Тема: «Развивающие интегрированные технологии и формы

Тема: «Развивающие интегрированные технологии и формы интегрированного
обучения. Интегрированные уроки музыки и живописи.»
Живопись и музыка – это различные виды искусства, которые сильно воздействуют
на эмоциональное состояние человека. Они вызывают широчайший спектр эмоций – от
спокойного сопереживания до бурных восторгов или полного неприятия. Для выражения
впечатлений часто используют несовместимые на первый взгляд категории: «окрашенный
звук», «светлая мелодия», «красный или серебряный звон», «звучание красок» и др.
Каждое понятие, заимствованное из одной сферы, обогащает и усиливает
понятийную сферу другой. Существуют также общие законы и правила построения
музыкальных изобразительных произведений: симметрия, динамика, центр композиции,
акценты, ритм, тональности. «Звуки и цвета являются символами душевных одинаковых
переживаний» /В.Г.Короленко/. Общие законы и позволяют объединять звук и цвет,
музыку и живопись.
Родство музыки и живописи ощущалось ещё в древние времена. Первые шаги к
сближению разных сфер искусства сделали художники. Они изображали своих на своих
работах певцов и музыкантов. О красоте исполняемых мелодий зритель мог судить по
душевным переживаниям, отражённым на лицах исполнителей. Завораживающая сила
звуков передавалась также выразительной пластикой и динамикой поз музицирующих
людей.
Примеры тому многочисленны. Приведём лишь некоторые из них. Венецианский
художник Бернардо Строцци в 1640 г. написал картину «Лютнист», на которой изобразил
находящегося во власти музыки молодого музыканта с красивым и вдохновенным лицом.
Длинные утончённые пальцы играющего человека перебирают струны, издающие
чарующую мелодию.
Английский художник Томас Гейнсборо (1727-1788) часто рисовал аристократов с
музыкальными инструментами. Живописец для своих работ выбирал завершающий
момент их музицирования, когда взгляд изображаемых ими людей был как бы обращён в
сторону улетающей мелодии, а слух продолжал улавливать последние затухающие звуки.
К музыкальной теме обращались многие художники разных стран и времён.
Известны работы Д. Халса «Домашний концерт», В. Боровиковского «Портрет сестёр А.Г.
и В.Г. Гагариных», В. Тропинина «Гитарист», П. Федотова «Портрет Н.П. Жданович», П.
Пикассо «Три музыканта» и др.
Но одно дело изобразить музицирующих исполнителей, а другое – увидеть саму
музыку. Попытки осуществить этот замысел впервые были предприняты русским
композитором А.Н. Скрябиным и литовским художником М.К. Чюрленисом (но каждым
по-своему). Произошло это почти в одно время – в конце XIX начале XX веков.
Композитор А.Н. Скрябин написал симфонию «Прометей», исполнение которой
сопровождалось вспышками света различной окраски. С помощью пространственно
организованного света воплотилась идея воспринимать музыкальное произведение уже
двумя органами чувств – и слухом и зрением. Желание слышать и видеть одновременно
созданную композицию привело к рождению нового направления – светомузыки. В
фейерверке звуков и красок происходит воздействие на зрителя, на его эмоциональное
состояние (кстати этот эффект используют сейчас многие рок- и поп-группы).
Композитор и художник М.К. Чюрлёнис стал основоположником музыкальной
живописи. Свои впечатления от сонат, фуг, прелюдий он выразил с помощью красок и
создал созвучный им мир зримых образов. Плоскость картин позволяет как бы остановить
музыку во времени для её обозрения.
Картина «Арфа» Чюрлёниса изображает опушку леса со склоненными деревьями,
напоминающими струны арфы. К синтезу живописи и музыки здесь добавляется
пантеистическая идея.
Художники, последователи Чюрлёниса, создают новые стили для написания своих
красочных полотен. При этом звук и цвет словно сливаются в одно целое и рождаются
творения, помогающие глубже познать гармонию мира.
При этом у каждого автора своё видение услышанного.
В своё время И. Ньютон сопоставил цвета спектра и музыкальную октаву. На его
чертежах холодные части спектра соответствовали более низким звукам, тёплые-высоким.
Развивая эту идею
дальше, можно заменить черно-белые значки на нотном стане
разноцветной графикой, то есть каждую ноту обозначить соответствующей цветной
полосой. Это даст возможность увидеть мелодию и получить более объективную
цветовую картину звучащей музыки. При этом высота звуков первой октавы будет
соответствовать цветовой гамме всего спектра. Для других октавные тона цвета
(светлоты) будут адекватны изменению других тонов, а ширина полосы-длительности
ноты. Паузу можно обозначить белыми полосами (отсутствие цвета), fortissimo (громко) –
более высокими полосами, pianissimo (тихо) – полосами меньшей высоты.
Изменение длительности ноты приведёт к изменению ширины красочной линии.
Например, ширина для целой ноты будет в 4 раза больше четвертной и в 8 раз-восьмой.
Лига главный переход одного цвета в другой. Знаки альтерации.
Тёплые оттенки создаются добавлением к основному цвету красной и желтой
красок. Холодные - синей краски.
Интересно проводить уроки синтезирования музыки и живописи с учащимися
общеобразовательных школ.
Вначале ученикам предлагается выполнить натюрморты с музыкальными
инструментами, т.е. изобразить музыкальную атрибутику. Натюрморты выполняются
акварелью в технике la prima по влажной бумаге или гуашью пастозно.
Затем ребята красками рисуют музыкантов, танцоров, певцов, выстраивая сюжеты
на тему «Концерт». Важно отмечать работы, в которых не просто изображается, но и
выражается связь с временными искусствами – когда позы артистов не являются
статичными, а их движения передают ритм исполняемых произведений. Цветовые
решения костюмы и сцены также соответствуют поставленной цели – увидеть мелодию.
Яркие контрастирующие оттенки тканей – вспышки света в виде разноцветных
пятен или мягкий нежный колорит передают характер изображаемой музыки.
На следующем этапе – создание музыкальной живописи в её символической или
абстрактной форме – детской фантазии не было предела. Просмотр по видеомагнитофону
симфонических и эстрадных концертов, прослушивание песен в исполнении русских и
зарубежных артистов привело к созданию интересных не стандартных работ. С каждой
новой мелодией нетрадиционной этюды становились все более и более смелыми.
Цветовые мазки ложились на плоскость бумаги в соответствии с чувствами,
рождающимися в сердцах детей. Живопись была динамичной, не ограниченной рамками
заученных правил. Забывая об обычных формах и объёмах, юные художники
самозабвенно как бы растворялись в льющихся звуках и создавали не закрепощенные
художественными штампами цветные композиции. Для этого ими использовались
акварель, гуашь, фломастеры и пастель.
Экспериментируя, ученики постигали сущность и право на достойное
существование творческих методов живописи, рожденных в сфере абстракционизма и
авангардизма.
Изображение же мелодии в виде музыкальной графики предлагалось для тех детей,
которые были знакомы не только с основами цветоведения, но и с нотной грамотой.
Простые музыкальные произведения, изображенные графически, представляются
ученикам уже совсем в ином виде. История говорит нам о том, что изображение
музыкальных звуков началось с рисования человечков в разных позах. Затем
использовались буквы, невмы (точки, черточки, запятые). После изобретения нот и
нотоносца музыкальная запись практически не менялась, но абстрактность её «чернобелых значков» создает определенные трудности для детей. Цветовая запись нот,
возможно, будет восприниматься лучше, быстрее запоминаться, она облегчит процесс
обучения, а в создании соединит цвет и музыку.