М. Каховская - Трактовка жанра в мюзикле «Notre Dame de Paris
advertisement
Министерство культуры Астраханской области ОГБОУСПО «Астраханский музыкальный колледж им. М.П.Мусоргского» Отделение «Теория музыки» Каховская М. Трактовка жанра в мюзикле «Notre Dame de Paris» – «Собор Парижской Богоматери» (дипломный реферат) Руководитель: Преподаватель ПЦК «Теория музыки» Астраханского музыкального колледжа им. М.П.Мусоргского, кандидат искусствоведения, доцент Калиниченко Н.Н. Астрахань, 2012 Содержание Введение..............................................................................................с.3 Трактовка жанра в мюзикле «Notre Dame de Paris» – «Собор Парижской Богоматери»………………………………….с.8 1. Мюзикл Р. Коччианте и Л. Пламондона в контексте французской истории и французского театра………....с.8 2. Трактовка романа в мюзикле «Notre Dame de Paris»…………………………………..с.16 3. Композиционное строение и драматургия мюзикла……………………………………………….....с.19 Заключение…………………………………………………………..с.29 Нотные примеры…………………………………………………….с.31 Литература…………………………………………………………...с.123 Приложения………………………………………………………….с.124 I. Биографические сведения о создателях и исполнителях мюзикла…………………………………………………...с.124 2 Введение Что же такое мюзикл? Современная музыкальная наука определяет мюзикл как музыкальносценическое произведение, в котором переплетаются диалоги, песни, танцы, при этом сюжет, как правило, не замысловат1. Более полное определение находим в сценический Советской жанр, энциклопедии: использующий мюзикл – выразительные это «музыкально- средства музыки, драматического, хореографического и оперного искусства. Их сочетание и взаимосвязь придали мюзиклу особую динамичность, характерной чертой многих мюзиклов стало решение серьезных драматургических задач несложными для восприятия художественными средствами»2. Слово «мюзикл» (Musical) – это сокращенная форма понятий музыкальная комедия (Musical comedy) и музыкальная пьеса, музыкальное представление (Musical play). Комедийность - отнюдь не обязательное качество мюзикла, особенно в последнее время. Предшественниками мюзикла были оперетта, комическая опера, водевиль, бурлеск. Как отдельный жанр театрального искусства, мюзикл долго не признавался и до сих пор признается не всеми. Жанрам искусства свойственно развиваться, и оперетта не раз меняла свою национальную и жанровую специфику. Сентиментально- мелодраматические оперетты И. Кальмана и Ф. Легара так не похожи были на венскую оперетту конца XIX века, а музыкальные комедии русских авторов так отличались от западной продукции, что порою тоже давали повод говорить о них как о новом жанре. Слова "это не оперетта" были отлично знакомы многим опереточным авторам XX века. Но конкретно в американском музыкальном театре произошел тот качественный скачок, который позволяет многим воспринимать мюзикл как самостоятельный 1 2 Минакова А., Минаков С. Всеобщая история музыки. – М., «ЭКСМО», 2010. Кампус Э. О мюзикле. – Л., «Музыка», 1983. 3 сценический жанр, хотя и находящийся в отношениях близкого родства и преемственности с опереттой. Мюзикл — один из наиболее коммерческих жанров театра. Это обусловлено его зрелищностью, разнообразием тем для постановки, неограниченностью в выборе средств для выражения образов актёров. Работа над каждым проектом начинается с написания пьесы, поскольку мюзикл - постановочный жанр в нём пением и танцами, нередко используются массовые сцены с применяются различные спецэффекты. Постановку пьесы осуществляет не только режиссер-постановщик, нельзя обойтись без участия балетмейстеров, специалистов по пению и др. По форме мюзикл чаще всего представляет собой двухактовый спектакль. Внутри себя он может строиться по двум принципам: 1) музыкальные номера сочетаются с разговорными диалогами (Ромео и Джульетта, Маленький принц); 2) действие складывается исключительно из музыкальных номеров, а диалоги в принципе отсутствуют (Собор парижской Богоматери). Мюзикл в большей степени представляет собой театральную форму, в которой музыка является одним из средств музыкально-сценического монтажа, наряду с хореографией, пластикой, постановочными эффектами и т. д. В мюзикле главное место отводится пьесе, то есть литературному материалу. Показательно, что в США и в странах Европы мюзиклы часто отмечаются разного рода литературно-театральными премиями. Высокий литературный уровень большинства мюзиклов в значительной степени определяется тем обстоятельством, что в качестве их сюжетной основы принято использовать известные, выдающиеся произведения классической и современной литературы. Первоисточниками мюзиклов стали сочинения Т. Плавта, У. Шекспира, М. Сервантеса, Ф. Вольтера, Ч. Диккенса, Б. Шоу, Ф. Мольнара, С. Шолом-Алейхема, Ю. О'Нила, а также современных американских писателей - Т. Капоте, Т. Уайлдера, Э. Райса, М. Андерсона и 4 других. Лучшие либретто мюзиклов отличаются интересной проблематикой, оригинальными характерами, блестящими кульминациями, высокопоэтичными диалогами, песенными стихами. эффектными Поэтому о драматургах и композиторах мюзиклов обычно говорят и пишут, как о равных партнерах. Часто большую роль играют диалоги (при "вырезании" всех музыкальных номеров из мюзиклов на одних только диалогах можно построить полноценный спектакль), а музыка более проста и приближена к современной эстраде. Танцы являются не просто "обрамлением" постановки они представляют собой неотъемлемую часть сюжета, не даром часто постановка мюзиклов осуществляется хореографами. В мюзикле и вокальные, и танцевальные номера не останавливают действие, а напротив продолжают его. Мюзиклам свойственна насыщенность действием. Этому подчиняется все: каждая реплика и музыкальный номер, любое танцевальное па и комическая реприза. Вокальные и танцевальные сцены должны непосредственно вырастать из действия и его развивать. Они должны быть необходимы, то есть внутренне мотивированы. Мюзикл рассчитывает на актеров универсальной одаренности или, как иногда говорят, «синтетических», то есть обладающих способностью синтезировать, объединять разного рода профессиональное умение - речь, мимику, пение, пластику, танец, подчиняя их единой линии сценического поведения, задаче создания цельного образа. Подобная универсальность встречается у актеров разных жанров и специальностей. Требование универсальности предъявляется мюзиклом не только к «звездам», но и ко всему ансамблю. Действенные, тщательно разработанные ансамблевые сцены более всего поражают слушателей. В конце 60-х годов XX века меняются представления о мюзикле как жанре. Ведь появляются новые музыкальные веяния и течения - например, становится популярной рок-музыка. Итак, именно в это время зарождается такая разновидность мюзикла, как рок-опера (rock opera). Этот термин 5 изобрёл Пит Тауншенд, лидер рок-группы The Who, выпустившей в 1969 году пластинку "Томми" (Tommy) и указавшей "Rock opera"на её обложке. Проще говоря, рок-опера - это "мюзикл, музыкально-сценический жанр, использующий структурные принципы традиционной оперы в сочетании со стилистикой рока". Художественные особенности мюзикла тесно связаны с американской театральной традицией и существующей в США практикой театрального дела. Безудержная рекламная шумиха вокруг занятых в спектакле «звезд», постановщиков, продюсеров - неизбежные спутники мюзикла, как и стремление всеми средствами популяризации превратить его мелодии в общемировые шлягеры. Традиционный взгляд на мюзикл, как на искусство развлекательное, отнюдь не исключает того объективного факта, что это искусство служит своеобразным зеркалом общественной жизни. Художественные завоевания мюзикла позволили ему стать достоянием не только какой-то одной нации, но и оказывать серьезное воздействие на современный музыкальный театр. Англо-американская монополия мюзиклов прекратилась в 1985 году, когда на лондонской сцене состоялась премьера французской постановки "Отверженные" по мотивам одноименного романа Виктора Гюго. Авторами являются композитор Клод-Мишель Шонберг и либреттист Ален Бублиль. Массовое "производство" собственных мюзиклов начинается по всему миру - сейчас их количество даже невозможно хоть примерно подсчитать. Поначалу во Франции мюзиклы пошли иным путем: они были менее зрелищны и обходились минимумом декораций (по сравнению с бродвейскими) и в целом больше напоминали концерты нескольких эстрадных певцов. Именно Notre Dame de Paris вернул популярность мюзиклам во Франции. Со временем вкусы менялись, и в последние годы Франция представила красочные, в плане костюмов и декораций, музыкальные спектакли. И с тех пор, практически каждый год появляется мюзикл, который 6 обязательно заполняет полные залы зрителей, его труппа гастролирует по всей стране. Франция становится гарантом качества в этом жанре. К примеру, «Легенда Джимми» → «10 заповедей» → «Маленький принц» → «Ромео и Джульетта» → «Король-солнце» → «Розовый солдат» → «Кирику и колдунья» → «Mozart L'Opera Rock» → «Дон Жуан» → "Однажды...Джо Дассен" и т.д. Все чаще в качестве сюжетов начинают использоваться биографии и творчество известных музыкантов и творческих групп. Можно по-разному относиться к мюзиклу, но нельзя не осознавать, что он стал неотъемлемой частью современной культурной жизни. Каждый год появляются всё новые и новые мюзиклы. Для этого жанра нет никаких преград – ни языковых, ни географических, ни каких-либо еще. Хотя такой вид искусства достаточно молод, ему уже пророчат блестящее будущее… Цель настоящей работы заключается в том, что бы выяснить историческое значение французского мюзикла в эволюции этого жанра. Материалом изучения является мюзикл Риккардо Коччианте и Люка Пламандона "Notre Dame de Paris". Достижение этой цели потребует решения нескольких задач: 1) проследить эволюцию жанра "мюзикл"; 2) выяснить трактовку романа в мюзикле "Notre Dame de Paris "; 3) определить особенности композиционного строения и драматургии мюзикла "Notre Dame de Paris ". Решение таких задач возможно только в процессе изучения разных видов художественного творчества. 7 Трактовка жанра в мюзикле «Notre Dame de Paris» – «Собор Парижской Богоматери» Мюзикл Р. Коччианте и Л. Пламондона в контексте французской истории и французского театра Мюзикл «Собор Парижской Богоматери» невозможно представить за пределами французской культуры. Как и роман Гюго, так и мюзикл крепко связаны с историей и культурой Франции, и особенно с Собором. Собор Парижской Богоматери, без сомнения, самый известный собор Франции. Во Франции любая дорога ведет к собору Парижской Богоматери. Еще в XVIII веке географы решили все расстояния измерять от «сердца Парижа» - Нотр Дам де Пари. Веками собор Парижской Богоматери был главным центром городской жизни: здесь короновали императоров и заседал первый парламент Франции, проводились королевские бракосочетания и отпевания, богачи сдавали сюда на хранение свои ценности, а нищие искали здесь приют. Ныне его ежегодно посещает около 13 миллионов туристов – это больше чем Версальский дворец и Мон-Сен-Мишель вместе взятые. В средние века Нотр Дам де Пари был Библией для неумеющих читать – вся история христианства от грехопадения до Страшного суда наглядно расписана в многочисленных скульптурах, украшающих здание. А жутковато-причудливые химеры и гаргули, наблюдающие с крыши за бесконечным потоком прихожан, собрали невероятное количество легенд и мифов о тайном смысле символики мистического храма. Эзотерики считают, что здесь зашифрован код оккультных учений. Виктор Гюго назвал собор Парижской Богоматери "наиболее удовлетворительным кратким справочником оккультизма". Начиная с XVII века исследователи пытались расшифровать секрет философского камня, который по легенде, закодировали средневековые алхимики в его архитектуре. 8 Другие легенды рассказывают о дьявольском участии в строительстве храма. Кузнецу Бискорне поручили выковать самые красивые фигурные ворота для собора Парижской Богоматери. Не в силах выполнить заказ, кузнец призвал на помощь дьявола. Утром, когда служитель Нотр Дама пришел посмотреть эскизы будущих ворот, он застал кузнеца без чувств, а перед ним сиял шедевр с ажурными узорами невиданной красоты. Ворота установили, врезали замки, но тут оказалось, что их невозможно открыть! Замки поддались только после окропления святой водой. Парижский историк Анри Соваль, исследовавший в 1724 году происхождение узоров на воротах, которые не похожи ни на кованные, ни на литые, сказал: «Бискорне унес эту тайну с собой, так и не раскрыв ее, то ли опасаясь, что секрет изготовления будет украден, то ли боясь разоблачения, ведь никто не видел, как он ковал ворота Нотр Дам де Пари». Собор построен на месте языческого храма, где римляне поклонялись Юпитеру в I веке. Позже, в 528 году, здесь установили романскую церковь Сен-Этьен. И, наконец, в 1163 году епископ Парижа основал новый собор, посвященный Деве Марии (Notre Dame). Собор Парижской Богоматери стал свидетелем многих знаменательных событий в истории Франции. Здесь крестоносцы молились перед отъездом на священные войны, Филипп IV созвал Генеральные штаты - первый парламент в 1302 году, короновался Генрих VI (единственный правитель Англии, носивший титул «король Франции») в 1422 году и венчалась Мария Стюарт с Франциском II, а в 1804 году Наполеон одел корону Императора. В разгар французской революции, в которой Париж был эпицентром, возмущенный народ ворвался в собор, ставший символом королевской власти, и в пылу были обезглавлены 28 статуй иудейских царей. Много сокровищ было разрушено или разграблено, лишь большие колокола избежали переплавки. Здание уцелело по счастливой случайности - после уничтожения аббатства Клюни у революционеров закончилась взрывчатка. 9 Так собор Парижской Богоматери объявили Храмом Разума, а помещения использовали как продовольственный склад. Лишь в середине XIX века, после выхода первого романа Виктора Гюго «Собор Парижской Богоматери», где в предисловии он написал: «Одна из главных целей моих - вдохновить нацию любовью к нашей архитектуре», началось восстановление знаменитого храма. Все разбитые статуи заменили, добавили высокий шпиль, а крышу заселили демонами и химерами. Кроме того, дома вблизи собора снесли, чтобы улучшить вид на обновленное здание. Собор Парижской Богоматери, или же Нотр-Дам де Пари, является, наверное, одним из известнейших монументальных строений средневековья. В такой широкой популярности Собора, не в последнюю очередь, следует "винить" Виктора Гюго. Современники писателя вспоминают, как Гюго неоднократно говорил, показывая на Собор, что форма этого строения напоминает первую букву его фамилии ("Гюго" — в написании пофранцузски начинается с буквы "Н"). И можно простить писателю такую, достаточно невинную напыщенность, так как "Собор Парижской Богоматери" является действительно талантливым и интересным романом. И всегда, глядя на величественные башни и стены Собора, люди будут вспоминать про влюбленного уродца Квазимодо и божественно прекрасную цыганку Эсмеральду. Прежде всего, Собор является центром религиозной и народной жизни парижан. Около него собираются и простолюдины, которые способны бороться за улучшение своего будущего. Также Собор является традиционным убежищем для изгнанных: никто не имеет права арестовать человека, пока он находится за стенами Собора. Одновременно Собор Парижской Богоматери становится символом притеснения — религиозного и феодального. Квазимодо выступает здесь как тот, кого угнетает бесконечное величие Собора, и как "душа Собора". Звонаря-горбуна можно считать воплощенным образом средневековья и, естественно, Собора. Красавица 10 Эсмеральда, в которую влюблен Квазимодо, напротив, является воплощением светлых жизненных сил. Девочку-танцовщицу можно считать воплощением Возрождения, идущего на смену средневековью. Следует сказать, что эти две культурно-исторические эпохи прошли, но Нотр-Дам де Пари до сих пор возвышается под парижским небом. Роман Виктора Гюго как будто перекидывает лист календаря от прошлого к настоящему. Со своих позиций писатель выступал против политической реакции и социальной несправедливости. Роман полон отголосками революционных событий, свидетелем которых был Гюго. Именно эта сопричастность повлияла на изображение простых горожан в произведении. Народ, по Гюго, не является темной толпой, а наполнен безудержной волей к борьбе и нереализованными творческими идеями. Но время простолюдинов ещё не пришло. Автор описывает штурм Нотр-Дам де Пари, который как бы является репетицией штурма Бастилии 1789 года, когда был положен конец многолетнему правлению французской монархии. Когда же наступит время народа? Гюго отвечает на вопрос: "Когда с этой башни ударят в набат, когда загрохочут пушки, когда со страшным грохотом упадут стены, когда солдаты и толпа с рычанием бросятся друг на друга, вот тогда и придет это время". Гюго не идеализировал средневековье. В романе присутствуют высокая поэтичность, пламенная любовь к Франции, ее истории и искусству, изображены темные стороны феодализма. Нотр-Дам де Пари — вечный Собор, внешне равнодушный к бесконечной суете человеческой жизни. Идея и образы бессмертного романа Виктора Гюго получили новую жизнь в мюзикле Люка Пламондона и Риккардо Коччианте. Идея дать новую жизнь персонажам Гюго пришла в голову Люку Пламондону, уроженцу французской Канады, автору текстов французской рок-оперы "Starmania". Он рассказывает, что как-то раз, пытаясь найти тему для мюзикла, просматривал книгу о популярных литературных героях. Любопытно, что внимание Пламондона привлекла не Эсмеральда, а Квазимодо. Именно этот персонаж, чье имя стало нарицательным, навел либреттиста на мысль сделать из 11 классического произведения Гюго рок-оперу. Пламондон не был первым, кого посетила идея использовать роман "Собор Парижской Богоматери" как основу для произведения совершенно другого жанра. Великая книга Гюго была экранизирована много раз; существует и старейший, еще немой фильм со знаменитым Лоном Чейни в роли Квазимодо, и более поздние картины, и телеверсии. По мотивам романа Гюго "Собор Парижской Богоматери" было снято несколько фильмов, в том числе "Горбун из Нотр Дама" (США, 1939), "Собор Парижской Богоматери" (Франция, 1956) с Джиной Лоллобриджидой в главной роли, "Горбун из Нотр Дама" (США, 1997) с Сальмой Хайек в роли Эсмеральды; поставлены балеты: "Эсмеральда" на музыку Ц. Пуни и "Собор Парижской Богоматери" (1844), на музыку М. Жарра (1965); опера Л. Бертена "Эсмеральда" (1836). Кроме того, сам Гюго предполагал, что "Собор..." может послужить основой для оперы, и даже написал либретто. Подробную историю этого сюжета рассмотрел советский музыковед А. А. Гозенпуд. Он утверждал, что "роман Гюго послужил основой для многих опер"3. Первая среди них - «Эсмеральда» Луизы Бертен на либретто самого Гюго, поставленная в Париже в 1836 г. (в сочинении музыки принимал участие Г. Берлиоз). За ней последовали сочинения А. Маццукато, Ю. Понятовского, Ф. Лебо, Ф. Кампаны, А.Г. Томаса, Ф. Шмидта и др. Все они оказались нежизнеспособными и не выдержали конкуренции с балетом Ц. Пуни «Эсмеральда». А. С. Даргомыжский назвал свою раннюю оперу также «Эсмеральда» (1838–1841), в ней автор только нащупывал принципы своей оперной драматургии. плодотворности В исканий. то же время Даргомыжский опера сумел свидетельствует правдиво о передать атмосферу действия, жизнь средневекового Парижа. Наиболее ярок образ Клода Фролло, человека неукротимых страстей. Сцена в темнице, куда он приходит к Эсмеральде, по психологическому мастерству и драматизму, несомненно, самая сильная. Выразителен речитатив, гибко передающий 3 Гозенпуд А. Оперный словарь. – Л., «Музыка», 1965. 12 мысли и чувства героев. Опера богата ариозными построениями, ансамблями, хорами, в ней уже угадывается будущий творец "Русалки". После смерти Даргомыжского его «Эсмеральда» была забыта. А спустя столетие опера вновь привлекла внимание постановщиков и она несколько лет шла в ленинградском Малом оперном театре (с 1958 г.) с замечательными певцами Татьяной Лавровой (Эсмеральда) и Алексеем Сутягиным (Клод). Фрагменты "живой" записи этого спектакля были изданы сравнительно недавно в собрании записей Т.Н. Лавровой. Также недавно вышла на дисках ария Клода в исполнении Александра Огнивцева. Помнится, лет 30 назад по радио "Орфей" была очень интересная программа "День музыки Даргомыжского" - в течение всего дня звучала только музыка этого композитора, в т. ч. "Эсмеральда". Одно из интересных претворений этого сюжета в конце 20 века связано с мюзиклом Люка Пламондона. Л. Пламондон составил примерный план мюзикла (около 30 песен) и обратился к композитору Риккардо Коччианте, с которым они до этого уже работали вместе, написав, в числе прочего, песню "L'Amour Existe Encore" для Селин Дион. Коччианте тут же предложил ему несколько мелодий, впоследствии ставших хитами - "Belle", "Danse Mon Esmeralda", "Le Temps des Cathedrales". Работа над мюзиклом "Собор Парижской Богоматери" началась в 1993 году. В течение трёх лет они трудились над мюзиклом вдвоём. Вскоре об их работе стало известно Жилю Маю и Шарлю Талару, первый стал режиссёром проекта, второй - продюсером. Постановка заняла два года, и вскоре для спектакля был арендован Дворец Конгрессов в Париже. Как и во времена соборов, всё было сделано грандиозно. Специалист в области монументальной декорации Катерин Фефф покрыла Дворец Конгресса 700 квадратными метрами полотна, предоставленного Шарлем Таларом и Loulling System, продюсерами Notre Dame de Paris. Maxime Ruiz и 13 Alain Siauve нанесли на него фреску. Она пробудет на этом месте целый год, как одна из достопримечательностей столицы... Мастера и художники! В проекте Notre Dame de Paris они получили поистине радужные перспективы. Сцена просто монументальна: 20,20 метров в длину, 8,90 метров в высоту. Один только колокол - 100 килограмм, а все вместе - 20 тонн! Создатель – Кристиан Ретс. В ходе гастролей сцену перевозят из города в город на 9 грузовиках. К этому ещё нужно добавить костюмы, которые создал Фред Сатал, освещение Алан Лорти... Дворец Конгресса готов был разместить 3700 зрителей. Мюзикл дебютировал в Париже 16 сентября 1998 года. За восемь месяцев до этого был выпущен концепт-альбом. В записи, как и в последовавшей за ней постановке, приняли участие звезды канадской эстрады - Даниэль Лавуа (Фролло), Брюно Пелатье (Гренгуар), Люк Мервиль (Клопен). Партию Эсмеральды в студийном варианте исполнила Noa , а в спектакле - француженка Элен Сегара. Марселец (наполовину армянин) Патрик Фиори исполнил роль Феба. Восемнадцатилетняя Жюли Зенатти сыграла Флер-де-Лис. На роль Квазимодо был приглашен до этого никому не известный, но подающий большие надежды певец Пьер Гаран, выбравший себе сценический псевдоним Гару (выходец из Квебека). Постановкой режиссер Жиль занимался Майо. знаменитый Оформление авангардный спектакля, французский выполненное в минималистском, концертном ключе, осуществил оперный художникоформитель Кристиан Рэтц, костюмы создал модельер Фред Сатал, освещением занимался Алан Лорти (до это ставивший освещение рокконцертов), а танцами - Мартино Мюллер, специализировавшийся на современной балетной хореографии. Несмотря на внешнюю простоту сценографии и непривычный формат (шоу не укладывалось в стандарты, Подробные жизнеописания создателей и исполнителей мюзикла см. в приложении I. 14 установленные мюзиклами Уэббера и Шонберга) представление сразу полюбилось публике. Первый год жизни мюзикла "Notre Dame de Paris" прошел так успешно, что этот факт был отмечен в Книге Рекордов Гиннесса. Сингл "Belle" держался на первой строчке французских чартов на протяжении 33 недель и был признан лучшей песней пятидесятилетия. " Notre Dame de Paris " принес своим создателям не только мировую славу, но и множество наград; в 1999 году "Belle" была признана "песней года" и получила награду "Виктуар" ("Victoire"), сам спектакль стал "мюзиклом года", песня "Le temps des cathedrales" также получила "Феликса" в номинации "песня года". Кроме того, альбом " Notre Dame de Paris " стал самым продаваемым диском среди записей, сделанных на французском языке. Итак, мюзикл «Нотр Дам» стал подлинной кульминацией в музыкальной истории одного из самых известных романов В. Гюго. Это произведение не просто объединило нацию «любовью к архитектуре» (как хотел автор), а в течение двух столетий продолжает объединять разные поколения европейских музыкантов, художников, постановщиков, хореографов и танцовщиков и др. 15 Трактовка романа в мюзикле «Notre Dame de Paris» Создатели мюзикла, выбрав в качестве литературной основы роман Гюго, понимали, что невозможно вместить в мюзикл все сюжетные линии и тонкости романа. Они берут истории взаимоотношений, лирические, любовные линии: 1) Фролло и Эсмеральды; 2) Квазимодо и Эсмеральды; 3) Феба и Эсмеральды. Р. Коччианте и Л. Пламондон следуют традициям французского театра, в котором основное внимание уделяется лирико-психологической линии. Такая традиция лежит в основе произведений как зарубежных так и русских композиторов: «Фауст», «Мирейль», «Ромео и Джульетта» Гуно; «Беатриче и Бенедикт» Берлиоза; «Искатели жемчуга», «Кармен» Бизе; «Миньон» Тома; «Самсон и Далила» Сен-Санса; «Сказки Гофмана» Оффенбаха; «Лакме» Делиба; «Манон», «Вертер» Массне; «Русалка» Даргомыжского; «Евгений Онегин» Чайковского. Тема конфликта любви и ненависти, красоты и уродства, а так же проблема «отторгнутых обществом» людей, возникновение и потеря новых идей – все это до сих пор остается актуальным, неподвластным времени. В эстетике ярко заметны законы романтизма и экспрессионизма4. Об этом не мало рассуждали современные исследователи, о чем свидетельствуют статьи Романтизм – стиль в искусстве, сформировавшийся в рамках общелитературного течения на рубеже 18–19 вв. в Германии. Получил распространение во всех странах Европы и Америки. Наивысший пик романтизма приходится на первую четверть 19 столетия. Экспрессионизм – направление в искусстве и литературе первых десятилетий 20 века, особенно ярко проявившееся в Германии и Австрии; а также тенденция, периодически возникающая в изобразительном искусстве, литературе и кино, характеризующаяся стремлением к деформации или стилизации форм, динамизму, экзальтации и гротеску ради создания мощной выразительности художественного образа и отражения мировоззрения автора. 4 16 в электронных ресурсах. Обобщая наблюдения разных статей можно сформулировать отношение к героям спектакля, мюзикла5. Романтики старались создавать персонажи, которые бы далеко выходили за границы современной жизни. Они создавали индивидуальную мифологию на уровне мифологии античной, или христианской, и какую-либо мифологию воспринимали как абсолютную правду. Клод Фролло воплощает средневековое пренебрежение всем земным6. Это талантливый человек, впрочем, человек искривленный. Пренебрежение человеческим, естественным порождает зло. Страсть Фролло к Эсмеральде не имеет ничего общего с любовью, в том числе с любовью христианской. Клод Фролло преступник, но и несчастный человек, жертва трагического и жестокого отношения к реальному миру, которым грешило средневековье. Эсмеральда - цыганка (правда, только по воспитанию) и француженка (по происхождению)7. Ее уникальная красота свела с ума Фролло, и он уничтожил ее, так как не мог понять и не мог присвоить. Эсмеральда воплощает идеал. Субъективное, романтическое видение свободы и красоты, которые всегда идут рядом. И одновременно прекрасная танцорка воплощает в себе качества новой ренессансной культуры (народность, единство духовного и телесного, человечность), которое идет на смену средневековому аскетизму, и это фатальное движение нельзя прекратить. Гротескный Квазимодо (безобразный, умственно неполноценный, невероятно сильный физически) всю жизнь знал только обиды и жестокость. И он отвечал жестокостью на жестокость8. Даже Фролло, который якобы воспитывался сиротой, иначе, как с отвращением на несчастного смотреть не может. Любовь Квазимодо к Эсмеральде является высокой любовью к 5 http://www.testsoch.info. Анализ тайны имени Клод имеет смысл начать с его происхождения. История имени Клод имеет древнеримские корни. Оно является французским вариантом имени Клавдий, которое произошло от римского родового имени Claudius (латинское слово «claudus» – «хромой»). 7 Эсмеральда переводится с испанского как - "изумруд". 8 Своё имя Квазимодо получил по названию религиозного праздника Quasimodo (первое воскресенье после Пасхи), а с лат. Quasimodo «как будто». 6 17 ренессансной Мадонне. Так Данте любил Беатриче, так Петрарка относился к Лауре. До встречи с Эсмеральдой Квазимодо не знал, что в мире существует любовь, красота и добро. Добрый поступок девушки из Двора Чудес стал для Квазимодо «искренним событием», перевернул его жизнь. Квазимодо воплощает осмысление природы и судьбы народа, забитого и бесправного, неразумного и рабски покорного. Феб де Шатопер, капитан стрелков, красавец мужчина – яркий представитель светского общества9. Эсмеральда без памяти влюбляется в него. Феб персонаж чувственный, но эгоистичный, легкомысленный, жестокий. Он заинтересовывается Эсмеральдой, хотя и обручен с Флер-деЛис10. Клопен - цыганский барон. Он очень дорог Эсмеральде, он для нее словно родной отец. В романе Гюго "плохо прописан" и остается жив. В мюзикле его убивают солдаты Феба. Клопен – сильный, властный, определенно лидер, но в то же время чувственный и нежный. Важную роль играет народ. Народные массы стихийны, ими движут эмоции, они неуправляемы. Другая сторона – жизнь парижского отребья. Там находят приют цыгане, туда приходит Гренгуар11. Собор Парижской Богоматери – арена житейских страстей. Он царит в художественном пространстве романа и мюзикла: все важнейшие события происходят либо в стенах собора, либо на площади перед ним. Он как бы принимает участие в действии, активно помогая одним персонажам, противодействуя другим: укрывает в своих стенах Эсмеральду, сбрасывает со своих башен Клода Фролло. Феб — прозвище Аполлона, прежде как чистого, блестящего красотой своей, а затем — как бога солнца, света, поэзии, сияющего блеском солнечным. 10 Флер-де-лис (fleur d'lys, в переводе с французского - «цветок лилии») является широко распространенным цветочным геральдическим символом. 11 Пьер Гренгуар (ок. 1475—1539) – историческая личность, средневековый французский поэт и автор народных фарсов. 9 18 Особенности композиции и драматургии мюзикла Об этом свидетельствует слово 'АМАГКН12. Автор заимствует его из романа Гюго. По словам французского писателя "это слово обнаружили в темном закоулке одной из башен". В партитуре мюзикла так назван один из ключевых номеров первого акта (см. пример №1). Ля минорная тональность этого номера отражает общее свойство всей композиции, так как в мюзикле преобладают минорные тональности. Круг минорных тональностей то же невелик – до минор, ля минор, соль минор, фа минор, ля-бемоль минор, фадиез минор, си-бемоль минор. Выбор тональности для конкретного номера объясняется вокальными возможностями исполнителя. Мюзикл состоит из двух актов. В первом – двадцать восемь номеров, а во втором – двадцать три. Мюзикл складывается исключительно из музыкальных номеров (об этом см. с. 4). Мюзикл открывается увертюрой (см. пример №2). Декорации скрыты от посторонних глаз грубым холщовым занавесом. Увертюра лаконична (26 тактов), она написана в до мажоре (эта тональность будет использована в мюзикле лишь в некоторых фрагментах песен). Красивая, светлая, нежная музыка настраивает зрителей на спектакль. Появившийся в конце увертюры фа-минорный аккорд придает музыке настороженный характер, будто предвосхищает события. Тема увертюры прозвучит еще раз в конце первого акта, но уже в ре-бемоль мажоре. Эта романтическая тональность соответствует любовному настроению в дуэте Эсмеральды и Феба «La volupté» («Наслаждение», 1 акт №27, см. пример №3). Это сцена свидания, Феб и Эсмеральда остаются наедине, их ожидает ночь наслаждений. Но любовь никому не приносит счастья. Судьба в лице Фролло наносит свой роковой удар. Действие на сцене открывается песней Гренгуара «Le temps des cathédrales» («Время соборов», см. пример №4). С него начинается наше знакомство с Парижем Пламондона и Коччианте, а вместе с ним, с одним из 12 Рок (греч.). 19 самых прекрасных произведений конца 20 века, спектаклем, покорившим миллионы. Наверное, те, кто читал роман Виктора Гюго, вряд ли могли сказать, что поэт Пьер Гренгуар – один из основных героев романа Гюго. Его скромной персоне отведено немало страниц. Нескладная фигура поэта напоминает описания готических стен Парижа и позднего Средневековья, однако назвать Гренгуара "героем" в романтическом смысле этого слова, никак нельзя – трусоватый персонаж Гюго, вечно голодный и привязанный разве что к козе Эсмеральды, мог вызвать снисходительную усмешку, но никак не восхищение читателя. В мюзикле Гренгуар стал автором, рассказчиком, связующим звеном всей структуры мюзикла. Такая функция идеально соответствует первой песне мюзикла. Песня «Время соборов» написана в одной из самых темных, мрачных тональностей до минор (эту тональность мы будем часто встречать на протяжении всего мюзикла). На фоне гитарных арпеджио вступает голос Гренгуара, первая фраза является звеном секвенции, которая повторяется в си-бемоль мажоре, ля мажоре. Песня Гренгуара пронизана лирическими интонациями, секундами и секстами. Во время звучания припева во втором куплете за прозрачным занавесом разливается мягкий голубоватый свет и освещает декорации. По взмаху руки уличного эрудита, свободного художника и бродяги Гренгуара на сцене появляются колонны и химеры, гаргульи и бродяги – все те, кому вместе с Гренгуаром суждено стать свидетелями и участниками печальной истории цыганки Эсмеральды. "Времена соборов" – это гимн Любви, историю которой хранит собор, гимн Красоте, беззащитной перед временем и людьми. Поэта страшит неизвестность, которую несут новые времена. Эта мысль подобна мосту от средневековья к XX веку, живущему ожиданием конца света13. Загадка этого «Соборов время прекратилось И варвары стоят у стен. Надежды, солнце закатилось, Настало время перемен. Идет все к гибели и Страшному Суду, Предсказанным в двухтысячном году!». 13 20 персонажа в том, что он - единственный, кто свободен от любви и ненависти, но кто остро способен чувствовать эмоции и боль других. Недаром песня Гренгуара «Lune» («Луна») - одна из самых пронзительных в мюзикле (2 акт №15, см. пример №5). Поэт Гренгуар рассказывает Луне о любви горбуна; рассказывает так, что веришь в то, что боль Квазимодо - это и его боль, его страдание, его вина. Как можно рассказать о любви, которую не испытываешь, как можно рассказать о чужой любви так, что в надорвавшемся голосе будут слышны слезы, а в глазах будет видна тоска, непонимание и обида на весь мир, на его несправедливость и равнодушие к человеческому уродцу с самой прекрасной душой? Гренгуар ходит по ночным улицам Парижа, и его романтизм и ощущение жизни ночного города передается зрителю, благодаря песне «Les portes de Paris» («Двери Парижа», 1 акт №12, см. пример №6). Этот занавес скрывает собор, тем ярче видны бродяги, при костылях, и вытворяющие немыслимые трюки, шатающиеся по сцене среди железных бочек с огнём. Он, как поэт и философ, ведет диалог о Новом Времени со священником Фролло, создавая один из самых прекрасных дуэтов мюзикла «Florence» («Флоренция», 2 акт №1, см. пример № 7). В первом акте Гренгуар будет танцевать вместе с чернью под шаманские ритмы, приветствуя «короля дураков» Квазимодо «La fête des fous» («Праздник Шутов», 1 акт №8), в его танце бушует стихия парижских улиц, мира грубого простонародья и незатейливых шуток. Он превратится в насмешливого и циничного знатока изысканных наслаждений парижского «Val d'amour» («Долина любви», 1 акт №26), а позже - в одного из предводителей бродяг, готового вместе с ними петь гимн свободе и независимости. Гренгуар легко станет мужем Эсмеральды, предложив ей стать его музой, и также легко воспримет ее отказ и любовь к другому. Он окажется легкомысленным поэтом и циничным бродягой, повидавшем на своем веку много жестокостей и трагедий. В его насмешливых глазах живут надежда и отчаяние. Он станет наблюдателем кровавой драмы и ее 21 летописцем, потому что у поэта, помимо настоящего, того самого "сегодня", в котором живем мы все, есть еще и собственное понимание истории и ощущение времени, как «высшего суда», который все расставляет по своим местам, всему дает объяснение и оправдание. Возможно, взглянув последний раз на тело Клопена, лежащего у подножья собора, и на Эсмеральду, ожидающую казни, Гренгуар уходит не оглядываясь – ему нечего больше делать в Париже 1482 года, но его ждет вечность, над которой не властны смерть и страдание. Тема собора сменяется хором отверженных. Вечность и современность переплетаются. Толпы варваров, бродяг и чужестранцев, стоящих под стенами собора, откуда они пришли? Со страниц романа Гюго – из трущоб Двора Чудес, приюта мошенников, убийцы, или это дети нашего времени – люди с другим цветом кожи, те, кто чувствуют себя чужими в том мире, где все меняется, народы и расы мешаются? Хор «Les sans-papiers» («Бродяги», 1 акт №3, см. пример №8) становится гимном всех отверженных, а Клопен – их вожаком. Их существование – угроза сытому и довольному миру, их обращение в зал звучит как вызов, а не как смиренная просьба о приюте. Они опасны, их надо изолировать от общества и солдаты короля, которых вызывает Фролло, появляются одетыми в черную форму, напоминающую форму спецназа (примета современности). В следующих сценах происходит своеобразное знакомство с героями мюзикла. Его авторы, исключив второстепенные линии (привязанность Клода Фролло к младшему брату Жеану, мелодраматическую историю обретения Эсмеральдой, похищенной в детстве цыганами, своей матери), придают персонажам романтический ореол и дают актерам возможность самых разнообразных трактовок их характеров. Эсмеральда в романе Гюго – наивная молоденькая девушка, полуребенок, живущая в мире своих грез и фантазий. Эсмеральда в мюзикле – цыганка, прошлое которой окутано тайной. Она – чужестранка, ее дом – целый мир, жизнь – дорога, а судьба написана на линиях руки. Ее мечта – 22 увидеть сказочную Андалузию, где шайки разбойников, вольность и кровь, где страсти – безудержней, глубже – любовь. Песня «Bohémienne» («Цыганка», 1 акт №5, см. пример №9) – это первая экспозиция образа Эсмеральды. Она предстает загадочным, наивным и романтическим персонажем. А в прекрасной и трогательной песне «Ave Maria païen» («Аве Мария», 1 акт №22, см. пример №10) Эсмеральда, никогда не молившаяся в жизни, не знающая ни одной молитвы, обращается к Святой Деве. Фоном мы слышим, как ангельскими голосочками поет детский хор Bondy. Она молит её о защите от всех несчастий, от нищеты, от зла. На фоне гитарных арпеджио звучит проникновенная мелодия, полная печали. Эсмеральда предстает совершенно беззащитной в песне «Phoebus» («О, Феб», 2 акт № 8, см. пример № 11). Она осталась одна в своей камере, лишённая пищи, света, всего того, что она считала принадлежащим всем, вспоминает своего любимого и не хочет верить в его малодушие, в то, что тот постеснялся дать показания. На фоне гитарных переборов, звучит трогательный дрожащий голос Эсмеральды. Её вокальная партия начинается с выразительного хода на октаву вверх с последующим сочетанием волнообразного движения и декламации. Последний сольный номер Эсмеральды песня «Vivre» («Жить», 2 акт №18, см. пример №12). Цыганка выезжает из дальней стены на колонне, светящейся жёлтым светом, и поёт о своей любви, о свободе и жизни. Образ Эсмеральды с каждым ее сольным номером развивался, трансформировался. В этой песне Эсмеральда показывает стойкость духа, смелость, любовь к жизни и свободе, и то, что за это стоит бороться. Эсмеральда в исполнении Элены Сегары явилась воплощением пленительной женственности, перед которой не может устоять ни один мужчина. Эсмеральда – это красота, пришедшая ненадолго в наш грешный земной мир. Красота еще более хрупкая, чем красота Собора. Красота, которую так легко уничтожить. Ее появление приводит в действие таинственные и неумолимые силы, которые мы зовем судьбой, роком. Рок связывает воедино ее судьбу и судьбы трех 23 мужчин. Солдат, священник и уродливый звонарь Собора Парижской Богоматери – три мужских сердца, три типа любви. Феб, воин в блестящей кольчуге, предстает в первых сценах мюзикла романтическим красавцем. Он не столь однозначно груб и пошл, как его романный прототип – капитан Феб де Шатопер, любитель выпить и приволокнуться за хорошенькой женщиной, не испытывающий любви ни к своей невесте Флер де Лис, ни к Эсмеральде, от которой он хочет лишь любовных утех. Патрик Фиори наделил своего героя красотой, страстностью и легкомыслием молодости. Он искренне клянется в любви нежной Флер де Лис в дуэте «Ces Diamants-la» («Эти бриллианты», 1 акт №7, см. пример №13), и тут же готов нарушить все клятвы ради любви прекрасной цыганки. Мужчина, разрывающийся между двумя любимыми женщинами, таким предстает Феб Патрика Фиори в песне «Dechire» («Расколот», 1 акт №17, см. пример №14). Этот номер – подлинный шедевр сценографии, где духовные метания Феба зрительно воплощаются в сложнейшем акробатическом танце, исполняемом атлетами-танцорами. Но его любовь к Эсмеральде – лишь жажда наслаждений, желание обладания. Флер де Лис тоже прошла свой путь. В ней ничего не осталось от той наивной девушки в розовом платье, нежно вторящей признаниям влюбленного жениха, сейчас это – женщина, готовая использовать свое тело как оружие против соперницы. Она бродит в колдовском тумане в песне «La Monture» («Поклянись мне», 2 акт №10, см. пример №15), узнавшая истинную цену любовным клятвам. Ее вокальная партия пронизана секундовыми интонациями, они лишь варьируются ритмически. За обладание собой она потребует казни цыганки. Сердце Феба, как физика того времени, не признавало пустоты и он с прежним рвением стремится к Флёр де Лис, по пути обходя соблазнительных девушек из Валь д'Амура. Он обещает ей всё, чтобы вернуть её любовь. Действие начинает стремительно развиваться с появлением на сцене центрального персонажа романа и мюзикла – Квазимодо. Нежная мелодия 24 любовного дуэта Феба и Флер де Лис сменяется карнавальной стихией праздника дураков. Шаманский ритм, экстатические движения танцоров в развевающихся париках нагнетают напряжение. И вот в проеме собора появляется Квазимодо, которого Гренгуар провозглашает "королем дураков". От правильного выбора актера на эту роль зависел, в конечном счете, успех всего мюзикла. Созданный В. Гюго в романе образ поразительной силы и мощи, сравнимый по силе воздействия лишь с образом собора, обрел в мюзикле адекватное воплощение. Партию Квазимодо Коччианте разработал для себя, но Пламондон отговорил его от выхода на сцену, и эта роль положила начало стремительной карьере уроженца Квебека, молодого певца Гару. Казалось бы, русоволосый гигант с ясными голубыми глазами не совсем подходящая кандидатура на роль уродливого звонаря. Но с первого же выхода Гару-Квазимодо на сцену он покоряет искренностью и глубиной чувств. Мощный темперамент, обаяние, сильный хриплый голос помогли молодому певцу создать яркий, неповторимый образ. Горб, уродующий лицо грим, хромота – таков король дураков, избранный толпой. Квазимодо принимает свое избрание с детским любопытством. Прекрасная Эсмеральда одевает ему "корону" и Квазимодо, пораженный ее красотой, наивно спрашивает: может ли красавица полюбить его? До встречи с Эсмеральдой душа Квазимодо всецело принадлежала Фролло, усыновившего и воспитавшего его, и Собору Парижской Богоматери. Уродство сделало Квазимодо отверженным. Собор, который этот получеловек полюбил за красоту и гармонию, стал его домом, его родиной, его вселенной. Квазимодо не мог представить других гор – кроме громадных башен собора, другого океана – кроме Парижа, шумевшего у его ног. Уродливые химеры заменили ему друзей, колокола – возлюбленных. Об этом он поет в песне «Les cloches» («Колокола», 2 акт №2). Во время этой песни играют классические мадригальные мотивы средневековой Европы, и группа звонарей во главе с Квазимодо заводят соответствующую пляску. С потолка спускаются три колокола: Малая Мари, Большая Мари и Грос Мари (от фр. grosse 25 огромная). Собор – это единственное, что может он подарить любимой. Когда Квазимодо поет «Ma maison c'est ta maison» («Мой дом – твой дом», 1 акт №21). В этот миг Эсмеральда видит за уродливой оболочкой страдающую и любящую душу. Моменты полного погружения в душевный мир героев чередуются в мюзикле с яркими массовыми сценами. Сцена праздника дураков, призрачный ночной Париж с его манящими огнями – город тайных желаний, пороков и страстей, Двор Чудес, живущий по своим жестоким законам, где случайно попавшего туда поэта может ждать смерть, оттеняют переживания героев, дают им краткую передышку перед новыми испытаниями. Ключевая сцена мюзикла – это песня «Belle» («Красавица», 1 акт №20, см. пример №16) трое мужчин заявляют о своей любви. На сцене все участники спектакля, Фролло, Феб и Квазимодо в центре, а перед ними на сцене лежит Эсмеральда. Для Квазимодо вода, поданная ему Эсмеральдой, как в сказке оказалась "живой водой". Она воскресила к жизни его душу, наполнила ее любовью. Ради Эсмеральды Квазимодо готов убить любого, кто посмеет причинить ей боль, высшее счастье для него – коснуться ее волос. Феб, ради обладания прекрасной цыганкой, готов предать невесту. Для Фролло Эсмеральда – дьявольский соблазн, смутивший его веру, вдруг предстает воплощением христианского милосердия. Что должно было произойти в душе гордого священника, если он преклонил колено не перед Богом, а перед женщиной. Простые и понятные гармонии, необыкновенно красивая, пронзительная мелодия этой песни завораживает. Недаром эта песня завоевала любовь слушателей во всём мире. В этот момент впервые становятся явными страсти, раздирающие душу священника, который предстает фигурой поистине трагической. С первого появления на сцене Фролло демонстрирует свою власть над людьми, выступая вершителем их судеб: он приказывает Фебу отогнать от стен собора толпу бродяг, он срывает с головы Квазимодо корону "короля дураков", приказывает ему похитить Эсмеральду и надменно выслушивает 26 слова преданности и подчинения, переполняющие душу Квазимодо. Черная развевающаяся сутана, скупые жесты, жесткий грим – сильная, властная, гордая натура. Он так холоден и неприступен, так чужд людским страстям и страданиям, что, кажется, под этой сутаной нет сердца. Фролло можно представить романтическим злодеем, обуреваемым низменными страстями, можно – трагической фигурой. Ведь для него рок приготовил самое тяжелое испытание: любовь к женщине – мука, проклятие и неизъяснимое блаженство. В исполнении Даниэля Лавуа Фролло предстает человеком, который не в силах вынести обрушившееся на него всепоглощающее чувство. Любовь сжигает его душу, разрушает его мир. Борьба, происходящая в душе Фролло, она мучительна. Что окажется сильнее: любовь к Богу или любовь к женщине? Любовь открыла в душе священника такие бездны, о которых он и не подозревал. Может быть, это расплата за жизнь без любви, за служение Богу без любви и милосердия? Эта внутренняя борьба выражается без помощи театральных эффектов, только музыка, только голос Даниэля Лавуа, печальный и нежный. Единственный, но сильный постановочный ход – в сцене, когда Фролло наблюдает за молящейся Эсмеральдой. «Tu vas me detruire» («Ты меня уничтожишь», 1 акт №24, см. пример №17) – в каждом слове этой песни звучит боль человека, оставленного Богом; человека, из последних сил пытающегося бороться со страстью. Стены собора надвигаются на священника, а он, преодолевая себя, раздвигает их руками. Стены – гнет страсти, разрушающей его мир. Фролло подходит к спящей Эсмеральде. Как беззащитен в этой сцене надменный прежде священник, и как же велико его чувство, если он даже не смеет коснуться любимой женщины. Фролло, одержимый любовью, обрекает любимую женщину на пытки, стремясь вырвать признание в несовершенном ею преступлении. Из горячечных слов, исступленного бреда одержимого страстью человека возникает одна из самых пронзительных музыкальных тем: «Etre pretre et aimer une femme» («Быть священником и любить женщину», 2 акт №9). Придя к Эсмеральде в тюрьму, Фролло Даниэля Лавуа 27 еще надеется тронуть ее сердце, в первый раз открывая свою любовь: «Je t'aime!» («Я люблю тебя!», 2 акт №12) – крик, исторгнутый из глубины сердца. Ее любовь, а не просто обладание ее телом нужна этому священнику. Если Эсмеральда никогда не сможет полюбить его, то незачем жить ни ей, ни ему. Безумие овладевает душой священника, а смерть от руки Квазимодо становится для него желанным избавлением от ненужной жизни. Сцене штурма Нотр Дам – это начало трагических событий яркая кульминация. Фролло впускает Феба с его солдатами в Собор. Клопен и бродяги пытаются противостоять этому. Возвращается музыкальный материал первого акта, хора Бродяг. Их загоняют заградительными решётками и в пылу борьбы Клопен погибает, завещая Эсмеральде допеть его песню. В дальней стене появляется Гренгуар. В целом хоровая сцена становится гимном угнетенных. Мир устроен жестоко и несправедливо. Красавица так и не полюбит чудовище, не превратит его своим поцелуем в прекрасного принца. Историю любви Квазимодо ждет трагический финал: красавицу обвинят в колдовстве и убийстве. Эсмеральду повесят, а Квазимодо будет нежно прижимать ее безжизненное тело к груди и петь финальную песню «Danse mon Esmeralda» («Танцуй, моя Эсмеральда», 2 акт №23, см. пример №18). Петь так, чтобы и его собственная жизнь оборвалась с последней нотой. Зал затихнет... И потом взорвется аплодисментами… В финале актеры выйдут на поклон, а Гренгуар, параллельно с аплодисментами публики, стоя на авансцене, споет ещё раз о "Временах соборов". Замкнется кольцевая композиция мюзикла, и выход поэта Гренгуара еще раз напомнит зрителю, что есть в мире удивительные люди – трубадуры, лицедеи, неутомимые обманщики, обаятельные вруны и честные романтики – которые доносят до нас прекрасные истории, пусть и не совсем верные, но очень честные в своей вере в человека, как существа способного на великие глупости, подлости и подвиги ради самого главного чувства на земле - ради Любви. 28 Заключение Собор Нотр Дам де Пари, роман Гюго «Собор Парижской Богоматери» и одноименный мюзикл Р. Коччианте и Л. Пламондона – детища разных эпох. Они крепко связаны и являются гармоничным дополнением друг друга. Архитектура, роман и мюзикл – ярчайший пример согласованности и объединения различных видов искусств на одной сцене. Мюзикл «Собор Парижской Богоматери» по-новому трактует этот жанр. Создатели мюзикла ответственно подошли к написанию этого музыкально-сценического произведения. Они выбрали верную трактовку романа Гюго, сделав акцент на романтическую историю в мюзикле, и последовали традициям французского театра. Для мюзикла характерно лирическое начало, и это повлияло на выбор тональностей. Господствует минорный лад и соответствующее настроение, поэтому финальная песня звучит настолько трагично и безысходно. В мюзикле тщательно продумано композиционное строение и драматургия. Идеально подобран исполнительский состав, который по праву стали называть «золотой семеркой» – Брюно Пельтье, Даниэль Лавуа, Пьер Гаран (Гару), Жюли Зенатти, Люк Мервиль, Патрик Фиори, Элен Сегара. На сцене они создали неповторимые образы своих героев так, что на каждого смотришь с восхищением и веришь происходящему. Конечно же это заслуга каждого члена труппы мюзикла. Общая композиция мюзикла «Notre Dame de Paris» — это пятьдесят одна песня, пятьдесят одна молитва о любви, пятьдесят одна история, пятьдесят одно настроение. Одним мюзикл «Собор Парижской Богоматери» напомнит давно забытое чувство, другим откроет красоты прозы Виктора Гюго, а третьих познакомит с творчеством Люка Пламондона и Риккардо Коччианте, но, наверняка, среди зрителей мюзикла «Notre Dame de Paris» найдется немало тех, кто отметит и выделит слаженную и прекрасную игру актеров и музыкантов, хореографию танцоров, великолепные и замечательные костюмы, декорации художников и освещение. 29 С полной уверенность можно сказать, что мюзикл «Нотр Дам де Пари» самый признанный и удачный мюзикл во всем мире. При этом, он является и самым молодым мюзиклом, который прославился на весь мир. После старта официальной премьеры прошедшей 16 сентября 1998 года в Париже, началось триумфальное шествие мюзикла по различным странам нашего мира. Спустя некоторое время, у создателей мюзикла «Нотр Дам де Пари» появилось много «соавторов». Мюзикл был переведен на многие европейские языки (английский, итальянский, испанский и т. д), а также нельзя не отметить, российский перевод мюзикла Нотр-Дам де Пари. И вот, вернулось время соборов. Мюзикл «Notre Dame de Paris» возродился спустя 12 лет в концертной версии 12 декабря 2010 в петербургском Ледовом дворце! Семь артистов легендарной труппы дали несколько концертов в городах Европы, в том числе и в Санкт-Петербурге. Большое желание поклонников мюзикла убедило артистов, ставших за это время звездами мировой величины, согласиться воссоздать спектакль. Поистине пророческими оказались слова заключительной песни мюзикла: «За годами пройдут года, всё превратится в тлен, но останется Нотр Дам, вечности темный плен. И седая покроет пыль нашей страсти посмертный пыл, и легендою станет быль, как цыганку горбун любил, больше жизни её любил». «Notre Dame de Paris» - мюзикл, покоривший мир… 30 Нотные примеры №1 31 32 №2 33 №3 34 35 36 37 №4 38 39 40 41 42 №5 43 44 45 46 47 №6 48 49 50 51 №7 52 53 54 55 56 57 58 №8 59 60 61 62 63 64 65 №9 66 67 68 69 70 71 72 73 74 №10 75 76 77 78 79 №11 80 81 №12 82 83 84 85 86 87 88 №13 89 90 91 92 93 №14 94 95 96 97 98 99 №15 100 101 102 103 №16 104 105 106 107 108 109 110 №17 111 112 113 114 115 №18 116 117 118 119 120 121 122 Литература 1. Великие мюзиклы мира. – М., 2002 // frenchmusicals.ru. 2. Гозенпуд А. Оперный словарь. – Л., «Музыка», 1965. 3. Гуманитарный словарь, 2002 // slovari.yandex.ru. 4. Джаз, рок- и поп-музыка, 2006 // slovari.yandex.ru. 5. История мюзикла Нотр Дам де Пари // musical-ndp.narod.ru/musical.htm. 6. Кампус Э. О мюзикле. – Л., «Музыка», 1983. 7. Клавир мюзикла «Нотр Дам де Пари» // notes.tarakanov.net. 8. Краткий музыкальный словарь, 2005 // slovari.yandex.ru. 9. Кудинова Т. От водевиля до мюзикла. – М., 1982. 10. Межибовская Р. Играем мюзикл. – М., 1988. 11. Минакова А., Минаков С. Всеобщая история музыки. – М., «ЭКСМО», 2010. 12. Мюзикл Арт Проект, 2001 // artmusical.ru › musical.htm. 13. Мюзикл, 2011 // belcanto.ru › musical.html. 14. Мюзикл // dic.academic.ru . 15. Мюзикл // megabook.ru. 16. Мюзикл // mirslovarei.com. 17. Нотр Дам де Пари, 2004 // frenchmusicals.ru. 18. Ревю Зингфельда. Истоки мюзикла, 2010 // rmagend.3dn.ru. 19. Словарь музыканта-духовика, 2007 // slovari.yandex.ru. 20. Тероганян М., Леонтьева О. История французской оперы // fedorov.ws › history.html. 21. Труфанова Е. Мировые мюзиклы. Notre-Dame de Paris // musicals.ru. 22. Что такое мюзикл? // musicalworld.ws › musical.html. 23. Шабалина Т. Мюзикл // krugosvet.ru. 24. Notre-Dame de Paris // nddp.musicals.ru. 25. Notre-Dame de Paris // notr-dam.com. 26. Notre-Dame de Paris // www.testsoch.info. 123 Приложение I Биографические сведения о создателях и исполнителях мюзикла Риккардо Коччианте родился в Сайгоне, во Вьетнаме, 20 февраля 1946 года, от отца итальянца и матери француженки. Когда ему исполнилось 11 лет, семья перебралась в Италию, и поселилась в маленьком городке в Абруццо, Рока ди Меццо. Риккардо еще не знал итальянского языка, и ходил во французскую школу, а закончив ее, в тринадцать лет поступил во французский лицей «Шатобриан» в Риме. В юности Риккардо Коччианте начал интересоваться оперой и классической музыкой. В это же время он начал петь, изучая возможности своего глубокого, хрипловатого голоса. Вскоре Риккардо возглавил свою собственную группу "The Nations", а в свободное время стал самостоятельно учиться играть на фортепьяно. По-прежнему любя классическую музыку, юноша открыл для себя группу "Beatles" и блюзы. Риккардо Коччианте – певец и композитор. Работы, которые принесли ему огромный успех, мюзиклы «Нотр Дам де Пари», «Маленький принц», «Джульетта и Ромео». Люк Пламондон родился 2 марта 1942 в Сен-Реймон Порнеф (основанный его прадедом в 1842 году), рядом с Квебеком (Канада), где он провел свое счастливое детство на ферме своих родителей. Он начинает брать уроки музыки и получает классическое образование в семинарии Квебека у 124 изуитов. К концу 1950 года он окунается в мир современных писателей и певцов (он поклонник как Ферре, так и Пресли; как Хаменгуэя, так и Сартро). Люк открывает для себя музыкальный театр, благодаря "Трехгрошевой опере" Б. Брехта и Курта Вейла. Тем не менее, он готов посвятить себя карьере преподавателя и журналиста, продолжая в тайне писать тексты песен. Получив в Квебеке степень бакалавра по педагогике, Люк учится на филологическом факультете в Университете Монтреаля и в течении года берет уроки театрального искусства. Затем он уезжает в Париж изучать историю искусства в школе Лувра. В то время, как Лондон находится под влиянием "Битлз", "Ролинг Стоунз" и модой Карнабл Стрит, он получает диплом ускоренного изучения английского языка в Западном Лондонском Коледже. Увлечение языками подталкивает Пламондона к изучению немецкого языка в Мюнхене и Института Гете в Берлине, испанского в Университете Гренады и итальянского в Риме. Все эти годы он много путешествует, в частности по Греции, Северной Африке, Индии и Мексике. Покинув Старый Свет, в 1969 году Люк приезжает в Нью-Йорк с целью стать переводчиком в ООН. Но увидев "Волосы" на Бродвее он решил, что мюзиклы – это его призвание. Мюзиклы Пламондона, где он выступил либреттистом: «Легенда о Джимми», «Лили Пассьон», «Стармания», «Собор Парижской Богоматери», «Санд и романтики», «Синди». Брюно Пельтье родился 7 августа 1962 года в Шарльбурге, небольшом городке канадской провинции Квебек. Когда Брюно было семь лет, его отец заметил, что мальчик любит музыку, и подарил ему гитару. Мальчик не только начал играть на гитаре и на ударных, но и стал сам сочинять мелодии. В колледже Брюно шесть раз менял специализацию, пытаясь найти себе занятие по душе. В том числе, несколько лет будущий певец отдал работе с 125 детьми: сначала в детской комнате в большом супермаркете, а потом в открытой им самим школе карате (увлечение Брюно карате началось после просмотра им фильмов с участием Брюса Ли; он достиг в этом боевом искусстве значительных успехов и даже может похвастаться черным поясом). Кроме того, Брюно принимал участие в театральных постановках и танцевальных конкурсах. В возрасте двадцати трех лет Брюно перебрался из своего родного города в Монреаль и начал выступать в местных барах. Из-за пропитанного табачным дымом воздуха этих заведений Брюно практически потерял голос. Чтобы вылечиться, он был вынужден на некоторое время воздержаться не только от пения, но даже и от разговоров, что было нелегко для словоохотливого юноши. Затем он должен был поступить на курсы пения, чтобы восстановить голос. В ноябре 1992 года Брюно вошел в труппу мюзикла "La legende de Jimmy" ("Легенда о Джимми"), авторами которого были Люк Пламондон (Luc Plamondon) и Мишель Берже (Michel Berger). В 1993 году Люк Пламондон, прослушав во время подготовки новой версии мюзикла "Стармания" ("Starmania") более сотни певцов, вновь остановил свой выбор на Брюно. В роли Джонни Рокфора, главаря банды "Черные звезды", Брюно выступал уже не в Квебеке, а во Франции. Люк Пламондон попросил его принять участие в новом мюзикле "Notre-Dame De Paris" ("Собор Парижской Богоматери"). Первоначально Брюно был вынужден отказаться, т.к. это мешало его турне. После повторной просьбы Пламондона, Брюно вылетел в Париж, где он исполнял роль поэта Гренгуара. По сей день Брюно остается одним из самых востребованных и известных исполнителей в мире. Канадец по происхождению, Даниель Лавуа (который, кстати, до 20 лет звался Жеральдом), родился 17 марта 1949 года в городке Дюнреа в провинции Манитоба, которая находится в англоязычной части Канады. Очень рано он начинает учиться играть на фортепиано, а в возрасте 14 лет уезжает учиться в колледж иезуитов в Сен-Бонифасе - франкоязычной 126 столице провинции. Одно время Даниель без особого интереса занимается медициной, но 60-e - это время расцвет англоязычного рока, и постепенно он понимает, что его путь в жизни связан с музыкой и эстрадой. Победа в 1967 году на конкурсе "Jeunesse oblige" утверждает его в этом решении. Однако сольная карьера еще впереди, а пока он поет в группах "Spectre" и "Dieu de l'amour vous aime". В 1970 Даниель перебирается в Квебек. Там он играет и поет в барах и кафе. Его первые записи 1973-74 годов остаются почти незамеченными в Квебеке, хотя песня с дебютного альбома "A court terme" "J'ai quitte mon ile" имела успех во Франции, а также в Бразилии и Португалии под названием "Deixei mihaterra". После небольшого турне по провинции Даниель пишет второй альбом "Berceuse pour un lion", который принес ему некоторую известность в Квебеке. Но настоящая популярность приходит после выхода альбома "Nirvana bleu", песни "Angeline" и "Danse du smatte", песни с которого вовсю крутят по радио не только в Канаде, но и во Франции. В мюзикле «Собор Парижской Богоматери» он играл роль Фролло. Даниель Лавуа - это не только певец, но еще и поэт и композитор. Творчеством этого талантливого певца увлекаются преимущественно те, кому нравится французский мюзикл "Notre Dame de Paris", в котором Гару (а именно под таким сценическим псевдонимом выступает артист) исполняет главную роль - уродливого горбуна Квазимодо. Но, само собой разумеется, известен он не только этим. Буквально все сольные композиции Гару заслуживают внимания, потому что исполнены они с такой самоотдачей, чувством и мастерством, что было бы просто кощунством их не послушать. Родился же Пьер Гаран (как вы понимаете, это настоящее имя певца) 26 127 июня 1972 года в канадском городе Шербруке, недалеко от Квебека и Монреаля. Сценическое имя певец получил от своих друзей, которые, заметив его страсть к ночной жизни, прозвали парня "Garou" (французское слово "loup-garou" означает "оборотень"). Когда малышу было всего три года, родители подарили ему гитару. Спустя два года он начал осваивать пианино, а потом орган. Очень странно, но в детстве Гару мечтал стать археологом, для того, чтобы открывать что-то новое. Родился же Пьер Гаран (как вы понимаете, это настоящее имя певца) 26 июня 1972 года в канадском городе Шербруке, недалеко от Квебека и Монреаля. Сценическое имя певец получил от своих друзей, которые, заметив его страсть к ночной жизни, прозвали парня "Garou" (французское слово "loup-garou" означает "оборотень"). Когда малышу было всего три года, родители подарили ему гитару. Спустя два года он начал осваивать пианино, а потом орган. Очень странно, но в детстве Гару мечтал стать археологом, для того, чтобы открывать что-то новое. В 1993 году, чтобы заработать хоть немного денег, Пьер берется буквально за любую работу, вплоть до того, что нанимается сборщиком винограда. Почти каждую ночь он проводит на дискотеках, по-прежнему выступая с песнями под гитару и развлекая местных жителей. В марте того же года подруга пригласила Гару на концерт шансонье Луиса Алари. Во время перерыва она попросила месье Алари дать микрофон Гару и разрешить ему спеть хотя бы одну песню... Одним словом, хозяин бара был под таким впечатлением от выступления Гару, что предложил ему работать у себя. С этого времени он "путешествует" из одного кафе в другое с гитарой наперевес и самостоятельно составленным репертуаром, и его имя становится известным в определенных кругах. До 1997 года он играет в модном заведении того времени под названием "Liquor's Store de Sherbrooke". Его хозяин, Франсис 128 Делаж, предложил устраивать так называемые "воскресенья Гару", когда он приглашал других музыкантов выступать на сцене вместе с новоявленным артистом. Можно не сомневаться, что все присутствующие были в восхищении от этих импровизированных концертов! После большого успеха "Notre Dame de Paris" уже известный широкой публике артист Гару получает огромное количество различных предложений и становится понастоящему знаменитым. Жюли Зенатти родилась 5 февраля 1981 года. Она начала петь в 8 лет под аккомпанемент своего папы, который играл на пианино. Первой ее песней была «Mon Dieu» Эдит Пиаф. В 11 лет Жюли поступает в «Studio des Varietes» в Париже. Это в дальнейшем позволяет ей записать тему к мультфильму «Starla et les Joyaux Magiques». Она дебютирует в 13 лет на телевидении в «La Chance aux Chansons», где исполняет «Mon amie pour la vie». После этого в 1994 году Жюли записывает дуэт с Ленни Кравитцом, но этому синглу не суждено было увидеть свет. Все кардинально меняется, когда во время Franco-folie de La Rochelle она знакомится с постановщиком мюзикла Notre-Dame de Paris, который предлагает ей исполнить роль Флер-деЛис, невесты Феба, сыгранного Патриком Фиори. Осенью 1999 года Жюли дебютирует в Лилле в роли Эсмеральды вместе с новой труппой Notre-Dame. В том же году она записывает дуэт с рэппером Passi «Le couloir de la Vie», который войдет в ее первый сольный альбом «Fragile», вышедший в сентябре 2000 года. На этом альбоме Жюли продолжает сотрудничать со своими бывшими партнерами по сцене Патриком Фиори, в соавторстве с которым была написана песня «Si je m`en sors», и с Люком Мервилем, который стал 129 автором песни «Why». Также можно отметить сотрудничество с Zazie, Calogero, Marie Jo Zarb. Люк Мервиль родился на Гаити, в Порт-оПренс в 1968 году. До 4 лет он жил в Нью-Йорке, где его отец руководил компанией по продаже лимузинов. В 4 года Люк вместе с матерью переезжает в Квебек. Именно в Квебеке он начнет свою карьеру. В 1987 году Люк вместе с другом Руди Туссеном создает группу Rudeluck. В 1992 году группа принимает участие в фестивале «L'Empire des Futures Stars» и побеждает. В 1993 году выходит первый альбом группы с одноименным названием Rudeluck. В 1994 году группа участвует в «Francofolies de Montreal» и на летнем фестивале в Квебеке, где имеет огромный успех. Именно на Francofolies Люк знакомится с Люком Пламондоном. В 1996 году Люк выпускает свой сольный англоязычный альбом и возвращается в Канаду. В 1997 году Люк принимает участие в «Fete du Canada» и на гала-шоу «Francofetes» в Монреале, популярном во всех франкоязычных странах. Люк получает роль в проекте «Sauve qui peut» в Квебеке, а также роль Клопена в мюзикле Пламондона - Коччианте Notre-Dame de Paris. После участия в оригинальной постановке мюзикла, Люк принимает участие в английской версии и переезжает в Лондон в 2000 году. В том же 2000 году Люк выпускает свой второй сольный франкоязычный альбом «Luck Mervil». В настоящее время Люк занимается сольной карьерой. Патрик Фиори родился 23 сентября 1969 года в Марселе, Франция, но вырос на родине матери Корсике. Вырос Патрик в интернациональной семье: мама – франко-итальянского происхождения, отец – армянин. При этом Патрик был вторым ребенком в семье из пятерых детей. Уже в пять лет он 130 обнаруживает у себя способности к музыке и пению, которые начинает развивать, мечтая стать певцом. В 191 году, в 12 лет Патрик, по предложению Франка Фернанделя, принимает участие в своей первой музыкальной комедии «La legende des Santonniers». Как только Патрик оказывается на профессиональной сцене, он понимает, что музыка – его призвание. Он участвует во многих конкурсах, где часто выигрывает, что убеждает его родителей в несомненном таланте сына. Первая запись Патрика относится к 1985 году, когда выходят его синглы «Stephanie» и «Dans ton regard», а спустя год появляется «Le c?ur a fleur d'amour». Свой первый приз Патрик получает, участвуя в программе Леона Зитрона «Les habits du dimanche». Талант Патрика признается специалистами, он продолжает принимать участие в различных конкурсах. В 1992 году в Пиренеях в «les francophonies» выигрывает с песней «Au fil de l'eau». В 1993 году Патрик принимает участие в судьбоносном для него конкурсе «Евровидение» 13 мая в Дублине, Ирландия, где представляет Францию с песней Francois Valery и Marie France Briere «Mama Corsica». Среди участвующих 25 стран, Патрик занимает четвертое место. Эдди Марни представил Патрика Люку Пламондону, который после первого же прослушивания берет Патрика на роль Феба в своем новом мюзикле NotreDame de Paris. С 18 сентября 1998 года Патрик играет Феба на сцене Дворца Конгрессов Парижа. Успех мюзикла поднимает Патрика на вершину славы, все телевизионные программы мечтают видеть его в своем эфире. Уже в 1999 году Патрик отправляется с труппой Notre-Dame на гастроли по Бельгии, Швейцарии и Канаде. В том же 1999 году Патрик принимает участие в ежегодном благотворительном шоу «Les Enfoires», а также участвуют во французской адаптации мультфильмов «Mulan» Диснея и «Le Prince 131 d'Egypte» Dreamworks LCC. Патрик Фиори продолжает выступать во многих шоу и занимается сольной карьерой. Элен Сегара родилась 26 февраля 1971 года в Си-Фур-Ле-Плаж, маленьком городке в департаменте Вар, на берегу Средиземного моря. Её отец Бернар, итальянец по служащим в происхождению, бюро был судостроительной верфи Сен Сюр Мер, а мать-армянка Тереза работала в налоговом управлении. Именно от отца, обожавшего оперу, Элен и унаследовала своё пристрастие к песне. После развода родителей в 1979 году тогда уже восьмилетняя Элен осталась жить с матерью, с которой она поддерживала довольно-таки конфликтные отношения. Тереза не разделяла стремлений дочери стать певицей; в будущем она видела Элен работающей в мэрии. Но девочка заявляла матери: "Нет, мама, я буду петь". Зато бабушка и дедушка поддерживали Элен в её мечтах о пении. В одиннадцать лет она приняла участие в конкурсе, который выиграла, исполнив песню "L'amour en heritage" Наны Мускури. Руководитель мероприятия увидел в Элен будущую звезду и сказал об этом её родителям. Но они отнеслись к этому неодобрительно, мотивируя это тем, что она ещё слишком молода, чтобы начать артистическую карьеру. В 14 лет Элен покинула дом матери и переехала жить к своему отцу. Годом позже она не выдержала и бросила школу, распрощавшись таким образом со своими амбициями, и начала выступать в барах, ресторанах и других клубах Лазурного берега. Она создала для себя репертуар, состоявший примерно из 1200 французских и англо-саксонских песен. В 1993 году Элен выпустила сингл "Loin", но песня не добилась 132 никакого успеха. Только в 1996 году Элен решила покинуть свой милый Лазурный берег и переехать в Париж, чтобы дать себе реальный шанс добиться чего-то большего в своей профессии. Элен так и не смогла привыкнуть к этой новой для неё жизни в столице. Она вернулась на юг, чтобы снова уехать какое-то время спустя. После нескольких прослушиваний в разных студиях она встретила Фабрицио Сальвадори, которой познакомил её с Орландо (братом и продюсером Далиды), на которого голос Элен произвёл сильное впечатление. Он решил заняться её карьерой, начав с того, что заставил её похудеть на 6 кг и полностью изменить внешний вид. Её первый сингл "Je vous aime adieu" стал очень популярным и даже получил награду Рольф Марбо, присуждённую SACEM весной 1997 года. Эта песня вошла в её первый альбом "Coeur de verre", вместе с "Les vallees d'Irlande" и "Vivo per lei", спетой дуэтом со знаменитым Андреа Бочелли. Альбом был продан тиражом более чем в 600 000 экземпляров. В 1997 году Элен попыталась получить роль Эсмеральды в мюзикле "Notre-Dame de Paris" Люка Пламондона и Ришара Коччианта. Роль досталась Элен после того, как Ноа отказалась от участия в турне спектакля. Участие Элен в "Notre-Dame de Paris" очень помогло ей в профессиональном плане, а также и её сольной карьере. Её пригласили записать песню "Loin du froid de decembre" к мультфильму "Anastasia". Однако в 1999 году Элен пришлось покинуть мюзикл "Notre-Dame de Paris", так как в турне по Квебеку она потеряла голос. "Во время турне я спала не более трёх часов за ночь, тогда как мне нужно восемь-десять, чтобы дать отдохнуть моему голосу; я потеряла 6 кило, мой друг меня бросил и в итоге я потеряла голос". У неё обнаружили кисту на голосовых связках, и ей срочно потребовалась операция. Врачи сказали Элен, что если она хочет снова когда-нибудь петь, она не должна разговаривать по крайней мере три недели, и ей особенно нужен отдых. Чтобы восстановить свой голос, она долго прожила в Нью-Йорке. Пока Элен набиралась сил, её музыканты записали музыку для её второго альбома, хотя сама она не была уверена в том, что сможет исполнить песни с диска. Но её 133 опасения были напрасны: сингл "Il y a trop de gens qui t'aiment", вышедший в конце 1999 года и возвестивший о великом возвращении Элен Сегара на сцену, сразу же занял первые места в хит-парадах Франции, Бельгии и Швейцарии. В течении 2000 года Элен продолжал сопутствовать успех. Её второй альбом "Au nom d'une femme" пользовался огромной популярностью с момента выхода и был продан тиражом более чем в 650 000 экземпляров. Элен получила награду NRJ в номинации Франкоязычное Открытие Года, и впоследствии награду Victoires de la Musique в номинации Артист Года. В октябре 2000-го Элен дала три концерта в Олимпии, прошедшие с огромным успехом. Один из них, проходивший 24 октября, был записан на видео и аудио. DVD и видеокассета вышли летом 2001 года, а двойной диск - осенью. 2002 год тоже начался для Элен весьма успешно - с выпуска сингла "Donner tout". В этом году также вышел испаноязычный альбом Элен, в который вошли её лучшие песни, исполненные на испанском языке. 134