Драматическая программа - Министерство культуры
advertisement
ДРАМАТИЧЕСКАЯ ПРОГРАММА IХ МЕЖДУНАРОДНОГО РОЖДЕСТВЕНСКОГО ФЕСТИВАЛЯ ИСКУССТВ В НОВОСИБИРСКЕ МОСКОВСКИЙ АКАДЕМИЧЕСКИЙ ТЕАТР ИМЕНИ ВЛ. МАЯКОВСКОГО Николай Гоголь ЖЕНИТЬБА 3, 4 декабря – Театр «Глобус», нач. в 19.00 О театре Московский академический театр им. Вл. Маяковского – один из самых старых и прославленных театральных коллективов России. Его здание построено в 1886 году специально для именитых гастролеров из-за рубежа. На этой сцене играли такие всемирно известные артисты как Сара Бернар, Элеонора Дузе, Эрнесто Поссарт и другие знаменитости. Революция меняет судьбу и театра на Никитской улице. С 1920 года в здании располагается Театр революционной сатиры (Теревсат), а с 1922 года он преобразован в Театр революции, руководителем которого назначен Всеволод Мейерхольд. В разное время театр возглавляли выдающиеся деятели советской культуры Алексей Попов и Николай Охлопков. В 1968 году художественным руководителем театра становится народный артист России, режиссер, педагог Андрей Гончаров. Он руководил театром более 30 лет, до своей смерти в 2001 году. Самыми значительными спектаклями трех десятилетий были: «Таланты и поклонники», «Дети Ванюшина», «Разгром», «Трамвай «Желание», «Бег», «Чайка», «Леди Макбет Мценского уезда», «Жизнь Клима Самгина», «Плоды просвещения» и др. С 2002 года театром руководил актер и режиссер Сергей Арцибашев. Его первой премьерой в «Маяковке» стала гоголевская «Женитьба». Среди других постановок – «Карамазовы», «Мертвые души», «Ревизор», «Банкет», «Развод по-женски», «Шаткое равновесие» и др. В 2011 году театр возглавил режиссер Миндаугас Карбаускис. Во все времена Театр им. Вл. Маяковского славился своими актерами. В разные годы здесь играли Мария Бабанова и Михаил Астангов, Максим Штраух и Лев Свердлин, Фаина Раневская и Лидия Сухаревская, Армен Джигарханян и Ольга Яковлева, Наталья Гундарева и Александр Лазарев-ст. Сегодня труппа театра представлена такими замечательными мастерами как Светлана Немоляева, Игорь Костолевский, Михаил Филиппов, Галина Анисимова, Игорь Кашинцев, Евгения Симонова, Ольга Прокофьева, Игорь Охлупин, Даниил Спиваковский, Анна Ардова, Татьяна Орлова и др. О спектакле Пьесу «Женитьба», написанную в 1833 году, Гоголь назвал «совершенно невероятным событием в двух действиях». Событие оказалось действительно невероятным: уже почти два века пьеса не сходит с российской и мировой сцены, открывая каждому поколению что-то свое – близкое и родное. Режиссер Сергей Арцибашев увидел в «Женитьбе» яркий отблеск народной души сделал песенно-романсовое начало определяющим лирическим элементом спектакля, который с наслаждением играют лучшие артисты театра. Постановочная группа: Режиссер-постановщик – народный артист России, лауреат Государственных премий России Сергей Арцибашев Художник – народный художник России, лауреат Государственной премии России Олег Шейнцис Художник по свету – Геннадий Бирюшов Музыкальное оформление – Павел Герасимов Заведующая музыкальной частью – В. Негруца Балетмейстер-репетитор – И. Орлик Действующие лица и исполнители: Агафья Тихоновна, купеческая дочь, невеста – народная артистка России Евгения Симонова, заслуженная артистка России Галина Беляева, Наталья Гребенкина, Зоя Кайдановская Арина Пантелеймоновна, тетка – народная артистка России Галина Анисимова, Любовь Руденко Фекла Ивановна, сваха – народная артистка России Светлана Немоляева Подколесин, служащий, надворный советник – народный артист России Игорь Костолевский Кочкарев, друг его – народный артист России Михаил Филиппов Яичница, экзекутор – народный артист России Игорь Кашинцев, народный артист России Игорь Охлупин Анучкин, отставной пехотный офицер – заслуженный артист России Евгений Парамонов Жевакин, моряк – заслуженный артист России, лауреат Государственной премии России Расми Джабраилов, Игорь Марычев Дуняшка, девочка в доме – Оксана Киселева, Мария Фортунатова Стариков, гостинодворец – заслуженный артист России Виктор Власов, Вячеслав Ковалев Степан, слуга Подколесина – Вячеслав Ковалев, Иван Рыбьяков, Алексей Фатеев Хор – артисты театра В спектакле участвует оркестр. Премьера спектакля состоялась 5 сентября 2002 года. Продолжительность спектакля – 3 часа. Пресса о спектакле Андрей Гончаров, много лет руководивший Театром Маяковского, ставил бодрые, полные зажигательных зонгов и плясок спектакли. Унаследовавший его кресло Сергей Арцибашев возглавляет крошечный театр «На Покровке» – там выходят тихие и лиричные постановки, чьим девизом могли бы стать слова «душа и духовность». Гоголевская «Женитьба» оказалась первым спектаклем Арцибашева – худрука «Маяковки», и в нем ему пришлось решать несколько важных задач сразу. Надо было сохранить фирменный стиль театра и при этом не потерять собственного режиссерского лица, вернуть на сцену разбежавшихся по антрепризам звезд, и – это главное! – дать повод к аншлагам. Это ему удалось: зал был набит, у входа спрашивали лишние билеты, а после последней реплики бешено аплодировали… Спектакль оборачивается веселым и бодрым, выдержанным в национальном духе шоу, где поют любимые страной песни, а заодно еще и играют: известные артисты утрируют свои маски и демонстрируют их благодарно хлопающей публике. Алексей Филиппов, «Известия» Публика встретила работу Арцибашева с восторгом. Оно и понятно. Приглашенный гений Ленкома Олег Шейнцис превратил сцену в подобие жанровой картины XIX века: зеркало сцены он сузил наполовину, чтобы образовалась узкая горизонтальная полоса. Лишенные небес и вообще всякого пространства над головой, со всех сторон сдавленные фикусами, пальмами и прочей тропической растительностью в кадках, персонажи «Женитьбы» являют собой комически трогательный, бессмысленный и умилительный парад знаменитых гоголевских «масок». Вспоминая традиции старинного театра, Арцибашев превращает каждое их появление в эффектное антре. Вкусно сыгранные роли напоминают о лучших временах русского театра, как они описаны в учебниках истории, о традициях Живокини, Садовского и Щепкина, о театре – сатирике и адвокате, об оправдании маленького человека и обо всем том, о чем с таким упоением любят рассказывать учителя литературы. Арцибашев с удовольствием и вкусом стилизует это пространство старинного театра, устраивая фронтальные мизансцены, «картинно» рассаживая женихов. Дополняют эту игру в простодушный театр прошлых эпох лубочные романсы и народные песни в исполнении главных персонажей и хора «девок и парубков» в народных костюмах... Арцибашев устроил на сцене театра им. Маяковского достойную, качественную, в меру развлекательную, в меру серьезную игру в старый добрый театр. Алена Карась, «Российская газета» Когда-то давно в Театре на Малой Бронной Анатолий Эфрос открыл, что смешную комедию Гоголя, имеющую подзаголовок «совершенно невероятное событие», можно играть как печальную историю о маленьких одиноких людях, которых призрак счастья вдруг поманил, но очень скоро бросил. Теперь Костолевский и Симонова примерно эту же тему и играют. Примерно – потому что лирика в арцибашевской «Женитьбе» не доведена до убедительной силы, оставлена в робких набросках и разводах, да к тому же разбавлена (возможно, режиссеру хотелось, чтобы была сгущена) целой антологией русских романсов, которые герои налаживаются петь при каждом удобном случае… Получилось что-то вроде культурной антрепризы. И ведь зрители в театр вернулись. Роман Должанский, «Коммерсантъ» «ТАКОЙ ТЕАТР» (САНКТ-ПЕТЕРБУРГ) Шолом-Алейхем ГЛАВНОЕ ЗАБЫЛ 3, 4 декабря – Театр «Старый дом», нач. в 19.00 О театре «Такой Театр» создан в Санкт-Петербурге в 2001 году. До этого времени «Такой Театр» существовал в виртуальном режиме, объединяя интересных творческих людей между собой. В учредительный совет создателей вошли Александр Баргман, Наталья Пивоварова, Александр Лушин, Ирина Полянская, Вера Харламова. Актеров связывали между собой не только длительный опыт сценического сосуществования, но и учеба на одном курсе в Ленинградском государственном институте театра, музыки и кинематографии им. Н. К. Черкасова (ныне – Санкт-Петербургская Академия театрального искусства). В 2006 году в театр приглашена актриса Театра им. В. Ф. Комиссаржевской Анна Вартаньян. Идея и сам брэнд – «Такой Театр» – принадлежат Наташе Пивоваровой, а первый опыт театра – спектакль «Черствые именины» Г. Соколовой – ее дипломная работа и режиссерский дебют. С тех пор он успел завоевать зрительскую популярность, был гостем и лауреатом различных петербургских и российских фестивалей, в 2002 году номинировался на Национальную театральную премию «Золотая Маска». Спектакли последних лет: «Иванов» А. Чехова (2007, номинант Национальной театральной премии «Золотая Маска», лауреат премии общества «Театрал» за лучшую режиссерскую работу), «Дура ненормальная, это я» (2007), «Каин» по произведениям Д. Г. Байрона, Клима и др. (2009, совместный проект «Такого Театра» и Театра-фестиваля «Балтийский дом»), «Главное забыл» по повести Шолом-Алейхема «Менахем Мендл» (2010), «Священная книга оборотня» В. Пелевина (2010). За последние годы «Такой Театр» неоднократно ездил на гастроли в Новосибирск, Кемерово, Челябинск и другие города. О спектакле Спектакль «Главное забыл» посвящен 150-летию со дня рождения ШоломАлейхема. Номинант Национальной театральной премии «Золотая Маска-2011» в четырех номинациях, в т. ч. «Лучший спектакль малой формы». Знакомая многим и совершенно современная история: муж оставляет жену дома с детьми, а сам отправляется в «большой мир», в надежде «не пропустить свой шанс». Большим миром, Егупцем, может оказаться любой большой город, куда устремляются энергичные провинциалы в надежде разбогатеть, состояться и т. д. «Главное забыл» – это попытка возвращения к истинному Шолом-Алейхему, ироничному мудрецу и тонкому психологу. Диалог распадается на монологи. Это грустная притча о том, как в погоне за блеском миражей можно не заметить свое истинное богатство, притча о разрушающейся семье, о мужской самонадеянности, о женской верности и вечных неудачниках. Притча об извечном мужском желании «вырваться» и об извечном женском желании «вернуть». Постановочная группа: Режиссер – Михаэль Теплицкий (Израиль) Художник – Полина Адамова (Израиль) Роли исполняют: Ирина Полянская, Александр Баргман Премьера спектакля состоялась 3 июня 2010 года. Продолжительность спектакля – 1 час 30 минут. Пресса о театре Слова «Главное забыл» – это рефрен в письмах Менахема. В инсценировку вошли, конечно, не все новеллы эпистолярного цикла. Пожалуй, в инсценировке Рои Хена и Михаэля Теплицкого не нашлось места для самых уж сатирических или злободневных (не вспоминают, к примеру, Дрейфуса) посланий. В ней больше нежного юмора – авторы даже дали своему спектаклю трогательный подзаголовок: «Любовь, состоящая из слов, и большие мечты маленьких людей». Шейне-Шейндл очень живо и эксцентрично играет Ирина Полянская. Актриса создает ярчайший мир местечковой соломенной вдовы: кокетливой, артистичной, мудрой, щедро расплескивающей бесконечные капли бездонного терпения. Александр Баргман роль Менахема играет как-то по-хорошему тихо и нежно, коммерческие фантазии его героя в театре оказываются похожи на мечты сбежавшего из дома подростка. А сам актер, одетый в тесноватый какой-то лапсердак и котелок, неожиданно начинает напоминать Чарли Чаплина. Однако смысл спектакля выплескивается за границы семейной истории и бытописания. Он о прощании с патриархальным укладом, об абсолютной невозможности ни забыть старый дом и прежнюю жизнь, ни вернуться в нее. Елена Герусова, «Коммерсантъ» Есть сцены виртуозные. Одно из писем осатаневшая от одиночества и бессилия Шейне Шендл сперва мнет, а потом рвет на мелкие части, не желая слушать своего сбежавшего мужа. Так и текст Менахема поначалу «сминается» во рту у Баргмана, а потом – по мере измельчения – превращается в отдельные слоги. Когда же Шейне Шендл решает вдруг что-то прочесть – из скомканного клочка раздается невнятный шепот… Чтото еще явно будет «сыгрываться», поскольку спектакль рождается из собственно театральной материи, из партнерского обаяния, интонационных деталей и давно известного умения Баргмана и Полянской «давать стране угля». Этот уголь отапливает их дуэт и здесь. Марина Дмитревская, «Петербургский театральный журнал» Многотомная переписка незадачливого маклера, издателя, торговца сахаром, свата Менахема-Мендла с женой Шейной-Шендл читающей публике знакома не меньше, чем история Тевье-молочника. А сам Шолом-Алейхем считал своего Менахема не героем даже, а попутчиком, почти товарищем. Он придумал его как комическое олицетворением рокового еврейского невезения. С помощью Менахема вышучивал свои провалы и катастрофы: прогар на бирже, закрытие журнала, стремительно истаявшее наследство etc. Героя анекдота Шолом-Алейхем превратил в персонажа трагикомедии. И режиссеру Теплицкому удалось то же самое. Только в его истории на первый план вышла женщина. Точнее, муки женщины, хранящей детей и очаг в ожидании мужа и постепенно осознающей, что он не вернется никогда, приравнялись на сцене к отчаянию мужчины, чьи надежды на золотые горы терпят фиаско за фиаско. Жанна Зарецкая, «Афиша» «ТАКОЙ ТЕАТР» (САНКТ-ПЕТЕРБУРГ) Шолом-Алейхем ГЛАВНОЕ ЗАБЫЛ 3, 4 декабря – Театр «Старый дом», нач. в 19.00 О театре «Такой Театр» создан в Санкт-Петербурге в 2001 году. До этого времени «Такой Театр» существовал в виртуальном режиме, объединяя интересных творческих людей между собой. В учредительный совет создателей вошли Александр Баргман, Наталья Пивоварова, Александр Лушин, Ирина Полянская, Вера Харламова. Актеров связывали между собой не только длительный опыт сценического сосуществования, но и учеба на одном курсе в Ленинградском государственном институте театра, музыки и кинематографии им. Н. К. Черкасова (ныне – Санкт-Петербургская Академия театрального искусства). В 2006 году в театр приглашена актриса Театра им. В. Ф. Комиссаржевской Анна Вартаньян. Идея и сам брэнд – «Такой Театр» – принадлежат Наташе Пивоваровой, а первый опыт театра – спектакль «Черствые именины» Г. Соколовой – ее дипломная работа и режиссерский дебют. С тех пор он успел завоевать зрительскую популярность, был гостем и лауреатом различных петербургских и российских фестивалей, в 2002 году номинировался на Национальную театральную премию «Золотая Маска». Спектакли последних лет: «Иванов» А. Чехова (2007, номинант Национальной театральной премии «Золотая Маска», лауреат премии общества «Театрал» за лучшую режиссерскую работу), «Дура ненормальная, это я» (2007), «Каин» по произведениям Д. Г. Байрона, Клима и др. (2009, совместный проект «Такого Театра» и Театра-фестиваля «Балтийский дом»), «Главное забыл» по повести Шолом-Алейхема «Менахем Мендл» (2010), «Священная книга оборотня» В. Пелевина (2010). За последние годы «Такой Театр» неоднократно ездил на гастроли в Новосибирск, Кемерово, Челябинск и другие города. О спектакле Спектакль «Главное забыл» посвящен 150-летию со дня рождения ШоломАлейхема. Номинант Национальной театральной премии «Золотая Маска-2011» в четырех номинациях, в т. ч. «Лучший спектакль малой формы». Знакомая многим и совершенно современная история: муж оставляет жену дома с детьми, а сам отправляется в «большой мир», в надежде «не пропустить свой шанс». Большим миром, Егупцем, может оказаться любой большой город, куда устремляются энергичные провинциалы в надежде разбогатеть, состояться и т. д. «Главное забыл» – это попытка возвращения к истинному Шолом-Алейхему, ироничному мудрецу и тонкому психологу. Диалог распадается на монологи. Это грустная притча о том, как в погоне за блеском миражей можно не заметить свое истинное богатство, притча о разрушающейся семье, о мужской самонадеянности, о женской верности и вечных неудачниках. Притча об извечном мужском желании «вырваться» и об извечном женском желании «вернуть». Постановочная группа: Режиссер – Михаэль Теплицкий (Израиль) Художник – Полина Адамова (Израиль) Роли исполняют: Ирина Полянская, Александр Баргман Премьера спектакля состоялась 3 июня 2010 года. Продолжительность спектакля – 1 час 30 минут. Пресса о театре Слова «Главное забыл» – это рефрен в письмах Менахема. В инсценировку вошли, конечно, не все новеллы эпистолярного цикла. Пожалуй, в инсценировке Рои Хена и Михаэля Теплицкого не нашлось места для самых уж сатирических или злободневных (не вспоминают, к примеру, Дрейфуса) посланий. В ней больше нежного юмора – авторы даже дали своему спектаклю трогательный подзаголовок: «Любовь, состоящая из слов, и большие мечты маленьких людей». Шейне-Шейндл очень живо и эксцентрично играет Ирина Полянская. Актриса создает ярчайший мир местечковой соломенной вдовы: кокетливой, артистичной, мудрой, щедро расплескивающей бесконечные капли бездонного терпения. Александр Баргман роль Менахема играет как-то по-хорошему тихо и нежно, коммерческие фантазии его героя в театре оказываются похожи на мечты сбежавшего из дома подростка. А сам актер, одетый в тесноватый какой-то лапсердак и котелок, неожиданно начинает напоминать Чарли Чаплина. Однако смысл спектакля выплескивается за границы семейной истории и бытописания. Он о прощании с патриархальным укладом, об абсолютной невозможности ни забыть старый дом и прежнюю жизнь, ни вернуться в нее. Елена Герусова, «Коммерсантъ» Есть сцены виртуозные. Одно из писем осатаневшая от одиночества и бессилия Шейне Шендл сперва мнет, а потом рвет на мелкие части, не желая слушать своего сбежавшего мужа. Так и текст Менахема поначалу «сминается» во рту у Баргмана, а потом – по мере измельчения – превращается в отдельные слоги. Когда же Шейне Шендл решает вдруг что-то прочесть – из скомканного клочка раздается невнятный шепот… Чтото еще явно будет «сыгрываться», поскольку спектакль рождается из собственно театральной материи, из партнерского обаяния, интонационных деталей и давно известного умения Баргмана и Полянской «давать стране угля». Этот уголь отапливает их дуэт и здесь. Марина Дмитревская, «Петербургский театральный журнал» Многотомная переписка незадачливого маклера, издателя, торговца сахаром, свата Менахема-Мендла с женой Шейной-Шендл читающей публике знакома не меньше, чем история Тевье-молочника. А сам Шолом-Алейхем считал своего Менахема не героем даже, а попутчиком, почти товарищем. Он придумал его как комическое олицетворением рокового еврейского невезения. С помощью Менахема вышучивал свои провалы и катастрофы: прогар на бирже, закрытие журнала, стремительно истаявшее наследство etc. Героя анекдота Шолом-Алейхем превратил в персонажа трагикомедии. И режиссеру Теплицкому удалось то же самое. Только в его истории на первый план вышла женщина. Точнее, муки женщины, хранящей детей и очаг в ожидании мужа и постепенно осознающей, что он не вернется никогда, приравнялись на сцене к отчаянию мужчины, чьи надежды на золотые горы терпят фиаско за фиаско. Жанна Зарецкая, «Афиша» РОССИЙСКИЙ АКАДЕМИЧЕСКИЙ МОЛОДЕЖНЫЙ ТЕАТР Томас Манн БУДДЕНБРОКИ семейные сцены 5 декабря – Театр «Глобус», нач. в 19.00 О театре История Российского академического Молодежного театра (бывшего Центрального детского) начинается 13 июля 1921 года, когда в Москве в помещении кинотеатра «Арс» спектаклем «Жемчужина Адальмины» открылся первый в стране театр для детей. Тогда он назывался Московский театр для детей. Его организатором и первым руководителем стала юная Наталья Сац. В 1936 году театр был переименован в Центральный детский и в том же году он получил свое нынешнее помещение – на Театральной площади, рядом с Большим и Малым театрами. В 1950-е годы театр возглавляла сподвижница Станиславского – Мария Кнебель. При ней в театр пришел молодой Анатолий Эфрос, раскрывший таланты начинающих драматургов Виктора Розова и Александра Хмелика. На сцене театра всю жизнь проработала популярнейшая актриса Валентина Сперантова. Специально для театра писали пьесы Сергей Михалков, Виктор Розов, Юрий Щекочихин. Здесь начинали свою профессиональную жизнь Олег Ефремов, Олег Анофриев, Геннадий Сайфулин, Лев Дуров, Ирина Муравьева, Ян Арлазоров, Сергей Шакуров, ставили спектакли Ольга Пыжова, Петр Фоменко, Георгий Товстоногов, Павел Хомский, Сергей Яшин. На этой сцене играли Евгений Дворжецкий и Игорь Нефедов. Художественными руководителями в разное время были Л. Волков, В. Дудин, О. Пыжова, В. Кузьмин, М. Кнебель. И вот уже почти 30 лет художественным руководителем РАМТа является народный артист России, лауреат Государственной премии России, лауреат Премии Москвы Алексей Бородин. В 1992 году театр изменил свое название и стал Российским академическим Молодежным (РАМТ). РАМТ много экспериментирует с новыми формами, не забывая традиций школы Станиславского. Репертуар строится на литературных сказках и фольклоре, на классике, отечественной и зарубежной, и современной драматургии. Для театра чрезвычайно важна художественная искренность, высочайший уровень культуры и интеллигентности. Это позиция всего творческого коллектива РАМТа. Сегодня в афише театра можно встретить спектакли по произведениям Марка Твена и Николая Носова, Альфреда де Мюссе и Теннеси Уильямса, Алексея Арбузова и Евгения Шварца, Федора Достоевского и Антона Чехова, Эжена Ионеско и Уильяма Голдинга, Бориса Васильева и Бориса Акунина. Труппа РАМТа по праву считается одной из лучших в Москве. Театр не раз удостаивался премий на театральных фестивалях и конкурсах. РАМТ много гастролирует по стране и за рубежом, побывал в Болгарии, Голландии, США, Канаде, Франции, Югославии, Англии, Германии, Китае, Исландии и др. Спектакли театра неизменно вызывают огромный отклик у профессионалов и большой интерес у зрителей. РАМТ – театр аншлагов! О спектакле «Будденброки» – первый, автобиографический роман Томаса Манна, знаменитого автора «Волшебный горы» и «Иосифа и его братьев». Это жизнеописание нескольких поколений семьи немецких бюргеров, которые ведут свой вековой бизнес в небольшом портовом городке в Германии. Успешные коммерсанты, обладающие безупречной репутацией и твердыми принципами, они стяжают собственную славу и богатство, приобретая к тому же святую веру в гарантированное процветание потомков. Действие романа происходит на протяжении менее чем полувека, пока младшие члены семьи, маленькие Будденброки, успевают повзрослеть и встать в центр событий. Временные рамки обозначены вполне точно, к тому же на протяжении всего повествования автор скрупулезно расставляет десятки хронологических меток. Типичные обыватели доброй, старой Европы. Мы сегодняшние так далеки от них, да и когда на самом деле мы были близки этому укладу жизни, взглядам, привычкам? Понятен ли нам, давно читающим другие книжки, сдержанный и одновременно скрупулезный стиль и литературный темперамент Томаса Манна? Режиссер Миндаугас Карбаускис находит, что эти мужчины и женщины с труднопроизносимыми фамилиями, оказались удивительно похожи на его современников – ровесников и самого режиссера, и актеров, играющих в спектакле. На поколение людей умных, одаренных, деловых, точных в целях, в том, чего хотят от жизни. И людей, одновременно очень ценящих семью, сосредоточенных на супружестве, на детях, доме. Разве не кажется нам порой, что ясные перспективы бизнеса и спасительно реальные задачи семейного быта помогают чувствовать себя увереннее и защищают от сомнений? «Будденброки» о том, что защищают не полностью и не навсегда. Ты примерно учишься, затем приходишь в контору, с легкостью разбираешься в ведении сделок и финансовых потоков, приобретаешь положение и капитал, или выходишь замуж, получая возможность покупать посуду по своему вкусу, но в какой-то момент земля уходит из-под ног, с детства привычная картина мира трескается и выцветает на глазах. Томас Манн дал своему роману подзаголовок – «история гибели одного семейства». Род Будденброков, в самом деле, пришел к закату и, наконец, прервался. «Будденброки» написаны Томасом Манном в 25 лет (1900). За «историю гибели одной семьи» автор удостоен Нобелевской премии (1929). «Будденброки» стали первым в Германии романом, изданным тиражом 1 миллион экземпляров (1930). Постановочная группа: Режиссер и автор инсценировки – Миндаугас Карбаускис Художник – народный художник России, лауреат Государственных премий России Сергей Бархин Художник по костюмам – Наталья Войнова Художник по свету – Сергей Скорнецкий Музыкальное оформление – Натали Плэже Хормейстер – Максим Олейников Фортепиано – Мария Садурдинова Действующие лица и исполнители: Тони – Дарья Семенова Том – Илья Исаев Христиан – Виктор Панченко Консул – Андрей Бажин Консульша – народная артистка России Лариса Гребенщикова Грюнлих – Дмитрий Кривощапов Ида – заслуженная артистка России Татьяна Матюхова Герда – Оксана Санькова Ганно – Андрей Добржинский Премьера спектакля состоялась 23 января 2011 года. Продолжительность спектакля – 3 часа. Пресса о спектакле В «Будденброках» Карбаускис достиг простоты, освобождения. Отброшены приемы тоталитарного режиссерского театра, отброшена идея постановки как насильственной интерпретации литературной классики, в прошлом – даже типичные признаки прибалтийской режиссуры: сумеречная игра со смертью, языческая символика, метафорические мизансцены, бурная внесценическая «трансцендентная» жизнь, прободающая сценическую. Режиссер Карбаускис пришел в РАМТ – в лоно театральной классики, в театр с миссией – с утренним, свежим настроением. «Будденброки» приготовлены методом исключительно актерского театра, где интонацию задают характеры и судьбы, актерский темперамент, где каркас здания спектакля опирается на артиста-атланта, все более укрупняющегося по мере продвижении действия. Герои становятся богами, после чего следует гибель богов – лейтмотив немецкой культуры. Павел Руднев, «Петербургский театральный журнал» За свой режиссерский путь Миндаугас Карбаускис поставил только два спектакля по «нормальным» пьесам – «Гедду Габлер» и «Дядю Ваню». Его всегда влекла terra incоgnita прозы – другое дыхание, другие возможности, свобода театрального сочинительства, не ограниченная репликами да ремарками и сценическими традициями. На сей раз он поставил себе прямо-таки титаническую задачу: вынести на сцену семисотстраничную семейную сагу Томаса Манна о четырех поколениях немецких коммерсантов, их расцвете и разорении. Карбаускис оставил три поколения из четырех, сократил количество персонажей почти вдвое, но сохранил чинную поступь романа от благополучия к упадку, от молодости к смерти сквозь жизненные передряги и пресловутую борьбу между долгом и чувством, между свободой личности и причастностью к единому целому рода. Борьбу, выигранную долгом и проигранную чувством, которая никого не сделала счастливее. Ольга Фукс, «Вечерняя Москва» «Будденброки» – спектакль безупречной выделки. Инсценировка внятна и даже несколько прямолинейна. Оформление Сергея Бархина, как всегда, красиво. Актерский ансамбль превосходен, и каждую роль можно описывать, смакуя детали, отмечая чувство партнерства, столь необходимое для семейной саги. Дыхание большого стиля погружает в благоговейную созерцательность. Те, кто не читал роман, с интересом следят за сюжетом, не подозревая о купюрах, те, кто читал, наслаждаются полнокровностью оживших героев. Мария Седых, «Итоги» История медленного распада могущественной семьи на сцене РАМТа несется, несмотря на большую продолжительность спектакля, стремительно, и признаки распада видны невооруженным глазом с самых первых эпизодов. То, что в романе вычитывается в длинных добротных периодах реалистической прозы, отжато Карбаускисом до сухой субстанции остатка. Этот остаток к тому же щедро полит иронией, которая только ближе к финалу уступает место печали и состраданию. История, как это обыкновенно бывает у режиссера, обретает отчетливый экзистенциальный привкус. И фундаменты шатки, и идеалы сомнительны, и усилия тщетны, ибо само течение жизни безжалостно корректирует и одно, и другое, и третье. Наталия Каминская, «Культура» Миндаугас Карбаускис создал спектакль грациозный, почти балетный, как это часто бывает у него, музыкальный: история семьи разбивается на наших глазах звонко – словно тонкая фарфоровая мейсенская тарелка, изображенная на программке: с богатой синей росписью и надписью «Buddenbrooks»… Этот спектакль – музыкальное произведение со сложной партитурой, образец тонкой ручной работы, тот же мейсенский сервиз с замысловатым орнаментом, имеющий, впрочем, точное назначение. Актерская подробность, психологическая выверенность, красота орнамента – и внятная «пища» для ума и сердца, положенная на эту тонкую треснувшую тарелку. Марина Дмитревская, «Петербургский театральный журнал» СЕДЬМАЯ СТУДИЯ ШКОЛА-СТУДИЯ МХАТ при поддержке Международного фестиваля-школы «Территория» ОТМОРОЗКИ пьеса Захара Прилепина и Кирилла Серебренникова 5, 6 декабря – Театр «Красный факел», нач. в 19.00 О школе-студии МХАТ Школа-студия при Московском художественном театре открылась в 1943 году. Инициатором ее создания был Владимир Немирович-Данченко, один из основателей МХТ. Первым ректором стал Василий Сахновский. Официальное открытие состоялось 20 октября 1943 года. Сегодня ректор Школы-студии МХАТ – заслуженный деятель искусств России, лауреат Государственной премии России, профессор, доктор искусствоведения Анатолий Смелянский. Основой преподавания актерского мастерства в Школе является система Станиславского, нацеленная на воспитание в актере острейшего чувства живой жизни на сцене, правды органической игры и одухотворенного мастерства. С самого основания Школы здесь преподавали ведущие мастера Художественного театра. Эта традиция сохранилась и сегодня. Среди руководителей курсов и преподавателей Школы-студии известные актеры и режиссеры, искусствоведы, ведущие театральные специалисты России в области сценического движения, танца, сценической речи. Большинство педагогов имеют опыт зарубежной работы. Первый выпуск в 1947 году почти целиком влился в Художественный театр. Среди выпускников Школы разных лет: Олег Ефремов, Алексей Баталов, Лилия Толмачева, Олег Борисов, Виктор Коршунов, Олег Табаков, Галина Волчек, Евгений Евстигнеев, Олег Басилашвили, Михаил Козаков, Владимир Высоцкий, Николай Караченцов, Авангард Леонтьев и многие другие великие легенды российской театральной сцены. Созданная для того чтобы постоянно обновлять театр-метрополию, Школа обеспечивает кадрами и сегодняшнюю его труппу. Абсолютное большинство тех, кто в XXI веке несет в Художественном театре репертуар, – ученики Школы-студии: Дмитрий Брусникин, Анастасия Вознесенская, Игорь Золотовицкий, Евгений Киндинов, Ирина Мирошниченко, Андрей Мягков и многие другие. Одновременно с актерским курсом в 1943 году был организован и постановочный факультет. В составе Школы-студии органической частью является научноисследовательский сектор. Учебный театр Школы-студии МХАТ – первая в жизни начинающих актеров профессиональная сцена, на которой они пробуют свои силы. Это их первые главные роли, первые успехи у зрителей, первые поклонники. Каждый год четвертый выпускной курс играет на этой площадке свои дипломные спектакли. Ежегодно ведущие театры столицы пополняются выпускниками Школы-студии МХАТ, где большинство из них в скором времени становятся ведущими актерами. О спектакле Мировая премьера спектакля «Отморозки» студентов 3-го курса Школы-студии МХАТ мастерской Кирилла Серебренникова состоялась 12 марта 2011 года в Берлине в рамках фестиваля новой драмы «F. I. N. D.». Пьеса Захара Прилепина и Кирилла Серебренникова была показана с большим успехом два раза – участникам фестиваля и берлинской публике. В конце марта спектакль был показан в Мастерских МХТ им. А. П. Чехова. Спектакль «Отморозки» вошел в репертуар Учебного театра Школыстудии МХАТ. Постановочная группа: Режиссер и художник – Кирилл Серебренников Художник по свету – Александр Созонов Действующие лица и исполнители: Гриша Жилин – Филипп Авдеев, Роман Шмаков Позитив – Филипп Авдеев, Александр Горчилин Негатив – Никита Кукушкин, Иван Фоминов Веня – Юрий Лобиков, Иван Фоминов Олег – Илья Ромашко Матвей – Артур Бесчастный Катя – Евгения Афонская, Екатерина Стеблина Верочка – Александра Ревенко Мерцалов – Дмитрий Комов Мать – Татьяна Владимирова «Серый», Макаров – Федор Лавров «Афганец», «Сальный», Водитель автобуса – Антон Васильев «Таксист», «Бородатый» – Артем Шевченко Митинг – Яна Иртеньева, Юрий Лобиков, Светлана Мамрешева, Мария Поезжаева, Харальд Розенстрем, Артем Шевченко В спектакле использованы документальные тексты, записанные артистами. В спектакле звучит ария «Gelido in ogni vena» из оперы Антонио Вивальди «Фарначе» в исполнении Светланы Мамрешевой. Премьера спектакля состоялась 12 марта 2011 года. Продолжительность спектакля – 2 часа. Пресса о спектакле Книга Прилепина в большой степени автобиографична, и говорит о затерянном в безвременье поколении 90-х, спектакль Серебренникова – о поколении нулевых. Играют его студенты, которым по 20–25 лет, играют про себя и не про сегодня даже, а про сейчас… «Отморозки» – мальчики и девочки, которые не понимают, куда идти и что делать, но хотят преобразить мир. Они готовы безропотно принять смерть, любые лишения, но не задумываясь, ради чего. Здесь все относительно, каждый, не только они, может в одночасье превратиться в жертву… «Отморозки» – спектакль неровный, в бешеном, но чуть рваном ритме, стремительный, беспощадный, иногда сумбурный. Такой же, как наше время… Николай Берман, «Около» Курс Школы-студии МХТ Кирилла Серебренникова играет яростно, с таким пониманием ситуации, как будто они сами прошли подпольно уличную школу отморозков. Доля истины в этом есть: студенты год собирали материал на улицах и площадях столицы и Петербурга, ходили на митинги, записывали реплики – нацболов, стражей порядка. После определенной селекции некоторые стали документальной частью спектакля. Можно только похвалить мастера курса, который выбрал путь в подходе к современному театру через жизнь, через документ… Кроме того, что «Отморозки» вывели новый тип студентов театрального вуза: не просто актеры, а соавторы, – они еще жестко обозначили художественными средствами нашу реальность, от которой по окончании спектакля у публики – оторопь. Где мы живем? С кем? И ради чего? Марина Райкина, «Московский комсомолец» «Отморозки» сделаны не только без оглядки на традиции, но вопреки им, ибо театр прямого социального высказывания у нас не в чести. Он существует маргинально, на сценах маленьких полуподвальчиков-doc и уже в силу самих условий своего существования лишен признаков масштабного сценического высказывания. В случае с «Отморозками» русский политический театр наконец-то вышел из полуподвальчиков на широкий сценический простор… Явленное в спектакле умение выпрыгнуть из социального (идеологического) измерения в пространство одной отдельно взятой души – главное достоинство того нового политического театра России, зачинателем которого стал в «Отморозках» Кирилл Серебренников. Марина Давыдова, «Известия» Стиль «Отморозков» яростен и прямолинеен как плакат. Социальная правда легко монтируется с театральной условностью, драки – с трюками, а пресловутый verbatim кажется ироничной фантазией изощренного литератора. Чего стоит реплика певицы, которая продирается сквозь заваруху на репетицию в «Чайник» (Зал им. Чайковского, значит, речь идет о Триумфальной) и ужасается тому, как митингующий «кричит на связках». Ольга Фукс, «Ведомости» Спектакль обладает бешеной энергетикой. Энергия молодых, студентов Школыстудии МХАТ, подчиняет своему ритму. Зрителя погружают в атмосферу Триумфальной, впрочем, ни разу не названной, где каждое 31-е число начинается и мгновенно заканчивается сражением «ментов» с «отморозками». Заградительные решетки – единственный и мощный сценический элемент, формирующий сценическое пространство лучше любой натуралистической декорации… В спектакле много мата. Однако перестаешь замечать его очень скоро. Понимаешь: не будь его – тексты, произносимые актерами, показались бы фальшивыми. Александра Самарина, «Независимая газета» МОСКОВСКИЙ ТЕАТР ЮНОГО ЗРИТЕЛЯ Федор Достоевский КРОТКАЯ 6, 7 декабря – Театр «Глобус», специальное помещение, нач. в 19.00 О театре Московский театр юного зрителя – один из старейших театров Москвы нового времени начал свою историю в 1920 году. У театра были свои взлеты и падения, но надуманная советская специфика «театра только для юного зрителя» жестко ограничивала репертуар, а, следовательно, и творческие возможности режиссеров и актеров. Переменилось все в 1987 году – в день премьеры спектакля «Собачье сердце» М. Булгакова в постановке нового главного режиссера тюза – Генриетты Яновской. Спектакль стал не только началом новой эры Московского театра юного зрителя, но и символом возрождения свободного русского театра, после долго вынужденного подполья вновь заговорившего в полный голос. Голос, который благодаря триумфальным гастролям «Собачьего сердца» услышали в Европе, Израиле, Турции. Рядовой «детский» театр стал «Театром для людей» – как говорит Генриетта Яновская, театром известным далеко за пределами России, каждая работа которого неизменно привлекает интерес международной театральной общественности. Московский тюз сегодня – театр двух режиссеров Генриетты Яновской и Камы Гинкаса, сценографа Сергея Бархина и талантливой труппы. За прошедшие годы спектакли театра неоднократно отмечались премиями и наградами. В 1994 году стартовал театральный фестиваль «Золотая Маска», и ежегодно постановки театра, режиссеры, актеры, художники были номинантами премии. В номинации лучшая сценография Сергей Бархин трижды получал «Золотую Маску» за спектакли «Иванов и другие», «Черный монах», «Скрипка Ротшильда». В 2003 году спектакль «Дама с собачкой» был назван «Лучшим спектаклем малой формы» и Кама Гинкас – «Лучшим режиссером». В 2005 году спектакль «Скрипка Ротшильда» получил премию в номинации «Лучший спектакль большой формы». Труппа знаменита яркими актерскими индивидуальностями, в то же время составляющими целостный гармоничный ансамбль. В театре работают такие признанные актеры, как Игорь Ясулович, Валерий Баринов, Сергей Шакуров, Игорь Гордин, Виктория Верберг, Юлия Свежакова, Марина Зубанова и талантливая многообещающая молодежь – Алексей Алексеев, Андрей Финягин, Николай Иванов, Алена Стебунова, Елена Лядова и многие другие. В течение последних лет Московский тюз неоднократно выезжал на гастроли и фестивали в города России: Санкт-Петербург, Самару, Вологду, Новосибирск, Ростов-наДону, Сургут, Нижневартовск и др., представлял российское театральное искусство на престижных международных театральных фестивалях во Франции, Германии, Швейцарии, Швеции, Финляндии, Италии, Нидерландах, Югославии, Польше, Болгарии, Эстонии, Грузии, США и др. О спектакле «Кроткая» – это спектакль о страшном и сложном духовном пути двух человеческих душ, двух человеческих тел – бесприютных и одиноких, нуждающихся друг в друге бесконечно и гибнущих в этой близости, в этой ее невозможности. Жгучее желание повиновения и жажда власти над чужой жизнью толкает на все большую жестокость. Косность, страх пренебрежения, боль презрения вымарывают из души любовь и свет. Жестокость становится нормой отношений. Неспособность любить и страстное желание любви – вечной мукой. Страшная обыденность этих отношений сквозь ткань спектакля мерцает иным, вечным смыслом, оборачивается поединком Гордыни и Кротости. И Гордыня разбивается о божественный закон мироздания. Разбивается вдребезги, в пыль, в ничто. Этот спектакль продолжает проект Московского тюза по поддержке молодых режиссеров и художников. В рамках проекта в Белой комнате тюза вышли также: «Нос» Андрея Неделькина и Марии Кривцовой и «Повесть о том, как один мужик двух генералов прокормил», созданный Алексеем Дубровским и Леонидом Шуляковым. В 2011 году заслуженный артист России Игорь Гордин стал лауреатом Национальной театральной премии «Золотая Маска» в номинации «Лучшая мужская роль». Постановочная группа: Режиссер – Ирина Керученко Художник – Мария Утробина Действующие лица и исполнители: Он – заслуженный артист России Игорь Гордин Она – Елена Лямина Лукерья – Марина Зубанова В спектакле использована музыка Олега Карвайчука, Арво Пярта, Эйтора ВиллаЛобоса. Премьера спектакля состоялась 6 октября 2009 года. Продолжительность спектакля – 2 часа 20 минут. Пресса о спектакле Кроткая» в тюзе – спектакль ясный, грамотный, скульптурно вылепленный в каждой детали. Приятно сознавать, что в Москве появился новый сильный режиссер, с хорошей школой, со своим почерком, за которым очень интересно следить и от которого многого можно ожидать. Ольга Егошина, «Новые известия» Персонаж «Кроткой» обретает свое лицо, пройдя через страдания. Актеру удается передать и великодушие, и низость. Игорь Гордин играет так, что кажется: от успеха этого спектакля зависит его жизнь. Это почти забытое зрительское чувство. Высокий класс. Финал спектакля полностью совпадает с финалом повести – слово в слово: «Когда ее завтра унесут, что ж я буду?» Та же интонация без нажима. В этой точности есть особое изящество. Режиссеру Ирине Керученко присуща графическая монохромность, ритмы мрачноватой трагедии, усиленные обыденностью. И, как всегда в своих постановках, она ищет свет в этой безысходности. Это достаточно жесткая история. Восхитительномучительная. Марина Квасницкая, «Независимая газета» В Москве редко ставят спектакли, где солнце, светила и театральную машинерию движет именно она, любовь. Вот – появилась «Кроткая». Елена Дьякова, «Новая газета» С выходом «Кроткой» в «комнатном» репертуаре Московского театра юного зрителя появился еще один спектакль отнюдь не комнатного уровня. Когда видишь, что голова молодого режиссера умна, душа подвижна, рука крепка и уверенна, да еще артист у этого режиссера играет по-настоящему крупно и с блеском, сразу хочется вновь полюбить, разлюбленное уж было, театральное искусство. Наталия Каминская, «Культура» Текст «Кроткой» коварен для актера – много возможностей проявить себя, но при этом повороты души героя такие неожиданные, выворачивающие наизнанку, что, помимо большого диапазона, требуется особая внутренняя свобода. Умение быть на сцене любым – как прекрасным, божественным, так и отчаянно гадким. Ирина Керученко не ошиблась в своем выборе: героя в ее спектакле играет Игорь Гордин. Для которого нынешняя осень знаменательна сразу двумя серьезными ролями: в «Медее» Камы Гинкаса и в «Кроткой». Абсолютно разные, они позволили увидеть переход Гордина в новое качество. Теперь всем очевидно, насколько это крупный актер. Гордин наделен негромким, сияющим обаянием. Все персонажи, им сыгранные, даже при полном наборе недостатков, вызывают теплые эмоции. Им обязательно сочувствуешь. Ростовщик в «Кроткой» не исключение. Актер показал, как молниеносно он может поворачиваться на сто восемьдесят градусов, ужасать своим персонажем – и тут же вызывать желание понять его. Алиса Никольская, «Театрал» Спектакль этот идет в так называемой «белой комнате», актеры играют на расстоянии вытянутой руки, сплетенные режиссером кружева видны отчетливо и действуют на публику безотказно. Керученко отважно предъявляет публике другого, непривычного Достоевского, стерильно очищенного от достоевщины. Подпольного героя «Кроткой», погубившего юную девочку-жену и выясняющего теперь свои отношения с Богом, она, что называется, «опустила» в реальную жизнь. Очень хороший актер Игорь Гордин играет зажатого, закомплексованного человека, которого никто никогда не любил, отсюда все его беды. В ее спектакле, может, и нет глобальных философских вопросов и ответов, зато есть сильное и живое чувство. И на актрису Елену Лямину обратите, пожалуйста, внимание. Имя для многих новое, меж тем играет она здесь безупречно. Марина Зайонц, «Известия» ЦЕНТР ИМЕНИ ВС. МЕЙЕРХОЛЬДА Ярослава Пулинович НАТАШИНА МЕЧТА моноспектакль Елены Гориной 7, 8 декабря – Театр кукол, нач. в 19.00 О Центре Центр имени Вс. Мейерхольда (ЦИМ) основан в 1991 году по инициативе Комиссии по творческому наследию режиссера и при поддержке Союза театральных деятелей России и Союза архитекторов России. Возникновение ЦИМ связано с деятельностью двух не зависящих друг от друга организаций. Первая из них – Комиссия по творческому наследию В. Э. Мейерхольда. Вторая – Всероссийское объединение «Творческие мастерские». Комиссия по наследию, активно работающая по сей день, сформирована сразу после официальной реабилитации Мейерхольда в 1955 году. В начале 1988 года В. В. Фокин и М. А. Валентей-Мейерхольд обращаются в КГБ СССР с просьбой предоставить возможность ознакомиться с «делом» Мейерхольда. В том же году принято решение о публикации документов «дела» и о создании мемориального Музея-квартиры в Москве. Всероссийское объединение «Творческие мастерские» (ВОТМ) учреждено Союзом театральных деятелей РСФСР в 1987 году. В первый же свой сезон «Мастерские» выпустили более 20 (!) спектаклей, осуществленных прежде безвестными режиссерами и группами. Пономарёв, Клим, Мирзоев, Саркисов, группа поэтов «Альманах» и многие другие успешно дебютировали в ВОТМе. Открылись филиалы – в Ленинграде, Петрозаводске, Воронеже. Задачи ЦИМ сегодня – консолидировать усилия по изучению, распространению и развитию творческих идей Мейерхольда как крупнейшего художника-новатора, оказавшего влияние на русский и мировой театр; поддерживать многообещающие начинания, возникающие как в самом театре, так и на пересечении разных искусств, в живом взаимодействии авангардных и архаических форм. Не подменяя собой ни академический институт, ни репертуарный театр, ЦИМ призван быть своего рода мостом между историко-теоретическими исследованиями и экспериментальной театральной практикой. Что такое ЦИМ сегодня? Лаборатория. Мастерская (как любил говорить Мейерхольд). Рабочее место для профессионалов, у которых пока еще есть вопросы к жизни. Место, где можно рисковать. Искать новые формы (они, как ни странно, попрежнему нужны) и не чураться старых (потому что без нормального консерватизма не бывает здорового авангарда). Президент Центра им. Вс. Мейерхольда – Валерий Фокин, народный артист России, лауреат Государственных премий России, заслуженный деятель искусств Польши. Художественный руководитель ЦИМ – режиссер Виктор Рыжаков. О спектакле Спектакль «Наташина мечта» поставлен выпускником режиссерской магистратуры Центра им. Вс. Мейерхольда и Школы-студии МХТ Шамилем Дыйканбаевым (Кыргызстан). В 2011 году спектакль был представлен во внеконкурсных программах Национального театрального фестиваля «Золотая Маска» – «Маска Плюс» и «Russian Case». Постановочная группа: Режиссер – Шамиль Дыйканбаев Художники по свету – Марина Цукерман, Максим Бирюков Директор проекта – Ольга Соротокина В спектакле занята Елена Горина. Премьера спектакля состоялась 27 ноября 2010 года. Продолжительность спектакля – 1 час 10 минут. Пресса о спектакле Текст Пулинович – сгусток разрушительно-созидательной энергетики. Простые слова о любви и мечте, которые удивительно и непонятно превращаются в заклинания. Каждое слово не уходит в пустоту, а оседает в жесткой и рыхлой земле, где и берет свой росток. Актриса Елена Горина еще до произнесения первого слова сконцентрировано вбирает в себя энергетику, с которой приходит зритель. Здесь и сейчас она через «Наташу» ведет диалог с ним – зал, зритель, человек, современник. Не ради исповеди и «глупой» игры. А о том, от чего нам всем больно. Текст и актриса пытаются замкнуть ограниченное пространство, за которым, может быть, есть нечто большее, чем просто боль. «Вечерняя Москва» Спектакль нарочито аскетичен и держится исключительно на игре Елены Гориной (исполнительницы роли Друзиллы в «Калигуле» Някрошюса). В углу пустой темной комнаты, съежившись, сидит и смотрит исподлобья на входящих зрителей худощавая девочка-подросток, похожая на ощетинившегося зверька. Но, рассказывая о своей первой любви, девушка оттаивает и расцветает у нас на глазах, чтобы потом снова превратиться в затравленную волчицу, которая готова зубами вырывать у судьбы свое женское счастье. В каждую минуту сценического существования актриса абсолютно достоверна: и когда болтает на подростковом сленге о детдомовских буднях, и когда смотрит поверх наших голов невидящими счастливыми глазами, и когда выкрикивает свое последнее слово обвиняемой. Так что когда в финале актриса не выходит на поклоны, у зрителей создается полное ощущение, что ее и впрямь увели в камеру… Театр наш так изголодался по искренней интонации, по качественному психологическому театру с подробным разбором ролей, что каждая вполне традиционная и безыскусная, но честная постановка – теперь поистине на вес золота. Марина Шимадина, «OpenSpace.ru» Текст Пулинович, написанный, когда она сама была подростком, обманчиво прост. В нем гораздо сильнее звучит язвительный упрек равнодушному обществу, нежели выражение подростковых страхов. Это портрет в пастельных тонах с несколькими темными, кроваво красными штрихами, где юношеские мечты приносятся в жертву судьбе. Джон Фридман, «The Moscow Times» ГОСУДАРСТВЕННЫЙ АКАДЕМИЧЕСКИЙ ТЕАТР ИМЕНИ ЕВГ. ВАХТАНГОВА Антон Чехов ДЯДЯ ВАНЯ сцены из деревенской жизни в 2 действиях 9, 10 декабря – Театр «Глобус», нач. в 19.00 О театре В ноябре 2011 года легендарный московский театр – Государственный академический театр имени Евг. Вахтангова – отмечает 90-летие. История театра началась задолго до его рождения. В конце 1913 года группа молодых московских студентов организовала Студенческую драматическую студию, решив заниматься театральным искусством по системе Станиславского. Руководить занятиями согласился Евгений Вахтангов, актер и режиссер Художественного театра. В 1920 году Студия Вахтангова была принята в семью Художественного театра под именем его Третьей студии. 13 ноября 1921 года открылся постоянный театр Третьей студии МХТ на Арбате. После смерти Вахтангова в 1922 году, его ученики стали пробовать свои силы в режиссуре. Началом самостоятельной жизни Студии стал режиссерский дебют Бориса Захавы – комедия «Правда – хорошо, а счастье лучше». Чтобы создать устойчивую атмосферу, В. И. Немирович-Данченко назначил директором Третьей студии Юрия Завадского, который казался Владимиру Ивановичу «наиболее заметной фигурой для общественного мнения». В 1939 по 1968 год художественным руководителем театра был Рубен Симонов. Именно в этот период были поставлены знаменитые вахтанговские спектакли: «Идиот», «Платонов», «Живой труп», «Город на заре», «Гамлет», «Иркутская история», «Дамы и гусары» и др. В 1963 году, к столетию со дня рождения Станиславского и восьмидесятилетию Вахтангова, Симонов возобновил «Принцессу Турандот». В ней играли всеми признанные актеры: Борисова, Лановой, Максакова, Райкина. С 1969 по 1987 год театр возглавлял Евгений Симонов. С его именем во многом связан взлет театра на рубеже 1950–60-х. В 1987 году на пост художественного руководителя был выбран Михаил Ульянов. Принимая театр, М. А. Ульянов сказал, что он никогда сам не будет ставить спектаклей, не будет сокращать труппу, будет приглашать крупных режиссеров и драматургов. Вахтанговцам в эти годы важны были не только новые режиссеры, новые темы, но и новая острота содержания спектаклей. В этот период в театре ставят Роман Виктюк, Петр Фоменко, Аркадий Кац, Владимир Мирзоев, Сергей Яшин, Григорий Дитятковский. Знаменитая труппа театра (Юлия Борисова, Юрий Яковлев, Владимир Этуш, Василий Лановой, Ирина Купченко, Людмила Максакова, Сергей Маковецкий, Мария Аронова, Юлия Рутберг, Евгений Князев, Максим Суханов) завоевала любовь многих поколений. Их служение составило его историю и славу, их мастерство и виртуозное лицедейство стало легендой, их творческая жизнь прожита в театре, который стал для них храмом. С 2007 года художественный руководитель Театра им. Вахтангова – лауреат Государственной премии России Римас Туминас. О спектакле Лауреат премии «Хрустальная Турандот» в номинации «Лучший спектакль сезона 2009–2010 гг.». Лауреат Международной театральной премии имени К. С. Станиславского, 2010 г. Лауреат ежегодной театральной премии Союза театральных деятелей России «Гвоздь сезона», 2011 г. Лауреат Национальной театральной премии «Золотая Маска» (номинация «Лучший спектакль большой формы»), 2011 г. Не удивляйтесь, если придя на спектакль «Дядя Ваня», вы не узнаете знакомых персонажей, а известные слова зазвучат неожиданно. Нет, режиссер Римас Туминас не совершил акта вандализма, он не переписал текст, не сократил его. Он прочел его с листа, как бы не догадываясь, что и до него были интерпретаторы. Режиссер очистил сцену от быта, оставив поле битвы страстей, разбитых иллюзий, неслучившихся надежд. Герои Чехова, увиденные Туминасом и воплощенные актерами, живут в сшибке амбиций, философствования, трудолюбия и лености, служения и потребления. В творчестве Чехова находят предтечу театра абсурда: говорят одно, делают другое, думают третье. «Дядя Ваня» Туминаса о том, что думают герои Чехова и в чем признаются только в минуты душевного потрясения. Они порой косноязычны, как дядя Ваня, или излишне брутальны как Астров, но их признания вырываются из души яростно, как человек из душной комнаты на свежий воздух. Режиссер и исполнители любят своих героев – таких разных, одиноких, порой смешных. Да, да, смешных! Чехов свои пьесы называл комедиями. Режиссеры и зрители гадали, почему эти истории, наполненные страданиями, недосказанностью, заканчивающиеся всегда на пронзительно-грустной ноте, – комедии? Для Туминаса пьесы Чехова – путь поиска, разгадка сути, оправдание жанра. Каждая его постановка – приближение к смыслу этого загадочного слова «комедия», так противоречащего контексту сюжета. Как тут не вспомнить слова А. С. Пушкина: «Высокая комедия не основана единственно на смехе, но на развитии характеров и нередко близко подходит к трагедии». Постановочная группа: Постановка – лауреат Государственной премии России, лауреат Национальной театральной премии «Золотая Маска» Римас Туминас Сценография и костюмы – Адомас Яцовскис Композитор – Фаустас Латенас Действующие лица и исполнители: Серебряков Александр Владимирович, отставной профессор – народный артист России Владимир Симонов Елена Андреевна, его жена – заслуженная артистка России Анна Дубровская Софья Александровна (Соня), его дочь от первого брака – Евгения Крегжде, Мария Бердинских Войницкая Мария Васильевна, вдова тайного советника, мать первой жены профессора – народная артистка России, лауреат Государственной премии России Людмила Максакова Войницкий Иван Петрович, ее сын – народный артист России, лауреат Государственной премии России Сергей Маковецкий Астров Михаил Львович, врач – Владимир Вдовиченков, Артур Иванов Телегин Илья Ильич, обедневший помещик – заслуженный артист России Юрий Красков Марина, няня – заслуженная артистка России Галина Коновалова, заслуженная артистка России Инна Алабина Ефим, работник – Сергей Епишев, Артур Иванов Премьера спектакля состоялась 2 сентября 2009 года. Продолжительность спектакля 3 часа 15 минут. Пресса о спектакле Гениально играет Сергей Маковецкий. Так, что хочется описывать каждый его выход, каждый поворот головы. Это какое-то почти уже незнакомое нынешней сцене постоянное проживание смешной и пугающе бессмысленной жизни, жалкой, на фоне такой же жалкой, но с осознанием своей высокой миссии на Земле – жизни профессора Серебрякова. Пожалуй, никогда еще не было сыграно этого равенства их двоих в том, что жизнь – пропала. Как дядя Ваня, выслушав предложение профессора о продаже деревенского дома, проклинает его и тут же тычется в плечо, как напроказивший ребенок! Сколько в этом, опять и опять, смешного и неисправимо трагического! Спектакль Туминаса еще и тем замечателен и хорош, что, выйдя за порог театра, продолжаешь думать. О спектакле, его героях – точно шахматную партию, давно и не тобою проигранную, пытаешься переиграть, с середины, с конца, с начала. С золотого детства дяди Вани… Выиграть не получается. Пропала жизнь. Григорий Заславский, «Независимая газета» На этот раз Туминас из Чехова приготовил крепкий настой с веселяще-истеричным эффектом. Даже трудно определить, что входит в состав «зелья» тончайшего производства, но действует одурманивающе… Режиссер Туминас считает, что сегодня дядя Ваня – тот вымирающий вид, воплощение не оставшейся на земле совести, которой рядом с позолоченной принцессой Турандот следует поставить памятник. Блестеть под солнцем он, естественно, не будет. Марина Райкина, «Московский комсомолец» «Дядя Ваня», безусловно, самый серьезный спектакль вахтанговцев за последние лет пятнадцать, а литовскому мастеру Римасу Туминасу как худруку труппы альтернативы нет… Иногда чеховские персонажи Римаса Туминаса, прежде чем сделать или сказать что-то, на секунду замирают, точно они сами не уверены в том, что сейчас с ними произойдет. Иногда они вглядываются друг в друга, точно не совсем уверены, кто именно перед ними. Господин Туминас словно отразил «сцены из деревенской жизни» в тайных кривых зеркалах инобытия – и от этого спектакль его вышел мрачно-эксцентричным. А точно ли, думаешь, не призраки обитателей усадьбы ходят по сцене? Эту тревожногнетущую атмосферу, в данном случае созданную во многом благодаря изменчивой, разнообразной музыке Фаустаса Латенаса, можно считать фирменной особенностью литовской режиссуры. Роман Должанский, «Коммерсантъ» Мобильный, яркий, наполненный музыкой и броскими, почти эстрадными номерами спектакль Римаса Туминаса, возможно, одно из самых беспросветных прочтений Чехова последних лет. Среди карикатурной графичной манеры, в которой созданы другие персонажи, дядя Ваня Сергея Маковецкого – портрет маслом, любовно выписанный рукой мастера. Его дядя Ваня стал центром и оправданием вахтанговской постановки и одним из лучших Войницких русской сцены… Римас Туминас не прочерчивает свои мысли курсивом (иногда кажется, что он вообще избегает их договаривать), но вахтанговская премьера заставляет думать о вещах бытийственных. Потому каждый хоть ненадолго, но ощущал себя пасынком – дядей Ваней, осознавая, что «все люди на земле – приживалы у Господа Бога». Ольга Егошина, «Новые известия» Маковецкий, думаю, создал одну из самых выдающихся своих ролей. Его здесь бытие, как сказал бы Хайдеггер, тотально; Ваня – это сам жизненный поток, это способность реагировать на мир вне всяких рассудочно-холодных пристроек к нему, реагировать всем существом… Он так же точно – как губка – впитывает в себя весь мир, точно нет на нем кожи. Такое видишь в театре нечасто. И едва ли не впервые на своем веку я вижу спектакль, в котором до конца понятно, почему пьеса носит имя дяди Вани… Ваня – лучший из всех. Он смешон только потому, что мир так отчаянно плох, так безнадежно несовершенен. Мертвая гротескная опера современной жизни и живой человек не могут существовать вместе. Кто-то должен исчезнуть… Но оставить по себе памятник... памятник льву. Алена Карась, «Российская газета» Чеховского «Дядю Ваню», который смотрится взахлеб, так что почти совсем не приходит в голову задавать вопросы, которые не оставляли на прежних прихотливотуманных постановках Туминаса. А почему герой делает это? а это для чего? а что тут имеется в виду? Сохранив свою ироничную интонацию, Туминас поставил спектакль грустный и горький, не про каких-то там суетливых марионеток, резоны которых не понять, а про живых людей. И стало ясно, что труппа Театра Вахтангова, давно уже имевшая безрадостный вид, находится в отличной форме, а Туминас знает, в каком случае надо отказаться от дуракаваляния и не заваливать артиста мусором режиссерских штучек. Вот тут-то зритель и откроет рот. Это я к тому, что, на мой взгляд, «Дядя Ваня» – лучший спектакль Туминаса, самый ясный и человеческий и в то же время самый оригинальный и личный. Причем, судя по отзывам, спектакль от показа к показу растет и набирает силу. Дина Годер, «Время новостей» ТЕАТР-СТУДИЯ АЛЕКСАНДРА ГОНЧАРУКА (ОМСК) Ярослава Пулинович ЗВЕЗДА НА НЕБЕ ГОЛУБОМ НЕ ЗНАЕТ ОБО МНЕ трагикомедия под треки DJ АТОМА 9 декабря – Театр «Старый дом», нач. в 19.00 О театре Театр-студия Александра Гончарука образован в 2006 году. Художественный руководитель театра – заслуженный артист России, артист Омского академического театра драмы и Дома актера Александр Гончарук. В труппе около 30 человек. Костяк труппы составляют молодые актеры 18–25 лет. В репертуаре разножанровые спектакли, рассчитанные на детскую и взрослую аудитории. Театр-студия много гастролирует, его спектакли неоднократно отмечались наградами всероссийских и международных фестивалей. В 2007 году спектакль «Любовь Дона Перлимплина» по Федерико Гарсиа Лорке завоевал Гран-при на IX Всероссийском фестивале молодежных театров в Сочи и получил дипломы в пяти номинациях, также отмечен на фестивалях Германии (2007), Латвии (2008). После участия в Х Всемирном фестивале детских театров в Москве (2008) спектакль «Станция «Молодильные яблоки» был приглашен в семь стран мира. В 2009 году театр отмечен призом «Надежда» Международного фестиваля современной драматургии «Коляда-PLAYS» в Екатеринбурге за спектакль «Я ухожу красиво». На протяжении нескольких лет театр сотрудничает с режиссером Омского академического театра драмы Анной Бабановой. Благодаря ее творческому союзу с Александром Гончаруком на сцене театра появились спектакли «Я ухожу красиво», «Adam & Eva» или «Стриптиз – такая наша жизнь», «Под знаком Полунина», «Американская мечта», «Чудеса на Змеином болоте», «Морозко», «Бешеные парни»; восстановлен спектакль «Чудесный сплав» (режиссер Владимир Левертов). Коллектив активно сотрудничает с уральским драматургом, ученицей Николая Коляды, Ярославой Пулинович. В репертуаре с успехом идут два спектакля по мотивам ее пьес, готовится третья работа – спектакль «Мастер и Маргарита» по инсценировке этого автора. Театр-студия работает с художниками Сергеем Александровым, Дамиром Муратовым, Олегом Головко. Для молодых дарований – старшеклассников и студентов – в театре проводятся мастер-классы ведущих педагогов страны, проходят занятия по хореографии, сценической речи, фехтованию, акробатике, психологии, вокалу. О спектакле В 2011 году спектакль «Звезда на небе голубом не знает обо мне» принял участие во внеконкурсной программе Национального театрального фестиваля «Золотая Маска» – «Маска Плюс». В 2010 году спектакль о судьбах детей-сирот получил награду за лучший актерский ансамбль на Международном фестивале современной драматургии «Коляда-PLAYS» в Екатеринбурге. Анна Бабанова и Александр Гончарук как постановщики работают в экспрессивной манере, рассчитанной, прежде всего, на аудиторию телеканала будущего – youtube. Им удается не только говорить с ними на адекватном языке, но и успешно соперничать со всеми остальными претендентами за их зрительское внимание. Они всерьез создают новейшую театральную эстетику, которая не только следует за кинематографом, но и временами опережает его, предлагая современному зрителю адекватный его восприятию стиль сценического повествования. Вот только состояние, которое зрителю суждено пережить, он сам для себя назовет уже не старым добрым «катарсисом», а словосочетанием, похожим на что-нибудь вроде «взрыв мозга». Постановочная группа: Режиссер – Анна Бабанова Сценография и костюмы – Дамир Муратов Хореограф – заслуженный артист России Виктор Тзапташвилли Клубные танцы – Александр Шамкин Осветитель – Вадим Клещев Звукооператор – Михаил Квезерели Видеопроектор – Илья Устымчук Действующие лица и исполнители: Аня – Юлия Овчаренко Кристина – Юлия Гревцова Бабушка – народная артистка России, лауреат Государственной премии имени К. С. Станиславского, лауреат Национальной театральной премии «Золотая Маска» Елизавета Романенко, Александра Корнева Воспитательница, следователь, психотерапевт, кожник, охранник, учительница литературы, водитель – заслуженный артист России Александр Гончарук Диджей – Антон Булавков Кошка – Дарья Зарецкая Манька – Елена Красикова, Ксения Климанова Верка, огородница – Мария Коптева Курымбас, милиционер – Виктория Курылева Герман, Фестер Адамс – Ринат Ташимов Помощник следователя, милиционер, огородник, студент, группа «Кирпичи» – Ярослав Максименко Люциус, мажор, Гомес Адамс – Александр Гончарук-мл. Санитарка, Морозов, байкер, группа «Кирпичи» – Игорь Болдышев Мажорка, жена Люциуса, Мартиша Адамс – Зарина Демидова Вендзи Адамс – Светлана Баженова Другие – Галина Шмакова, Анжелика Наркуте, Юлия Авилкина Премьера спектакля состоялась 19 июня 2010 года. Продолжительность спектакля – 1 час 20 минут. Пресса о спектакле Спектакль «Звезда на небе голубом…» начинается в помещении, похожем на морг. Потом это будет и студенческим общежитием, и рынком, и коридором элитной школы, и ночным клубом, но ощущение сиротства, пустоты и бесприютности останется с нами до конца. Жанр молодежного шоу, в котором выдержан спектакль, местами напоминает пляску на костях. Трудно сказать, чего в этой истории больше – надежды или безысходности. Эльвира Кадырова, «Омск театральный» Конец 1990-х. Строгая толстая женщина привозит в институтское общежитие хмурую испуганную девочку, воспитанницу детдома. Начало 2000-х. Девочка выросла, выучилась, поступила в аспирантуру и завела роман с преподавателем. Счастье обрывается на взлете: старый детдомовский приятель оставляет у героини пакет с наркотиками, пакет находят, героине грозит следствие. Не дождавшись, пока двое ментов скрутят ее, девушка выпрыгивает в окно и сбегает из города, переодевшись в бродяжку и снова оказавшись в детдоме. В центре романтического роуд-муви Ярославы Пулинович, ученицы Николая Коляды и одного из самых ярких российских драматургов, – история непростой дружбы двух девочек, одна из которых нелепо гибнет на дороге, а второй приходится выдать себя за подругу и доехать до самого Владивостока, где – море, любимая бабушка и верный пес. Кристина Матвиенко
