Текст для учителя 1 - Городской методический центр
advertisement
Народные художественные промыслы (история). Матрешка Традиционная игрушка Матрешка – девушка с секретом. Раскроешь ее – а там вторая, чуть меньше ростом. Внутри нее – третья. И только самая последняя, пятая или восьмая, не пустотелая барышня, а цельная, без какого-либо подвоха. Слово matreshka повсюду понятно без перевода, хотя в русском языке оно появилось только сто лет назад, вместе с самой матрешкой, которая в Россию пришла… из Японии. В конце девятнадцатого века в подмосковном имении Абрамцево появилась фигурка буддийского мудреца Фукурумы, которую привез хозяину имения Савве Мамонтову кто-то из его гостей. Фигурка оказалась разъемной – в ней скрывалось еще четыре, каждая с таким же улыбающимся лицом и вытянутой головой. Японская игрушка всех восхитила, и в абрамцевской художественной мастерской был изготовлен собственный вариант – краснощекая девица с петухом в руках. В 1900 году русская матрешка получила золотую медаль на международной промышленной выставке в Париже, а вместе с ней и мировую известность. Матрешек стали делать в разных областях страны – Сергиевом Посаде, в Нижнем Новгороде, Вятке и Твери. Как правило, они отличаются по характеру росписи и даже выражению лица, но общее всегда остается: каждая матрешка – это добрая и великодушная русская красавица. Когда-то в них играли крестьянские дети. В те давние времена, когда искусство было игрой, а игра – искусством. Поэтому в народной игрушке соединились сказка и реальность, глубокий смысл и ремесло. Материалом служило то, что всегда было под рукой: дерево и глина. Богородская деревянная игрушка связана с именем Сергия Радонежского. По преданию, основатель Троице-Сергиева монастыря вырезал из липы фигурки и раздавал их окрестной детворе. Со временем игрушка усложнилась, приобрела движение. При помощи простейшей конструкции, состоящей из планки и баланса, деревянная птичка кормит птенцов, медведь умывается, а кузнецы поочередно бьют по наковальне. В народе такую вещицу именовали «потехой». В дымковской слободе детские игрушки лепили из глины, а потом расписывали разноцветными полосами и кружочками, похожими на цветы. Этот рисунок имеет древние корни: подобные игрушки были частью языческих обрядов, прежде чем превратиться в детскую забаву. Языческие мотивы сохранила и каргопольская игрушка, Дымковская игрушка Богородская игрушка которую делают в Архангельской области. Излюбленные персонажи местных мастеров – герои сказок и былин: птица Сирин, завораживающая людей своим пением, и полкан – полуконь-получеловек с окладистой бородой, при орденах и в эполетах. Дымковская игрушка, близкая по форме изделиям других промыслов, имеет характерные отличия в росписи. Вылепленная из красной глины, она после обжига окрашивается разведенным на молоке мелом, сейчас заменой служат водно-эмульсионные белила. Звонкие тона красного, желтого, зеленого, синего цветов, иногда дополненные медной поталью (раньше использовали даже сусальное золото), создают яркую, жизнерадостную гамму росписи. Особенностями производства дымковской игрушки является использование местной красной глины. Её тщательно перемешивают с мелким речным песком. Фигурки лепят по частям, свертывая нужную форму из раскатанных в блин глиняных комков. Отдельные детали собирают и доделывают, используя жидкую глину как связующий материал. Следы лепки сглаживают влажной тряпкой для придания изделию ровной поверхности. Сегодня для росписи применяются темперные краски и мягкие колонковые кисти. Использование широкой гаммы – до десяти цветов – придает дымковской игрушке особую яркость и нарядность. Строго геометрический орнамент строится по разнообразным композиционным схемам: клетки, полоски, круги, точки наносятся в различных сочетаниях. Завершают украшение игрушки ромбики из потали или сусального золота, наклеенные поверх узора. А известно ли Вам, что обозначают элементы росписи на дымковской игрушке? Оказывается, синяя волнистая полоса – это вода, перекрещенные полоски – сруб колодца, круг со звездчатой серединкой – солнце и небесные светила Геометрический орнамент состоит из точек, прямых перекрещивающихся линий, зигзагов, кругов, звёзд. Орнамент может быть одноцветным и многоцветным, выполнен рельефно или выпукло. Каждая эпоха, каждая нация имела свой орнамент. Роспись дымковской игрушки нарядна и декоративна. Богородский художественный промысел игрушки и скульптуры вырос на основе глубоких традиций древнерусского искусства. Его культурные истоки связанны с ТроицеСергиевым монастырем – крупным центром художественных ремесел Московской Руси, с местной школой прикладного искусства. Укоренившийся здесь традиционный ремесленный труд и живая фольклорность коллективного творчества обеспечила жизнедеятельность народного производства игрушек на протяжении нескольких столетий. С помощью игрушек из рук в руки передавался младшему поколению жизненный и культурный опыт отцов и дедов. С начала 17 века Троице-Сергиева лавра и мастера Богородского тесно сотрудничали по сбыту резного товара. Часть игрушек шкурили и расписывали, часть продавали белыми. Игрушки расходились у стен Лавры, по рынкам Москвы и других городов. Выпускали в ту пору и позднее игрушки двух видов: «серые» и «чистые». «Серые» вещи – это грубо сделанные и дешевле отданные игрушки, вроде «кузнецов», солдатиков или барынь. Чистые игрушки были с движением («курочки клюющие», «бодающие барашки», «чаепитие») делались тщательно и продавались дороже. Классическая форма построения богородской фигурки – треугольник. Такие известные произведения народного творчества, как «скрипач» и «пляшущий крестьянин», созданные в 19 веке, яркие представители классического богородского построения фигур. Богородские изделия интересны не только резьбой, но оригинальной конструкцией. Одни из них скреплены планочками («кузнецы», «солдатики на разводе»), другие стоят на тумбочке со спиральной пружинкой внутри («как яблоньку сажают», «заяц с морковкой»), третьи приводятся в движение с помощью шарика-баланса («куры на кругу»). Со второй половины 19 века в Богородском начали делать самые разнообразные игрушки с узорной резьбой, изображающие зверей, птиц, петушков, курочек. В богородской скульптуре расширяется круг народных тем. Впервые появляются многофигурные скульптурные группы – «Крестьянское хозяйство», «Гуляние», «Чаепитие», «Тройка» и другие жанровые сценки, в которых нашли своеобразное отношение демократические идеи искусства того времени. Для оживления жанровых сцен резчики вводили изображения деревьев с колеблющимися листочками, укрепленных на тонких проволочных пружинках. Иногда так же крепили отдельные фигурки. Зоркая наблюдательность, фантазия, юмор – характерная черта для богородских мастеров. Убедительная реальность в передаче фантастических образов, сказочная поэтизация действительности делают богородское искусство резьбы по дереву ярким, впечатляющим и роднят его с русской народной сказкой, пословицами, лубком. Художественная обработка дерева Деревянная посуда всегда была в ходу у русского человека. Со временем ковши в виде плывущей птицы, круглые братины, обеденные миски и ложки стали украшаться резьбой, а потом и наполняться цветом. На слиянии двух традиционных линий русского декоративного искусства, одна из которых восходит к иконописи, а другая – к народным ремеслам, и выросла Хохлома, которую не зря называют «золотой». Черно-красная с золотом роспись придает работам хохломских мастеров сдержанность и строгость. В росписях Хохломы почти нет жанровых сценок: только изображения растительных форм, так называемый травный орнамент, который местные художники совершенствуют со времен Древней Руси. Городецкая роспись, напротив, славится своим сказочным сюжетом. В селе Городец, стоящем на берегу Волги, когда-то было принято украшать речные лодки затейливыми изображениями львов, русалок и фантастических птиц. Современные художники Городца чтят традиции и рисуют на солонках, сундучках и шкатулках кавалеров с дамами, лихих всадников, сцены чаепития в богатых интерьерах, словом, все ту же сказку, но в современной интерпретации. У мезенской росписи свои особенности: она сохранила архаичные корни, восходящие к древним наскальным рисункам русского Севера. Многие персонажи имеют символическое значение: красные кони олицетворяют движение солнца по небесной сфере, гуси и лебеди – души предков, которые помогают в трудную минуту, елочки – мужскую силу. Орнамент всегда выполняется двумя красками, черной и оранжевокоричневой, это отголоски тех далеких времен, когда художники располагали только двумя природными красителями – сажей и охрой. Городецкая роспись С XVIII в. крупное торгово-ремесленное село Городец и окрестные селения славились многочисленными старинными художественными промыслами, прежде всего резьбой (архитектурные детали: наличники окон, карнизы, пряничные доски, сундуки) и росписью по дереву, так называемая городецкая роспись (прялки, игрушки, мебель). Городецкая живопись своими корнями уходит в глубь веков. Так, в Троицкой летописи есть упоминание о том, что старец Прохор из Городца вместе с Феофаном Греком и Андреем Рублевым расписывали Благовещенский собор в Московском Кремле. В Государственной Третьяковской галерее хранятся городецкие иконы XV в. Сохранению традиционной городецкой живописи много содействовали и старообрядцы, появившиеся в этих краях в XVII cтолетии. Они хранили старую иконопись, собирали и переписывали древние книги с цветными заставками и миниатюрами. Широкое распространение промысла началось с середины XIX в. Сначала расписывали различных размеров ларцы и подставки (донца) для прядильных гребней: на них изображали нарядных дам, кавалеров, застолья, катанья на тройках. Закончив работу, пряха вынимала гребень, а расписное донце вешала на стену. Расписывали прялки, лубяные лукошки, коробки для хранения пряжи, детские стульчики. Излюбленным героем таких росписей был «городецкий конь» со смело изогнутой, подчеркнуто вытянутой шеей. В работе использовали темперные краски (растирали минеральные красители яичным желтком). Готовая роспись покрывалась слоем льняного масла и олифы (особым образом приготовленное льняное масло). Ассортимент расписных изделий постоянно расширялся. В настоящее время он насчитывает более 500 наименований изделий: хлебницы, декоративные настенные панно, разделочные доски, сундуки, короба, шкатулки, наборы для чая, поставцы, игрушки. Их расписывают, украшают резьбой. Для промысла характерны яркие краски, особая выразительность сцен народной жизни. Излюбленные темы – прогулки кавалеров с дамами, лихие всадники, сцены чаепитий в богатых интерьерах, прочие сюжеты из городской жизни. Обязательная часть композиции городецкой росписи – пышные гирлянды или живописные букеты фантастических цветов, напоминающих розы, ромашки, колокольчики и разнообразные птицы, олицетворяющие счастье. Хохломская роспись Со словом «хохлома» сегодня ассоциируется красота и польза, сказка и быль, богатая фантазия и строгая гармония. Как старинные песни, сказки или предания пришли из глубины веков народные ремёсла. Нижегородский край – родина искусства Золотой Хохломы, самобытного промысла, ставшего неотъемлемой частью русской народной культуры. По изделиям хохломы можно изучать быт и уклад многих поколений людей. Искусство хохломской росписи известно с начала XVII века. Оно зародилось в Нижегородском крае и пошло от иконописи. Иконы и церковную утварь украшали серебром, затем покрывали вареным льняным маслом – олифой, закаливали в печи, отчего серебро высвечивалось золотом. Впоследствии этот способ перешел на посуду. Её изготавливали при монастырях, и предназначалась она для царского стола. Чашами разных форм и художественной отделки принято было одаривать иностранных послов, именитых гостей, а простой люд пользовался в быту посудой менее ценной, нерасписной. В XVII веке промысел формировался вокруг торгового села Хохлома, находившегося в Семёновском уезде Нижегородской губернии, в окрестностях которого жили мастера, в базарные дни, привозившие туда свои изделия. Расписанную деревянную посуду стали называть хохломской. Так и сам промысел получил название «хохломского». На протяжении столетий хохломская посуда удовлетворяла потребности народа в посуде и являлась важной частью отечественной народной культуры. Ассортимент отличался большим разнообразием. Изготавливались различные блюда, тарелки, бочонки, поставки, сахарницы, вазы-цветочницы, коробки для рукоделия и шахмат, солонки, ложки, кружки, бокалы, шкатулки, трости, табакерки и даже мебель. Но больше всего ложек. Специально для трактиров делались блюда икорные, подносы и плоские тарелки, разных фасонов ложки и кружки. Материалом служили береза, клен и даже пальма, которую привозили с Каспия. В конце XIX века появляется расписная мебель. Традиция оформления интерьерной мебели хохломским орнаментом сохраняется и в наше время. Сегодня в г. Семенове продолжают традиции трёхвекового промысла. Ежегодно выпускается более 1050 видов изделий: от настольной посуды (солонки, сахарницы, маслёнки, ложки, чаши разных размеров), предметов сервировки (подносы, салфетницы, вазочки), элементов оформления интерьера (часы, напольные вазы, изящные столики, термометры) и т. д. Особенность хохломского промысла заключается в технологическом приеме обработки дерева – получении золотистого цвета без применения настоящего золота. Технологический процесс изготовления золоченой посуды формировался на протяжении столетий. Сегодня – это длительный и трудоемкий на всех своих стадиях процесс. Через десятки рук пройдет липовая болванка, прежде чем из неё получится готовое изделие, так как в основном это ручной, а не механизированный труд Лаковая миниатюра Холуй, Палех, Мстёра и Федоскино были знамениты на всю Россию как признанные центры иконописи. Иконописные традиции стали основой для развития искусства лаковой миниатюры, которое получило не менее широкую известность. Уже много десятилетий из этих мест по всему миру разлетаются ларцы, шкатулочки, пудреницы, броши, портсигары, пеналы и целые письменные приборы. Чтобы догадаться, где именно создана та или иная изящная вещица, надо знать секреты мастеров-живописцев. Палехские мастера пишут темперными красками на черном лаковом фоне. Рисунок отличается выразительным силуэтом, четко и тонко прописанными деталями, применяется штриховка – «насечка» золотыми линиями. Сюжеты миниатюр самые разные: исторические, сказочные, фольклорные, бытовые. Мастера Холуя пишут на черном блестящем фоне сценки из повседневной жизни, пейзажи родной стороны, старинные и современные события. Мельчайшие бытовые подробности прописываются так тщательно, что сказочные сюжеты обретают реальные черты, а былинные персонажи выглядят как персонажи русской истории. Мстёрские мастера создали свой особый стиль лаковой миниатюры, отказавшись от черного фона. Лучшие из произведений Мстёры производят сильное впечатление богатством колорита и тончайшими переходами цвета. Отличительная черта федоскинской живописи – глубина изображения, появляющаяся благодаря многослойному письму. Материалами для создания миниатюры являются масляные краски, лаки, алюминиевый или бронзовый порошок, перламутр и сусальное золото. Перламутр – это федоскинский эксклюзив. Письмо тонко и объемно, оно живет в таинственной атмосфере миниатюры и, кажется, движется – стоит только отвести глаза. Федоскинская лаковая миниатюра В конце 90-х годов XVIII века в русском селе Федоскино возникло и сформировалось искусство лаковой миниатюрной живописи из папье-маше. Заинтересовавшись расписными изделиями лаковой миниатюры фабрики И.Г. Штобвассера из немецкого города Брауншвейга, русский купец П.И. Коробов на базе картонной фабрики в селе Данилково-Федоскино, которая выпускала лаковые козырьки из папье-маше к каскам для русской армии, основывает в 1795 году новое производство – одну из первых в России, фабрику лаковых изделий из папье-маше с миниатюрной живописью. С 1798 года начинается стабильный выпуск продукции. С 1818 года П.И. Коробов привлекает к делу своего зятя П.В. Лукутина. Ассортимент при П.В. Лукутине значительно расширился: выпускаются табакерки различной формы, чайницы, шкатулки и коробочки, карточницы, которые украшаются живописной и золотой миниатюрой, орнаментальной графикой. Основное место занимает сюжетная миниатюра. Сохранив традицию изображения чаепития, тройки, сцен старого крестьянского, купеческого быта, исторические пейзажи Москвы, Петербурга, мастера Федоскино пишут портреты, городские и сельские пейзажи, окрестности Федоскино, достопримечательности России. Важной частью творчества федоскинских мастеров остается орнаментальнодекоративное оформление изделий. Золотая орнаментальная графика в сочетании с серебряной сканью, шотландкой, инкрустацией перламутром создают драгоценное убранство лаковым изделиям. Работы художников Палеха История Палеха уходит в глубокую древность. В XV веке село Палех входило в состав Владимиро-Суздальских земель. На столь богатой прославленными памятниками древнерусского искусства земле, жители села Палеха издавна занимались иконописью. Из поколения в поколение передавалось иконописное мастерство. Художники из народа продолжали древнюю традицию, которая по сей день очаровывает нас. Был использован богатый опыт декоративных работ мастерами палехской лаковой миниатюры. Появились декоративные панно на холстах. Стенные росписи палехских художников сыграли большую роль главным образом в оформлении различных детских учреждений. Темы этих росписей обычно носили сказочный характер. А теперь мы можем увидеть шкатулки, коробочки, иногда большую пластину, а иногда маленькую роскошную брошь, колье, браслеты или подвески, расписанные этими сказочными картинками на лаке. Творенье художников как будто переложено на язык образов и красок. Будь это русская сказка или былина, знакомая нам давно, но раскрытая в образах сказочных героев, прекрасных царевен, быстрых коней и райских птиц, расписанных тончайшей горностаевой кистью. Поначалу эти вещицы воспринимаются нами как звонкая музыка красок и линий или как узорочье, приятно развлекающее глаз. Мы смотрим на шкатулку: и вот уже понеслись по бархатистому лаку лихие тройки. И, кажется, что чудо-кони уносят нас по лаковой глади. Конь и волк, на коне — царевич с Жар-птицей, своим сиянием освещающей путь, на волке – царевна. Несутся к счастью, преодолевая тьму... Звери в сказке добрые и светлые, это сумел выразить поистине настоящий художник... А как тщательно и четко, и в то же время изящно расписывает он речку с кудрявыми волнами, кусты, пригорки, листву, шелестящую над ними, и траву под ногами сказочных зверей, кафтан царевича, сбрую коня и каждое перышко Жар-птицы! Отличительные черты палехской росписи: миниатюрное (мелочное) многоклеймное письмо, общий мягкий тон письма, многообразие элементов композиции и их живописность. Жостовский поднос Жостовский поднос знают сегодня практически все. Он пользуется огромной популярностью не только в России, но и далеко за ее пределами. Букеты и цветы, украшающие подносы, великолепно вписаны в его форму. Они необычайно выразительны, потому что годами вынашивалось точное соотношение больших и малых цветов. Сказочные соцветия как будто светятся изнутри, слегка озаряя сгустившийся вокруг них темный фон. В конце XVIII — начале XIX в., одновременно с изготовлением лакированных изделий в сельце Данилкове (Федоскино) начали свой путь лакировочные мастерские в соседних селениях. Среди них и село Жостово Троицкой волости Московского уезда (теперь это поселок Жостово Мытищинского района). Несмотря на уральские корни жостовских подносов, традиции подмосковного крестьянского искусства отразились в них в полной мере. Роспись жостовских подносов теснейшим образом связана с лаковой миниатюрой, мастера которой трудились рядом. Превосходно разработанная технология обработки папье-маше была перенесена и на железные подносы: живописцы применяли те же грунты собственного приготовления, те же копаловые лаки, секреты, варки которых передавались из поколения в поколение, те же масляные краски. Зародившись в недрах подмосковной лаковой миниатюры, производство подносов долгое время сохраняло органичную связь с ней. Вплоть до XX в. в мастерских рядом с мастерами-подносчиками работали и мастера-миниатюристы, расписывавшие изделия из папье-маше самого широкого ассортимента. Влияние лукутинской миниатюры с традиционными «чаепитиями», «тройками», жанровыми сценками из сельской жизни сказалось уже на первых из дошедших до нас подносах, датированных 1870—1880-ми гг. Ранние пейзажные композиции также пришли из лаковой миниатюры. Несмотря на близость сюжетов первых росписей на подмосковных подносах и федоскинских изделиях, следует отметить, что на подносах они выполнялись в более упрощенном варианте (напоминающем росписи на сундуках). Постепенно жостовские мастера развивали свой собственный стиль, что и выделило их изделия в особое явление художественной культуры Подмосковья. Наряду с сюжетно-жанровой и пейзажной линией живописи все большую самостоятельность приобретало создание декоративноцветочных композиций. Мастера искали новые образы, виды и типы композиции, сюжетов и мотивов, близких их собственному восприятию, отвечающих их представлению о красоте. Цветы стали «ведущим» сюжетом жостовского промысла. Пейзажи, птицы, мифологические и жанровые сценки не нашли здесь постоянного пристанища мастера обращались и обращаются к ним, но только цветы неизменно живут на подносах Жостова. В искусстве Жостова соединились, сплавились, переплелись реалистичные принципы изображения цветов с условными, декоративными, чисто народными приемами письма. Традиционная жостовская цветочная роспись, сформировавшись к середине XIX в., стала основной художественной линией в этом производстве. Развитию особой художественной стилистики жостовского подноса способствовала и специфика этого производства. В условиях существования мелких, экономически слабых подносных мастерских Троицкой волости, работавших на широкий рынок, логично обращение мастеров к несложному (по сравнению с миниатюрной живописью) цветочному букету. Яркие, крупные и мелкие сочные цветы в окружении свежей листвы, широко и свободно брошенные на прекрасно отделанный фон подноса, привлекали горожан своей красочностью и гармонией цвета. Это была ориентация на определенного покупателя. Таким образом, к концу XIX в. в Жостове сложился своеобразный стиль, собственные методы и технология производства, то есть свои неписанные законы, составлявшие канон – одну из основ традиции в народном искусстве. Гжель Село Гжель расположено в 30-ти км от МКАД к юго-востоку от Москвы. Специфика жизненного уклада Гжельской местности дает основание предполагать, что изготовление керамики зародилось в Гжели на заре цивилизации, чему свидетельствуют археологические находки. По историческим документам еще в 1-й половине 14 века Гжель отмечается как центр керамического производства России, который является поставщиком гончарной посуды для царева двора. Со второй половины 18 века Гжель прославилась своей народной майоликой с неповторимыми формами и ярким многоцветием декора. Следующий этап – полу фаянс, полученный как промежуточный материал в поисках рецепта фарфора, расписанный синей смальтой по серому, толстому, пористому черепку. Роспись на квасниках, кувшинах, тарелках носила вначале графический характер, имела вид раскрашенного контурного рисунка. Большая заслуга в возрождении промысла Гжели принадлежит ученому-искусствоведу А.Б. Салтыкову. Под его руководством и с участием художницы Н.И. Бессарабовой была разработана подглазурная мазковая роспись кобальтовой краской на фарфоре. С 1946 по 1970-е годы совершенствуются формы и роспись, вводятся в роспись сюжеты, цветочные композиции, архитектурные мотивы, совершенствуются технологии. Среди многообразия художественных средств традиционного искусства была выбрана подглазурная роспись кобальтом. Варианты живописных приёмов и техник: сплошной мазок одного тона, роспись одной кисти, где каждый последующий мазок отличается от предыдущего по насыщенности, мазок с «тенями» – от голубых и тёмных тонов до очень светлых и лёгких. «Азбуку мазков» дополняет тонкая линия рисунка, играющая в гжельской росписи очень важную роль. Не менее значительны и второстепенны элементы: лёгкие закручивающиеся усики, спиралевидные завитки, точечные и штриховые заполнения, различного рода росчерки, узкие пояски простого геометрического орнамента, сетки. Дополнительные элементы придают живописной композиции своеобразный ритм. В росписи применяется широкий мазок с его переходами от звучного синего цвета к размытому голубому, от чёткого очертания к слиянию с белым фоном; сплошной мазок, широкий и узкий, образующий узор силуэтного характера, сочетается с тонкой линией, чёткой в штриховке, мягкой, уходящей в белизну фона в лёгких травках и усиках. Русские шали Павловопосадские платки В Богородском уезде Московской губернии, куда исторически входил Павловский посад, уже в конце XVIII в. домашнее крестьянское ткачество, а чуть позже и набойка (печать) рисунка на ткань, начинают носить промысловый характер. Особенно широкое развитие крестьянские текстильные промыслы получили в селе Вохна (с 1844 г. – город Павловский Посад), чему способствовало его выгодное географическое положение недалеко от столицы, на важной водной магистрали Клязьма – Ока – Волга. Крестьяне Вохны и окрестных деревень традиционно занимались ткачеством и набойкой. Используя традиционные навыки местных крестьян, в середине XIX здесь, в Павловском Посаде приступают к производству модных тогда шерстяных и полушерстяных платков и шалей с набивным рисунком. К концу XIX века местное производство становится одним из самых крупных в России по выпуску шерстяных набивных платков. В его основе по-прежнему лежал ручной труд: узор на ткань наносили деревянными резными формами – «манерами» и «цветками», что, по сути, отождествляло его с традиционной крестьянской набойкой. Вкус русского народа, народное понимание красоты, безусловно, повлияли на декор «павловского» платка, стиль орнаментации которого складывается во второй половине XIX века под непосредственным влиянием эпохи историзма с ее вниманием ко всему русскому. Доминирующей романтической идеей того времени была идея связи человека с живой природой и отсюда всеобщее увлечение декором из цветов, трактованных несколько натуралистично. К тому же на протяжении всего XIX века с большим вниманием относились к искусству Востока. Использование восточных орнаментальных мотивов, таких как «медальоны», «огурцы» или «бобы», «опахала», наряду с изображением цветов стало характерным признаком павловопосадской шали. Причем эти орнаментальные мотивы используются в декоре шалей как самостоятельно, так и в сочетании друг с другом. По сегодняшний день в Павловском Посаде сохранялась технология набойки (печати) платков при помощи резных деревянных печатных форм. Параллельно с ней с конца 1950-х гг. получил развитие способ нанесения рисунка при помощи специальных сетчатых шаблонов. Этот способ по своим художественным и техническим возможностям близок к русской народной набойке и в настоящее время является основным на производстве. В качестве основного материала используется ткани из натуральных волокон, в основном шерсть, а также шелк и хлопок. Композиционно акцентируются углы и кайма. Цветы обычно собраны в букеты, заключены в медальоны различных форм или дополнены геометрическими фигурами из орнаментальных полос или цветочных гирлянд. Общая живописность орнамента сочетается с графической четкостью и ясностью рисунка. Колористическая гамма строится как на использовании ярких контрастных цветов, так и гармоничном сочетании сближенных тонов. Край платка чаще всего оформляется шелковой либо шерстяной бахромой. Источник: http://knowledge.allbest.ru/culture/2c0a65635b2ac68b4c53b89421216d26_0.html