфии на живопись Японии не
следует преувеличивать. Характерно, например, что во времена японского средневековья
довольно долго основным течением в живописи было суйбокуга. Произведения в стиле
суйбокуга создавались тушью, при этом показывалась игра света и тени на предметах, но
отсутствовали контурные линии.Развитию японской живописи способствовали контакты с
континентом, откуда в начале VII века было позаимствовано искусство изготовления красок,
бумаги и туши.
Большое значение для судеб японской живописи, равно как и скульптуры, имело
распространение в стране буддизма, поскольку потребности буддийской культовой практики
создавали определенный спрос на произведения этих видов искусства. Так, с X века с целью
распространения среди верующих знаний о событиях буддийской священной истории в массовом
порядке создавались так называемые эмакиномо (длинные горизонтальные свитки), на
которых изображались сцены из буддийской священной истории или из связанных с нею притч.
Японская живопись в VII веке была весьма еще проста и безыскусна. Представления о ней дают
росписи на ковчеге Тамамуси из храма Хорюдзи, отображавшие те же сцены, которые
воспроизводились на эмакимоно. Росписи выполнены красной, зеленой и желтой краской на
черном фоне. Некоторые росписи на стенах храмов, относящиеся к VII веку, имеют много общего
с аналогичными росписями в Индии.
По мере дальнейшего распространения буддизма возник массовый спрос на культовые
изображения. В связи с этим профессия художника стала очень распространенной, причем уже в
VII веке среди мастеров, занятых созданием картин, развивалась даже специализация: одни
делали общий набросок рисунка, другие раскрашивали его, третьи обводили контуры. Рисунки на
полотнищах эмакимоно в VII-VIII веках имели весьма простой, близкий к символическому
характер, изображениям не хватало динамики. Однако с течением времени художественное
качество рисунков эмакимоно возросло, и лучшие из них весьма выразительны и совершенны.
С
VIII века в
Японии
начинается
развитие
жанровой и пейзажной живописи. До наших дней дошла ширма под условным названием
«Женщина с птичьими перьями«. На ширме изображена женщина, стоящая под деревом,
волосы и кимоно ее украшены перьями. Рисунок исполнен легкими, струящимися линиями.
Для буддийской живописи с IX века характерными являются изображения мандалы, что на
санскрите означает алтарь. При создании мандал использовались дорогостоящие материалы.
Например, «Такао мандала», хранящаяся в монастыре Дзингодзи, написана золотом и серебром
на плотном фиолетовом шелке.
Своеобразным стимулом для развития японской живописи в IX веке явилось учение одной
из махаянистских сект (мёо) о том, что для избавления мира от страданий и горестей необходимо
лишь… создать изображение бодисатвы определенного, но неизвестно какого вида.
Творческое воображение художников заработало вовсю. Примером такой картины является
изображение бодисатвы, сохраняющего государство, из храма Кон-гобудзи. На дошедшей до
нас части этой картины передано стремительное движение охваченной пламенем фигуры
божества.
Первоначально японские художники, отчасти в связи с характером тематики, над которой
они преимущественно работали (буддийская живопись), находились под сильным китайским
влиянием: писали в китайском стиле, или стиле кара-э. Но со временем в противовес картинам в
китайском стиле кара-э стали появляться светские по тематике картины в японском стиле, или
стиле ямато-э (живопись Ямато). В Х-XII веках стиль ямато-э стал господствующим в живописи,
хотя произведения сугубо религиозного характера все еще писались в китайском стиле. В этот
период получила распространение техника нанесения контуров рисунка мельчайшей золотой
фольгой.
В XI-XII веках появилось много выдающихся по технике исполнения произведений чисто светской
живописи, включая портретную. Многие художники-профессионалы создавали картины только на
светские темы, такие картины изображали и на складных ширмах и сёдзи.
Мы уже говорили о живописи на эмакимоно. Особенно большое распространение
эмакимоно получили с XII века, когда художники, создавая их, стали работать в японском
национальном стиле ямато-э. Религиозное содержание живописи на эмакимоно постепенно
уступает место светским мотивам. Объектами изображения тут могли уже стать события японской
истории, но трактуемые с точки зрения буддийской морали.
Одним из образцов исторической живописи эпохи Камакура является знаменитый свиток
XIII века «Хэйдзи-моногатари«, на котором запечатлено восстание, поднятое в 1159 г. главой
крупного самурайского клана Ёситомо Минамото. Как и миниатюры в древнерусских летописях,
свитки, подобные «Хэйдзи-моногатари«, являются не только выдающимися памятниками
искусства, но и историческими свидетельствами. Соединяя текст и изображение, они
воспроизводили по горячим следам бурные события княжеских усобиц второй половины XII века,
воспевали военные подвиги и высокие моральные качества вышедшего на арену истории нового
военно-дворянского сословия – самураев.
О художественных достоинствах исторических самурайских эмакимоно (свитков) указанного
времени можно судить по фрагменту из «Хэйдзи-моногатари» с изображением одного из
эпизодов войны – «Битвы у Рокухара«. При яростном динамизме сцены и яркости ее
художественного решения не устаешь удивляться степени проработанности отдельных деталей. А
ведь это лишь один из фрагментов свитка!..
Ярким свидетельством появления светских мотивов в живописи стало состоящее из четырех
свитков известное эмакимоно «Тёдзю гига» – сцены из жизни животных, в том числе животных,
подражающих
людям. Это эмакимоно написано
тушью. Выдающимся по экспрессивности и технике исполнения является
относящееся к XIII веку эмакимоно «Ямай-но соси«, изображающее людей,
пораженных различными болезнями. Рисунки на этих свитках проникнуты своеобразным юмором.
Известно историческое эмакимоно «Повесть о монгольском нашествии”. В период
Муромати (1392-1578) соотношение между буддийской живописью, живописью в японском стиле и
монохромной живописью решительно сдвигается в пользу последней. Но с течением времени в
ней появляются контурные линии. В буддийской живописи также появляются новые формы.
Например. выдающийся мастер монохромной живописи Као Нин-га писал сильными, грубыми
мазками. Стиль известного художника Минтё, писавшего свитки на буддийские темы,
представляет собой нечто среднее между традиционной буддийской живописью и монохромной
живописью.
Величайшим художником периода Муромати является Сэссю (1420-1506), который создал
свой собственный стиль. Ему принадлежит выдающееся произведение японской живописи
«Длинный пейзажный свиток», датированное 1486 г., имеющее в длину 17 м при ширине 4 м. На
свитке изображены четыре времени года. Сэссю был отличный портретист, о чем
свидетельствует написанный им портрет Масуда Канэтака.
В последние десятилетия периода Муромати происходит процесс интенсивной
профессионализации живописи. В начале XVI века возникает знаменитая школа Кано, основанная
Кано Масанобу (1434-1530), который заложил основы декоративного направления в живописи.
Одним из ранних произведений жанровой живописи школы Кано является роспись художником
Хидэёри ширмы на тему «Любование кленами в Такао».
С конца XVI века основными формами живописи становятся стенопись, картины на складных
ширмах. Произведения живописи украшают дворцы аристократов, дома горожан, монастыри и
храмы. Развивается стиль декоративных панно – да-ми-э. Такие панно писали сочными красками
на золотой фольге.
Признаком высокого уровня развития живописи является существование в конце XVI века
ряда живописных школ, в том числе Кано, Тоса, Ункоку. Сога, Хасэгава, Кайхо. Выдающиеся
картины, созданные в этот период, принадлежат не только известным живописцам, но и
оставшимся безвестными мастерам.
В течение XVII-XIX веков исчезает ряд некогда прославленных школ, но их место занимают
новые, такие, как школа гравюры на дереве укиё-э, школы Маруяма-Сидзе, Нанга, европейской
живописи, а также школа, ратовавшая за возрождение в живописи стиля ямато-э, т. е. старого
японского стиля. Центрами культуры и искусства позднего средневековья (оно затянулось в
Японии практически до XIX века) становятся наряду с древними городами Нара и Киото новая
столица Эдо (современный Токио), Осака, Нагасаки и др.
Расцвет специфической городской культуры и сопутствующих видов искусства определил
основное направление развития японского искусства в XVII-XIX веках. При этом подверглись
изменению как формы «бытования» искусства, так и его общественная функция. Например, в
архитектуре утратило свою ведущую роль культовое зодчество, зато была создана четкая
отработанная форма жилого дома, имеющая не только практический, но и несомненный
художественный смысл. Соответственно в живописи возросла роль декоративных интерьеров,
росписей. Высочайшего уровня достигла также гравюра на дереве, ставшая в XVIII-XIX веках
главных видом японского искусства.
Вообще искусство эпохи Эдо (1615-1868) характеризуется особым демократизмом
(потребителями его являются самые широкие круги горожан – третьего сословия) и сочетанием
художественного и функционального. Примером такого сочетания является живопись на ширмах.
Ширма – вещь, имеющая точное функциональное назначение в интерьере японского жилища,
предмет быта. Одновременно это – картина, произведение искусства, определяющее
эмоциональный тонус жилища, предмет эстетического созерцания. Именно на парных ширмах
написаны
«Красные
сливы» –
и белые цветы
самое
значительное и знаменитое из сохранившихся произведений великого художника Огата
Корина (1658-1716), шедевр, по праву причисляемый
к лучшим созданиям не только японской, но и
мировой живописи.
Интересна судьба упомянутой выше гравюры
на дереве – укиё-э. В свое время, в прошлом
столетии, Европа, а затем и Россия именно через
гравюру впервые
познакомились с феноменом японского искусства.
Между тем в самой Японии гравюру на дереве первоначально вообще не считали искусством,
таким, как живопись на ширмах или на свитках. Возникшая на стыке искусства и ремесла, японская
гравюра действительно имела все признаки массовой культуры – тираж, доступность, дешевизну.
Не случайно ее так и назвали – «укиё-э» (слово «укиё» означает в переводе темное, мирское,
обиходное»).
Мастера укиё-э добивались максимальной простоты и доходчивости как в выборе сюжетов, так и в
их воплощении. Сюжетами гравюр были в основном жанровые сценки из повседневной жизни
города и его обитателей: торговцев, артистов, гейш.
Укиё-э, как особая художественная школа, выдвинула целый ряд первоклассных мастеров.
Начальный этап в развитии сюжетной гравюры связан с именем Хисикава Моронобу (1618-1694).
Первым мастерам многоцветной гравюры был Судзуки Харунобу, творивший в середине XVIII
века. Главные мотивы его творчества – лирические сцены с преимущественным вниманием не к
действию, а к передаче чувств и настроений: нежности, грусти, любви.
Подобно древнему изысканному искусству эпохи Хэйан, мастера укиё-э возрождали в новой
городской среде своеобразный культ утонченной женской красоты, с той только разницей, что
вместо гордых хэйанских аристократок героинями гравюр стали изящные гейши из
увеселительных кварталов Эдо.
Художник Утамаро (1753-1806) представляет собой, может быть, уникальный в истории мировой
живописи пример мастера, безраздельно посвятившего свое творчество изображению женщин – в
разных жизненных обстоятельствах, в разнообразных позах и туалетах. Одна из лучших его работ
– «Гейша Осама» находится в Москве, в Музее изобразительных искусств им. А. С. Пушкина.
Необыкновенно тонко передано художником единство жеста и настроения, освещения и
выражения лица.
Высочайшего уровня жанр японской гравюры достиг в творчестве Кацусика Хокусая
(1760-1849). Ему свойственны неизвестные ранее в японском искусстве полнота охвата жизни,
интерес ко всем ее сторонам – от случайной уличной сцены до величественных явлений природы.
Творческая судьба Хокусая необычна. Плодовитейший мастер, – ему принадлежит свыше 30
тысяч гравюр и рисунков, более 500 иллюстрированных книг, – он обрел творческую
индивидуальность лишь в преклонном возрасте, накопив за долгую жизнь великое множество
знаний, навыков, умений, достигнув подлинной мудрости в видении мира и человека.
В возрасте 70 лет Хокусай создает свою самую знаменитую серию гравюр «36 видов Фудзи«, за
нею последовали серии «Мосты», «Большие цветы», «Путешествия по водопадам страны»,
альбом «100 видов Фудзи». Каждая гравюра – ценный памятник живописного искусства, а серии в
целом дают глубокую, своеобразную концепцию бытия, мироздания, места человека в нем,
традиционную в лучшем смысле слова, т. е. укорененную в тысячелетней истории японского
художественного мышления, и совершенно новаторскую, временами дерзкую, по средствам
исполнения.
«36 видов Фудзи«, представляющие священную гору японцев в разные времена года и суток, при
разном освещении, из различных мест страны – издалека, вблизи, с моря, сквозь заросли бамбука,
явились по существу первым в японском искусстве образом родины, одновременно конкретным и
обобщенно-символическим.
Творчество Хокусая достойно связывает многовековые художественные традиции Японии с
современными установками художественного творчества и его восприятия. Блистательно
возродив пейзажный жанр, давший в средние века такие шедевры, как «Зимний пейзаж» Сэссю
Хокусай вывел его из канона средневековья прямо в художественную практику XIX-XX веков,
оказав и оказывая влияние не только на французских импрессионистов и постимпрессионистов
(Ван-Гога, Гогена, Матисса), но и на русских художников «Мира искусства» и другие, уже
современные нам школы.
Искусство цветной гравюры укиё-э явилось в целом прекрасным итогом, и, может быть, даже
своеобразным завершением неповторимых путей японского изобразительного творчества.
Статья взята из http://visaginart.nm.ru/DR/japo.htm , изобразительный ряд из разных
источников, включая http://foto.rambler.ru/users/kissasoul/japan
Рубрика
Комментарии (2) на “Живопись