Мадонна Бенуа - Liceo Classico Psicopedagogico Cesare Valgimigli
advertisement
Шедевры Эрмитажа Итальянское искусство XIV—XVIII веков Весьма обширная коллекция картин итальянских художников в Эрмитаже, насчитывающая в своем составе многие уникальные произведения выдающихся мастеров, дает широкую картину сложного процесса становления и развития живописи в Италии на протяжении шести столетий. Небольшое собрание раннего итальянского искусства содержит, наряду с отдельными превосходными образцами итальянской иконописи XIII века, связанной с византийской традицией, несколько характерных работ флорентийской и сиенской школ XIV века. К сожалению, о творчестве крупнейшего мастера Флоренции Джотто, с деятельностью которого ассоциируется обновление живописи, послужившее основой для развития искусства Возрождения, приходится судить лишь по картинам его последователей. Гордостью Эрмитажа является великолепное произведение крупнейшего мастера сиенской школы, младшего современника Джотто, Симоне Мартини — «Мадонна» из сцены «Благовещения». Трудно не поддаться очарованию нежного женского образа или остаться равнодушным к тонкому изяществу линий этой небольшой картины. «Мадонна Бенуа» — ранняя работа Леонардо да Винчи. Вопрос об авторстве Леонардо — один из наиболее спорных в истории искусства. Число живописных произведений художника едва достигает полутора десятков. «Мадонна Бенуа», ставшая известной всего шестьдесят лет тому назад, признается специалистами собственноручной работой прославленного мастера. Из двух картин другого замечательного художника Высокого Возрождения — Рафаэля (Рафаэлло Санти) — наиболее привлекательна миниатюрная «Мадонна Конестабиле». Это подлинная жемчужина, хотя его мастерство еще далеко не полностью раскрывается в ранней, почти юношеской работе. Особенно богато представлена в собрании венецианская живопись, начиная со второй половины XV века и кончая последним расцветом ее в XVIII веке. Художников этой школы отличает полнота восприятия мира в единстве его многообразных проявлений. Их главным выразительным средством, в отличие от флорентийцев, становится не рисунок, а цвет. Среди других картин Тициана «Кающаяся Мария Магдалина», поражает силой эмоций и дивной красотой колорита. Искусство Возрождения в Венеции завершается деятельностью Веронезе иТинторетто. О первом из них, как об изумительном колористе, позволяет в полной мере судить «Оплакивание Христа», написанное художником в конце жизни. Почти исчерпывающее представление дает Эрмитаж о развитии сложного и противоречивого искусства Италии XVII века. Аннибале Карраччи — глава так называемого академического направления, провозгласившего незыблемость «вечных законов» красоты,— автор«Пейзажа со сценой отдыха Св. семейства на пути в Египет». К лучшим из ранних работ Караваджо, главы реалистического направления, противопоставившего отчужденному от жизни академизму неприкрашенное отображение действительности, принадлежит «Юноша с лютней». Искусство XVIII века показано в альбоме произведением гениального декоратора Тьеполо, автора грандиозных композиций, о светоносности серебристого колорита и блестящей выдумке которого свидетельствует небольшая аллегорическая картина «Меценат представляет императору Августу свободные искусства». «Натюрморт» Моранди — подтверждение того, что искусство Италии, не выходившее в XIX веке за пределы чисто местного значения, в XX столетии вступило в полосу нового подъема. Симоне Мартини «Мадонна» Фра Беато Анджелико да Фьезоле «Мадонна с Младенцем и ангелами (Мадонна Смирения)» Фра Беато Анджелико да Фьезоле «Мадонна с Младенцем, Святыми Домиником и Фомой Аквинским» Робер Кампен «Троица», «Мадонна с Младенцем» Филиппино Липпи «Поклонение Младенцу Христу» Леонардо да Винчи «Мадонна с цветком (Мадонна Бенуа)» Леонардо да Винчи «Мадонна с Младенцем (Мадонна Литта)» Паоло Веронезе «Оплакивание Христа» Рафаэль «Мадонна с Младенцем (Мадонна Конестабиле)» Паоло Веронезе «Поклонение волхвов» Рафаэль «Святое семейство (Мадонна с безбородым Иосифом)» Тиноретто «Рождение Иоанна Крестителя» Джорджоне «Юдифь» Тициан «Кающаяся Мария Магдалина» Тициан «Святой Себастьян» Аннибале Карраччи Джованни «Пейзаж со сценой Караваджо Баттиста Тьеполо отдыха Св. «Юноша с лютней» «Меценат семейства на пути представляет в Египет» императору Августу свободные искусства» Джованни Антонио Франческо Гварди Франческо Гварди Каналетто «Вид на остров Сан «Пейзаж» «Прием Джорджио Франческо Гварди французского Маджоре» посла графа Сержи «Вид площади с дворцом» в Венеции 13 октября 1726 г.» Джорджо Моранди «Натюрморт» СИМОНЕ МАРТИНИ Ок. 1284-1344 Мадонна Между 1339 и 1342 гг. Дерево, темпера. 30,5 X 21,5 см. Симоне Мартини — один из виднейших мастеров сиенской школы XIV века. Искусство Сиены находилось под воздействием северной готики. Нарядность, декоративность, утонченное изящество—черты, отличающие живопись Сиены,—характерны и для Симоне Мартини. Вместе с тем, на него оказало влияние творчество одного из первых мастеров итальянского Возрождения, флорентийского живописца Джотто. Глубоко одухотворенное искусство Симоне Мартини созвучно лирической поэзии Франческо Петрарки, с которым художника связывала большая дружба. Для Петрарки Мартини написал портрет Лауры, нежно любимой поэтом и воспетой им в стихах. Картина «Мадонна» относится к позднему периоду творчества Симоне Мартини, времени пребывания его на юге Франции, в Авиньоне, в 1339—1342 годах. Она представляет собой створку диптиха, в котором была изображена сцена благовещения. В картине пленяют красивое сочетание золотого фона с красным и синим тонами одежд, певучая плавность линий, изящное движение тонких рук Марии. В удлиненных пропорциях, изогнутом силуэте фигуры ощущается влияние готики. Долгое время считалось, что вторая створка с изображением архангела Гавриила, принесшего Марии весть о предстоящем рождении Христа,— утрачена. Ныне существует предположение, что этой створкой является хранящийся в Национальной галерее Вашингтона «Архангел», размеры которого и орнамент обрамления совпадают с эрмитажной картиной. «Мадонна» находилась в собрании графа Г. С. Строганова в Риме. В 1911 году согласно завещанию владельца была передана в Эрмитаж. ФРА БЕАТО АНДЖЕЛИКО ДА ФЬЕЗОЛЕ (Гвидо ди Пьетро) 1400—1455 «Мадонна с Младенцем, Святыми Домиником и Фомой Аквинским» 1420-40. Фреска. 196x184 см. Доминиканский монах Гвидо ди Пьетро, принявший после пострига имя Джованни, привлек внимание современников своим бесспорным выдающимся талантом, как и благочестивой жизнью. В 1984 г. он был официально причислен к лику блаженных. Его современники, потрясенные видом фресок, именовали скромного монаха из Фьезолы как Беато, что значит "блаженный". Также упоминая его имя присоединяли эпитет Анджелик, что значит "ангельский". Со времением это прозвание заменило имя Гвидо ди Пьетро, и во всем мире он прославился как Фра Беато Анджелико да Фьезоле. Произведениям фра Беато характерны созерцательность и мягкий лиризм. Он считается последним художником, в работах которого прослеживается отжившая средневековая наивность в период, когда натурализм и гуманизм Ренессанса покорял Европу. Хотя в целом его работы напоминают стиль Джотто, однако в них также прослеживаются новые веяния, отличающие произведения флорентийских мастеров, такие как объемность форм, передача перспективы, придание глубины изображению. Нежные образы, созданные Беато Анджелико, объединяют в себе реализм и романтизм, присущий Мадоннам Симоне Мартини, особенно в «Благовещении». Симрение, кротость, целомудрие, благочестие, глубокая вера, по свидетельству современников, были свойственны характеру Фра Джованни, и это, бесспорно, можно увидеть и во всех его работах. Роспись «Мадонна с Младенцем, Святыми Домиником и Фомой Аквинским» изначально украшала стену зала капитула монастыря во Фьезоле. Когда монастырь был упразднен, фреску вырезали вместе с частью цены. Позднее ее продали с аукциона. В коллекции Эрмитажа также хранится ранняя работа благочестивого художника «Мадонна Симрения». Предполагают, что она была написана 1420-е годы, однако некоторые исследователи выдвигают версию, что она была создана еще раньше. Этой алтарной панели прослеживается влияние творчества Дона Лоренцо Монако, монаха камальдульского ордена в монастыре дельи Анджели, который, возможно был одним из первых учителей фра Беато Анджелико. РОБЕР КАМПЕН (Флемальский мастер) Ок. 1380—1444 Троица. Мадонна с Младенцем (диптих) 1430-е гг. Дерево, масло. 34,5 X 24,5 см.(каждая створка) Небольшой дубовый складень, на левой створке которого изображена «Троица», на правой — «Мадонна с Младенцем», был выполнен в 30-е годы XV века, в период становления и расцвета нидерландской живописи. В настоящее время большинство исследователей отождествляет его автора с живописцем Робером Кампеном, работавшим в городе Турне. Первоначально создателя диптиха условно называли Мастером с мышеловкой, затем Мастером алтаря Мероде и, наконец, Мастером Флемальского алтаря или просто Флемальским мастером. Последнее название возникло из ошибочного предположения, что главная работа художника была написана для аббатства Флемаль. Эрмитажный диптих — памятник переходной эпохи, в котором новшества сочетаются с консервативными традициями прошлого. Изображение «Троицы», символичное и отвлеченное, основано на иконописной схеме, выработанной в предшествующую эпоху. Фигуры кажутся застылыми и угловатыми. Восседающий на троне бог отец отрешен от всего земного, преисполнен величия и торжественности. В «Мадонне с Младенцем» почти нет ничего традиционно иконописного. Мадонна — молодая нидерландская женщина, с простыми и даже грубоватыми чертами лица. Она пеленает Младенца и, чтобы не беспокоить его прикосновением холодной руки, греет ладонь у камина. Сцена проникнута поэзией тихой, будничной жизни, настроением спокойствия, домовитости и уюта. Картина дает представление о той обстановке, в которой жили нидерландские бюргеры XV века. Художник выписал мельчайшие детали и, любуясь каждой вещью, сумел передать их фактуру, объем, плотность, вес. Предметы предстают перед нами во всей осязательной конкретности: мы видим, как сверкает бронза умывальника, как туго накрахмалено белоснежное полотенце; чувствуем, как мягок мех, как выпуклы шляпки многочисленных гвоздей, скрепляющих ставни окна; мы ощущаем слабое поблескивание каменных плиток пола. Создавая диптих, Робер Кампен успешно использовал введенную в употребление Яном ван Эйком технику масляной живописи. «Троица» и «Мадонна с Младенцем» отличаются необычайной красотой колорита, основу которого составляют холодноватые, красный и синий цвета. Диптих поступил в музей в 1845 году из собрания Д. П. Татищева в Петербурге. ФИЛИППИНО ЛИППИ Ок. 1457-1504 Поклонение Младенцу Христу 1480-е гг. Медь, темпера, переведена с дерева. Круг, диам. 53 см. Эрмитажное тондо со сценой «Поклонение Младенцу Христу» — превосходное произведение Филиппино Липпи, характерный образец искусства медицейской школы. Группу переднего плана составляют фигуры Мадонны и ангелов. Вытянутые пропорции, изящные формы резко отличают их от полнокровных, «земных» образов в искусстве предшествующего времени. Впечатление нереальности события усиливает изображение двух парящих над землей ангелов, написанных легкими мазками белил и золота, отчего они кажутся бесплотными. Наряду с этим, в картине есть характерная для кватроченто конкретность обстановки и предметов: каменная балюстрада, украшенная вазонами, тщательно выписанные трава и цветы, мельчайшие детали одежды. С условностью композиции первого плана контрастирует пейзаж, переданный вполне реалистично. Одиноко стоящее темное дерево помогает объединить передний и задний планы, уводя взгляд зрителя вдаль и подчеркивая глубину пространства. Предметы постепенно утрачивают четкость контуров и определенность колорита, у самого горизонта они как бы подернуты легкой дымкой. Филиппино использовал здесь воздушную перспективу, которая впоследствии была освоена практически и обоснована теоретически Леонардо да Винчи. Известно, что картину купил в Ареццо князь В. Трубецкой и подарил ее сенатору Д. Мордвинову, который завещал тондо А. Муравьеву. У последнего «Поклонение Младенцу Христу» приобрел граф П. Строганов. Из его петербургского собрания по завещанию владельца картина поступила в Эрмитаж в 1911 году. ЛЕОНАРДО ДА ВИНЧИ 1452-1519 Мадонна с цветком (Мадонна Бенуа) 1478 г. Холст, масло, переведена с дерева. 49,5 X 31,5 см. Леонардо да Винчи — наиболее яркий выразитель стремлений и идеалов эпохи Возрождения. Многосторонне одаренный человек, он проявил свой талант не только в искусстве, но и во многих областях науки. Впитав лучшие достижения культуры раннего Возрождения, обобщив опыт художников XV века, Леонардо своим творчеством указал дальнейший путь развития искусства. От свойственного раннему Возрождению аналитического подхода в изучении природы он перешел к синтезированию накопленных человечеством знаний об окружающем мире. В искусстве Леонардо проявились черты, ставшие характерными для Высокого Возрождения: создание обобщенного образа человека, построение монолитной композиции, освобожденной от излишней детализации; гармоничная связь между отдельными элементами картины. Крупнейшим достижением художника явилось использование светотени для смягчения контуров, для обобщения форм и красок. Немало сделал он для развития портретной и пейзажной живописи. Немногие произведения Леонардо да Винчи дошли до нашего времени, в мире насчитывается меньше десятка его работ. Одни остались незаконченными, другие были дописаны его учениками. В Эрмитажном собрании хранится два его произведения: «Мадонна с цветком (Мадонна Бенуа)» и «Мадонна Литта». Небольшой холст «Мадонна с цветком», или, как часто ее называют, «Мадонна Бенуа» — одна из ранних работ Леонардо да Винчи. Он сделал ряд набросков, подготовительных рисунков к этой композиции. Сохранилась запись самого художника, из которой явствует, что картину он начал писать в октябре 1478 года в возрасте двадцати шести лет. Отказавшись от традиционного облика Мадонны, Леонардо изобразил ее совсем юной, с нежной улыбкой любующейся Младенцем. В картине, несомненно, чувствуются жизненные наблюдения художника. Строго продуманная композиция проста и предельно обобщена. Мать и ребенок объединены в неразрывную группу. В произведении использованы богатые возможности светотени для лепки форм, для придания им особой объемности и выразительности. Тонкость светотеневых переходов, производит характерный для работ Леонардо эффект, когда все изображение кажется окутанной воздушной дымкой. Высокие живописные достоинства «Мадонны Бенуа» позволяют судить о большом мастерстве, которым владел художник в молодые годы. Живопись Леонардо удивляет внешей легкостью, за которой скрыта продуманность до мельчайших деталей. Известно, что каждое свое произведение мастер творил долго, порой заставляя заказчиков ждать несколько лет заказанные ими картины. «Мадонна Бенуа» как работа Леонардо стала известна только в нашем столетии. В начале XIX века ее продал в Астрахани одному из русских коллекционеров бродячий итальянский музыкант. Затем она принадлежала семье Бенуа (имя которых сохранилось в названии картины). Впервые об этом произведении заговорили в 1908 году, когда оно было экспонировано на выставке, организованной журналом «Старые годы». Вскоре картину почти единодушно признали творением Леонардо да Винчи, а в 1914 году она заняла почетное место в коллекции Эрмитажа. РАФАЭЛЬ (Рафарлло Санти, или Санцио) 1483 — 1520 Мадонна с Младенцем (Мадонна Конестабиле) Холст, масло, переведена с дерева. 17,5 X 18 см. В искусстве Рафаэля Высокое Возрождение нашло наиболее яркое и законченное выражение. Он достиг совершенства в создании образа идеально прекрасного человека, ясной гармонии в композиции, виртуозности в рисунке. Его произведения строго продуманы, четко построены и вместе с тем естественны и просты. За свою короткую жизнь Рафаэль создал много станковых картин, всемирно прославленные фрески, превосходные портреты. Он был также архитектором и руководил археологическими раскопками. Сюжеты произведений Рафаэля разнообразны, но на протяжении всей жизни художника особенно привлекал образ женщины-матери, воплотившийся для него в Мадонне. «Мадонна Конестабиле» — одно из самых ранних его произведений, — открывает галерею этих образов. Картина во многом еще близка к искусству Перуджино и вдохновлена его рисунком (Берлинский гравюрный кабинет). Первоначально она была написана на дереве и составляла единое целое с рамой, выполненной, как предполагают, по рисунку Рафаэля. При переводе живописи с дерева на холст обнаружилось, что вначале Рафаэль изобразил в руке Мадонны гранатовое яблоко (как в рисунке Перуджино), которое позже заменил книгой. Несмотря на явную зависимость от искусства учителя, в картине проявилось своеобразие Рафаэля, присущий его творчеству лиризм. Примечательно, что эта небольшая работа была выполнена Рафаэлем в 17 лет. Уже в столь юном возрасте, будучи учеником в мастерской Перуджино, он проявил свою творческую индивидуальность и мастерство. В плавных линиях этого произведения, в цветовых оттенках, в позах и лицах Матери и Младенца выражена вся безменность нежности, любви, целомудрия и гармонии. Особенно поэтичен и пленителен пейзаж с цепью заснеженных гор, голубыми далями, тонкими хрупкими деревьями, свежей зеленью лугов, разливом реки, по которой скользит маленький челн. Это прекрасный образ пробуждающейся природы. Ощущение безмятежности и гармонии усиливается благодаря спокойному ритму мягких, плавных линий контуров фигур Марии и Христа. Обращает на себя внимание поза Младенца. Он так сознательно держится за книгу и смотрит на ее страницу столь осмысленным взглядом, что создается впечатление, будто он внимательно ее читает. «Мадонна Конестабиле» была создана для герцога Альфано ди Диаманте в Перудже, вероятно, в 1500—1502 годах. В XVIII веке она перешла по наследству к графам Конестабиле делла Стаффа. Из их собрания картина была приобретена в 1871 году для Зимнего дворца, откуда в 1881 году поступила в Эрмитаж. ТИЦИАН (Тициано Вечеллио) 1485/90-1576 Кающаяся Мария Магдалина Между 1566 и 1570 гг. Холст, масло. 118x97 см. Слева: Titianus p. «Кающаяся Мария Магдалина» потрясает силой и глубиной человеческого чувства, прекрасно понятого и переданного Тицианом. Художник воспроизвел не религиозный экстаз раскаявшейся и удалившейся от мира грешницы, а страдание женщины, земной и прекрасной, оставшейся наедине со своим горем. Картина написана широко и свободно, мастерски моделированы светом и цветом тело и лицо Марии, великолепно передана фактура предметов. Тяжелые, отливающие золотом волосы струятся по округлым плечам и упругой груди, губы распухли, глаза воспалены от обильных слез, мягкие драпировки одежды окутывают тело; холодом веет от гладкого серовато-зеленоватого черепа, сдержанные блики играют на стеклянном сосуде. Картина была создана Тицианом в позднюю пору творчества, в 1560-х годах. Повидимому, она произвела большое впечатление на современников, и многие хотели иметь экземпляр этой композиции: до нашего времени дошло несколько вариантов и копий с нее. Тема Марии Магдалины интересовала Тициана и в более раннюю пору. В 1530 или 1531 году по заказу мантуанского герцога художник написал картину, ныне находящуюся в галерее Питти во Флоренции. Через три десятилетия Тициан вернулся не только к этой теме, но и к композиции, создав более глубокое и совершенное произведение, которое повторил в нескольких экземплярах. Джордже Вазари в жизнеописаниях итальянских художников сообщает, что Тициан написал «Марию Магдалину» для испанского короля Филиппа II, но Сильвио Бадоэр упросил художника продать картину ему. Для Филиппа II Тициан сделал другой экземпляр, который упомянут в инвентаре дворца Эскориал в 1666 году, но к концу века заменен копией работы Луки Джордано. Более о нем ничего не известно. Картина, принадлежавшая Бадоэру, по словам биографа венецианских художников Ридольфи, была после смерти владельца отправлена во Фландрию. Некоторые предполагают, что это именно то полотно, которое было у Рубенса. Местонахождение его в настоящее время неизвестно. В 1668 году Ридольфи писал, что после смерти Тициана в его мастерской оставался ряд картин, среди которых он назвал «Марию Магдалину», купленную семейством Барбариго в 1581 году. Она пробыла в этом собрании до приобретения ее Эрмитажем в 1850 году. Из существующих ныне вариантов эрмитажная картина, несомненно, лучшая. Другие экземпляры «Кающейся Марии Магдалины», находящиеся в музее Каподимонте (Неаполь), в собраниях Кольнаги (Лондон), Кандиани (Бусто Арсицио), значительно уступают ей. ДОМЕНИКО ЭЛЬ ГРЕКО (Доменико Теотокопули) 1541-1614 Апостолы Петр и Павел 1587—1592 гг. Холст, масло. 121x105 см. Справа, внизу: e'poiei Творчество Эль Греко трудно вместить в рамки одной национальной школы. Его произведения — итог развития всего европейского искусства XVI века. Грек по происхождению, уроженец острова Крит, художник большую часть жизни провел в Толедо. Но прежде чем приехать на Пиренейский полуостров, он много лет работал в Италии. Мировоззрение Эль Греко сформировалось в стране самой развитой гуманистической культуры. Естественно, что его отношение к искусству было независимее, чем у современных ему испанских живописцев. Произведения Эль Греко, написанные на религиозные сюжеты, проникнуты философскими размышлениями о судьбах людей. В созданных образах он синтезировал свои представления о человеческих характерах. Эль Греко — автор новых, неизвестных до него в Испании, церковных циклов «апостоладос» (двенадцать апостолов во главе с Христом). К ним тесно примыкает эрмитажная картина «Апостолы Петр и Павел». Сопоставление в одном произведении Петра и Павла представляло особый интерес для художника. Согласно священному писанию, Павел до принятия христианства яростно преследовал приверженцев этой веры, но, приобщившись к ней, стал фанатичным ее поборником. Напротив, апостол Петр, один из самых близких учеников Христа, не отличался последовательностью и силой духа. Он порой колебался, изменял христианству, но, раскаявшись, снова возвращался к нему. В картине Эль Греко центральное место отводится Павлу. Он изображен в момент проповеди, опирающимся рукой на книгу (обязательный атрибут этого святого). Его фигура выделена не только фронтальным расположением, но и колористически. Темно-красный плащ святого с тяжелыми, широко уложенными складками — основной красочный акцент. Великолепно написана голова апостола: абрис очерчен сильно и энергично, четко проработаны объемы черепа, скул, носа. Темные горящие глаза делают лицо особенно выразительным. Павел трактован человеком сильным и убежденным. Рядом с ним Петр выглядит слабым, беспомощным. Его старческая седая голова склонилась, в выражении лица читается мольба о прощении. Апостолы Эль Греко далеки от канонических образов святых, принятых официальной церковью. Они написаны в широкой, свободной, темпераментной манере, необычной для Испании XVI века и потому казавшейся особенно дерзкой. Когда смотришь на это произведение, становится понятным, почему испанский король отверг талантливого мастера: изображенные им святые не вызывают желания молиться. Произведения Эль Греко, забытые сразу после его смерти, на протяжении трех столетий не привлекали к себе внимания. Интерес к ним возродился в начале нашего века. Именно тогда, в 1911 году, картина «Апостолы Петр и Павел» была подарена Эрмитажу П. П. Дурново. ПАОЛО ВЕРОНЕЗЕ (Паоло Калнари) 1528-1588 Оплакивание Христа++ Между 1576 и 1582 гг. Холст, масло. 147 х 111,5 см. Венецианский художник Паоло Веронезе был одним из тех живописцев, чье творчество завершало развитие искусства Возрождения. Прекрасный мастер композиции, превосходный колорист, автор многих монументальных произведений, Веронезе оказал огромное влияние как на своих современников, так и на многих художников последующих столетий. В молодости его увлекали праздничные жизнерадостные сюжеты, пышные красочные композиции. На склоне лет, все чаще обращаясь к драматическим темам, Веронезе создал ряд произведений, посвященных страстям Христовым. Среди них — несколько картин, изображающих оплакивание Христа. Эрмитажное «Оплакивание» признано одним из лучших полотен художника. Он сделал композицию лаконичной и простой, что усилило выразительность составляющих ее трех фигур: мертвого Христа, склоненной над ним богоматери и ангела. Неяркие приглушенные краски сочетаются в красивую гамму зеленоватых, лиловатовишневых, серо-белых тонов, мягко переливающихся в светах и как бы угасающих в тенях. Веронезе написал «Оплакивание» для церкви Сан Джованни э Паоло в Венеции между 1576 и 1582 годами. В первой половине XVII века его купил английский король Карл I. Впоследствии картину в церкви заменили копией работы Алессандро Варотари (Падованино). После распродажи коллекции Карла I «Оплакивание Христа» прошло через собрания герцога Лонгевильского, государственного советника Ленена, графа д'Арманьяка, Кроза. У последнего картина была приобретена Эрмитажем в 1772 году. КАРАВАДЖО (Микеланджело Меризи) 1573-1610 Юноша с лютней Ок. 1595 г. Холст, масло, 94 x 119 см. Творчество Караваджо сыграло огромную роль в развитии итальянского искусства и оказало влияние на многих живописцев различных стран Европы. Он явился родоначальником реалистического направления в живописи XVII века, получившего название караваджизм. Изображения на религиозные темы были широко распространены в искусстве того времени. В своих картинах на темы из Библии или Евангелия Караваджо изображал под видом святых самых обыкновенных людей, часто грубых и некрасивых, но зато действительно взятых из жизни. В средние века картины предназначались для украшения монастырей и церквей. Позднее, когда их стали писать и для дворцов вельмож и домов зажиточных горожан, сюжеты по традиции избирались из «священной истории». Но, под предлогом изображения религиозных тем, художники все более откровенно писали живых людей и современную им жизнь. Караваджо был одним из первых художников, которые стали изображать сценки из повседневной жизни, не маскируя их религиозной темой: игра в карты, ссора, девушка, играющая на мандолине, и т. д. В юности художник часто изображал музыкантов, игроков в карты, гадалок. В Италии жанровая живопись как самостоятельный вид искусства только начинала складываться, и значение Караваджо в ее дальнейшем развитии очень велико. «Юноша с лютней» был написан около 1S95 года для кардинала Франческо дель Монте, покровительствовавшего художнику. Караваджо изобразил молодого человека, поглощенного музыкой: взгляд его полон вдохновения, пальцы перебирают струны. Помещенные в картине предметы свидетельствуют о большой любви живописца к окружающему миру, о его стремлении к правдивому воспроизведению натуры, передаче материального качества каждой вещи. На нотной тетради, лежащей перед лютнистом, начертаны начальные ноты популярного в XVI веке мадригала «Вы знаете, что я Вас люблю». Картина «Юноша с лютней» — одна из первых работ Караваджо, в которых использован прием светотеневого контраста, ставший в дальнейшем основным выразительным средством художника и заимствованный многими его последователями. Свет и тень не только лепят формы, делая их рельефными, выявляя объем тела и различных предметов, но и концентрируют внимание на главном. Внимательно изучая натуру, Караваджо постиг эффект взаимовлияния освещенных предметов. Так, в эрмитажной картине он передал рефлекс, падающий на щеку юноши от его ярко озаренного плеча; сделал легкой и прозрачной тень на тыльной стороне лютни, так как на нее падает отблеск белых страниц нотной тетради. Интересно отметить, что надпись на второй тетради нот, которую ранее читали как «Bassus» («бас»), ныне расшифровывают как «Gallus». Галлус—имя миланского музыканта, друга Караваджо. Некоторые утверждают, что «Юноша с лютней» — портретное изображение Галлуса. Однако тип юноши в эрмитажной картине близок тому, который встречается во многих ранних произведениях художника: вьющиеся волосы, мягкий овал лица, блестящие темные глаза, резко очерченные брови. Скорее всего в картинах изображена не какая-то конкретная личность, а дан обобщенный образ. В раннюю пору творчества Караваджо часто придавал молодым людям несколько женственные черты, что, впрочем, было характерно для всего итальянского искусства конца XVI века. Музыканта в эрмитажной картине принимали за музицирующую девушку и композицию называли «Лютнистка». Известно, что из собрания кардинала дель Монте картина перешла к маркизу Джустиниани, из коллекции которого в 1808 году была куплена для Эрмитажа. АННИБАЛЕ КАРРАЧЧИ 1560-1609 Пейзаж со сценой отдыха св. семейства на пути в Египет Ок. 1600 г. Холст, масло. Круг, диам. 82,5 см. Аннибале был одним из трех братьев Карраччи — основателей Болонской академии и создателей академического направления в итальянском искусстве конца XVI — начала XVII века. Академисты выступили против холодного и сложного для восприятия позднего маньеризма, противопоставив ему простоту композиции, ясность форм, строгость пропорций. Они обратились к изучению наследия великих мастеров Возрождения, творчески осваивая их достижения в области композиции, рисунка, колорита. Болонская академия давала высокие профессиональные навыки. Созданная ею художественная система впоследствии легла в основу художественного образования всех европейских академий. Главные принципы системы, основанные на идеалистическом понимании прекрасного, были сформулированы теоретиками академизма, которые противопоставили реалистическому академическое искусство как единственно истинное и высокое. Аннибале Карраччи, его ученики и последователи много сделали для развития монументальной и пейзажной живописи. Картина Эрмитажа — один из лучших образцов созданного Аннибале Карраччи классического, или героического, пейзажа, получившего дальнейшее развитие в творчестве художников-академистов. Классический пейзаж — это образ вечной и неизменной природы, в которой царят покой и гармония. Подобно другим академическим композициям, «Пейзаж со сценой отдыха св. семейства на пути в Египет» построен по определенной схеме: деревья и холмы образуют как бы раздвинутые в стороны кулисы, открывающие необъятные, подернутые голубой дымкой дали; массы уравновешены, все подчинено строгому ритму. Как непременный компонент классического пейзажа Карраччи вводит в картину сцену из христианской мифологии, но фигуры являются только стаффажем, главное же место в произведении занимает изображение природы. «Пейзаж со сценой отдыха св. семейства на пути в Египет» написан Карраччи около 1600 года, когда художник работал в Риме и находился в зените своей славы. Картина поступила в Эрмитаж в 1772 году из собрания Кроза в Париже. тердаме. ДЖОВАННИ БАТТИСТА ТЬЕПОЛО 1696-1770 Меценат представляет императору Августу свободные искусства 1743 г. Холст, масло. 69,5x89 см. Произведения Джованни Баттиста Тьеполо, непревзойденного мастера монументальной живописи, украшают многие здания Венеции и городов Северной Италии, где он работал в молодые годы; дворец в Вюрцбурге, который расписан им в 1750—1753 годах по заказу графа Карла Филиппа фон Грейфенклау; и, наконец, королевские резиденции Мадрида, куда художник отправился ненадолго, но остался до конца жизни. В искусстве Тьеполо композиционное и колористическое совершенство сочетаются с безграничной творческой фантазией, виртуозное владение рисунком и тщательное изучение модели — с вдохновенным даром импровизации. Монументальные и станковые произведения Тьеполо прославляют древних полководцев и современных европейских властителей или воспроизводят эпизоды священного писания и античной мифологии. Полотна Тьеполо напоены воздухом и светом, именно благодаря этому колорит в них приобретает особую свежесть и звучность. Широкая манера письма, обобщенные формы, отсутствие мелких деталей придают композициям художника монументальность, независимо от размеров произведения. Всеми этими качествами обладает широко известная картина небольшого формата — лучшая из хранящихся в Эрмитаже работ Тьеполо — «Меценат представляет императору Августу свободные искусства». На полотне изображен император Август, левее — Меценат, перед ними — Поэзия в образе Гомера и три женщины, олицетворяющие Живопись, Ваяние и Зодчество. Это произведение было заказано художнику в 1743 году покровительствовавшим Тьеполо графом Альгаротти, писателем и ученым, большим знатоком и любителем искусства. Альгаротти предназначал картину в подарок графу Брюлю, министру саксонского двора, который был советником по вопросам искусства курфюрста саксонского и короля польского Августа III. В глубине композиции Тьеполо изобразил дворец Брюля. Не вызывает сомнения, что произведение носит аллегорический характер и представляет в образах императора Августа и Мецената—Августа III и графа Брюля. В Эрмитаж картина попала в 1769 году из собрания Брюля. В следующем столетии она находилась в Гатчине, откуда в 1882 году вновь вернулась в Эрмитаж.