Камерная музыка

МОУ СОШ № 24
Проект
Тема: Камерная музыка
Ученицы 8 «Б» класса
Козловой Анастасии
Учитель:
Краснова Е. А.
Краснодар 2014
Основные вопросы проекта:
1)
2)
3)
4)
Что такое «камерная музыка»?
Как появился это стиль музыки?
Что такое «камерный ансамбль»?
Есть ли будущее у камерной музыки?
В этом проекте речь пойдёт о том, как появилась камерная музыка
(подробная история развития этого стиля), что она собой
представляет. Каковы её основные стили жанры. Будет затронута
тема композиторов и исполнителей камерной музыки.
Оглавление:
1) Ведение: а) что такое музыка? б) история музыки. в) влияние музыки на
живые существа
2) Глава 1: а) что такое камерная музыка? б) что такое камерная
ансамбль? в) понятие камерного оркестра. г) инструментальные составы
камерных ансамблей.
3) Глава 2: История камерной музыки.
4) Глава 3: Композиторы и исполнители камерной музыки
5) Глава 4: Актуальность камерной музыки в наше время.
Введение
Прежде чем понять, что такое камерная музыка, нужно хорошенько разобраться, что такое музыка вообще.
Музыка (греч. μουσική, прилагательное от греч. μούσα — муза) — искусство, средством воплощения
художественных образов для которого являются звук и тишина, особым образом организованные во времени.
История музыки
Предполагается, что появление современного человека произошло около 160 000 лет тому назад в Африке.
Около 50 000 лет тому назад люди заселили все пригодные для жизни континенты. Поскольку все люди мира,
включая наиболее изолированные племенные группы, обладают некоторыми формами музыки, историки
пришли к выводу, что музыка должна была присутствовать у первых людей в Африке, до их расселения по
планете. Предполагается, что после возникновения в Африке музыка существует, по крайней мере, 50 000 лет и
постепенно превратилась в неотъемлемую часть человеческой жизни по всей планете.
Доисторической, или примитивной, принято обозначать устную музыкальную традицию. Примерами может
служить американская и австралийская музыка аборигенов. Доисторическая эра в музыке заканчивается с
переходом к записи музыкальных произведений. Возраст наиболее древней известной песни, записанной на
клинописной табличке и обнаруженной на раскопках Ниппура, оценивается примерно в 4 тыс. лет.
Влияние музыки на живые существа
У человека прослушивание музыки может сопровождаться чувством эйфории, вызванным высвобождением
дофамина в области полосатого тела головного мозга.
Установлено, что у людей, кроликов, кошек, морских свинок и собак под воздействием музыки может
изменяться кровяное давление, увеличиваться частота сердечных сокращений, а также уменьшаться ритм и
глубина дыхательных движений вплоть до полной остановки дыхания. У собак из группы пород пинчер эти
изменения сильнее, чем у других собак (давление изменяется на 70 мм ртутного столба).
Проведённый в Японии эксперимент показал, что у кормящих матерей, слушающих классическую музыку,
количество молока увеличивается на 20-100 %, а у слушающих джаз и поп-музыку сокращается на 50-20 %.
Классическая музыка снижает агрессивность у выведенного в Бразилии нового вида пчёл, однако
наслаждающиеся музыкой пчёлы перестают трудиться.
Даже среди животных одного вида есть различия: определённая часть равнодушна к музыке, часть —
весьма чувствительна и восприимчива, а некоторые оказываются способными к активному музыкальному
творчеству.
Музыку иногда даже называют языком звуков. Музыка рождает в нашей душе радость, печаль, любовь или
даже ненависть - все те оттенки чувств, которые не всегда могут быть переданы словами.
Глава 1
В старину, когда не было концертных залов и филармоний, небольшие
музыкальные произведения
исполнялись в домах любителей и ценителей музыки.
Играли на скрипках, виолончелях, флейтах и
клавесинах. Это были узкие домашние концерты, на которые приглашались лишь близкие знакомые. На таких
вот домашних концертах и зародилась камерная музыка.
Ка́мерная музыка (от итал. camera — комната, палата) — музыка, исполняемая небольшим коллективом
музыкантов и/или вокалистов. При исполнении камерного сочинения каждую партию исполняет только один
инструмент (голос), в отличие от оркестровой музыки, где существуют группы инструментов, играющих в
унисон.
В XVI—XVIII веках термин «камерная музыка» (итал. musica da camera) применялся по отношению к любой
светской музыке и противопоставлялся музыке церковной (итал. musica da chiesa). В дальнейшем, с
зарождением и развитием симфонической музыки, камерной музыкой стали называть произведения,
рассчитанные на небольшое количество исполнителей и ограниченный круг слушателей. В XIX—XX веках
значение камерной музыки как «музыки для избранных» постепенно отпало, и термин сохранил смысл как
определение произведений, предназначенных для исполнения небольшими коллективами музыкантов и
слушателей.
Коллектив, исполняющий камерную музыку, называется камерным ансамблем. Как правило, в камерный
ансамбль входят от двух до десяти музыкантов, реже — больше. Исторически сложились канонические
инструментальные составы некоторых камерных ансамблей, например, фортепианное трио, струнный квартет
и др.
Существует также понятие камерного оркестра — как правило, это сокращённый (не более 15-20 человек)
состав струнного оркестра, иногда с добавлением нескольких духовых инструментов. Термин «камерный
оркестр» прилагается к оркестру, насчитывающему не более 25 исполнителей (т.е. типичному оркестру эпохи
Гайдна и Моцарта); однако следует различать «малый оркестр», который есть не что иное, как несколько
уменьшенный «большой оркестр», и «камерный оркестр», который предполагает лишь по одному
исполнителю на партию (возможно, по два исполнителя на первых и вторых скрипках и альтах) и достаточную
самостоятельность каждой партии.
Некоторые исторически сложившиеся инструментальные составы камерных ансамблей:
Солирующий инструмент (струнный или духовой) и фортепиано;
Фортепианный дуэт (два фортепиано или фортепиано в четыре руки);
Струнное трио (скрипка, альт и виолончель);
Фортепианное трио (скрипка, виолончель и фортепиано);
Струнный квартет (две скрипки, альт и виолончель);
Фортепианный квартет (скрипка, альт, виолончель и фортепиано);
Струнный квинтет (струнный квартет + альт или виолончель);
Фортепианный квинтет (фортепиано + струнный квартет)
Рассмотрим конкретней некоторые составы камерных ансамблей:
1- Фортепианное трио
Фортепианное трио — камерный ансамбль в составе фортепиано и, как правило, скрипки и виолончели, а
также произведение для такого состава инструментов. Фортепианное трио как музыкальный жанр происходит
от старинного жанра трио-сонаты. Классический тип фортепианного трио сложился в сер.18 века в творчестве
композиторов мангеймской школы. Наряду с симфонией, сонатой и квартетом представляет собой
произведение в форме сонатно-симфонического цикла, имея трёх- или четырёх частную структуру. Первая часть
обычно написана в сонатной форме.
Авторы самых значительных произведений в жанре фортепианного трио в XIX-XX веках:
Л. Бетховен, Ф. Шуберт, Р. Шуман, И. Брамс, П. Чайковский, С. Танеев, С. Рахманинов, Шостакович.
Развитию жанра на современном этапе способствует конкурс им. Ф.Шуберта в г.Грац (Австрия). Среди
современных авторов произведений для фортепианного трио: Simone Movio, Hooshyar Khayam, Богдан
Демьяненко.
2- Струнный квартет
Струнный квартет — жанр академической музыки, произведение для четырёх смычковых инструментов (как
правило — двух скрипок, альта и виолончели), а также музыкальный коллектив соответствующего состава,
исполняющий такие произведения. Струнный квартет — наиболее распространённая разновидность квартета,
хотя пользуются популярностью и некоторые другие составы (фортепианный квартет, квартет деревянных
духовых).
Форма струнного квартета кристаллизовалась в творчестве Йозефа Гайдна на основе популярных во второй
половине XVIII века жанров камерной музыки (дивертисмент, кассация, серенада), генетически восходивших к
танцевальной сюите. Гайдн кодифицировал квартет как четырёх частную пьесу (до этого камерные ансамбли
могли состоять из произвольного количества частей) и установил композиционную последовательность,
аналогичную структуре симфонии: быстрая часть — медленная часть — менуэт — быстрый финал.
Эпоха венской классики стала для квартета эпохой расцвета, и вслед за Гайдном огромный вклад в развитие
жанра внесли Моцарт и Бетховен. Вторая половина XIX века ознаменовалась некоторым спадом интереса
композиторов к квартетной форме (за некоторыми значимыми исключениями — в лице, прежде всего,
Иоганнеса Брамса и Антонина Дворжака), однако на рубеже XX века этот интерес возродился — в частности, в
творчестве авторов Второй венской школы. В русской музыке основы квартетной традиции были заложены А.
П. Бородиным и П. И. Чайковским, продолжены С. И. Танеевым, и в XX веке получили выдающееся развитие в
квартетах Д. Д. Шостаковича.
Струнные квартеты композиторов второй половины ХХ века в подавляющем большинстве отходят от
классической четырёх частной структуры, которая сохраняется ещё в квартетах Арнольда Шенберга. Теперь
квартет может иметь любое количество частей, причём среди них может не быть ни одной сонатной. Очень
распространяются одночастные формы, или многочастные с плавным переходом частей друг в друга (attacca).
Ещё более радикально обновляется материал, в том числе благодаря штрихам. Уже в квартетных пьесах
Веберна совершенно свободно и разнообразно используются такие приёмы звук извлечения, как флажолеты,
col legno, sul ponticello; необычные для более ранней музыки быстрые пассажи, исполняемые пиццикато. В
предельно сжатых веберновских пьесах такие штрихи могут чередоваться чуть ли не каждый такт, если не
внутри одного такта (то же самое касается «Трёх пьес для струнного квартета» Игоря Стравинского, но там нет
быстрой штриховой смены, так как особые виды звук извлечения используется для создания одного образа в
течение всей пьесы; другой ранний пример — этапная «Лирическая сюита» Альбана Берга, особенно третья
часть с её нервозными и стремительными, коль ленью). К началу 1970-х годов (а для некоторых композиторов и
ещё раньше: струнные квартеты Пендерецкого, например) эта тенденция развивается до того, что целые
сочинения могут состоять почти только из нетрадиционных приёмов звук извлечения, которых стало гораздо
больше (классический пример — Gran Torso Хельмута Лахенмана). Но даже наиболее радикальные сочинения в
плане материала часто зиждились на совершенно академической, иногда даже школьной логике работы.
В противоположность этому имеется и ряд радикальных решений в области формообразования квартета при
сохранении традиционного звук высотного материала. Так, второй квартет Мортона Фелдмана может длиться
более пяти часов. Израильский композитор Борис Йоффе, родившийся в Ленинграде и ныне проживающий в
Германии, каждый день уже в течение многих лет пишет по одной пьесе для квартета, и каждая пьеса имеет
свою логику развёртывания, диктуемую изначальной мыслью. Все эти тысячи коротеньких пьес становятся часть
огромной «Книги квартетов» (нем. Quartettbuch). С другой стороны, учитель последнего, знаменитый немецкий
композитор Вольфганг Рим, автор двенадцати струнных квартетов, мыслит в более ортодоксальных традициях
этого жанра (материал у него бывает различным — от вполне традиционно-звуковысотного до авангардноштрихового).
Следует упомянуть такие выдающиеся квартетные сочинения Витольда Лютославского и Луиджи Ноно (у обоих
композиторов лишь по одному, но важнейшему для новейшей музыки опусу в данном жанре), пять струнных
квартетов (а также отдельные квартетные пьесы) Брайана Фернихоу, исключительно сложные для исполнителя,
но чрезвычайно привлекательные для слушателя. Эллиотт Картер, продолжающий писать и после своего
столетия, в пяти струнных квартетах (и в двух «Фрагментах») в той или иной степени сумел выразить некоторые
фазы развития этого жанра в музыке второй половины ХХ века.
Наиболее важные авторы струнных квартетов:
Йозеф Гайдн — 68 произведений, в том числе «Русские квартеты» (1781, посвящены великому князю Павлу
Петровичу); цикл из семи «сонат» (которых обрамляют вступление и заключительная часть «Землетрясение»)
«Семь последних слов Спасителя на кресте»
Вольфганг Амадей Моцарт — 23 произведения, особенно шесть посвящённых Гайдну (Op.10)
Людвиг ван Бетховен — 16 произведений, в том числе «Русские квартеты» (они же «квартеты Разумовского»,
1808)
Франц Шуберт — 15 произведений, в том числе Четырнадцатый струнный квартет «Смерть и дева» (ориг.
«Девушка и Смерть»)
Феликс Мендельсон — 6 произведений
Роберт Шуман — 3 произведения
Бедржих Сметана — квартет «Из моей жизни»
Иоганнес Брамс — 3 произведения
Антонин Дворжак — 14 произведений
Пётр Ильич Чайковский — 3 произведения
Эдвард Григ — 2 произведения (второй квартет не окончен)
Сергей Иванович Танеев — 9 произведений
Антон Брукнер — 1 произведение
Густав Малер — 1 произведение
Сезар Франк — 1 произведение
Клод Дебюсси — 1 произведение
Морис Равель — 1 произведение
Леош Яначек — 2 произведения
Кароль Шимановский - 2 произведения
Арнольд Шёнберг — 4 произведения (кроме этого — неопубликованные при жизни композитора ранний
квартет D-dur (1897) и различные пьесы- и наброски-упражнения, а также наброски к нереализованному
Пятому квартету (1949))
Альбан Берг — 2 произведения, второй — «Лирическая сюита» (1926)
Антон фон Веберн — струнный квартет (1938); Пять пьес для струнного квартета (1909) и Шесть багателей для
струнного квартета (1911)
Бела Барток — 6 произведений
Игорь Федорович Стравинский — Три пьесы для струнного квартета (1914)
Богуслав Мартину — 7 произведений
Николай Яковлевич Мясковский — 13 произведений
Сергей Сергеевич Прокофьев — 2 произведения
Дмитрий Дмитриевич Шостакович — 15 произведений
Дариюс Мийо — 16 произведений
Эйтор Вила Лобос — 17 произведений
Борис Лятошинский — 4 произведения
Эллиотт Картер — 5 произведений
Алан Хованесс — 5 произведений
Витольд Лютославский — струнный квартет (1964)
Янис Ксенакис — ST/4, 1-080262 (1962); Tetras (1983); Tetora (1990); Ergma (1994)
Мортон Фелдман — 2 произведения
Луиджи Ноно — квартет «Fragmente-Stille. An Diotima» (1980)
Кшиштоф Пендерецкий — 3 произведения
Альфред Шнитке — 4 произведения
Хельмут Лахенман — 3 произведения
Брайан Фернихоу — 5 произведений
Вольфганг Рим — 12 произведений
3- Фортепианный квинтет
Фортепианный квинтет — ансамбль из пяти инструментов, один из которых фортепиано, а также жанр
академической музыки, рассчитанный на такой состав. Без уточнений под фортепианным квинтетом понимают
инструментальный ансамбль, состоящий из фортепиано и струнного квартета, но возможны и другие составы.
Самое известное отклонение от нормы — так называемый Форельный квинтет Шуберта, в котором участвуют
не две скрипки, а одна, и добавлен контрабас.
Фортепианный квинтет сформировался в XVIII веке, расцвёл в музыке эпохи романтизма, встречается довольно
часто и в творчестве «серьёзных» композиторов XX века.
Исторические примеры фортепианного квинтета:
Боккерини. 6 фортепианных квинтетов, op. 56; 6 фп. квинтетов, op. 57
Гуммель. Фортепианный квинтет es-moll, op. 87 (для фп., скрипки, альта, виолончели и контрабаса)
Шуберт. Форельный квинтет ("Forellenquintett") A-dur, D 667 (для фп., скрипки, альта, виолончели и контрабаса)
Шуман. Фортепианный квинтет Es-dur, op. 44
Франк. Фортепианный квинтет f-moll (1878/79)
Брамс. Фортепианный квинтет f-moll, op. 34
Бородин. Фортепианный квинтет c-moll (1862)
Сен-Санс. Фортепианный квинтет a-moll, op. 14
Дворжак. Фортепианный квинтеты A-dur, op. 5 и A-dur, op. 81
Форе. Фортепианный квинтеты d-moll, op. 89 и c-moll, op. 115
Танеев. Фортепианный квинтет g-moll, op. 30
Элгар. Фортепианный квинтет a-moll, op. 84
Аренский. Фортепианный квинтет D-dur, op. 51
Сибелиус. Фортепианный квинтет g-moll
Воан-Уильямс. Фортепианный квинтет c-moll (для фп., скрипки, альта, виолончели и контрабаса)
Регер. Фортепианный квинтет c-moll, op. 64
Энеску. Фортепианный квинтет a-moll, op. 29
Барток. Фортепианный квинтет (1903/04)
Веберн. Фортепианный квинтет (1907)
Мартину. 3 фортепианных квинтета: (1911), № 1 (1933), № 2 (1944)
А.Н.Черепнин. Фортепианный квинтет G-dur, op. 44
Шостакович. Фортепианный квинтет g-moll, op. 57
Шнитке. Фортепианный квинтет (1976)
Собирались несколько друзей-музыкантов, расставляли подставки для нот - пульты, вынимали из чехлов и
футляров скрипки, альты, виолончели, а иногда и флейты и гобои, кто-то садился за клавесин, и начинался
домашний концерт. Звучали сонаты, трио, квартеты. Иногда кто-нибудь пел под аккомпанемент клавесина или
других инструментов. Среди слушателей обычно было лишь несколько человек родственников и знакомых.
Музицировали таким образом и в скромных домиках ремесленников, и в аристократических салонах.
Отсюда-то и пошло выражение - камерная музыка (camera по-итальянски - комната), то есть музыка,
предназначенная для исполнения не в большом зале театра или в церкви, а в комнате, музыка домашняя.
Понятно, что в комнате нельзя было играть симфонии, исполнять оперы или оратории. Поэтому камерными
называли произведения, написанные для небольшого числа исполнителей - сольные инструментальные пьесы,
дуэты, трио, квартеты, песни и романсы, которые можно было исполнить в домашних условиях. И хотя со
временем камерная музыка вышла из гостиных в концертные залы, старое название ее сохранилось. Впрочем,
и сейчас ее стараются исполнять не в больших концертных залах, где обычно звучат симфонии и оратории, а в
меньших по размеру камерных залах.
Сочинения Камерная музыка пишутся для небольших инструментальных составов (от одного исполнителясолиста до камерного ансамбля). Для Камерная музыка характерна экономия и тончайшая детализация
выразительных средств; она обладает большими возможностями передачи лирических эмоций и тонких
градаций душевных состояний человека. Истоки Камерная музыка восходят к эпохе средневековья. До конца 16
в. это наименование относили лишь к вокальным жанрам; с 17 в. оно было распространено и на
инструментальную музыку. В 16—18 вв. термином «Камерная музыка» стали обозначать светскую музыку, в
отличие от церковной (камерная соната, в отличие от церковной сонаты).
Глава 2
История камерной музыки
Три периода истории камерной музыки:
1. Период с 1450 по 1650, для которого характерно развитие техники игры на виолах и инструментах других
семейств, постепенное выделение чисто инструментальной музыки при сохраняющемся преобладании
вокального стиля. Среди дошедших до нас сочинений этого периода, написанных специально для
инструментальных составов без голосов, — фантазии Орландо Гиббонса (1610) и канцоны и сонаты Джованни
Габриели (1615).
2.Период с 1650 по 1750 отмечен распространением жанра трио-сонаты (обычно они сочинялись для двух
скрипок и виолончели с клавиром, который обеспечивал гармоническую основу) и других ансамблей, как
инструментальных, так и с участием голосов, которые обязательно сопровождались т. н. цифрованным басом
(аккордами) клавишного инструмента. Среди мастеров трио-сонаты этого периода — Арканджело Корелли,
Генри Пёрселл и Гендель.
3. Период с 1750 до современности, в котором доминирует струнный квартет, состоящий из двух скрипок,
альта и виолончели.
Основная структура современной камерной музыки — почти всегда трех- или четырехчастный сонатный цикл;
свободные, часто программные формы, пристрастием к которым отмечена оркестровая музыка в 19 в., мало
повлияли на камерные жанры, поскольку ограниченные тембровые возможности камерных ансамблей не
предоставляли больших возможностей для создания оригинального колорита и сильных драматических
эффектов. Современный камерно-инструментальный репертуар до сих пор имеет в своей основе сочинения
классиков: струнные трио и квартеты Гайдна и Моцарта, струнные квинтеты Моцарта и Боккерини, а также
квартеты Бетховена и Шуберта. В послеклассический период большинство крупных композиторов,
принадлежавших к разным направлениям (романтизм, импрессионизм и экспрессионизм), писали камерную
музыку, но все же в общераспространенном репертуаре закрепились лишь отдельные ее образцы: например,
фортепианный квинтет Шумана, трио, квартеты, квинтеты и секстеты Брамса, струнные квартеты Дебюсси и
Равеля.
По принятой классификации, в понятие «камерная музыка» включаются дуэты, трио, квартеты, квинтеты,
секстеты, септеты, октеты, нонеты и дециметы, при самых разнообразных составах инструментов. К камерным
относятся также некоторые жанры для соло с аккомпанементом: например, романсы (камерно-вокальный
жанр) или инструментальные сонаты (камерно-инструментальный жанр). Существует «камерная опера»
(например, Ариадна на Наксосе Р.Штрауса, 1925), подразумевающая небольшое число исполнителей и
камерную атмосферу действия.
А теперь подробней об истории.
С самого начала в средневековый период к настоящему, камерная музыка была отражением изменений в
технологии и общества, что производится он.
Раннее начало
Платон, Аристотель, Гиппократ и Гален играть квартет на виол в этой причудливой гравюра с 1516 года.
В средние века и раннего Возрождения, инструменты использовались в основном в качестве
аккомпанемента для певцов. String игроки будут играть вместе с мелодии в исполнении певицы. Существовали
и чисто инструментальные ансамбли, часто струнных предшественников скрипки семьи, называется супруги
Некоторые аналитики считают, происхождения классических инструментальных ансамблей, чтобы быть соната
камеры да (камеры сонаты) и соната Д. Кьеза (церковь сонаты). Это были композиции от одного до пяти или
более документов. Соната камеры да был набор медленных и быстрых движений, чередующиеся с
танцевальными мелодиями; сонаты Chiesa да был же, но танцы были опущены. Эти формы постепенно
превратился в трио сонаты эпохи барокко - две высокие частоты инструментов и бас инструмент, часто с
клавиатуры или другого документа chording (клавесин, орган, арфы или лютни, например) заполнение в
гармонии.
В барокко, камерная музыка как жанр не был четко определен. Часто, работы могут быть воспроизведены на
любом различные инструменты, в оркестровой или камерных ансамблей. Искусство фуги Иоганна Себастьяна
Баха, например, могут быть воспроизведены на клавишный инструмент (клавесин или орган) или струнный
квартет или струнного оркестра. Измерительные приборы трио-сонаты также часто гибко указано, некоторые из
сонаты Генделя являются забил за "немецкой флейты, гобоя или скрипки" басовые партии могли бы играть
violone, виолончель, теорба, или фагот, а иногда и три или четырех документов будет участвовать в басовой
линии в унисон. Иногда композиторы смешанных перевозок, в камерных ансамблях с оркестровыми движений.
Телемана "Tafelmusik" (1733), например, имеет пять наборов движений для различных сочетаний
инструментов, заканчивая полной оркестровой секции.
Барокко камерной музыки часто контрапункт, то есть каждый инструмент играет мелодичный же
материалы в разное время, создание комплекса, переплетенные ткани звука. Потому что каждый инструмент
играл существу же мелодии, все документы были равны. В Трио-соната, часто не асцендента или сольным
инструментом, но все три документа несут равную важность.
Гармонических роль клавиатуры или другого документа chording был вспомогательным, и, как правило
клавиатуры часть была даже не выписали, а, скорее, хордовой структуры кусок был указан на цифровые коды
на бас линии, называется баса.
Во второй половине 18 века, вкусы начали меняться: многие композиторы предпочтительным новый стиль
Galant, с "тонкой текстуры, ... и четко определенные мелодии и баса" к сложностям контрапункта Теперь новый
обычай. возникла, что родила новую форму камерной музыки: серенаду. Меценаты предложил уличных
музыкантов играть вечерние концерты ниже балконов своих домов, своих друзей и своих возлюбленных.
Меценаты и музыкантов эксплуатацию композиторов писать подходящие апартаменты танцы и мелодии, для
групп от двух до пяти или шести игроков. Эти работы были названы серенады (сыворотки = ночь), ноктюрны,
дивертисменты, или кассационных жалоб (от Гассе = улица). Молодой Йозеф Гайдн было поручено написать
несколько из них.
Гайдн, Моцарт, и классический стиль
Йозеф Гайдн, как правило, приписывают создание современной формы камерной музыки, как мы ее знаем.
В 83 струнных квартетов, 45 фортепианных трио, а также многочисленные трио строку, дуэты и ансамбли ветра,
Гайдн установленном разговорном стиле состава и общего вид, который должен был господствовать в мире
камерной музыки в течение следующих двух столетий.
Пример диалоговый режим состава является струнный квартет Гайдна опус 20 номер 4 ре мажор. В первой
части, после заявления главной темой всех документов, первый перерывы скрипке в триплетном фигура,
поддерживаемых второй скрипки, альта и виолончели. Виолончели ответы со своим фигура триплета, затем
альт, в то время как другие инструменты играют второстепенную тему против этого движения. В отличие от
контрапункта, где каждая часть играет существу же мелодичный роль, как и другие, здесь каждый инструмент
вносит свой собственный характер, свой комментарий на музыку, как она развивается.
Гайдн также остановился на общей форме для его произведений камерной музыки, который станет
стандартным, с небольшими вариациями, и по сей день. Характерные строки Гайдна квартет четырех частях:
Открытие движения в сонатной форме, как правило, с двух противоположных тем, после чего развитие
раздел, где тематический материал преобразуется и перенесены, и заканчивая повторение первых двух тем.
Лирическое движение в медленном или умеренном темпе, иногда построены из трех разделов, которые
повторяются в порядке ABCABC, а иногда и множество вариаций.
Менуэт или скерцо, легким движением в три четверти времени, с основной раздел, контрастные трио
разделе, и повторение основных раздела.
Быстрый финал раздел в форме рондо, ряд контрастных разделов с основной раздел воздерживаться
открытия и закрытия движения, и повторяя между каждой секции.
Его нововведения заработали Гайдна титул "отца струнный квартет", , и он был признан его современников,
как ведущий композитор своего времени. Но он был отнюдь не только композитор разработке новых режимов
камерной музыки. Еще до того, Гайдна, многие композиторы были уже экспериментируют с новыми формами.
Джованни Баттиста Sammartini, Игнац Holzbauer, и Франц Ксавер Рихтер пишет предшественников струнный
квартет.
Если Гайдн создал разговорный стиль композиции, Вольфганг Амадей Моцарт значительно расширил свой
словарный запас. Его камерной музыки добавлено множество шедевров в репертуар камерной музыки.
Моцарт семь фортепианных трио и квартеты два фортепиано были первыми, кто применил разговорный
принципе камерной музыки в сопровождении фортепиано. трио Гайдна фортепиано в основном фортепианные
сонаты с скрипки и виолончели играл в основном второстепенные роли, удвоение ВЧ и НЧ линии клавир. Но
Моцарт дает строк самостоятельную роль, используя их в качестве счетчика для фортепиано, и добавление их
отдельные голоса в разговоре камерной музыки.
Моцарт внес вновь изобрел кларнет в арсенале камерной музыки, с Kegelstatt Трио для альта, кларнета и
фортепиано, К. 498, и квинтет для кларнета и струнного квартета, К. 581. Он также попытался других
инновационных коллективов, в том числе квинтет для скрипки, двух альтов, виолончели, и рога, К. 407,
квартетов для флейты и струнных, а также различные комбинации духовых инструментов. Он написал шесть
квинтеты строку для двух скрипок, двух альтов и виолончели, которые исследуют богатых тонов тенор альтов,
добавляя новое измерение в разговоре струнного квартета.
Строки Моцарта считаются вершиной классического искусства. Шесть струнных квартетов, которые он
посвятил Гайдну, его друг и наставник, вдохновленный старший композитор говорил отец Моцарта, "Я говорю
вам перед Богом, как честный человек, что ваш сын величайшего композитора известных мне лично или по
репутацией. Он имеет вкус, и, более того, самое глубокое знание состава. "
Многие другие композиторы писали камерные произведения в течение этого периода, которые были
популярны в то время и все еще играл сегодня. Луиджи Боккерини, испанский композитор и виолончелист,
пишет почти сто струнных квартетов, и более ста квинтеты для двух скрипок, альта и двух виолончелей. В этой
инновационной ансамбле, затем использовались Шуберт, Боккерини дает кричащий, виртуозные соло на
главной виолончель, в качестве образца для своей собственной игры. Скрипач Карл фон Ditters Диттерсдорф и
виолончелист Иоганн Баптист Vanhal, кто как играл пикап квартеты Гайдна с на второй скрипки и альта Моцарта
на, были популярны камерной музыки композиторов периода.
На рубеже 19-го века увидел драматические изменения в обществе и в музыке технологию, которая имела
далеко идущие последствия для камерной музыки путь был составлен и играл.
Крах аристократической системы. На протяжении 18-го века, композитор, как правило, работник
аристократ, и камерной музыки он сочинил было для удовольствия и производительности аристократических
любителей. Гайдн, например, был сотрудником граф Николаус Эстерхази, любитель музыки и любительских
игрок baryton, для которого Гайдн написал многие из своих трио строки. Моцарт написал три струнных квартета
для короля Пруссии Фридриха Вильгельма II, виолончелист. Многие из квартетов Бетховена была впервые
исполнена с покровителя графа Андрея Разумовского на второй скрипки. Боккерини написал для короля
Испании.
С банкротством аристократии и новые социальные заказы по всей Европе, композиторы чаще приходится
принимать свои собственные способы, продавая и выполняя их композиций. Они часто давали подписку о
концертах, аренда зала и сбор поступлений от производительности. Все чаще, камерная музыка была написана
не только в том случае богатых любителей, но и выполнять профессиональные музыканты, чтобы платить
аудитории.
Изменения в структуре струнных инструментов. В начале 19 века, Luthiers разработаны новые методы
построения скрипки, альта и виолончели, который дал эти документы богаче тон, больше объема и более
подъемную силу. Кроме того, на этот раз, bowmakers сделал скрипичным смычком больше , с толстой ленты
волос при повышенной напряженности. Это улучшение проекция инструмента, а также возможным новым
методам кланяясь. В 1820 году Луи Шпора изобрел chinrest, который дал скрипачей больше свободы движения
в левой руке, для более гибкой техники. Эти изменения способствовали эффективности публичных выступлений
в больших залах, а также расширить репертуар методик для композиторов камерной музыки.
Изобретение фортепиано. Фортепиано был фактически изобретен Бартоломео Кристофори в начале 18
века, но не до конца этого столетия, с техническими усовершенствованиями в его строительстве, не так ли стать
эффективным инструментом для повышения производительности. улучшения фортепиано была немедленно
принята Моцарта и других композиторов, который начал сочинять камерные ансамбли с фортепиано играет
ведущую роль. Рояль был становиться все более и более доминирующим через 19-го века, так что многие
композиторы, такие как Франц Лист и Фредерик Шопен, пишет почти исключительно для фортепиано соло.
Глава 3
Композиторы и исполнители камерной музыки:
СЕРГЕЙ ВАСИЛЬЕВИЧ РАХМАНИНОВ – 1873-1943гг. Новгородская губерния
ЛЮДВИГ ВАН БЕТХОВЕН (Beethoven) – 1770-1827гг. Бонн
ИОГАННЕС БРАМС (Brahms) – 1833-1897гг. Гамбург
ЖОРЖ БИЗЕ (Bizet) – 1838-1875гг. Париж
ИОГАНН СЕБАСТЬЯН БАХ (Bach) – 1685-1750гг. Эйзенах
СЕРГЕЙ ВАСИЛЬЕВИЧ РАХМАНИНОВ
Сергей Васильевич Рахманинов родился 20 марта (1 апреля по новому стилю) 1873 года. Длительное время местом
рождения считалось имение его родителей Онег, недалеко от Новгорода. Исследования последних лет называют усадьбу
Семеново Старорусского уезда Новгородской губернии.Отец композитора, Василий Аркадьевич, сын Варвары Васильевны
и Аркадия Александровича Рахманиновых, происходил из дворян Тамбовской губернии. Мать, Любовь Петровна, была
дочерью Софьи Александровны и Петра Ивановича Бутаковых, постоянно живших в Новгороде.
Склонность к музыке была характерной чертой Рахманиновых. Она ярко проявилась у деда композитора Аркадия
Александровича Рахманинова. Отличный пианист, ученик Дж.Фильда, он выступал в благотворительных концертах и в
музыкальных салонах Тамбова, Москвы, Петербурга, был знаком с видными музыкантами своего времени. Музыкальная
одаренность С.В.Рахманинова обнаружилась уже в раннем детстве. С 4-х лет, он начал обучаться игре на фортепиано,
сначала под руководством матери, затем А.Д.Орнатской, знакомой родителей композитора. На начало 1880-х годов
приходятся тяжелые невзгоды, обрушившиеся на семью Рахманиновых: разрушение материального благополучия семьи,
продажа Онега, переселение в Петербург.
ЛЮДВИГ ВАН БЕТХОВЕН
Немецкий композитор, которого по праву считают величайшим творцом всех времен. Его творчество относят как к
классицизму, так и к романтизму; на самом же деле оно выходит за рамки подобных определений: сочинения Бетховена прежде всего выражение его гениальной личности.
Бонн во второй половине XVIII века был небольшим пиренейским городком, резиденцией кёльнского князя. Именно здесь
в декабре 1770 года и родился будущий гениальный композитор. Точная дата рождения Людвига не установлена, известна
только дата его крещения - 17 декабря.
Княжество это, как и любое другое в Германии, носило церковный характер. Но церковь, на радость жителям, а в
особенности многочисленным придворным и городской знати, не препятствовала всяческим развлечениям и
удовольствиям. В то время, когда не было ни телевидения, ни радио, ни компьютеров (хотя нам, людям, избалованным
цивилизацией, трудно себе такое представить), большое место в жизни людей играла музыка, живая музыка.
Многие черты своего характера Людвиг унаследовал от своего деда, Луи Бетховена. Гордость, независимый нрав,
настойчивость и работоспособность - все эти качества были присущи как деду, так и его знаменитому внуку.
До Луи Бетховена в их семье все были простыми фламандскими ремесленниками и пахарями. И только ему
посчастливилось стать музыкантом, что и предопределило судьбу Людвига. 1732 году, молодой музыкант оставил свой
родной городок в поисках счастья и благополучия. Судьба закинула его в Бонн. Через много лет усердной работы, молодой
человек, пришедший в город пешком с котомкой за плечами, стал капельмейстером в придворной капелле, что позволило
ему занять уважаемое положение в обществе.
ИОГАННЕС БРАМС
Наряду с Рихардом Вагнером творческой фигурой крупнейшего значения в немецкой музыке второй половины XIX века
является Иоганнес Брамс. Творчество Брамса и творчество Вагнера знаменуют различные, во многом противоположные
направления и тенденции развития немецкого музыкального искусства. Брамс по сравнению с Вагнером решал иные
творческие задачи, преследовал иные художественные цели. В отличие от Вагнера, целиком принадлежащего Германии и
германской культуре, Брамс, родившийся и воспитанный в Германии, значительной частью своего творчества был связан с
Австрией, с Веной; в отличие от Вагнера, посвятившего себя целиком музыкальной драме, Брамс опер не писал и не
интересовался этим видом творчества; Брамс также не питал особых симпатий к программной музыке типа той, которую
писали Берлиоз и Лист. Но, идя другими путями, Брамс создал симфонические, камерные, фортепианные и вокальные
произведения, занявшие достойное место в классическом музыкальном наследии, основанные на жизненных традициях
народного творчества и национальной немецкой классики. Как и творчество Вагнера, но в других отношениях, творчество
Брамса принадлежит к высшим достижениям немецкой музыки второй половины XIX века.
Твердая опора Брамса на классические традиции, сохранение исторически отстоявшихся музыкальных форм -- все это
противостояло вагнеровской <<бесконечной мелодии>> и основным тенденциям позднего романтизма в музыке. Поэтому
Брамс сделался в немецкой музыке творческим центром направления, которое выступило против всей так называемой
<<музыки будущего>>, как иронически было прозвано направление Листа в области программной музыки и Вагнера в
области музыкальной драмы. Брамс поставил свою подпись под официальным заявлением против <<музыки будущего>>
(выражение <<музыка будущего>> заимствовано из литературного произведения Вагнера <<Художественное
произведение будущего>>.) и помещенным в 1860 году в газете <<Берлинское эхо>> (<>). Такова была, в общем, позиция
Брамса в немецкой музыке.
ЖОРЖ БИЗЕ
Жорж Бизе родился в Париже 25 октября 1838 года. Его нарекли звучными именами трех полководцев: Александра Цезаря - Леопольда, но в семье называли Жоржем. С этим новым именем Бизе вошел в историю. Его родители отличались
музыкальностью: отец был преподавателем пения, мать играла на фортепиано и стала его первой учительницей музыки
своего сына; в доме Бизе много музицировали. Выдающиеся способности Бизе обнаружились рано: четырех лет он уже
знал ноты, десяти -поступил в Парижскую консерваторию, где пробыл девять лет. Несмотря на то, что, как говорил позже
Бизе, он отдался музыке лишь скрепя сердце - его более влекла литература, - занятия в консерватории проходили
успешно. Юный Бизе неоднократно получал премии на внутриконсерваторских конкурсах - по фортепианной и органной
игре, полифонии и композиции, что завершилось в 1857 году получением большой Римской премии, предоставлявшей
право на длительную заграничную командировку. Феноменально одаренный музыкальным слухом, памятью, творческой
интуицией, Бизе без труда овладел теми знаниями, которые давала консерватория. Правда, курс теории композиции
страдал догматичностью. Бизе большему учился вне стен консерватории у Гуно, с которым, несмотря на значительную
разницу лет, у него установились теплые, дружеские отношения. Но надо отдать должное и его непосредственному
учителю Фроманталю Галеви, тонкому и серьезному музыканту, с которым Бизе впоследствии породнился, женившись на
его дочери. В годы консерваторского обучения Бизе создал немало произведений. Лучшее среди них - симфония,
написанная семнадцатилетним автором в очень сжатые сроки - за семнадцать дней. Эта симфония, впервые
опубликованная в 1935 году, ныне с успехом исполняется. Ее музыка привлекает классической отточенностью формы,
ясностью и живостью выражения, светлым колоритом, что позже станет неотъемлемым качеством индивидуального стиля
Бизе. В год окончания консерватории, сочинив кантату на древний легендарный сюжет, он принял участие в конкурсе,
объявленном Оффенбахом на написание одноактной оперетты. Вместе с произведением Лекока, в дальнейшем
прославившегося в этом жанре, премии была удостоена оперетта Бизе Доктор Миракль Однако если к этому времени о
Бизе-композиторе говорили лишь как о многообещающем даровании, то в качестве пианиста он добился всеобщего
признания. Позже, в 1863 году, Берлиоз писал: Бизе несравненно читает партитуры... Его пианистический талант настолько
велик, что в фортепианной транскрипции оркестровых партитур, которую он делает с первого взгляда, его не могут
остановить никакие трудности. После Листа и Мендельсона не много исполнителей его силы 1857-1860 годы как лауреат
консерватории Бизе провел в Италии. Это годы жадного впитывания различных жизненных впечатлений, среди которых,
однако, музыкальные стояли на последнем месте. Дурной вкус отравляет Италию,- жаловался Бизе . - Это для искусства
потерянная страна . Зато он много читал, путешествовал, знакомился с бытом крестьян, пастухов. Его творческая фантазия,
как это будет и позже, загорается многими планами. Голова полна Шекспира... Но где взять либреттиста! - сетует Бизе. Его
волнуют и сюжеты Мольера, Гюго, Гофмана, Гомера. Чувствуется, что он еще не нащупал близкой себе темы, творчески
разбрасывается. Но одно ясно - его интересы лежат в сфере театральной музыки. Отчасти это вызывалось практическими
соображениями - здесь легче добиться успеха. Бизе полушутливо писал матери: Когда я добуду 100 тысяч франков (то есть
обеспечу себя до смерти), папа и я прекратим давать уроки. Мы начнем жизнь рантье, что совсем не плохо. 100 тысяч
франков пустяк: два небольших успеха в комической опере. Успех, подобный Пророку (опера Мейербера), приносит почти
миллион. Итак, это не воздушный замок!..
ИОГАНН СЕБАСТЬЯН БАХ
Иоганн Себастьян появился на свет в семье, которая считается крупнейшей музыкальной династией в Германии. Из
предков Баха особенно прославились Фейт Бах – пекарь, который играл на цитре, и Иоганнес Бах – городской музыкант в
Эрфурте. Потомки последнего стали настолько известны, что в некоторых средневековых немецких диалектах фамилия
«Bach» стала нарицательной и получила значение «городской музыкант».
Отец Баха – Иоганн Амвройский, городской музыкант.
Дядя Иоганна Себастьяна, Иоганн Кристоф, служил в городе органистом. Естественно, что обучаться музыке будущий
величайший представитель династии начал с самого раннего возраста.
1693 год – младший Бах поступает в церковную школу. У мальчика хорошее сопрано, и он делает успехи
1695 год – за два года Иоганн Себастьян теряет обоих родителей. Его забирает к себе старший брат, служивший
музыкантом в Ордфуре.
1695 – 1700 годы – Ордруф. Бах учится в школе и занимается музыкой под руководством брата. Тогда же, подростком,
Иоганн Бах сильно теряет зрение – по ночам он при свете луны переписывает ноты у брата.
Школьный учитель рекомендует Баху отправиться в Люнебург, в известную школу при церкви Св. Михаила. Иоганн
Себастьян проходит пешком 300 километров из Центральной Германии в Северную. В Люнебурге Бах живет на полном
пансионе и даже получает небольшую стипендию. Одним из наставников будущего композитора в Люнебуре становится
мастер-органист Георг Бём.
1702 год – после окончания школы Бах имеет право поступить в университет, но не может себе этого позволить, так как
нужно добывать средства к существованию. Проведя некоторое время в Люнебурге, будущий композитор отправляется
назад в Тюрингию. Здесь он успевает послужить скрипачом в частной капелле принца Иоганна Эрнеста Саксонского. Потом
Бах останавливается в Арнштадте, где проводит 4 года.
1703 – 1707 годы – Арнштадт. Бах служит церковным органистом, при этом не переставая изучать музыку и манеру
исполнения известных музыкантов того времени.
Глава 4
Актуальность камерной музыки в наше время.
«Не надо думать, что старая музыка устарела,
Подобно прекрасному правдивому слову
Не сможет устареть прекрасная правдивая музыка»
Р.Шуман
Я постараюсь получить ответ на этот вопрос на основе примеров.
Наследие Баха является непревзойденным по признанию всех музыкантов мира. Несмотря на то, что прошло уже более
двухсот лет со дня смерти гения интерес к его музыке все возрастает. В наше время полифонические произведения Баха:
прелюдии, инвенции и сюиты стали обязательными произведениями в программах детских музыкальных школ, а
прелюдии и фуги из знаменитого «хорошо темперированного клавира» - в училищах и консерваториях. Исполнение
полифонического произведения Баха является обязательным условием большинства музыкальных конкурсов.
Примером может служить Всероссийский конкурс имени С.С. Бендицкого проводящийся в городе Саратове, обязательным
правилом этого конкурса является исполнение классических произведений, в том числе и произведения Баха.
Хотя мы не отдаем себе отчета музыкой Баха заполнено буквально все наше жизненное пространство, конечно не только в
ее классическом исполнении, но и во многих современных интерпретациях.
И звучит она не только на земле, но и в далеком космосе. Эта вечно прекрасная музыка была выбрана учеными земли для
представления земной цивилизации при встрече с инопланетными мирами. В миллионах километрах о нашей планеты
летит космический корабль «Вояджер» и несет на своем борту диск с «Бранденбургским концертом №2» И.С.Баха.
Я считаю, что очень важным является то, что в школах преподается предмет « музыка». Ведь на этом уроке очень часто
звучит классическая музыка, а камерная музыка является одним из её стилей. Ведь это очень хорошо, когда у детей,
начиная с маленького возраста, воспитывается музыкально-эстетический вкус. Музыка учит ребенка не только слышать, но
и представлять услышанное. Она развивает все виды восприятие и все виды памяти. По последним данным
психологических исследований были опубликованы следующие выводы: что ученики, получающие помимо
традиционного образования еще и музыкальное, имеют поведение и успеваемость выше, чем у других.
Так что у камерной музыки и у всей классической музыки есть долгое и счастливое будущее.