Эволюция стилизации природных форм в ретроспективе
advertisement
Муниципальное образовательное учреждение дополнительного образования детей «Детская школа искусств №2» ________________________________________________________________________ МЕТОДИЧЕСКАЯ РАЗРАБОТКА для 1 курса отделения профессиональной подготовки по предмету «Изобразительное искусство» МОУДОД «Детская школа искусств №2» «ЭВОЛЮЦИЯ СТИЛИЗАЦИИ ПРИРОДНЫХ ФОРМ В РЕТРОСПЕКТИВЕ ИЗОБРАЗИТЕЛЬНОГО ИСКУССТВА». Автор - Коскин А.Ю., преподаватель изобразительного искусства высшей категории г.Губкинский, 2011г 2 КРАТКАЯ АННОТАЦИЯ Объектом исследования является художественное средство, применяемое в изобразительном и искусстве художниками. Это средство - стилизация природных реалистических форм. Цель работы проследить его эволюцию в ретроспективе изобразительного искусства. Основной метод исследования сравнительный анализ «стилизации» в истории изобразительного искусства. Результаты исследования рекомендуется использовать при создании современных композиций на основе стилизации природных форм на школьных уроках изобразительного искусства. 3 ОГЛАВЛЕНИЕ Введение. ....................................................................................................................................... 5 Глава I. .......................................................................................................................................... 7 Краткий экскурс в историю изобразительного искусства. ................................................. 7 1.1 Искусство древнего Египта. ............................................................................................... 7 1.2 Искусство Западной Европы XII – XV вв. (Готика Витражи) ...................................... 10 1.3 Древнерусское искусство. (Иконопись) .......................................................................... 13 1.4 Искусство народных художественных промыслов. (Палехская лаковая живопись, Хохломская роспись, Городецкая роспись) .......................................................................... 15 1.5 Искусство XX века. (Авангард) ....................................................................................... 18 Глава II. Исследовательская часть. ...................................................................................... 19 2.1 Исследование методов стилизации в ретроспективе изобразительного искусства.... 19 Глава III. Практическая часть. .............................................................................................. 21 3.1 Использование методов «стилизации» в современном искусстве. .............................. 21 3.2 Рекомендации о применении результатов исследования при решении учебнотворческих задач на уроках изобразительного искусства. .................................................. 24 Заключение. ................................................................................................................................ 26 Литература. ................................................................................................................................ 27 Приложение. ................................................................................... Error! Bookmark not defined. 4 Введение Выбранная тема на сегодняшний день очень актуальна, так как в современном искусстве не обойтись без стилизации, она стала неотъемлемой частью изобразительного и декоративно-прикладного искусства. Цель работы заключается в том, чтобы проанализировать и наглядно показать эволюцию стилизации природных форм в ретроспективе изобразительного искусства. Были поставлены следующие задачи, проследить за эволюцией стилизации в разных видах искусств, сравнить эти виды на основе исследования. Исследовательская работа связанна с различными методами стилизации в разных видах искусств, от искусства древнего Египта до современного искусства XXв. Искусство Древнего Египта достигло величайших вершин. Скульпторы создавали статуи, мастерски передавая лица разных людей — внимательного писца, сурового фараона, молодой женщины. Храм Хатшепсут — прекрасный пример синтеза (сочетания) разных видов изобразительного искусства: архитектуры, скульптуры, цветных рельефов, а также росписей. Такой синтез родился в Египте и был одной из важных особенностей его древних монументальных памятников. Раскопки познакомили нас и с изделиями ремесленников — камнерезов, металлистов, ювелиров. Египтяне первыми изобрели стекло. Искусство Древнего Египта, как и искусство каждой другой страны, отражало в своих произведениях жизнь народа, который его создавал. Готикой, или готическим стилем называется направление, в искусстве господствовавшее в европейских странах Западной Европы средние века (с XII по XIVXV вв.). Яркий пример стилизации - готический витраж в средневековых храмах. Основными особенностями витражей является декоративность и яркая красочность прозрачных стекол, обобщенность и лаконичность рисунка, графический прием изображения, носящего плоскостной характер, и тесная увязка с архитектурой. Живопись на стекле этой эпохи, несомненно, следует отнести к искусству больших форм, к искусству благородного монументального стиля. В готике особенно резко выступают черты феодально-церковного влияния; католическая церковь оказывала сильное воздействие на искусство, и оно в целом сохраняло религиозный, условный характер. Древнерусское искусство представлено иконописью. Иконопись – это одна из форм декоративной живописи, в которой присутствует стилизация форм и знаковость в изображении. Икону нужно рассматривать не как тождественное Божеству изображение, в отличие от дохристианских идолов, но как символ, позволяющий духовное приобщение к "оригиналу" (архетипу), то есть проникновение в мир сверхъестественный через предмет 5 материального мира. Народное искусство представлено несколькими видами художественных промыслов: Городецкая роспись, хохломская роспись и палехская лаковая живопись. В этих промыслах мастера реальный мир и природу стилизуют и упрощают. Искусство 20 века представлено художественным направлением Авангард. Авангарди (фр. avant-gardisme - впереди и стража) - общее название художественных направлений 20 века, для которых характерны поиск новых, неизвестных, часто штучных форм и средств художественного отображения, недооценка или полное отрицание традиций и абсолютизация новаторства. Проведено исследование методов стилизации в ретроспективе изобразительного искусства. Практическая работа выполнена в графическом материале, реалистический натюрморт стилизовали: а) В Древне Египетском стиле; б) Стиле Готических Витражей; в) В Иконописных традициях; г) В традициях народных промыслов (Палех, Городец, Хохлома); д) В стиле Авангарда 20 века. Результаты исследования рекомендую использовать в школах на уроках изобразительного искусства. 6 Глава I Краткий экскурс в историю изобразительного искусства 1.1 Искусство древнего Египта На западном берегу Нила, недалеко от Каира, возвышаются знаменитые гробницы фараонов — пирамиды, построенные более четырех с половиной тысяч лет назад. Самая большая из них, пирамида Хеопса, достигает 147 м в высоту (III тысячелетие до н. э.). На ее постройку пошло свыше 2300 тыс. каменных плит весом по две с половиной тонны каждая. Египтяне первыми начали строить каменные здания. До наших дней сохранилось многое из того, что построили древние архитекторы в долине Нила: похожие на башни ворота храмов, стены, колонны, обелиски. Все это сделано из камня и украшено рельефными фигурами фараонов и богов, сценами битв и охоты. Самым большим был храм бога Амона-Ра в Корнаке (XVI — XII вв. до н. э.), недалеко от столицы Древнего Египта — города Фивы. Каждый фараон считал необходимым что-нибудь построить в этом храме — новый колонный зал или молельню, изобразить на стенах свои победы. Очень интересен и храм царицы Хатшепсут (начало XV в. до н. э.), тоже сооруженный в Фивах, на западном берегу Нила, на отрогах гор, окружавших столицу. Колоннады храма, расположенного на трех поднимающихся друг над другом уступах, гармонировали с вертикальными выступами скал, служивших ему естественным фоном. В храме было много скульптурных изображений царицы. Стены храма были покрыты цветными рельефами, изображавшими то богов, то события, происходившие в период царствования Хатшепсут. Замечательны рельефы, на которых показана далекая страна Пунт, откуда египтяне привозили ценные благовония. Храм Хатшепсут — прекрасный пример синтеза (сочетания) разных видов изобразительного искусства: архитектуры, скульптуры, цветных рельефов, а также росписей. Такой синтез родился в Египте и был одной из важных особенностей его древних монументальных памятников. Искусство Древнего Египта достигло величайших вершин. Скульпторы создавали статуи, мастерски передавая лица разных людей — внимательного писца, сурового фараона, молодой женщины. Вот статуя писца Каи (III тысячелетие до н. э.). Его лицо с плоским носом и выступающими скулами необычайно выразительно. Сжатые губы и 7 внимательный взгляд зорких глаз придают лицу писца выражение сдержанности, готовности повиноваться и вместе с тем тонкой наблюдательности. То же умение скульптора добиваться портретного сходства легко можно заметить и при сравнении статуй фараонов, например Аменемхета III (начало II тысячелетия до н. э., Египетский музей, Каир) и Рамсеса II (1250 до н. э., Музей, Турин). У первого — удлиненный овал лица, узкие глаза, слегка длинный нос, будто срезанные худые щеки. У второго, напротив, — крупный орлиный нос, полные щеки, энергичный подбородок. К самым замечательным произведениям древнеегипетского искусства относятся два скульптурных портрета царицы Нефертити. Особенно известен бюст из раскрашенного известняка, сделанный в натуральную величину. На царице высокий синий головной убор, большое разноцветное ожерелье. Лицо окрашено в розовый цвет, губы — в красный, брови — в черный. В правой орбите сохранился глаз из горного хрусталя со зрачком из черного дерева. Тонкая длинная шея словно гнется под тяжестью убора. Голова выдвинута немного вперед, и это положение головы придает равновесие всей скульптуре. Достаточно взглянуть на лицо царицы, чтобы понять — перед нами работа несомненно гениального скульптора. Поразительна уверенность, с какой скульптор передал форму щек, губ, подбородка, шеи. Не менее прекрасна и головка, предназначавшаяся. для небольшой статуи царицы. Высота головки всего 19 см, она сделана из песчаника теплого желтого оттенка, хорошо передающего цвет загорелой кожи. Скульптор не закончил работу: он не доделал уши, не отполировал, но несмотря на незавершенность, головка производит огромное впечатление. Царица в изображена здесь еще юной. Чуть улыбаются губы с милыми ямочками в углах. Лицо полно задумчивой мечтательности — это мечты молодости о будущем счастье, о предстоящих радостях, успехах, мечты, которых уже не видно на позднем портрете ал поверхность камня, не прорезал орбиты для глаз. По счастливой случайности мы знаем имя мастера этих изумительных портретов: оба портрета Нефертити были найдены при раскопках мастерской скульптора Тутмеса в Эль-Амарне. На одном из предметов этой мастерской написано, что Тутмеса хвалил фараон и что он был начальником работ. Таким образом, мы можем заключить, что Тутмес был ведущим скульптором своего времени. И это бесспорно подтверждают его произведения. Характерно для древнего египетского искусства то, что статуи фараонов и вельмож резко отличаются от статуэток слуг и рабов. Фигуры фараонов всегда совершенно неподвижны, ониподчеркнуть высокое положение этих людей, и поэтому, сидит ли царь 8 или вельможа или же стоит, он всегда показан спокойным, уверенным в себе человеком, здоровым, могучим, иногда излишне полным. Такое впечатление достигалось строгой симметричностью построения фигуры, неподвижностью позы. Головы всегда поставлены прямо, руки у сидящих фигур покоятся на коленях, у стоящих — опущены, иногда в одной из рук — посох. Фигурки же слуг и рабов полны движения, жизни. Они изображают людей в процессе труда, и скульптор, передавая образ занятого трудом человека, подчеркивал позы и жесты, характерные для каждого вида работы. Иногда, желая отметить непосильную тяжесть труда, скульптор изображает истощенные, с проступающими ребрами фигуры, которые резко отличаются от мощных фигур царей и вельмож. Прекрасны были и творения древнеегипетских живописцев — настенные росписи. Вот над зелеными зарослями на берегу Нила летят птицы... Дикая кошка сидит на стебле папируса... Тянут сеть рыбаки... Вся жизнь Древнего Египта проходит здесь перед нами: тяжелый труд земледельцев, рабов и ремесленников, пиры знати, работа писцов, походы воинов. Как свежи и ярки краски, как хорошо переданы движения танцовщиц и акробаток, колебания тростника на ветру, бешеный галоп лошадей, мерная поступь быков, легкие прыжки телят! (Приложение 1.1) Раскопки познакомили нас и с изделиями ремесленников — камнерезов, металлистов, ювелиров. Египтяне первыми изобрели стекло. Искусство Древнего Египта не было одинаковым во все времена. В течение тысячелетий многое менялось в долине Нила — человек постепенно овладевал природой, развивалась техника. Иногда страну опустошали набеги чужеземцев; иногда сам Египет захватывал соседние страны, откуда шли богатства: рабы Иногда ослабевала власть фараона, вельмож и жрецов, большую роль начинали играть средние слои населения. Нередки были грозные народные восстания. Все это находило отклик в памятниках, ценные материал искусства. Одни из них выполнены строго по установленным правилам: мы видим однообразные мощные фигуры фараонов и богов, одинаково нарисованные сцены. Художники и скульпторы становятся смелее, стараются живее и с большей жизненной правдой изобразить все то, что их окружает, передать движение, естественные разнообразные позы людей, пейзаж. Искусство Древнего Египта, как и искусство каждой другой страны, отражало в своих произведениях жизнь народа, который его создавал. Лосев. А. Ф. « Очерки античного символизма и мифология».- М. 1993г. 9 1.2 Искусство Западной Европы XII – XV вв. (Готика Витражи) Готикой, или готическим стилем, называется направление в искусстве, господствовавшее в европейских странах, преимущественно в Западной Европе, в средние века (с XII по XIV-XV вв.). В готике особенно резко выступают черты феодальноцерковного влияния; католическая церковь оказывала сильное воздействие на искусство, и оно в целом сохраняло религиозный, условный характер. Несмотря на это, в эпоху готики были воздвигнуты замечательные архитектурные сооружения, в которых отразилось незаурядное мастерство горожан. В эту эпоху возникла аристократическая, так называемая рыцарская готика, достигшая наибольшего развития в XV столетии. Она отличалась утонченностью форм, но была очень консервативна и лишена тех неотразимых черт и качеств, которыми были наделены произведения мастеров-горожан. Основным видом искусства этой эпохи являлась архитектура. В это время строились колоссальные соборы с высочайшими башнями, имевшие культовое и общественное значение, городские ратуши, замки феодалов, роскошные дома-особняки, здания рынков и многое другое. Конструктивные особенности готических сооружений не требовали массивных стен, и наружные промежутки между столбами-контрфорсами заполнялись громадными стрельчатыми окнами. Эти окна украшались витражами, которые к этому времени отличались уже высоким художественным уровнем. На их качество оказывало влияние развитие живописи вообще и живописи на стекле в частности. Появление новых красок обогатило палитры художников, теперь можно было передавать тонкие цветовые нюансы, светотень, живопись стала исключительно выразительной. Живопись витражей становилась сложнее, краски обладали поразительной красотой. Огромные оконные пространства давали возможность применять расписные стекла больших размеров. Они не скреплялись свинцовой арматурой, а укреплялись непосредственно в оконных переплетах. В эту эпоху тесное сотрудничество архитектора и живописца по стеклу стало совершенно необходимым, причем ведущее начало принадлежало зодчему. Общий характер и композиция живописи по стеклу находится в полном согласий и сочетании с архитектурой сооружения. Мистика раннего средневековья придавала витражу выразительность огромной силы. Это период высшего расцвета витражей. 10 В XV столетии живопись на стекле уже соперничает со стенной живописью. Техника в это время делает стекло таким же удобным материалом, как и полотно, так как свинцовая сетка употребляется реже, а размеры стекол становятся больше. В XVI столетии на оконных стеклах появляются копии с произведений великих мастеров. В фигурной живописи по стеклу сцены компоновались на фоне узорчатых ковров, орнамент как бы являлся продолжением фигурных изображений. Если первоначально рисунок был довольно условен и примитивен, то, во всяком случае, он был правдив, для художника он не являлся самоцелью, а был плодом его творчества и наивной веры. Точно так же воспринимал его и зритель. В архитектурных формах были распространены готические порталы, крыши, балдахины, под которыми изображались отдельные фигуры, а позднее - целые группы. В эпоху готики витражи создавались целыми циклами, как например циклы витражей в готических соборах в Шартре и Бурже во Франции, в Кельне, Ульме и Нюрнберге в Германии и т. д. На исходе средневековья фигуры в живописи на стекле перестают быть условными, абстрактное превращается в конкретное, реальное. Движения фигур менее скованы, более динамичны, драпировка одежд становится богаче. С большой силой выражены душевные переживания изображаемых персонажей, с непостижимой виртуозностью передавались трогательные моменты повествования. Живопись по стеклу никогда в дальнейшем не достигала такого высокого художественного уровня. Но с этого времени начинается упадок витражного искусства, а с ним гаснет и монументальная живопись по стеклу. Правда, техника исполнения и рисунок продолжали совершенствоваться, но применение витражей суживается по мере того, как эпоха Возрождения предъявляет к архитектуре новые требования. Зодчий стремится к тому, чтобы внутреннее пространство здания отчетливо выступало перед зрителем, чтоб в нем было больше света.(Приложение 1.2) К памятникам архитектуры эпохи готики относятся соборы, ратуши, башни, замки и другие здания, возведенные в основном в XIII-XIV столетиях. Отдельные сооружения были начаты еще в XII веке, некоторые закончены в XVI и позднее. Готические здания сохранились во Франции, в Германии, Австрии, Испании, Италии, Чехословакии, Польше, Бельгии, Голландии, Швейцарии, Венгрии и других странах. На территории республик, входящих в состав СНГ, готическая архитектура имела слабое распространение. С архитектурой, носящей готический характер, мы встречаемся главным образом в Прибалтийских республиках - в Литве, Эстонии, а также в Латвии. 11 Нельзя все же рассматривать витражи как искусство исключительно церковное, религиозное. Помимо витражей с религиозным содержанием в готических соборах (Шартрском и других) встречаются витражи и с реалистическими сюжетами - каменщики, сапожники и другие мастера и ремесленники за работой. Такие витражи обычно приносились в дар соборам ремесленными цехами. Витражами украшались также дворцы и замки, общественные здания и жилые дома. Тематика их была преимущественно светская, сюжеты исторические, - любовные, героические, мифологические, аллегорические, геральдические, портретные, пейзажные, реже на библейские темы. Существовала и так называемая кабинетная живопись по стеклу, предназначавшаяся для украшения небольшого помещения. Техника ее исполнения та же, что и у монументальной живописи по стеклу. Кабинетное стекло не употреблялось самостоятельно, оно было цветным акцентом на сравнительно большой плоскости бесцветного, в основном узорчатого стекла. Кабинетная живопись по стеклу украшала помещение, создавала в нем уют и завершала интерьер. В средние века, когда под влиянием феодального и церковного правления убранство жилья носило весьма скромный, аскетический характер, едва ли в нем были уместны украшения из цветного стекла. Постепенно, особенно в эпоху Возрождения, искусство витража, как и вообще искусство, стало проникать в гражданские здания, где и продержалось до наших дней, достигнув высоких ступеней развития. Вибер Ж.. Живопись и ее средства. - М. 1961г. 12 1.3 Древнерусское искусство. (Иконопись) Иконопись – уникальное явление в истории мирового и особенно русского искусства. Красота и своеобразие русской иконы распознаются не сразу, для их постижения нужно многое знать. Литературные и архивные источники дают право утверждать, что первые религиозные изображения были изображены на Руси в Киеве греческими мастерами в конце X века. Они принесли на Русскую землю свой опыт разработанную ими иконографию. Вначале этого были мозаичные работы, но к началу XII века трудоемкая техника мозаики начинает заменяться фреской. Постепенно греческие типажи начинают исчезать из религиозной живописи и заменяться характерными славянскими: в лицах, одежде, в полихромии, высветлении колорита. Многоцветность русской иконописи достигла наибольшего расцвета в XV – XVI вв. под влиянием народного искусства, всегда отличающегося и многоцветием. (Приложение 1.3) Постепенно на Руси появились определенные местности, где иконописание по сравнению с другими видами ремесел являлось приоритетным и обладало особыми отличительными чертами. Московская школа возникла на основе иконописи Владимиро-Суздальской Руси XIV – XV веков. Специалисты изучают древнюю живопись Владимиро-Суздальской Руси по остаткам фресок Переславля – Залесского, Владимира и по единичным экземплярам икон, относящихся к еще домонгольскому периоду. Она отличается мягкостью письма и утонченной гармонией колорита. Расцвет Московской школы иконописи пришелся на XV – XVI века. Она впитала традиции отечественных школ и южнославянских течений, основанных на византийском искусстве. Ярким примером иконописи этого периода являются иконы «Спас Ярое Око» или «Спас Оплечный» из Успенского собора Московского Кремля. В этот период работали Феофан Грек, Андрей Рублев, Даниил Черный, Дионисий и другие. В Московской школе был великолепный разработан оригинальный стиль изображения одежд человеческих фигур. Приходится только удивляться гармонии, которую создавали старые мастера, из, казалось бы, несовместимых слагаемых: четкой «математичности» линий абриса и прихотливой фантазии в изображении складок. С годами техника темперной живописи на Руси развивалась и совершенствовалась. Мастера – иконописцы не чурались веяний религиозного искусства других стан. Во второй половине XVII века развивается так называемая «фряжская манера», в которой переплелись в единое целое стилевые особенности древнерусского и западноевропейского 13 искусства. На Русь стала проникать масляная живопись, которая, вероятно, была завезена итальянскими мастерами. Их называли фрязинами. В иконописи появляются реалистические тенденции, главным образом в писании ликов святых. Палех не пошел по пути западноевропейских влияний, но вместе с тем и не остался в рамках строгих традиций древности. Творчески перерабатывая эти две тенденции, Палех вырабатывает собственный стиль, расцвет которого приходится на XVIII век. В конце XVIII и начале XIX века пришел стиль ампир («стиль империи»), который сказался и на иконописном искусстве. Иконы стали иметь форму различных геометрических фигур – эллипсов, кругов, треугольников, главным образом в «Царских вратах» иконостасов. Нашел свое отражение в иконописании и стиль барокко. Он представлял сочетание растительных мотивов – листьев винограда, различных цветов, плодов с переплетениями геометрических фигур и ломаными линиями. В период стиля рококо, за основу которого был взят мотив раковины, иконопись обогащается сочетанием различных мотивов. Иконы этого периода не имели четко построенных рам, они могут образовывать несимметричные клейма самых разнообразных форм. При украшении иконостасов присутствует избыток золотого обогащения. В первой четверти XX века появляется повышенный интерес к русской старине. Иконные доски стали декорироваться вырезом наподобие арок, куполов или шлемов русских воинов. Однако псевдорусский стиль не принес ничего хорошего искусству иконописи. Чаще всего получалась примитивная подделка. Вначале «подновленная» древность была для зрителей привлекательной новинкой и завоевала симпатии, а затем быстро себя изжила. Этому способствовала также распространение масляной техники, которое и обеспечило снижение уровня иконописной культуры в начале XX века, перед революцией. из книги Кравченко А. С., Уткина А. П. "Икона". Москва. 1993. 14 1.4 Искусство народных художественных промыслов. (Палехская лаковая живопись, Хохломская роспись, Городецкая роспись) Палех – поселок в Ивановской области. Согласно летописям, поселение возникло еще до XV века. Первоначально Палех славился мастерами иконописи. Но к началу XX века иконописное дело почти прекратилось. В 1993 году художественный промысел возродился как лаковая миниатюрная живопись на изделиях из папье – Маше. В его основе лежат традиции древнерусской живописи, искусства иконописи: удлиненные пропорции фигуры человека, условное изображение пейзажа, зданий. Живопись выполняется темперными красками на черном лаковом фоне. Рисунок отличается выразительным силуэтом, четко и тонко прописанными деталями, применяется штриховка – «насечка» золотыми линиями. Сюжеты, фольклорные, бытовые. Палешане славились как искусные иконописцы. С ранних лет отдавали мальчиков для обучения этому ремеслу. Над иконой трудилось несколько мастеров: кто-то рисовал одежды или пейзажи, кто-то лица и руки – такого мастера называли «личник». Палехские иконописцы расписывали чудесными фресками церкви и храмы по всей России. (Приложение 1.4) Даже в Московском Кремле, в «золотой», как ее иногда называли, Грановитой палате работали мастера из Палеха – братья Белоусовы. Но время шло, искусство Палеха оказалось вдруг никому не нужным. Обиделись многие художники и уехали из родных мест в поисках лучшей доли. «Палех уже умирает или вымирает, его не воскресить», - еще в 1901 году писал А.П. Чехов. Новую славу Палеху принесло искусство лаковой живописи на шкатулках из папье–маше. И живы традиции старинных мастеров – иконописцев. Реальные, настоящие герои представлены на миниатюрах в образе былинных витязей. Так соединяется сказка с былью, фантазия с действительностью. Пишут палехские мастера яркими темперными красками, иногда густыми, плотными мазками, а чаще – тонкими, подобно акварели, прозрачными слоями – «плавью», как говорят палешане Золотые блики, орнаменты расцвечивают миниатюру, и шкатулочка из папье-маше превращается в драгоценную, чудесную, сказочную вещь. Хохломская роспись. Уже в XVII веке в селе Хохлома проходили ярмарки, где торговали деревянной расписной посудой, изготовленной в селах и деревнях Нижегородского края. Хохломская роспись отличается характерным сочетанием золотого цвета с черным, красным, зеленым, иногда коричневым и оранжевым. Изображение растений, ягод, 15 плодов, птиц и рыб образует прихотливый узорный орнамент. Секрет «золота» Хохломы – применение алюминиевого покрытия, сверху наносится рисунок и лак. Изделие высушивается при температуре 100 – 120 градусов. Под действием температуры лак приобретает желтоватый оттенок, и сквозь него «золотом» сверкает алюминиевый слой. Современные хохломские изделия – посуду, мебель, сувениры – создают мастера фабрики «Хохломской художник» и объединения «Хохломская роспись», что в Нижегородской области. А сделать настоящую хохлому совсем не просто. Сначала мастер вырезает из дерева заготовку – будущую чашу. Потом сушит ее и покрывает тонким слоем глины. Похожа теперь чаша на глиняную, что гончары лепят. А потом еще надо ее льняным маслом пропитать. А золота для «золотой хохломы» и не требуется! Этот секрет знали еще иконописцы Древней Руси. Вместо дорого золота, натирают чашу оловянным или алюминиевым порошком. Чаша блестит, будто серебряная. Художник мягкой кистью рисует затейливый орнамент. Потом чашу покрывают лаком и ставят в печь. Не кашу варить, а для просушки, для «закалки». И происходит чудо: деревянная расписная чаша становится золотой, с нарядным, красочным рисунком! Тут и алые гроздья рябины, и спелая ягодка земляники, и завитки трав и листьев. И главное – мерцающий золотой фон. Городецкая роспись. Этот народный художественный промысел сложился к середине XIX века в старинном волжском городе Городце, известном по летописям с 1152 года. Городец славился резчиками по дереву, умелыми карабелами. Обычай украшать предметы быта, прялки, ставни домов, ворота резьбой и инкрустацией послужил источником рождения народного промысла. Особенности Городецкой росписи – чистые, яркие краски, четкий контур, белые штрихи, создающие условный живописность. Городецкие мастера изображают не только объем и растительный орнамент, сказочных персонажей, но и жанровые сценки. В начале XX века промысел возродился. С 1938 года работает артель, с 1960 года – фабрика «Городецкая роспись». Городецкие мастера украшали донца прялок резьбой, инкрустацией, а потом стали расписывать яркими масляными красками. По традиции, в верхней части прялки изображалось Древо жизни и всадники. А в нижней – разные сценки из повседневной жизни: чаепитий, катания на лодках и каруселях… Чинно сидят дамы в нарядных платьях, кавалеры в сюртуках – то ли праздник какой, то ли свадьба. А на циферблате часов, они тоже на рисунке присутствуют, стрелки время показывают. Расцветают на прялках цветы – купавки, красные розы – яблоки. Крутится веретено в ловких пальцах пряхи. 16 Со временем Городецкие мастера стали расписывать не только прялки, но и ларцы – шкатулки, сундуки, мебель, посуду и деревянные игрушки. Городецкая роспись – веселая, праздничная. Цвета – черный, красный, синий, зеленый, коричневый, белый – на любой вкус! Бакушинский А.В. Исследования и статьи. - М. 1981г 17 1.5 Искусство XX века. (Авангард) Авангард (фр. avant-gardisme - впереди и стража) - общее название художественных направлений 20 века, для которых характерны поиск новых, неизвестных, часто штучных форм и средств художественного отображения, недооценка или полное отрицание традиций и абсолютизация новаторства. Рожденный духовной атмосферой 20 века с его грандиозными катаклизмами, иллюстрирует не только противоречия между разными системами и техниками композиции, но и борьбу мировоззренческих позиций. Одни теоретики и практики авангардизма декларируют создание элитарного искусства, чуждого социальным задачам, другие, наоборот, ищут принципиально новые выразительные средства для передачи настроений социального протеста, революционного содержания. Выделился главным образом не в законченных формах, а в тенденциях к вытеснению традиционных тем, сюжетов и принципов композиции, гипертрофии условности, сильной (звуковой, цветовой, пластической и другой (Приложение 1.5)) экспрессивности. Характеризуется также разрушением объективно обусловленных границ между видами и жанрами (проникновение поэзии и музыки в прозу и "прозаизация" поэзии, перенесение принципов музыкальной композиции на литературу и изобразительное искусство Противоречивая природа авангардизма обозначилась в тяготении одних его направлений к формализму (победа словесной образности и символики над содержанием в поэзии и прозе, акцентация колорита, композиционной структуры и бессюжетность в живописи, атональность и какофония в музыке), а других, наоборот, - к отрицанию эстетической сути искусства и утилитаризму (слияние искусства с производством, бытом и политической публицистикой). В своих крайних формах смыкается с декадентством, модернизмом, абстрактным искусством. Талантливые представители авангардизма нач. 20 века (футуризма, имажинизма, конструктивизма и др.), которые последовательно придерживались прогрессивного мировоззрения, смогли преодолеть узкие рамки этих направлений и обогатили культуру новыми художественными ценностями. Выготский Л.С. «Технология искусства». – М. 1966г. 18 Глава II. Исследовательская часть. 2.1 Исследование методов стилизации в ретроспективе изобразительного искусства Рассмотрим художественное средство, применяемое в изобразительном искусстве художниками – это средство – стилизация природных реалистических форм. Проследим его эволюцию в ретроспективе изобразительного искусства. Чтобы рассмотреть какое либо явление, нужно в начале дать ему определение, чтобы не было разночтений. Стилизация – это изменение формы и предмета в сторону упрощения или усложнения с сохранением его значимых характерных форм. Все несущественные, случайные детали отбрасываются, а характерные особенности усиливаются, подчеркиваются. Не что иное, как стилизация – есть древнеегипетские изображения (скульптура, знакопись рельефов). Стилизация эта проявляется, как в условиях трактовке форм ( в частности формы человеческого тела), так и в оригинальном каноне, фиксирующем каждую часть тела в наиболее выразительном ракурсе (например: лицо – в профиль, глаза – в фас, плечи – в фас, ноги – в профиль и т.п.). Изумительные предметы женского туалета (ложечки, гребни, украшения) подтверждают, умение египтян создавать декоративные формы, используя метод стилизации. (Лосев А.Ф. «Очерки античного символизма и мифология» - М.1993г.) Египтяне первыми изобрели стекло, а в Витражном искусстве изображение выполнено на отдельных кусочках стекла. Тем самым можно сказать, что Витраж взял начало из Древне Египетского искусства. Подтверждается тезис, что стилизация природных форм – это средство не только изобразительного, но и декоративно-прикладного искусства. Яркий пример стилизаций – готические витражи в средневековых храмах. Сам материал задает достаточно жесткие условия: витраж состоит из отдельных цветных стекол, соединенных свинцовой оправой. Следовательно: а) изображение должно быть разбито на крупные плоскости; б) силуэт изображения должен быть ясным, простым, легкочитаемым на расстоянии; в) диапазон цветовых и тоновых градаций ограничен. Все эти особенности указывают на то, что реальная действительность может быть перенесена на витражи, только будучи стилизованной. Рассмотрим произведения народных мастеров и традиционных художественных промыслов (Хохлома, Городец, Палех и т.д.). В своих работах народные мастера реальный 19 мир и природу стилизуют, упрощают. В иконописи изображение плоское, вытянутое, что схоже с искусством народных промыслов. Технология изготовления икон тесно связана с традиционными художественными промыслами. Во всех работах народных мастеров присутствует декоративность – сознательно допустимый отход от натуры в изображении. Иконопись – это одна из форм декоративной живописи, в которой присутствует стилизация форм и знаковость в изображении (цвет, линия, формы). В изображении народных промыслов присутствуют яркие светлые оттенки, что очень сходно с Иконописью. Можно сказать, что Витраж и Иконопись между собой похожи. Витраж в начале нес религиозный характер, так же как и Иконопись, но в отличии от Витражей, икона всегда несла религиозный сюжет. Изображение в иконописи плоское, такое же, как и в Витражах. На изображениях показаны сцены из жизни, что объединяет все эти виды изобразительного и декоративно – прикладного искусства. В последующие три века (VI – VIII вв.) художники в основном занимались иллюзорным изображением объема на плоскости холста, используя науки о линейной, воздушной и цветовой перспективах. Проведя исследование на основе развития стилизации в ретроспективе изобразительного искусства, пришли к выводу, что она совершенствуется со временем, становится более сложной, а также присутствует во всех видах искусств. 20 Глава III. Практическая часть 3.1 Использование методов «стилизации» в современном искусстве Вопрос об искусстве будущего, волновавший умы на пороге XX века, перешел с уровня теоретического обсуждения на уровень практической задачи. Все, кто оказался причастен к этому движению, были убеждены: новая эпоха - новая жизнь - новое искусство – «Все заново!» В XIX веке искусство стало перед жизнью, потому что оно перестало быть внутри жизни. Щиты, которыми защищался индивидуализм, были почерк, маска и имя. Благодаря установившейся форме картины художник перестал быть пересоздателем материальной сферы, окружающей человека, и стал только ее описателем, ее портретистом. Ложь современной живописи не в ее приемах и методах, а в том, что она обречена на единственную форму воплощения: картину, написанную масляными красками и заключенную в раму, картину, которая абсолютно чужда обстановке и архитектуре современного жилища. Выход же из современного положения искусства, заключал М. Волошин, лежит в основной задаче всего искусства. Задача искусства лежит не в том, чтобы быть зеркальным отражением своей эпохи, а в том, чтобы в каждый момент преображать, просветлять и творить окружающую природу. Конечная цель искусства в том, чтобы каждый стал пересоздателем и творцом окружающей природы, будь он творцом или ступенью самосознания художественного произведения. Фактически в начале века уже сложился и вошел в культурное сознание критический взгляд на отрыв искусства от жизни. Что рождало в качестве антитезы проекты возвращения искусства и в том числе - идею искусства - творчества жизни. Если новое искусство понятно не всем, это значит, что средства его не являются общечеловеческими. Искусство предназначено не для всех людей вообще, а только для очень немногочисленной категории людей, которые, быть может, и не значительнее других, но явно не похожи на других. На протяжении XIX века художники работали слишком нечисто. Они сводили к минимуму строго эстетические элементы и стремились почти целиком основывать свои произведения на изображении человеческого бытия. Здесь следует заметить, что в основном искусство Творения подобного прошлого столетия было, так или иначе, реалистическим. рода лишь отчасти являются произведениями искусства, художественными предметами. Чтобы наслаждаться ими, вовсе не обязательно быть чувствительными к неочевидному и прозрачному, что подразумевает художественная 21 восприимчивость. Достаточно обладать обычной человеческой восприимчивостью и позволить тревогам и радостям ближнего найти отклик в твоей душе. Отсюда понятно, почему искусство XIX века было столь популярным: его подавали массе разбавленным в той пропорции, в какой оно становилось уже не искусством, а частью жизни. Вспомним, что во все времена, искусства, одно для меньшинства, другое когда существовали два различных типа для большинства, последнее всегда было реалистическим. Вот почему новое искусство разделяет публику на два класса - тех, кто понимает, и тех, кто не понимает его, то есть на художников и тех, которые художниками не являются. Новое искусство - это чисто художественное искусство. В искусстве любое повторение бессмысленно. Каждый исторически возникающий стиль может породить определенное число различных форм в пределах одного общего типа. Но проходит время, и некогда великолепный родник иссякает. Таким образом, взгляд на утрату творческой связи художника с жизнью, негативная оценка современной среды, формирующейся без участия художника, и общая идея искусстватворчества жизни - в ряду предпосылок, определивших существенные особенности постановки этих вопросов и после Октября. Приведем примеры использования в современном искусстве методов стилизации. Последующие годы вносят в технику витража немаловажные новшества. Широкое распространение получает, прежде всего, прием "grisaille" (гризайль) - от французского слова "gris" (серый). Он состоит в нанесении рисунка одной краской, черной или коричневой, во всех тональных переходах, от темного до светлого. Для коричневого цвета применяется уже известный нам шварцлот, в качестве черной краски используются подобные же составы, содержащие смесь различных металлических окислов. Принципиально эти краски ничем не отличаются от обычных, применяющихся для живописи по стеклу и фарфору. В манере "гризайль" исполнялись на стекле сложные орнаментальные композиции, напоминавшие узоры на тканях или коврах. Иногда они оживлялись введением отдельных ярких, красочных пятен. Не меньшее значение в развитии витражной техники имело и второе нововведение - изобретение так называемой желтой серебряной краски для стекла (Kunstgelb или Silbergelt). Противоречивая природа авангарда обозначилась в тяготении одних его направлений к формализму, а других, наоборот, - к отрицанию эстетической сути искусства и утилитаризму. В своих крайних формах смыкается с декадентством, модернизмом, абстрактным искусством. Талантливые представители авангардизма нач. 20 века (футуризма, конструктивизма и др.), которые последовательно придерживались 22 прогрессивного мировоззрения, смогли преодолеть узкие рамки этих направлений и обогатили культуру новыми художественными ценностями. Сквозь века идея искусства всякий раз, в каждом своем явлении в чем-то иная. Так как по-разному осознаются и видятся творчество, культура, жизнь, трактовки, которые теснейшим образом взаимосвязаны. В современном искусстве стилизация нашла применение: в рекламе, в политических плакатах, в пропагандистских и сатирических плакатах, в вывесках, афишах, в разнообразных этикетках, в символике, в декоративно - прикладном искусстве, в монументальной живописи и т.д. Выготский Л.С. «Технология искусства» М. 1966г. 23 3.2 Рекомендации о применении результатов исследования при решении учебно-творческих задач на уроках изобразительного искусства Применяя результаты исследования, реалистическое изображение натюрморта, используя методы стилизации, преобразуем в декоративное решение. Берем наш натюрморт и пытаемся показать, как бы он выглядел в Египетском стиле. Искусство Древнего Египта не было одинаковым во все времена. Художники и скульпторы становятся смелее, стараются живее и с большей жизненной правдой изобразить все то, что их окружает, передать движение, естественные разнообразные позы людей, пейзаж. (Приложение 1.6) Используя тот же натюрморт, преобразуем его в стиле Витражей, а так как основными особенностями витражей является декоративность и яркая красочность прозрачных стекол, обобщенность и лаконичность рисунка, графический прием изображения, носящего плоскостной характер, делаем это следующим образом, разбиваем натюрморт на части и оформляем его в цвете. ( Приложение 1.7) Этот же натюрморт перерабатываем, используя иконописные традиции. Иконопись – это одна из форм декоративной живописи, в которой присутствует стилизация форм и знаковость в изображении. Изображение на нем плоское, не объемное. (Приложение 1.8) Другой натюрморт мы стилизуем, используя традиции характерные для традиционных художественных промыслов, Палеха. Техника росписей идет от традиций древних фресок. В своих монументально - декоративных росписях палешане используют яичную темперу - краски, растворенные на яичном желтке. Мы выполняем этот натюрморт в ярких оттеночных тонах. (Приложение 1.9) После этого мы стилизуем данный натюрморт под Авангард. Рождённый духовной атмосферой 20 века с его грандиозными катаклизмами, иллюстрирует противоречия между разными системами и техниками композиции. Выделился главным образом не в законченных формах, а в тенденциях к вытеснению традиционных сюжетов и принципов композиции. Во все натюрморты внесены черты характерные тем видам искусств, в которые их перерабатывали. Дополняли их различными качествами данных искусств. Хотелось показать, как будет выглядеть один и тот же натюрморт в разных стилях: Древний Египет, Готический Витраж, древнерусская Иконопись, Палехская лаковая живопись, Авангард XX века. 24 Рекомендуем результаты исследования применять при решении учебно-творческих задач на уроках изобразительного искусства. Эти результаты помогут учащимся проявить индивидуальные качества, научиться создавать новые формы и подходы к изображению, творчески переосмыслить их, иметь возможность создания образного решения в декоративном рисовании и декоративно – прикладном искусстве используя метод стилизации реалистических форм, предоставив наглядное приложение. 25 Заключение Проведена исследовательская работа, связанная с различными методами стилизации в разных видах искусств, от искусства древнего Египта до современного искусства XXв. Проследив за эволюцией стилизации, начиная с Египта и заканчивая. Авангардом, более подробно изучив, каждый вид искусства, смогли более глубоко понять и разобраться в развитии художественной стилизации в изобразительном искусстве. Ознакомившись со всеми видами искусства, решили сравнить их на основе исследования. Проведя исследование стало понятно, что искусство не стояло на одном месте, оно менялось и совершенствовалось с течением времени, постепенно усложняясь. Также на основе проведенного исследования изготовили наглядное пособие стилизации. В основе создания наглядной стилизации легли принципы и характерные особенности тех времен. Подведя итог можно сказать, что поставленные задачи - выполнены, суть, и содержание научной работы - раскрыты. Результаты исследования рекомендуется использовать при создании современных композиций на основе стилизации природных форм на школьных уроках изобразительного искусства. 26 Литература 1. Алексеева В.В. «Что такое искусство» М. Советский художник. 1973г. 2. Бакушинский А.В. Исследования и статьи.- М. 1981г. 3. Вибер Ж. Живопись и ее средства. М. 1961г. 4. Выготский Л.С. «Технология искусства» М. 1966г. 5. Декоративная живопись: Методические указания. Екатеринбург: Издательство Уральского профессионального педагогического университета, 1999 г. 23с. 6. Кравченко А.С., Уткина А.П. «Икона».-М. 1993г. 7. Лосев А.Ф. «Очерки античного символизма и мифология» М.1993г. 8. Неменский Б.М. Мудрость красоты.- М. 1987г. 9. Щербаков В.С. Изобразительное искусство. Обучение и творчество. - М. 1969г. 27 Приложение 1.1 Охота на Ниле. Погон быков. 28 Приложение 1.2 Красочный купол, выполненный в стиле витража. 29 Приложение 1.3 Рождение Христа. 30 Приложение 1.4 Жертвоприношение царя Соломона. Фрагмент янтарной фрески. 31 Приложение 1.5 Корова и скрипка. 32