скачать, 2,30 Mb - Виртуальный филиал Русского музея
advertisement
Федеральное агентство по образованию Саратовский государственный социально-экономический университет Информационно-образовательный центр «Виртуальный филиал Русского музея» МУЗЕИ МИРА Саратов, 2007 Составитель: кандидат философских наук, доцент Цах Ирина Вячеславовна Музеи мира. Учебно-методическое пособие для самостоятельной работы студентов/ Саратовский государственный социально-экономический университет, Информационно-образовательный центр «Виртуальный филиал Русского музея». Саратов, 2007 - 75 с. © Саратовский государственный социальноэкономический университет, 2007 © Информационно образовательный центр «Виртуальный филиал Русского музея», 2007 ОГЛАВЛЕНИЕ Введение ........................................................................................................................................ 4 Лекция 1. История музея ......................................................................................................... 4 Лекция 2. Систематизация музеев ....................................................................................... 9 Лекция 3. Галерея Уффици .................................................................................................. 12 Лекция 4. Прогулки по Лувру ............................................................................................ 20 Лекция 5. Музей Прадо. История создания ................................................................... 26 Лекция 6. Прадо. Коллекция ................................................................................................ 31 Лекция 7. Дрезденская галерея ............................................................................... 40 Лекция 8. Лондонская Национальная галерея ...................................................... 48 Лекция 9. Русский музей: история создания. Дворцы Русского музея ................ 57 Лекция 10. Пасхальные яйца Фаберже .................................................................. 66 3 Введение В рамках курса предполагается знакомство с выдающимися достижениями искусства в различные исторические эпохи, хранящимися в музеях по всему миру, а также изучение истории возникновения первых музейных коллекций и развития и становления современных музеев. В программе курса выдерживается историческая типология музеев мира (систематизация), предлагается ознакомление с понятийным аппаратом музеологии. Логика подачи материала имеет историческо-линейное направление развития истории музеев от древности до современности. Курс «Музеи мира» позволяет осознать и почувствовать уникальность каждой художественной школы, каждого направления, особенности стиля каждого автора, тем самым сформировать творческие ориентиры развития личности. В этой связи программа предусматривает виды деятельности, которые помогали бы учащимся более тонко воспринимать и анализировать произведения искусства, приобретать опыт исследовательской и творческой деятельности. Курс состоит из 10 лекций, 2 тестов. В конце курса слушатели должны подготовить финальную работу, выполненную в виде презентации (необходимо владеть навыками Power Point). Лекция 1. История музея I. Музей в Европе Музей как явление социальной жизни берёт своё начало в глубокой древности. Импульс к развитию музейного дела появляется с первым опытом в коллекционировании – когда предметы-подлинники, взятые из природы и естественной жизни, сохраняются не для утилитарных хозяйственных целей или как материальные ценности, а как документальные, мемориальные свидетельства или как ценности эстетические. Таковы были первые музеи – хранилища Кносского дворца в Микенах на Крите (16 в. до н.э.), коллекции Дворца ванов и Архив иньских оракулов (Китай, 13-12 вв. до н.э.), библиотека Ниневийского дворца (7 в. до н.э.). Идеи собирания, исчисления и упорядочения, духовного восхождения и посвящения наиболее полно были воплощёны в античном феномене Мусейона. С древнейших времён в Греции мусейоны, т.е. собрания, обители Муз, являлись святилищами для почитания спутниц бога солнца Феба-Аполлона, покровительниц мусических искусств, и воздвигались в виде жертвенников в рощах, предгорьях, гротах, у источников или на возвышенных местах исключительной красоты и гармонии с окружающей природой. При этом целью приносимых жертв было вызывание и творческое общение с Музами. Поскольку Музы являли собой идею божественного происхождения всякого пения или сказания, мусическое искусство было важной частью общего 4 образования. Поэтому Мусейонами стали называться как вообще жертвоприношения при культе Муз и празднества в их честь, так и специальные школьные праздники, а в позднем греческом языке так обозначались сами школы, научные центры или даже учебные книги. Дары, приносимые во славу муз, постепенно стали складываться в спонтанные экспозиции. Конечно, это не выставки в современном смысле слова. Просто около алтарей накапливались изображения муз, а также портреты художников и поэтов, победивших в соревнованиях. Со временем эти мусейоны превратились в своеобразные дворцы культуры античности. Некоторые, как, например, Академия Платона, созданная в 387 г. до н.э., стали широко известны. Академия, объединившая в своих стенах разнообразные искусства и науки в лице замечательных мыслителей своего времени и ставшая выдающейся школой, воспитавшей многих слушателей. Мусейон платоновской Академии был в одно и то же время и местом культа, и местом учения, и научным центром. Традиция служения Музам сохранилась и в философской школе перипатетиков – Ликее, основанной учеником Платона Аристотелем, где так же, как в Академии находился Мусейон с жертвенником и священной территорией Муз. Один из главных научных центров античного мира был Мусейон в Александрии Египетской, включавший наиболее известную античную библиотеку. Мусейон (музей святилище Муз) и библиотека были созданы и существовали во время правления в Египте греко-македонской династии Птолемеев с нач. 3 в. до н. э. Библиотека Мусейона – знаменитая Александрийская библиотека – имела особое значение и сама по себе была исключительным явлением. Её уникальная книжная коллекция насчитывала, по данным разных авторов, от ста тысяч до полумиллиона книг и рукописей и включала в себя рукописи Эсхила, Софокла, Еврипида и др. Главная библиотека размещалась в окрестностях дворца, а филиал, по некоторым данным, созданный ок. 235 до н. э. Птолемеем III, размещался в храме Сераписа Серапейоне В основном библиотека была греческой, но включала также греческие переводы с других языков, в том числе с древнееврейского. Долгое время хранителем библиотеки был знаменитый поэт и учёный Каллимах (3 в. до н.э.), глава александрийской школы поэзии, составивший обстоятельное описание находившихся в библиотеке рукописей. В библиотеке также занимались переписыванием, подробным филологическим комментированием сочинений греческих авторов, разделением произведений на секции, которые мы сейчас называем «книгами». Известны также художественные коллекции Мусейона, в которые входили, в том числе, и бюсты великих поэтов, установленные в читальных залах и вызывавшие большой интерес у посетителей. По данным некоторых источников, в Александрийском мусейоне со временем появились коллекции растений и животных в садах, залы для препарирования трупов и обсерватория. 5 Таким образом, антично-эллинистический Мусейон, начиная с идей, заложенных в основу Платоновской Академии и Ликея перипатетиков, и еще последовательнее осуществившихся в Александрийском Мусейоне, явился важнейшим социокультурным институтом своей эпохи. Несомненно, он играл культурообразующую роль в современном ему обществе. Выбор коллекционируемых предметов всегда отражал приоритеты культурных интересов эпохи. В античном Риме, с Ш в. до н.э.. появляются частные собрания произведений искусства. Известные коллекции Гая Верреса и Суллы хранили драгоценные ткани, статуи, греческие картины, вазы, бронзу и серебро. В Тускуланском театре Скавра было собрано около 3000 статуй. Владели подобными произведениями Сервилий, Красс, Лукулл, Помпей, Цезарь, Август. В Средние века в первую очередь внимание уделялось святым мощам, предметам, принадлежавшим христианским святым, церковной утвари, иконам, рукописям. Это в полной мере относилось в византийским соборам и монастырям, а начиная с 13 в., подобного рода собрания стали сосредотачиваться и в средневековых соборах и монастырях Франции, Италии, Германии и других европейских стран. В эпоху Возрождения коллекционирование получило новое развитие. Ренессансные гуманисты ездили по монастырям, собирая древние рукописи, и по итальянским городам, стремясь своими глазами увидеть античные памятники. Первооткрыватели привозили из дальних поездок слоновьи бивни и статуэтки-тотемы. Принцы, короли, князья, а заодно и буржуа, которым развитие городов и торговли принесло свободные денежные средства, - все это коллекционировали. Знаменитые собрания предметов искусства и культуры были у семьи Медичи во Флоренции, в Ватикане (среди самых известных коллекционеров эпохи – некоторые Папы), у английских и французских королей и, конечно, у династии Габсбургов. Со временем накопление множества различных предметов и знаний вызвали потребность их классифицировать. Сбор материала о мире стал систематическим. К концу XV—XVII вв. речь уже идет о формировании современного музея Европы как специального учреждения. Первыми подобными образцами были музейные коллекции ученых, «кабинеты натуралиев», а также первые европейские музеи – кунсткамеры. Австрийский эрцгерцог Фердинанд II собрал огромную картинную галерею, коллекции книг, оружия и разнообразных диковинок. Для хранения всех этих богатств он даже перестроил замок Амбрас под Инсбруком – получилось что-то вроде закрытого музейного комплекса, в который были допущены лишь немногие избранные. Стоит, впрочем, отметить, что именно Амбрас стал одним из первых музеев, которые были открыты широкой публике – в 1615 году. Коллекция племянника Фердинанда Рудольфа II - императора, мецената, ученого и алхимика располагалась в Праге, куда ему удалось собрать многих лучших художников, музыкантов и ученых эпохи. В обоих местах – и в замке Амбрас, и в Пражском Граде – под кунсткамеры были отведены отдельные помещения, рядом с картинными галереями. 6 Кунсткамеры Фердинанда и Рудольфа не сохранились в виде систематических коллекций; их экспонаты в наше время рассеяны по разным музеям. И о том, как они выглядели, можно узнать лишь по описям того времени. В процессе формирования музея интересен следующий момент: музей, возникший в 1683 году в Оксфордском университете, создал прецедент использования музейных коллекций в обучении. Эта практика положила начало формированию новой социальной функции музея как образовательного института. Первый российский университетский музей начал работать в 1759 году в Московском университете в форме кабинета «натуралиев». С образованием в 1770 году кафедры натуральной истории кабинет был передан этой кафедре, а в 1791 году стал называться Музеем натуральной истории. В 17-18 вв. формируются многочисленные частные коллекции — исторические, археологические, естественнонаучные, искусствоведческие, многие из которых в 18-19 вв. легли в основу государственных национальных музеев. II. Музей в России Коллекционирование в России известно с 10-11 вв. Все начиналось с собирания книжных и рукописных собраний в храмах и монастырях, с сакральных и мемориальных памятников в ризницах, оружия в арсеналах. В средние века благодаря собирательской деятельности начинается формирование великокняжеской и царской сокровищницы. В соборах и монастырях Владимира, Киева, Новгорода хранились исторические и художественные ценности в основном религиозного характера. В 15-17 вв. в Москве начали формироваться наиболее крупные национальные хранилища Оружейной палаты и Патриаршей ризницы. В 1617 вв. появляются первые крупные частные коллекции, принадлежавшие Ивану IV, Борису Годунову, князьям Милославскому, Матвееву, Голицыну. Первое упоминание об Оружейной палате относится к 1508, но уже в духовной грамоте Ивана Калиты от 1339 г. перечислялись ценности, положившие начало великокняжеской коллекции: украшения, посуда из драгоценных металлов, церковные сосуды, одежда, дорогое оружие. В дальнейшем сокровищница московских правителей в основном формировалась за счет роскошных иноземных даров и шедевров мастеров московского двора — ювелиров, оружейников и пр. В 1610-1612 кремлевская сокровищница была полностью разорена, но уже во второй половине 17 в. кремлевские мастерские переживают пору расцвета. В это время и были созданы произведения, ставшие украшением Оружейной палаты. В 16-17 вв. берет свое начало собирание коллекций растений в оранжереях и садах. Интерес к животному миру проявился в создании коллекций зверей и птиц в зверинцах. Появившиеся великокняжеские сокровищницы, культурные сады, храмы, аптеки, аптекарские огороды, арсеналы, зверинцы, обладали, как минимум, одной общей чертой: их деятельность предусматривала наличие хранилищ результатов этой деятельности или предметов, необходимых для ее 7 осуществления. При аптеках со временем сформировались анатомические и другие естественнонаучные коллекции, и первые российские аптеки способствовали созданию первого российского музея – Петербургской кунсткамеры. Петербургскую кунсткамеру, основанную Петром I в 1714 г., действительно принято считать первым Российским музеем. Кунсткамера стала заимствованной формой распространенного в то время в Западной Европе музейного учреждения. Такие заимствования культурных форм из культурных систем других сообществ, происходили в истории культуры довольно часто. Следует отметить, что начиная с 18 века, собирание различных коллекций в России проходит путь от модной забавы до серьезного увлечения, сопряженного с научными интересами коллекционера (Г.А. Демидов, Н.Б. Юсупов, Н.П. Румянцев). Создаются первые объединения коллекционеров, например, Румянцевский кружок объединял любителей и собирателей книг. Значительный качественный скачек в развитии музеев происходит в начале XIX в. Общество начинает связывать решение многих проблем именно с музеями. Музейная форма применяется для решения различных культурных, научных, просветительских, воспитательных целей и постепенно завоевывает авторитет в общественном сознании. Происходят и количественные изменения. В первые годы нового столетия целая группа протомузейных учреждений России (в том числе старейшее – Оружейная палата в Московском Кремле) почти одновременно преобразовывается в музеи. Уже в первой трети XIX в. в стране появилось в два раза больше музеев, чем за все предшествующее столетие. В этот период расширяется тематика коллекционирования, социальный состав коллекционеров: кроме дворянства в процесс вовлекаются представители купечества, духовенства, разночинцы. В 19 в. коллекционирование становится заметным фактом культурной жизни страны, многие частные коллекции составляют основу для создания музеев (коллекция А.Д. Черткова - книжного собрания Исторического музея, коллекция Н.Н. Демидова - музея естественной истории Московского университета и т.д.) Результаты коллекционирования начинают использоваться в учебных целях (создание коллекций и музеев в университетах, гимназиях). Вторая половина 19 века становится свидетельством превращения главных российских музеев в публичные и признание их коллекций национальным достоянием. К началу XX века в России, по далеко не полным данным, музеи работали уже в 104 городах. В обеих столицах действовали десятки музеев. Из них собрание Эрмитажа имело мировую известность, а Исторический и Политехнический музеи, Третьяковская галерея, а также только что созданный Русский музей, претендовали на значение национальных. К октябрю 1917 в России работало свыше 150 музеев. После революции Постановлениями СНК РСФСР 1917-1918 крупнейшие частные музеи были национализированы. Таким образом, генезис новой культурной формы — музея — занял не одно столетие. Но с древнейших времен, начиная с первых мусейонов и до 8 нынешних дней, музеи были и остаются материальным хранилищем социокультурной памяти человечества, вместилищем познавательного и социально-практического опыта – знаний и премудрости веков. Лекция 2. Систематизация музеев Существование множества различных музеев предполагает определенную классификацию или систематизацию данной культурной формы. В музееведении до конца 20 в. было принято деление музеев по «типам, видам и профилям». В настоящее время принято деление на следующие группы, принадлежность к которым часто находит отражение в официальном названии музея. Следует отметить, что группы музеев определяются поставленной целью — научной, административно-управленческой, юридической и т.п. I. Профильные группы музеев. Классификация по профилю отражает связь музеев с определенной отраслью научного знания, производственной деятельности, видом искусства. Профиль музея определяет состав коллекций, тематику экспозиций, содержание научных исследований и оказывает влияние на все направления музейной деятельности. Музеи, совмещающие более 2-х профилей, принято определять как комплексные. Комплексные музеи — многочисленная и постоянно растущая группа, к которой относятся большинство краеведческих музеев, ансамблевых и средовых музеев, музеев-заповедников, экомузеев. К профильной группе относятся следующие музеи: художественные музеи, среди которых Музеи изобразительного искусства, музеи декоративно-прикладного искусства, музеи народного искусства, художественно-промышленные музеи, музеи современного искусства; исторические музеи, в том числе общеисторические музеи, военноисторические музеи, истории религии музеи, историкореволюционные музеи, историко-бытовые музеи, археологические музеи, этнографические музеи; литературные музеи; искусствоведческие музеи, включая театральные музеи, музыкальные музеи и музеи кино; архитектурные музеи; педагогические музеи; музеи наглядных пособий; естественнонаучные музеи, среди них антропологическое музеи, биологические музеи, ботанические (в т.ч. Ботанические сады), геологические музеи, зоологические (в т.ч. Зоопарки, террариумы, экзотариумы и т.п.), минералогические музеи, океанариумы, палеонтологические музеи, музеи почвоведения; научно-технические музеи; 9 политехнические музеи; отраслевые музеи, к которым относятся промышленные музеи, сельскохозяйственные музеи, музеи транспорта, музеи связи, музеи строительства, музеи авиации и космонавтики, музеи военной техники; комплексные музеи, среди которых краеведческие музеи, музеизаповедники, экомузеи. II. Группы музеев по типу хранимого наследия. В зависимости от хранимого историко-культурного и природного наследия, музееведы употребляют систематизацию, которая затрагивает наиболее глубинные различия и особенности музеев. Внутри этой группы существует разделение на коллекционные, ансамблевые и средовые музеи. К коллекционным музеям относятся те, основой деятельности которых являются собрания движимых материальных предметов. Исторически это наиболее древний тип музея. На протяжении 18-начала 20 вв. он безраздельно господствовал в музейном мире России. В зависимости от состава коллекций эта группа музеев делится на профильные группы. Ансамблевые музеи — музеи, деятельность которых базируется в первую очередь на ансамблях недвижимых памятников архитектуры, истории, природы. Внутри группы выделяются виды музеев: Музеи-усадьбы Дома-музеи Дворцы-музеи Музеи-квартиры Музеи-монастыри Музеи-храмы Музеи-заводы Музеи-корабли Музеи-мастерские Средовые музеи – это музеи, деятельность которых основана в первую очередь на музеефицированных фрагментах природной и историко-культурной среды. Основную роль играют сохраненные или восстановленные взаимосвязи между элементами среды и элементы нематериального наследия. В настоящее время к средовым музеям имеют непосредственное отношение многие музеизаповедники, музеи-усадьбы, музеи-монастыри. III. Группы музеев по роду деятельности и адресату (типы музеев). Музеи работают с совершенно различной аудиторией – это могут быть специалисты, учащиеся, дети, широкий круг посетителей. Поэтому в зависимости от категории посетителей музеи классифицируются по основным направлениям деятельности. Принадлежность к той или иной группе также оказывает влияние на комплектование фондов, построение экспозиции и другие виды музейной деятельности. В 1980-х гг. группы музеев, объединенные 10 основным направлением деятельности, было принято называть «типами музеев». Эта группа музеев включает в себя научно-исследовательские музеи, научно-просветительские (массовые) музеи, учебные музеи и детские музеи. IV. Группы музеев по принадлежности (собственнику). Классификация по собственнику имеет не только юридическое, но и важное содержательное значение, так как перед разными группами музеев стоят разные задачи что, соответственно, определяет особенности их деятельности. Законодательство разделяет все музеи на государственные и негосударственные. Если в советское время в РФ функционировали только государственные, ведомственные (по сути являвшиеся тоже государственными) и общественные музеи, то сегодня картина намного сложнее. По принадлежности можно выделить следующие музеи: Государственные музеи. Муниципальные музеи. Ведомственные музеи (в т.ч. Университетские музеи, Школьные музеи). Общественные музеи (в т.ч. Школьные музеи). Корпоративные музеи. Церковные музеи. Частные музеи. V. Группы музеев по административно-территориальной принадлежности. Музеи обладают различным масштабом деятельности, который и определяет их значение – общегосударственный музей, региональный, межрегиональный, местный. Музеи общенационального значения, за рубежом носящие название «национальных», в России традиционно имеют в официальном названии титул «государственный» или «центральный». Сегодня в РФ слово «национальный» входит в название некоторых республиканских музеев. К данной группе музеев относятся центральные музеи, национальные, республиканские, краевые музеи, областные, районные, городские, сельские музеи. VI. Группы музеев по статусу. Статус музея определяется постановлением органов власти или вышестоящих организаций и определяет положение музея в иерархии музейной сети, круг его особых прав и обязанностей. По статусу музеи делятся на: Музейные объединения Головные музеи Филиалы 11 Музеи-заповедники Музеи — особо ценные объекты культуры. Выделив эти основные группы музеев, следует отметить, что исторически из многообразия музейного мира выделились еще 2 большие группы музеев, обладающие, помимо названных, дополнительной значимой характеристикой. К ним относятся мемориальные и краеведческие музеи. Мемориальные музеи посвящены выдающемуся человеку или важному историческому событию и созданы в месте, связанном с меморируемым лицом или событием. Для мемориального музея эта связь является определяющим фактором. Среди мемориальных музеев преобладают такие виды, как домамузеи, музеи-усадьбы, музеи-квартиры, музеи-мастерские. В последние десятилетия ХХ в. в связи с тенденцией к комплексному сохранению среды многие мемориальные музеи стали многопрофильными и получили статус музеев-заповедников. Краеведческие музеи – это комплексные музеи, документирующие особенности природного развития, истории, хозяйственной жизни, культуры и быта определенной территории или населенного пункта (республики, края, области, района, города, села). Краеведческие музеи — самая массовая группа музеев в музейной сети России (более 800), не имеют прямых аналогов за рубежом. Таким образом, очевидно, что систематизация музеев является важнейшим фактором в музейном деле настоящего времени, так как существенно возросло число музеев и появилось разнообразие форм музейных учреждений. Лекция 3. Галерея Уффици Галерея Уффици во Флоренции занимает первое место в Италии и одно из первых - в мире по богатству и значимости своего собрания. Судьба галереи, как и судьба самой Флоренции, неотделима от истории рода Медичи династии, многие столетия правившей главным городом Тосканского герцогства. Долгая история Уффици началась в 1559 году, когда Козимо I де Медичи решил воздвигнуть грандиозное здание, которое позволило бы ему собрать все административные учреждения Флоренции под одной крышей. Торжественно объявили, что это здание строится для «удобства жителей города», хотя понятно, что реализация этого проекта должна была еще более возвеличить род Медичи. Название «Уффици» («Офисы») подчеркивает изначальную функцию здания. В качестве архитектора Козимо пригласил Джорджо Вазари (1511-1574), который был необычайно одаренным человеком. Его можно назвать одним из символов эпохи Возрождения. 12 Современники знали Вазари как художника и архитектора, для нас же он выступает скорее замечательным писателем и историком. Вышедшие в 1550 году его «Жизнеописания знаменитых художников» по сей день остаются важнейшим источником по истории ранней итальянской живописи Козимо Медичи разрешил Вазари снести старые кварталы около площади делла Синьория, а обломки разрушенных каменных зданий использовать при строительстве. Строительство завершилось в 1580 году; здание Уффици имело длинную U-образную форму, выходя узким фасадом к реке. Коридор был сооружен в 1564 г. по проекту Джорджио Вазари. Он был построен всего за 5 месяцев, к свадьбе Франческо I Медичи и Джованны Австрийской. Коридор представляет собой крытый проход, идущий высоко над землей, почти 1 км длиной и соединяющий Дворец Питти, служивший резиденцией Великого Герцога, и Уффици, или офисы, где он работал. Начинаясь из западного коридора Галереи Уффици, коридор выходит к реке, и затем вдоль берега реки Арно, по Старому мосту (Ponte Vecchio) и ко дворцу Питти. В то время на мосту располагался мясной рынок, неприятные запахи которого могли оскорбить аристократический нос герцога. Так что рынок перенесли в другое место, а на мосту с тех пор (точнее, с 1593 г.) находятся магазины ювелиров. В 1581 г Франческо I Медичи, страстный коллекционер и настоящий знаток, приказал перенести в Уффици наиболее ценные предметы семейной коллекции из дворцов и вилл, а расположенные на втором этаже административные службы удалить. С этого времени здание Уффици стало музеем, в связи с чем были произведены значительные перестройки. Впервые в истории музейного дела были созданы специальные выставочные помещения. Одной из первых была создана «галерея статуй» (первый коридор), для оформления которой пригласили группу флорентийских художников. Перекрытия Анжело Брондзино Портрет Козимо I Медичи в рыцарских доспехах. 1545 Трибуна Буонталенти. Статуи из коллекции Медичи в коридорах галереи Мост Понте Веккио 13 Венера Медичи Зал Ниобы. Ваза Медичи Библиотека Джотто Мадонна Ониссанти. 1310 14 потолка галереи статуй были расписаны причудливыми орнаментами, т.н. «арабесками», созданными по античным образцам, стены украшены шпалерами. Вскоре к «галерее статуй» пристроили небольшие залы для картин и необычный по форме восьмиугольный зал, названный «Трибуной». В центре залавосьмиугольника расставили 26 античных статуй. Стены, как было принято, снизу доверху заполнили картинами. Свет здесь попадает сверху, благодаря чему краски картин не выгорают, а в статуях усиливается игра светотени. Трибуна предназначалась для шедевров коллекции. Так, например, Фердинандо I купил в свое время «Венеру Медичи» - самую знаменитую статую в коллекции скульптур, имеющихся в галерее Уффици. Сейчас среди античных памятников преобладают древнеримские копии знаменитых работ древнегреческих скульпторов, однако и здесь имеется ряд шедевров. В зале Ниобы располагается ансамбль древнегреческих статуй эпохи эллинизма (3–2 вв. до н.э.), изображающих гибель Ниобы и ее детей от стрел Аполлона и Артемиды. Ниоба правительница, имевша больше детей чем богиня Лето и заставившая свой народ молиться ей, вместо богини, за что и была наказана. Ее двенадцать дочерей и сыновей убили дети Лето Артемида и Аполлон, а саму Ниобе превратили в плачущий камень у подножия горы Сипулос, в символ вечного горя. В различных литературных произведениях миф о Ниобе - символ нестабильности людского счастья. В центре этого зала стоит т.н. Ваза Медичи (3–2 в. до н.э.), которая послужила образцом для многих ваз. Коллекция книг Антонио Мальябекки (16331714) составила фундамент национальной библиотеки в знаменитой флорентийской галерее Уффици. Он дожил до 81 года и всю свою личную библиотеку, состоящую из 30 тысяч томов, завещал Флоренции. Условие было одно - книги всегда будут доступны читателям, а на содержание коллекции он даже оставил небольшую ренту. С 1862 г. коллекция Мальябекки была объединена с библиотекой герцогов Тосканских. По указу герцога было предписано передавать в библиотеку обязательный экземпляр каждого издания, выпущенного в Тоскане. Сейчас библиотека является гордостью галереи Уффици. Что же ожидает современного посетителя галереи? ошеломляющее впечатление производит уже первый зал, где на стене висят три картины, ставшие целой эпохой в искусстве живописи. В центре – «Мадонна во славе» Джотто ди Бондоне. По сторонам от шедевра Джотто - композиции на ту же тему Чимабуэ и Дуччо ди Буонисенья. Первый из них предшественник Джотто, второй - его ученик. МАРТИНИ, СИМОНЕ (ок. 1283–1344), итальянский художник Сиенской школы, наследник художественной традиции, крупнейшим представителем которой был Дуччо. Самое известное произведение Мартини – картина «Благовещение», написанная в 1333. Фра Анджелико — один из первостепенных итальянских живописцев, доминиканский монах, до поступления своего в монастырь носивший имя Гвидо ди Пьетро, прозванный за свою душевную чистоту и добродетели «ангелоподобным», Фра Анджелико. Небольшое, но многофигурное «Коронование Пресвятой Девы». Существует еще одно знаменитое «Коронование Пресвятой Девы» — одно из отличнейших произведений мастера, принадлежащее Лувру. По направлению своего творчества, Фра Джованни занимает в истории совсем особое место в ряду итальянских живописцев XV в. В эпоху натуралистических стремлений расцветавшего Возрождения он является единственным и последним представителем отжившего средневекового искусства в лучших его качествах, наивным, глубоко верующим художником, изобразителем неземной красоты, ангельской непорочности. Симоне Мартини (ок. 1283–1344) Благовещение. 1333 Фра Анджелико Коронование Святой Девы ок.1425 Мазаччо Св. Анна с мадонной и младенцем 1422-1424 Доменико Венециано Мадонна со святыми. Центральная часть Алтаря Св. Лучи. 1445-1448 15 Пьеро делла Франческо Портрет герцога Урбинского Федериго да Монтефельтро ок.1465 Сандро Ботичелли Рождение Венеры. ок.1485 Аллегория Весны. 1478 Андреа Верроккьо Крещение Христа после 1470 16 Причиной того, помимо врожденного артистического таланта, был личный характер скромного и благочестивого монаха. Вазари говорит о нем: «Фра Джованни был человек простой и святой жизни; он постоянно упражнялся в живописи, но не хотел изображать ничего, кроме святых». Наряду с архитектором Брунеллески и скульптором Донателло Мазаччо является основоположником искусства Раннего Возрождения, утвердившим в живописи новые эстетические представления о мире и человеке, новые изобразительные принципы. Дело в том, что до эпохи Возрождения никогда в искусстве не ставилась проблема изображения пространства. Поэтому одним из важных достижений Мазаччо была разработка системы глубинного изображения пространства с помощью прямой центральной перспективы, названной впоследствии итальянской. Его кисти принадлежит картина, где изображена коленопреклоненная Мадонна с младенцем на руках перед святой Анной. У Мантеньи (1431—1506) преобладает пафос вещественности, он любит камень, мрамор и жесткие, остро ограненные структуры, резкий, нередко диссонирующий цвет, культивирует линию как контур и рисунок; его искусство характеризуется богатой амплитудой эмоциональных оттенков — от высочайшего трагизма до самозабвенной нежности, но общее драматическое напряжение редко покидает его. Доменико Венециано (р. до 1410, Венеция, — похоронен 15.5.1461, Флоренция), итальянский живописец. Вначале испытал влияние позднеготической живописи, позже стал представителем флорентийского искусства Раннего Возрождения. Питал активный интерес к колористическим задачам, используя цвет для выражения эмоциональных оттенков. Достижения Венециано были развиты его учеником Пьеро делла Франческа. Основные черты искусства Пьеро делла Франческа — величие образов, объёмность форм, прозрачность колорита, последовательно перспективное построение пространства. Около 1465 Пьеро делла Франческа исполнил отмеченные чеканной остротой характеристик портреты герцога Урбинского Федериго да Монтефельтро и его супруги Баттисты Сфорца. Огромную роль в этих произведениях играют насыщенные светом и воздухом панорамные пейзажные фоны. Пьеро делла Франческа часто посещал Урбино, выполнял поручения герцога Урбинского и был, вероятно, его другом. Герцог Федериго да Монтефельтро — просвещённый государь, наделённый превосходным художественным вкусом, владелец богатейшей библиотеки и собрания выдающихся произведений искусства — привлекал к своему двору образованных талантливых людей Италии. В Уффици находится самое большое собрание работ Боттичелли. Одна из великих работ Сандро Ботичелли - «Рождение Венеры», где богиня изображена стоящей на морской раковине. ВЕНЕРА - богиня любви и красоты в римской мифологии. В образе Венеры воплотился идеал женской красоты, отображённой в многочисленных произведениях искусства, начиная с древнейших времён. Его картины «Весна» и «Рождение Венеры» возможно вдохновлены празднествами при дворе Медичи, и, очевидно, Боттичелли вкладывал в них какой- то сложный философско-аллегорический смысл; может быть, он действительно пытался в образе Афродиты слить черты языческой, телесной, христианской и духовной красоты. Обо всем этом до сих пор спорят ученые. Но есть в этих картинах и абсолютная, бесспорная красота, понятная всем, именно поэтому они до сих Леонардо да Винчи Поклонение волхвов.1472-1477 МикеланджелоСвятое семейство («тондо Дони). 1504-1505 Рафаэль Санти Портрет Франческо Марии делла Ровере (молодой человек с яблоком. 1505 Анджело Бронзино Портрет Лукреции Панчатики Ок. 1541 17 Тициан Венера Урбинская 1536 Караваджо Вакх. ок.1595 Альбрехт Дюрер Поклонение Волхвов 1504 Гуго ван дер Гус Триптих Портинари. 1475 18 пор не утратили своего значения. Джорджоне – итальянский живописец, один из основоположников искусства Высокого Возрождения. Учился, вероятно, у Джованни Беллини, славился также как певец и музыкант. Наряду с композициями на религиозные темы, Джорджоне создавал картины на светские, главным образом мифологические сюжеты, именно в его творчестве получившие преобладающее значение. Жизненный путь Джорджоне был краток (в возрасте 33-34 лет он умер от чумы). Галерея Уффици хранит работу знаменитого Андреа Вероккио «Крещение Христа». Она интересна еще и тем, что в ее создании принимал участие Леонардо да Винчи, ученик Вероккио. Маститый живописец доверил своему ученику написать лишь фигуру ангела, но даже неискушенный любитель наверняка отметит, как громко заявил о себе уже в этой работе будущий великий мастер. Именно в Уффици находится тот самый знаменитый картон Леонардо да Винчи «Поклонение волхвов», который произвел огромное впечатление на Андрея Тарковского. Огромный фолиант Леонардо, несколько раз появляющийся в автобиографическом фильме «Зеркало», открыт именно на репродукции «Поклонения». Уффици обладает и единственной значительной картиной Микеланджело Буонаротти (большая часть живописных работ великого скульптора – фрески в Сикстинской капелле в Ватикане). Это так называемое «тондо» (то есть картина круглой формы), изображающее Святое семейство. Иногда его называют по имени бывших владельцев «тондо Дони». Рафаэль Санти – представитель Высокого Возрождения. С классической ясностью и возвышенной одухотворённостью воплотил жизнеутверждающие идеалы Возрождения. Ранние произведения проникнуты изяществом, мягким лиризмом. Портрет Франческо Марии делла Ровере. Один из ранних портретов работы Рафаэля. Аньоло (Анджело) Бронзино (1503-1572). Представитель «сочного» Возрождения, сторонник маньеризма, в чем-то предопределивший пышную эстетику барокко, он слыл человеком мягким и добросердечным. В истории живописец остался прежде всего благодаря портретам. С 1540 придворный художник Козимо I Медичи. Создал тип парадно-аристократического портрета, в котором отчуждённой замкнутости образа отвечают торжественная застылость композиции, острый рисунок, холодный колорит, бесстрастная точность деталей. Его стиль репрезентативного портрета впоследствии воспринимался как классический для искусства XVI в. «Портрет Лукреции Панчатики» относится к лучшим произведениям мастера. Эту работу отличают удивительная филигранность письма, выписанность деталей костюма, дорогах украшений, умение осязаемо передавать фактуру материалов. Портрет создавался как парный к портрету мужа Лукреции - Бартоломео Панчатики. Тициан - итальянский живописец эпохи Высокого и Позднего Возрождения. Глава венецианской школы. Учился в мастерской Джованни Беллини, но более глубокое влияние на него оказал Джорджоне (Тициан работал вместе с ним и завершил некоторые картины, оставшиеся незаконченными после преждевременной смерти Джорджоне). Когда Беллини умер (1516г.), стал официальным художником Венецианской республики, где и оставался общепризнанным первым живописцем до самой смерти. «Венера Урбинская» - одна из многочисленных картин, привезенных из Урбино и вошедших в коллекцию Медичи, когда Фердинанд Второй праздновал свадьбу с Викторией делла Ровере. Шедевр зрелого Тициана, написанный им около 1530 года, богат теплыми тонами, с помощью которых художник выражает прелесть и чувственность естественной и как бы осязаемой красивой женщины. Еще один представитель венецианской школы – Паоло ВЕРОНЕЗЕ (152888). Праздничные, светские по духу картины, панно, росписи Веронезе отличаются органичной связью с архитектурой, размахом композиции, изысканностью серебристого колорита. В галерее хранится картина Караваджо «Вакх». Караваджо основоположник реалистического направления в европейской живописи 17 в., внес в нее демократизм, повышенное чувство материальности, эмоционального напряжения, выраженное через контрасты света и тени (караваджизм). Живопись Караваджо отличают лаконизм и простота композиции, энергичная пластическая лепка 19 Итальянское собрание составляет львиную долю экспозиции галереи Уффици, но не исчерпывает ее. В зале Боттичелли рекомендуем зрителю не пропустить очаровательный «Алтарь Портинари» нидерландца Гуго ван дер Гуса, а среди произведений немецких художников не может не привлечь внимание целая коллекция - шесть полотен - Альбрехта Дюрера. С 1737 года музей стал достоянием народа, после того, как Анна Мария Людовика - последняя представительница семьи Медичи - передала его в дар городу. В 1730-х годах группа ученых составила подробную (10-томную) опись хранящихся здесь произведений искусства. Уффици немало повидала и пережила на своем веку. Серьезной опасности она подверглась во время вторжения Наполеона в Италию. В годы Второй мировой войны галерея пострадала от фашистов. Самым трагическим инцидентом последних лет стал террористический акт, унесший жизни пяти человек и повредивший само здание. Но все это не мешает галерее Уффици расширяться. В 1988 году, когда ранее обитавший в галерее Государственный архив переехал на новое место, она получила в свое распоряжение весь первый и второй этажи, втрое увеличив свои выставочные площади. Лекция 4. Прогулки по Лувру Откуда взялось название Лувр – Louvre – не совсем понятно. Самая известная версия сводится к тому, что название родственно слову «Loup» «Волк». Как будто бы здесь держали и разводили специальных собак для охоты на волков – «луврье». Другие исследователи привлекают для сравнения древнесаксонское слово «Lower» - «Крепость». Кроме того, в текстах XII века упоминается деревня Лувр - Louvres, находившаяся к северу от парижского пригорода Сен-Дени, так что название это не было редким или необычным. Начавшись с крепости короля Филиппа-Августа (1190), Лувр постепенно разрастался вдоль правого берега Сены. Построенный для обороны Парижа, именно этот замок-крепость и стал основой будущего королевского дворца. Фундамент замка XII века полностью раскрыли во дворе нынешнего Лувра уже в ХХ веке при археологических раскопках. 20 В середине XIV века король Карл V приказал окружить Париж новой крепостной стеной, и Лувр полностью потерял свое значение в системе обороны города. Туда переехал сам венценосец и перевез свою знаменитую библиотеку. Появилась специальная библиотечная башня. В ней хранилась тысяча рукописных книг, собранных королем, которого современники прозвали Мудрым. Это собрание впоследствии стало основой Национальной библиотеки Франции. Но запустение снова поселилось здесь - после смерти Карла V, и полвека замок стоял заброшенным. Короли и двор предпочитали парижские дворцы Сен-Поль и Турнель или же уютные замки в долине Луары. В 1527 году король Франциск I объявил, что иной столицы для прекрасной Франции не видит и возвращается жить в Париж. В Лувре начались работы. Однако лишь через двадцать лет Франциск I отдал приказ приступить к строительству нового дворца на месте срытой крепости. Но наиболее основательно Лувр изменился при Франциске I в 1546 году, который снес значительную его часть и построил заново. С тех пор замок Лувр превратился в королевскую резиденцию. Архитектор Пьер Леско и скульптор Жан Гужон придали Лувру тот облик, который, несмотря на многочисленные последовавшие переделки, сохранился до настоящего времени. В дальнейшем Лувр неоднократно перестраивался и достраивался, менял свой облик. Шли годы, менялись короли. В 1682 году, когда королевский двор переехал в Версаль, все работы были заброшены, Лувр пришел в состояние упадка. В 1750 году даже шла речь о его сносе. Людовик 14. В музей Лувр превратила Великая Французская революция. Якобинцы устроили здесь «Центральный музеум искусств». В годы революции и наполеоновских войн коллекция Лувра быстро разрослась за счет реквизиций у аристократов и конфискаций в ходе военных кампаний за границей. После Революции работы по строительству Лувра были возобновлены Наполеоном. Ядром собрания картин, известного сегодня на весь мир, стала коллекция Франциска I, пополненная Людовиком XIII и Людовиком XIV. 10 августа 1793 года Лувр был открыт для посещений и стал музеем. Наполеон вернул Лувру былую значимость, отреставрировав обветшавшие стены, расширив внутренний двор и построив новый парадный въезд. Таким образом, Лувр соединил в себе стили нескольких эпох. Кстати, в подземной части современного музея посетители могут видеть сохранившиеся части древнего замка, построенного еще в 1200 году. Лувр имеет семь «департаментов» и три «крыла», а также четыре уровня (не считая подземного, где расположены гардероб, кассы и информация). Первый и второй уровни называются соответственно «ре-де-шоссе» и «антресоль», а третий и четвертый - первым и вторым этажами. На деле же все оказывается просто. «Департаменты» здесь означают разделы экспозиции. Таких департаментов Лувр насчитывает семь: живопись, графика, скульптура, прикладное искусство, а также древности - восточные, греко-римские и древнеегипетские. Эти департаменты располагаются по трем крыльям здания (имеющим собственные имена - Ришелье, Денон и Сюлли). Каждый 21 департамент имеет свои подразделения. Изобразительные искусства делятся в соответствии с той или иной художественной школой, древности - по эпохам. В настоящее время Лувр занимает сорок гектаров земли в самом центре Парижа на правом берегу Сены и вмещает выставочные залы, площадью приблизительно 60000 м2, предназначенные для хранения предметов, отражающих 11 тысяч лет развития цивилизации и культуры. В собрании Лувра есть экспонаты, датирующиеся периодом зарождения древнейших цивилизаций. Обычно посетители, попавшие в Лувр, в первую очередь стремятся увидеть самые известные сокровища этого музея – «Джоконду» Леонардо да Винчи или знаменитую статую Венеры Милосской. Но коллекция Лувра бесконечно многообразна, и, помимо этих шедевров, содержит немало и других, не менее интересных произведений искусства. Многие картины, хранящиеся в музее, посвящены теме детства, и изображают детей разного возраста, разных характеров, разных социальных слоев. Одной из любимых тем художников эпохи Возрождения была тема «Мадонна с младенцем». В коллекции Лувра мы встречаем множество картин, изображающих младенца Христа. Часто итальянские художники изображали Деву Марию, держащую на коленях младенца. Скульптор Донателло (Донато ди Никколо ди Нетто Барди) (ок. 1386-1466) воплотил этот сюжет («Мадонна с младенцем» (ок. 1440) в оригинальной трактовке. Как того требует традиция, Мария одета в голубое, небесного цвета платье. Но она не улыбается и держит Иисуса чуть дальше, чем обычно. В ее взгляде читается озабоченность, как будто она догадывается о трагической судьбе своего сына. Профили Девы Марии и младенца выделяются на фоне драпировки, создающей иллюзию глубины. В 15 веке знатные люди часто просили художников поместить свои изображения рядом с Девой Марией и другими святыми. Тем самым они хотели подчеркнуть свою религиозность. На картине Яна ван Эйка (ок. 1390-1441) «Мадонна канцлера Ролена» (1435) мужчина, преклонивший колени перед Марией и Иисусом, - канцлер Бургундии Никола Ролен, один из величайших политических деятелей 15 века. Ван Эйк одним из первых начал применять новую технику масляной живописи. Раньше художники смешивали краски с яйцом. Масляная живопись делает изображение на полотне более ровным и ярким, сохраняя свежесть красок на многие века. 22 Красное платье Мадонны и наряд канцлера Ролена удивляют сочностью цвета и тонкостью линий. В глубине картины виден город, где различима буквально каждая деталь. Картина Рафаэля (1483-1520) «Мадонна с младенцем и маленьким св. Иоанном Крестителем» (1507 или 1508) имеет второе название – «Прекрасная садовница». Вероятно, она получила его из-за цветущего луга, на котором сидит Дева Мария. Она смотрит на сына нежным и в то же время строгим взглядом. Он пытается дотянуться до книги, лежащей на ее коленях. Конечно, по Библия, в которой описана его собственная жизнь! Стоящий на коленях святой Иоанн Креститель направил свой взгляд на Иисуса. Таким образом, все три персонажа связаны между собой жестами и взглядами. Рафаэль написал много картин, на которых изображена Мадонна с младенцем, но эта одна из самых известных. Он создал ее в тот период, когда жил во Флоренции одновременно с Леонардо да Винчи. Рафаэль восхищался творчеством Леонардо и разместил персонажей своей картины так же, как это сделал бы он. В Лувре находится картина Леонардо да Винчи (1452-1519) «Мадонна с младенцем и святой Анной» (1508-1510). При создании своих картин художник всегда был очень терпелив. Он использовал сильно размытые тона, почти прозрачные. Таким образом, ему приходилось накладывать множество слоев, чтобы закончить картину. Эта техника позволяла ему плавно переходить от темной зоны к более светлой. Яркий тому пример изображение руки младенца на картине. Такая манера письма придает лицам и телам немного размытые очертания, этот эффект сам Леонардо называл «sfumato» (от итальянского sfumato - «исчезающий в дымке»). Эта же техника используется и при создании фона, где отдаленность гор подчеркивается лишь мягкой градацией цвета. Леонардо да Винчи так и не закончил картину, он хранил ее у себя до самой смерти. Но в работах художников эпохи 23 Возрождения встречается не только младенец Иисус, но и обычные земные дети, как например, на каритне Доменико Гирландайо (1449-1494) «Старик и мальчик» (ок. 1490). Изображенный на картине старик с бугристым носом с любовью смотрит на мальчика, который, без сомнения, приходится ему внуком и пришел навестить своего дедушку. Несмотря на большую разницу в возрасте, становится ясно, что они очень близки. В их взглядах, обращенных друг к другу, светится столько любви и нежности! Конечно, что сам старик заказал картину флорентийскому художнику Гирландайо. Возможно, он коммерсант или банкир. В 15 веке их было очень много во Флоренции, одном из самых процветающих городов Европы. Многие художники приезжали туда, потому что богатые жители Флоренции часто заказывали картины для украшения своих домов. Гирландайо был одним из самых популярных живописцев, потому что умел лучше других передавать портретное сходство, а также мельчайшие детали одежды и предметов. Художники 17 века часто изображали карликов, попрошаек и калек, потому что это было время бесконечных войн, чумы, голода и бедности. Эта тема волновала и испанских художников. Своими картинами они хотели показать ту нищету, которую презирало испанское дворянство. На картине Хусепе де Риберы (1591-1652) «Хромоножка» (1642) на бумажке в руках у мальчика можно прочитать: «Подайте, Христа ради!». Несмотря на бедность и хромоту, мальчик выглядит счастливым. Гордо держит он свою трость, как будто это ружье. Может показаться, что его ничем нельзя испугать. Изображая маленького бедняка улыбающимся, Рибера как бы подает нам знак надежды и призывает помогать нуждающимся. Другой испанский художник Бартоломе Эстебан Мурильо (1617-1682) изобразил маленького попрошайку, которого он увидел, 24 прогуливаясь по улицам своего родного города Севильи «Маленький нищий» (1650). На земле рядом с мальчиком лежат выпавшие из корзины яблоки. Объедки креветок и немного воды вот и вся его еда. Основные цвета картины коричневый и серый, но сцена слегка подсвечена солнечным светом, который проникает в окно и как будто пытается согреть беднягу. Ярким контрастом к этим работам является картина голландского художника Фердинанда Бола (1616-1680) «Голландские дети в карете, запряженной козами» (1654). Трое детей гуляют в лесу. Их позолоченная карета украшена фигурой маленького пухлого ангелочка и странного существа, похожего на рыбу. Она запряжена не лошадьми, которые слишком велики для детей, а двумя козами. Раздетые ребятишки бегут за каретой, они ноют песенки и наигрывают музыку. Один из них, тот, который слева, ведет коз. У него в руках веревка и маленький кнут, чтобы погонять коз. Кто же эти трое детей, прогуливающиеся в такой красивой карете? Их великолепные одежды говорят о том, что они, конечно, из состоятельной семьи. Мальчик в красном платье и шляпе с перьями смотрит на нас очень серьезно. Хотя он невысокого роста, выглядит он почти как взрослый. Работа Франсуа Буше (1703-1770) «Завтрак» (1739) демонстрируют вкусы буржуазной публики 18 века, эпохи Проесвещения. Дневной свет через окно проникает в зал, где собралась дружная семья, чтобы выпить кофе. В 18-м веке кофе был еще очень редким и дорогим напитком. Также в то время были очень модными восточные изделия, такие как статуэтка на этажерке или фарфор из Китая, выставленный на комоде. Мебель с изогнутыми ножками и закругленными позолоченными элементами также очень типична для 18-го века. Можно предположить, что для картины позировала семья художника. Его жена, сидящая справа, наклонилась к сыну, а женщина, которая кормит маленькую девочку, скорее всего, приходится художнику сестрой. Родившаяся во второй половине 18 века Элизабет Луиза Виже-Лебрен (1755-1842) была любимой художницей и подругой королевы Франции МарииАнтуанетты. Она написала множество портретов королевы, чаще всего изображая ее в окружении детей. В то время немногие женщины занимались живописью, еще реже они становились знаменитыми. На картине Автопортрет с дочерью (1786) художница изображена нежно обнимающей свою маленькую дочь. Мягкое и мечтательное выражение ее лица призвано передать любовь, которую мать испытывает к своему ребенку. Эта картина была написана незадолго до Французской революции 1789 года. После революции все приближенные к королевскому двору лица подвергались преследованиям. 25 Виже-Лебрен, подруге королевской семьи, пришлось бежать из Франции. Она путешествовала но Италии, России, Австрии, где продолжала писать портреты членов королевских семейств Европы. Английский художник сэр Томас Лоренс (1769-1830) был признанным мастером портрета. Его кисти принадлежат портреты самых известных людей Англии и их детей: в конце 18 века тема детства волновала воображение многих художников. На этом коллективном портрете «Дети Эйскоу Бушрет» (1800) дети изображены в застывших позах, но зато ярко показаны их чувства, а лица полны жизни. Художник искренне пытается отразить характер каждого. Мальчик в красном бархатном костюме выглядит самым серьезным из всех четверых. Две сестры, одетые в красивые белые платья, обмениваются многозначительными взглядами, и создается впечатление, что они играют в пантомиму. Еще одна девочка выглядит немного уставшей от долгого позирования. Она прислонилась к колонне, которая служит декорацией для картины и одновременно подчеркивает маленький рост детей. Сэра Томаса Лоренса считают величайшим английским портретистом первой половины девятнадцатого века. Его карьера развивалась исключительно успешно. Им открыто восхищались такие французские художники, как Делакруа и Жерико, которые даже посетили его мастерскую в Лондоне. Конечно, коллекция Лувра с изображениями детей на этом не исчерпывается, здесь представлены лишь самые известные работы этого направления. Следует отметить, что собрание музея хранит не только живописные изображения детей, но и скульптурные, такие как «Неаполитанский мальчик-рыбак» Франсуа Рюда, «Амур, вырезающий лук из палицы Геркулеса» Бушардона и многие другие. Лекция 5. Музей Прадо. История создания Музей Прадо, или, как его уважительно величают испанцы, «Museo del Prado» - крупнейшее художественное собрание Испании. Львиную долю его 26 составляют королевские и церковные художественные коллекции. Это не случайно: несколько столетий искусство Испании занимало особое положение среди художественных школ Европы, развиваясь под непосредственным патронажем короны и церкви. Мадридский художественный музей Прадо был основан в 1819 году (здание музея достраивалось вплоть до 1830 года). Однако начало его коллекции было положено много раньше. Идея преобразования королевской коллекции в публичный музей родилась еще в конце XVIII века. Для первого публичного музея, посвященного естествознанию, в 1785 отвели место в большом парке Прадо (отсюда название будущего музея). Строительство велось по проекту архитектора Хуана де Вильянуэва (1785–1808). Во время нашествия наполеоновских войск пострадало и здание (в нем были расквартированы войска), и коллекция (много произведений было вывезено). Лишь в 1809 году Луис де Мариано Уркихо, при Жозефе Бонапарте, став его советником, добился подписания указа на этот счет. Однако, поскольку его художественный вкус оставлял желать лучшего и он, к тому же, доверил формирование музея не слишком чистым на руку антикварам, из коллекции тогда ушли многие шедевры. В истории Испании огромную роль сыграла Реконкиста — освободительная борьба против арабских завоевателей, продолжавшаяся несколько столетий Именно в ходе Реконкисты появились королевства Леон, Кастилия, Арагон, которые позднее объединились, положив начало испанскому государству в современном понимании. Поэтому в течение многих веков не было в Испании крупных заказчиков произведений искусства и собирателей художественных коллекций, кроме монархов и католической церкви. По традиции, после смерти короля, его коллекция живописи распродавалась; новый король начинал собирать новую коллекцию. Вот почему в нынешнем Прадо нет картин, принадлежавших кастильским королям. Испанская монархия, едва успев освободиться от арабов, начала осуществлять различные завоевательные планы. Испанцы первыми обосновались в Новом Свете (экспедицию Христофора Колумба финансировали Фердинанд и Изабелла), подчинили себе Нидерланды, твердой ногой стали в Неаполе. Первым монархом, решившим сохранить свою художественную коллекцию для наследника, был испанский король Карлос I, он же император Священной Римской империи Карл V Габсбург (1500-1558). Это был страстный коллекционер и собиратель, обладавший тонким художественным вкусом. Его любимым художником был Тициан. В 1530 году Тициан знакомится с Карлом V, художник и император понравились друг другу. Так началась Тициан. Карл V Габсбург эта довольно странная дружба, приведшая к тому, что в 50-е годы Тициан работал почти 27 Алонсо Санчес КоэльоФилипп II Габсбург Эскориал Диего Веласкес.Филипп IV Франсиско Гойя Портрет Карлa III – охотника 28 исключительно для Габсбургов. Его наследник Филипп II (1527-1598) продолжил начатое. Карл V и Филипп II старались все лучшее из подвластных им территорий привезти в Испанию. Именно им музей Прадо обязан богатыми коллекциями ранней нидерландской и итальянской живописи. В Италии скупались полотна Мантеньи и Беллини, заказывались картины Тициану, Тинторетто и Веронезе. При Филиппе II была собрана великолепная художественная галерея, состоявшая не только из произведений на религиозные темы, но включавшая также портреты и жанровые картины. Живописные коллекции испанской короны были помещены в загородном королевском дворце Эль Прадо, однако видеть их могла только придворная публика. Доступ широкой публики был разрешен в Эскориал, где была представлена религиозная живопись. Самая католическая страна в мире свято блюла религиозное чувство своих подданных, и они допускались к ознакомлению лишь с религиозной живописью. Эскориал грандиозный дворец-монастырь, построенный в честь святого Лаврентия, резиденция Филиппа 2 - находится в 8км от Мадрида в пустынной долине реки Мансанарес рядом с селением Эль Эскориал. Эскориал служил не только дворцом и монастырем, он стал усыпальницей испанского королевского дома. «Пантеон королей»усыпальница всех испанских монархов, начиная с Карла 5, за исключением Филиппа 5 и Фердинанда 6. Картины Эскориала, избежавшие переезда в музей Прадо, выставлены в галерее. Пребывание на престоле ничего не смыслившего в искусстве Филиппа III (15781621), не пополнило королевскую коллекцию. Он даже сумел подарить своему кузену, императору Священной Римской империи, картины Караваджо, ныне украшающие Венскую галерею. Только созданные в это время в Испании картины Рубенса и приобретение некоторых других его работ как-то сгладили эти потери. В противовес Филиппу III его наследник Филипп IV (1605-1665) был страстным коллекционером и ценителем искусства. Он предписывал своим послам в разных странах внимательно следить за художественным рынком и приобретать все лучшее для Испании. Много замечательных работ этот король сумел купить при распродаже художественной коллекции Рубенса после смерти художника. Так в Испанию попали поздние работы этого мастера, а также полотна Иорданса и Ван Дейка. Приход на испанский трон Бурбонов означал и смену вкусов правителей страны. При Карлe III (1716 - 1788) королевскую коллекцию заполнили произведения французских мастеров второго эшелона. Его любимым художником был немецкий мастер Антон Рафаэль Менгс, работы которого долгое время служили образцом для испанских художников. Его наследник Карл IV (1748-1819) обладал гораздо более развитым вкусом. Он всячески поощрял и поддерживал великого Франсиско де Гойю, картины которого принесли Прадо всемирную славу. ФРАНСИСКО ХОСЕ ДЕ ГОЙЯ (1746-1828), великий испанский живописец, родился в маленьком местечке Фуандетодос. Художественное образование он, по-видимому, получил в Сарагосе у Хосе Мартинеса. В 1763 году Гойя отправляется в столицу в надежде добиться успеха. Особое место в его творчестве занимает портретное искусство, непревзойденным мастером которого был художник. С 1786 года он придворный живописец Карлоса III, а после его смерти в 1799 году — нового короля Карлоса IV, семью которого художник показал на многих портретах. В 1814 году Фернандо VII (1784 -1833) возвратился из изгнания. Он хорошо знал художественные собрания, представленные в Лувре, и хотел выглядеть в лице своих подданных сторонником новых веяний. Король издал указ об учреждении публичного музея, и предложил для музея дворец Буэнависта. Антон Рафаэль Менгс Карл IV (1748-1819), принц Австрийский Лопес Портана Фердинанд VII Лопес Портана Фердинанд VII 29 Однако, обследовав дворец, архитекторы убедились в его крайне печальном состоянии. Идея создания музея опять не была реализована; к ней вернулись только в 1818 году. 19 ноября 1819 состоялась открытие Музея науки и искусства, в коллекции которого насчитывалось 311 картин. Именно тогда музей получил свое окончательное название — Прадо, что подчеркивало его преемственность, его связь с первой картинной галереей в королевском загородном дворце. В создании музея очень большое участие принимала королева Исабель де Браганса, а Лопес Портана Портрет Марии после ее смерти — новая жена Фернанда VII, Хосефы Амелии Саксонской королева Мария Хосефа Амелия, дочь саксонского курфюрста, она желала видеть музей наподобие созданного ее отцом в Дрездене. Хотя правление Фернандо VII и не вошло в историю Испании как эпоха успехов, но именно в ту пору был создан один из величайших художественных музеев мира. За XIX — ХХ века в музее произошло много изменений. В 1826–1827 были переданы картины, хранящиеся в Академии Сан Фернандо, в том числе из коллекций Карла V, Филиппа II , Филиппа IV. С 1836 в Испании производилось закрытие монастырей, церковных учебных заведений. Конфискованные ценности размещались в монастыре Ла Тринидад, где в 1838 был открыт Национальный музей. В 1871 его фонды перешли к Музею Прадо. В 1868 Прадо из королевского музея становится музеем города Мадрид. В августе 1936 из-за гражданской войны музей был закрыт, картины эвакуированы в Швейцарию. 7 июля 1939 Прадо вновь открылся для посетителей, но экспозиция была неполной – часть картин выставлялась в Женеве (с началом Второй мировой войны картины вернули в Испанию. Сейчас живописная коллекция музея насчитывает более 8600 полотен. Хотя музей неоднократно расширялся, из-за недостатка в помещении из них выставлено менее 2000 , остальное хранится в запасниках. Художественная коллекция Прадо содержит множество шедевров во всех жанрах живописи. Художественная коллекция Прадо содержит множество шедевров во всех жанрах живописи. Художественные школы составляют славу музея Прадо: итальянская, фламандская и испанская. Среди мастеров итальянской школы, представленных в музее, ведущая роль принадлежит протеже испанских королей - Тициану, а также Рафаэлю, которого испанский двор издавна считал величайшим мастером Италии. ТИНТОРЕТТО (Якопо Робусти - 1518-1594) - родился в Венеции и был, пожалуй, единственным настоящим венецианцем из всех живописцев, прославивших этот город. Его живопись свободна и имеет несколько фантастический оттенок. Легенда говорит, что он некоторое время работал в мастерской Тициана, который расстался с учеником, увидев масштабы его 30 дарования. ПАОЛО ВЕРОНЕЗЕ (Паоло Кальяри -1528-1588) родился в Вероне. Жемчужины фламандского собрания — крупнейшая в мире коллекция картин гениального фламандского живописца Иеронима Босха, чья причудливая сумрачная фантазия заворожила Филиппа II. Он и приобрел эти шедевры для Эскориала - наследственного замка испанских королей. Лишь в XIX веке картины были перенесены в музей. ПИТЕР БРЕЙГЕЛЬ СТАРШИЙ (1525-1569), прозванный «мужицким», был cамым крупным нидерландским живописцем середины XVI века. До нас дошли сведения только о том, что происходил он из крестьянской семьи, а где и у кого он учился, тоже ничего не известно. АНТОНИС ВАН ДЕЙК (1599-1641) родился в Антверпене. Совсем молодым человеком он попал в мастерскую Рубенса, где и произошло его формирование как художника. Он прекрасно усвоил уроки своего учителя, был самым способным и значительным из учеников Рубенса. ПИТЕРУ ПАУЛЮ РУБЕНСУ (1577-1640) была суждена долгая, полная событиями, беспокойная, но счастливая жизнь. Он жил как владетельный князь в доме, похожем на дворец, не зная бедствий и лишений Основную часть коллекции произведений Рубенса в Прадо собрал испанский король Филипп 1V. Мастерская Рубенса долгие годы постоянно работала на испанского короля, а после смерти художника король постарался купить у вдовы художника доставшиеся ей по наследству творения. И наконец, Прадо - крупнейший художественный музей Испании располагает грандиозным собранием произведений испанской живописи. Три величайших мастера Испании - Эль Греко, Веласкес и Гойя - представлены в музее с максимальной полнотой. ХУСЕПЕ (Хосе) ДЕ РИБЕРА (1591-1652) — знаменитый испанский живописец, гравер, и чертежник и один из лучших офортистов Европы времен барокко. Лекция 6. Прадо. Коллекция Художественная коллекция Прадо, включающая итальянскую, фламандскую и испанскую художественные школы, содержит множество шедевров во всех жанрах живописи. Итальянская Живопись. Итальянская школа представлена в музее громкими именами эпохи Возрождения. ПАОЛО ВЕРОНЕЗЕ (настоящее имя - Паоло Кальяри -1528-1588) родился в Вероне. В 1553 году Веронезе переезжает в Венецию, и с той поры Паоло Веронезе Иисус среди все его творчество неразрывно связано с этим книжников.1558 городом. 31 Сандро Ботичелли История Настаджо дельи Онести. 1483 Тинторетто Иосиф и жена Потифара. ок. 1555 Рафаэль Санти Несение кpecтa 1516-1517 Даная. ок. 1553-1554 Подношение Филиппа II 1573-1575 32 Художник часто использует библейские сюжеты для изображения современников в разных жизненных ситуациях В музее находится работа Сандро Боттичелли «История Настаджо дельи Онести». Лоренцо Великолепный Медичи заказал Сандро написать четыре эпизода из новеллы о Настаджо дельи Онести, включенной в «Декамерон» Боккаччо. Сюжет ее, одновременно жестокий и рыцарственный, был сродни придворной культуре, сложившейся в медичейском кругу. ТИНТОРЕТТО (настоящее имя - Якопо Робусти - 1518-1594) - родился в Венеции и был, пожалуй, единственным настоящим венецианцем из всех живописцев, прославивших этот город. Художник посетил Рим, где познакомился с творчеством Микеланджело, которое произвело на него неизгладимое впечатление. Вернувшись в Венецию, он переосмыслил увиденное, сумев соединить мощь построений Микеланджело с великим колористическим даром Тициана. В коллекции Прадо хранится портрет «Мариэтты Робусти, Жены художника». Картина Тинторетто «Иосиф и жена Потифара» представляет известный библейский сюжет о соблазнении прекрасного Иосифа злой и коварной женой царедворца Потифара. Великий итальянский живописец РАФАЭЛЬ САНТИ (1483-1520) представлен в музее Прадо картиной «Несение кpecтa». Испанский король Филипп IV считал ее жемчужиной своей коллекции. Это одно из самых новаторских произведений великого мастера. Рафаэль полностью отходит от классической композиции. Изображение в картине построено на контрастах, пропорции фигур нарушены. Вся она смотрится как некое театральное действо. Цветовое решение при общей колористической целостности содержит внутренние диссонансы. Выражения лиц, жесты полны сдерживаемой экзальтации. Напряженность умело подчеркивается алыми красками и их отсветами по всей картине. О долгой жизни великого TИЦИАНА (ок.14901576) известно практически все — его поразительная карьера, привязанности, приглашения к самым видным дворам Европы, его ревнивое отношение к собственному положению и благосостоянию и многое другое. Единственное исключение — дата рождения, мы не можем с достоверностью сказать, когда родился этот великий венецианский мастер. В 1530 году Тициан знакомится с Карлом V, художник и император понравились друг другу. Так началась эта довольно странная дружба, приведшая к тому, что в 50-е годы Тициан работал почти исключительно для Габсбургов. Даная. Сюжеты из античных мифов занимают значительное место в творчестве Тициана. Между 1553-54гг, Тициан выполнил для Габсбургов две картины на мифологические сюжеты. Это «Даная» и «Венера и Адонис» (по поэме Овидия «Метаморфозы»). В начале 1570ых, Филипп II заказывает Тициану две большие картиныаллегории: «Религия, которой помогает Испания» и «Подношение Филиппа II». Испанский монарх подносит ангелу принца Дона Фернандо(1571-78) Внизу — связанные турки, символ их поражения. «Религия, которой помогает Испания». Слева - Испания, в образе женщины с копьём. Её войско тоже состоит из женщин. Справа Религия, почти обнаженная и несчастная женщина. На втором плане - Нептун, в костюме турка, намекает на морское оттоманское могущество, которoe скоро будет ослаблено. Нидерландская живопись. Имя РОГИРА ВАН ДЕР ВЕЙДЕНА (1400-1464), крупнейшего нидерландского художника XV века, по известности сопоставимо только с именем Яна ван Эйка. Творчество Ван дер Вейдена знаменует новый этап в развитии нидерландской живописи. Ему свойственна экзальтированная религиозность и подчинение материальной стороны мира божественной идее. «Снятие с кpecтa» — одна из самых знаменитых работ Рогира ван дер Вейдена. Картина относится к раннему периоду творчества художника. Изображен момент снятия с креста тела Спасителя. Его держат Иосиф Аримафейский Религия, которой помогает Испания. 1571-1572 Рогир ван дер Вейден Снятие с креста. 1437-1438 Питер Брейгель-старший) Триумф смерти. 1562 Антонис ван Дейк Автопортрет с Эндимионом Портером. 1622-1623 33 Антонис ван Дейк Автопортрет с Эндимионом Портером. 1622-1623 Семь смертных грехов 1475-1480 Сад земных наслаждений ок. 1510 – 1515 Суд Париса. 1639 34 слева и Святой Никодим справа. Упавшую в обморок Богоматерь поддерживает Святой Иоанн, позади которого стоят Мария Клеопова и Мария, сестра Лазаря. У правого края картины — согнувшаяся в плаче Мария Магдалина, за ней — человек с сосудом с благовониями. Огромное внимание уделено изображению лиц и рук. ПИТЕР БРЕЙГЕЛЬ СТАРШИЙ 15251569), прозванный «мужицким», был cамым крупным нидерландским живописцем середины XVI века. До нас дошли сведения только о том, что происходил он из крестьянской семьи, а где и у кого он учился, тоже ничего не известно.В Прадо находится его картина «Триумф смерти». В Нидерландах свирепствовала инквизиция, испанцы огнем и мечом пытались подавить народное восстание. Все это нашло отражение в творчестве художника. Работа изобилует массой разрозненных сцен, тематически связанных между собой присутствием смерти, которая подстерегает и настигает людей всюду. Так в иносказательной манере художник пытался выразить свой протест против того, что происходило у него на родине, донести до потомков ужасную правду об увиденном. АНТОНИС ВАН ДЕЙК (1599-1641) родился в Антверпене. Совсем молодым человеком он попал в мастерскую Рубенса, где и произошло его формирование как художника. Он прекрасно усвоил уроки своего учителя, был самым способным и значительным из учеников Рубенса. Ван Дейк был, прежде всего, портретистом. «Автопортрет с Эндимионом Портером» - одна из лучших работ в этом жанре, написана художником в Англии, где он стал придворным живописцем короля Карла I. Ван Дейк поставил себя рядом со своим другом — агентом по закупкам произведений искусства для коллекций короля Карла I. В коллекции Прадо находится и картина Ван Дейка «Коронование терновым венцом». Прадо обладает и прекрасными работами ИЕРОНИМА БОСХА (ок. 1460-1516). Его настоящее имя Хиеронимус Антонис ван Акен, он был образованным человеком своего времени. Немногие точные факты жизни художника почерпнуты из книг счетов Братства Богоматери, с которым связана вся его жизнь и жизнь многих членов его семьи.Это религиозное братство было создано в 1318 году, на основе культа Девы Марии. Как член Братства Богоматери Босх был, несомненно, знаком с богословской литературой, знал жития Святых, описания их видений. Кроме того, он был осведомлен о достижениях современных ему наук, интересовался алхимией, астрологией, народной медициной. Для нас особенно важно, как он претворял свои познания в мир фантастических образов. «Семь смертных грехов» — одна из самых ранних известных работ Босха. Она имеет ярко выраженный нравоучительный характер с элементами иронии и сатиры. Точно известно, что испанский король Филипп II распорядился хранить «Семь смертных грехов» в спальне своей резиденции-монастыря в Эскориале, чтобы на досуге предаваться размышлениям о греховности человеческой натуры. Триптих «Сад земных наслаждений» самое известное и загадочное из произведений Босха. В 1593 г. его приобрел испанский король Филипп II, которому нравились работы художника. С 1868 г. триптих находится в коллекции Музея Прадо в Мадриде. Композиция левой створки продолжает тему сотворения мира и посвящена рождению человека .В центральной части триптиха раскинулся чудесный волшебный «сад любви», населенный множеством обнаженных фигурок мужчин и женщин. На правой створке показан Ад. По формату триптих традиционен для нидерландских алтарей, но содержание показывает, что Босх не предназначал его для церкви. Великому ПИТЕРУ ПАУЛЮ РУБЕНСУ (15771640) была суждена долгая, полная событиями, беспокойная, но счастливая жизнь. Он жил как владетельный князь в доме, похожем на дворец, не зная бедствий и лишений. С ранних лет Рубенс Альбрехт Дюрер Адам и Ева. 1507 Портрет неизвестного 1521 Антон Рафаэль Менгс Карл IV, принц Австрийский 1761 Бартоломео Эстебан Мурильо Святое Cемейство с птичкой. 1650 35 Хусепе де Рибера Кающаяся Мария Магдалина 1640-1641 Эль Греко «Апостолат». Коронование Девы Марии. ок. 1590 Св. Андрей и Св. Франциск. 1595 36 был близок ко двору и пользовался не только симпатией властителей как художник, но и их доверием как политик и дипломат, часто выполняя весьма деликатные поручения. При этом он, бесспорно, был самым выдающимся художником в западноевропейском искусстве барокко. Один из шедевров музея – «Суд Париса» Рубенса, история присуждения Парисом награды (золотого яблока - символа любви) Венере была наиболее популярная из всех мифологических тем в живописи 16-18 вв. В коллекции музея находится «Портрет Герцога Лерма», который был фаворитом и первым министром короля Филиппа III. Практически он был самовластным правителем Испании. Художник изобразил его верхом на коне, крепко держащим поводья, т.е. бразды правления . Немецкая живопись. Немецкая живопись представлена в Прадо, прежде всего, работами Дюрера и Менгса. АЛЬБРЕХТ ДЮРЕР (1471-1528) был величайшим художником немецкого Возрождения. Картины Дюрера, находящиеся в Прадо, появились там во времена короля Филиппа IV. Этот «Автопортрет» Филипп 1V приобрел на распродаже коллекции английского короля Карла I, казненного сторонниками Кромвеля. Автопортрет написан вскоре после первого путешествия Дюрера в Венецию. «Портрет неизвестного» принадлежит к произведениям, написанным в последние годы жизни художника. Безусловно, это одна из лучших портретных работ Дюрера, в которой он смог обобщить и использовать все свои творческие достижения. Парные картины Адам и Ева были подарком Филиппу IV от шведской королевы Кристины. В выразительных обнаженных фигурах, изображенных в полный рост, художник воплотил свой идеал классической красоты. Дюрер показывает Адама и Еву как две ипостаси сущности человека. АНТОН РАФАЭЛЬ МЕНГС (1728-1779) был любимым живописцем короля Карла III и его сына Карлоса IV. Портрет короля Карла III создан в 1761 году для королевской коллекции как парный портрету королевы Марии Амалии Саксонской. Этот портрет был очень популярен, существует множество его копий. Испанская живопись. Жемчужина музея — коллекция испанской живописи. Ни в одном другом музее мира не собрано так много работ испанских художников. Многовековая война с арабами привнесла в испанское искусство, с одной стороны, тонкие мотивы резьбы гренадских халифатов и живописное хитросплетение арабской вязи, с другой — острое отторжение пусть рафинированной, но чужой культуры. Именно в этом неприятии сформировалась обостренная религиозная экзальтированность испанского искусства. БАРТОЛОМЕО ЭСТЕБАН МУРИЛЬО (1617 -1682) — выдающийся испанский живописец, большой мастер религиозной и жанровой живописи. Им были написаны различные варианты мадонн. Он мастерски сумел передать на этих полотнах и глубокое счастье материнства, и неувядающую красоту севильских женщин. Недаром Мурильо получил прозвище — «художник Мадонн». «Святое Cемейство с птичкой». Перед нами сцена обычной жизни очень небогатой семьи. Святой Иосиф поддерживает маленького Иисуса, играющего с птичкой и собакой. Слева сидит мотающая нитки Дева Мария, все ее внимание обращено на сына. Справа композицию завершает столярный верстак. ХУСЕПЕ (Хосе) ДЕ РИБЕРА (1591-1652) — знаменитый испанский живописец, гравер, и чертежник и один из лучших офортистов Европы времен барокко. «Освобождение апостола Петра из темницы» — типичное для Риберы произведение. В нем, как и во многих его работах, звучит тема мученичества за веру. Свет, проникающий из окна, вырывает из полумрака фигуру лежащего на полу апостола Петра и освещает прилетевшего к нему ангела. В 40-50-е Диего Веласкес. Пряхи. 1657 Менины. 1657 Франсиску Хосе де Гойя Расстрел повстанцев в ночь на 3 мая 1808 года. 1814 Маха обнаженная 1805 37 годы творческий язык Риберы меняется, его картины становятся более светлыми и радостными. Художник теперь больше склонен к любованию уличными мальчишками, а Святых изображает в образах прекрасных молодых девушек. В его творчество проникают Одетая Маха 1797-1798 барочные мотивы. Именно в это время Рибера пишет один из своих самых романтических образов — «Кающуюся Марию Магдалину». Святая изображена в темной пещере с обращенным Богу взором. На темном фоне пещеры светлыми пятнами смотрятся полное прелести девичье лицо, ее обнаженные плечи, молитвенно сложенные руки и ступни ног. Считается, что моделью художнику послужила его дочь. В Прадо находится значительная часть работ ЭЛЬ ГРЕКО, (1540 -1614 ). Художник родился на Крите, в те времена, когда островом еще владела Венецианская республика. Он рано проявил свои художественные способности, но вряд ли смог бы получить на достойное образование на Крите и потому едет в Венецию, где в 1568 году учится у великого Тициана. К 1600 г. Эль Греко создал большую серию «Апостолата», состоящую из изображений Спасителя и двенадцати учеников (каждый из них на отдельном холсте). Эта серия представляла интересную новизну в испанской иконографии. 1.Спаситель, которого мы здесь видим, был самой привлекательной фигурой серии. Эта картина украшала алтарь надгробной часовни художника Эль Греко в монастыре С-Доминика в Толедо. 2. В центре, на облаках в окружении ангелов сидит Дева Мария. Она в темных, контрастирующих с фоном одеждах глубокого сине-зеленого и холодного красного цветов. Справа от нее сидит ее воскресший Сын, отличающийся от Бога-Отца также земным красно-зеленым цветом одеяний. Бог-Сын и Бог-Отец держат над Девой царственный венец, над которым голубь, Святой Дух, символ святости, летит в сияющем пространстве. Св. Андрей и Св. Франциск. Фигуры святых очень удлинённые. Эль Греко изменил классический канон красоты, в котором голова — седьмая часть от тела. Он принял свою пропорцию 1:12. Его картины пользовались успехом, они были не обычными. ДИЕГО ВЕЛАСКЕС (1599-1660), полное имя Диего Родригес де Сильва Веласкес —великий испанский живописец, большой мастер портрета. Придворный живописец испанского короля Филиппа IV (с 1623 г.), член Академии Св. Луки в Риме, кавалер почетного рыцарского ордена Сант-Яго. О его творчестве король Испании, восхищенный изображавшими его портретами, говорил: «Мой художник стал зеркалом нашей жизни». В собрании музея хранятся портреты всесильного графа Оливареса (главы правительства), Инфанты Маргариты, Филиппа IV. В период зрелости художника Веласкесу заказывают историческое, батальное полотно «Сдача Бреды». На обвинение коллег, что кроме портретов он вообще ничего писать не может., Веласкес выбирает самую что ни на есть 38 скандальную в испанском искусстве тему - «Триумф Вакха», или, как он ее называет поскромнее, «Пьяницы». Большой интерес представляет собой картина «Пряхи», в которой мы видим связь с легендой об Арахне. У Афины-Палады, богини, которая дает мудрость и знание, учит людей искусствам и ремеслам, возник спор с молодой девушкой-пряхой Арахной. Арахна проиграла состязание и Афина превратила её в паука-Арахну. Таким образом, молодая женщина, слева - Арахна; у прялки - Афина, в образе старой женщины. На заднем плане картины, способом «одновременных эпизодов», показана вторая часть легенды: Арахна стоит перед своим гобеленом, вытканным на тему «Похищение Европы» по картине Тициана. Одна из самых известных картин Веласкеса «Менины» тоже хранится в музее Прадо. Замечательная коллекция работ ФРАНСИСКО ХОСЕ ДЕ ГОЙИ (17461828) знакомит нас с творчеством этого испанского художника. Гойя глубоко переживал события, связанные с нашествием Наполеона. Трагически закончившееся восстание мадридцев в мае 1808 года не оставило художника равнодушным. Французы казнили без суда всех испанцев, которые, по их мнению, принимали участие в восстании. Гойя, нарисовав этот расстрел шесть лет спустя, создал подлинный драматический шедевр, сумев ухватить самую суть события. Он запечатлел расстрел патриотов на горе Принсипе-Пио, где на рассвете 3 мая погибли 43 человека. Одни из самых загадочных картин в собрании Прадо – работы Гойи «Маха обнаженная» и «Маха одетая». До сих пор ведутся споры о том, кто же стал моделью художнику. Большинство ответит: на двух картинах — Герцогиня Альба, так как ни одна легенда в искусстве не пустила столь глубокие корни в воображение публики, как романтическое предположение, что, во время своего страстного романа с герцогиней, Гойя увековечил ее на этих двух полотнах. Более убедительна гипотеза, что моделью для картин могла послужить любовница Мануэля Годоя, премьер-министра и любовника королевы МарииЛуизы. Не все испанское общество оценило «Обнаженную маху»; когда стал известен сюжет картины, художника вызвали в инквизицию. Состоялся ли суд над Гойей, неизвестно, но его картины не сожгли, а его самого не посадили в тюрьму. Возможно, за него заступился один из его высокопоставленных покровителей. И Гойя, который не отказывал себе в удовольствии при случае эпатировать общество, но всегда избегал его фатальных объятий, так и не открыл, кто же позировал ему для этой картины. Но, до самой смерти герцогини Альба, эти две работы находились у нее в будуаре, а после ее смерти достались Мануэлю Годою. С 1814 года они стали храниться в Академии СанФернандо, откуда вскоре были переданы в Прадо. Особое место в его творчестве занимает портретное искусство, непревзойденным мастером которого был художник. В музее хранятся портреты многих испанских аристократов. С 1786 года Гойя – придворный живописец Карлоса III, а после его смерти в 1799 году — нового короля Карлоса IV, семью которого художник показал на многих портретах. 39 Лекция 7. Дрезденская галерея Дрезден – один из прекраснейших городов Германии. И главное достояние города - это, конечно же, жемчужина саксонского барокко Цвингер и всемирно известная Дрезденская картинная галерея. Ансамбль Цвингера представляет собой прямоугольный двор, образованный шестью двухэтажными павильонами и соединяющими их одноэтажными галереями. Цвингер – творение архитектора Пёппельмана.. Позднее (уже в 19 в.) двор Цвингера был замкнут зданием Картинной галереи, возведенной по проекту архитектора Готфрида Земпера. Наиболее трагическим днем в истории Дрездена можно назвать 13 февраля 1945 года. В этот день был совершен массированный налет английской и американской авиации; количество бомб, сброшенных на город, исчислялось десятками тысяч, хотя (как потом утверждали историки) никакой военной необходимости в этом не было. В результате город был почти полностью разрушен - более 85% зданий лежали в развалинах. Не избежал печальной участии и Цвингер - от очаровательного архитектурного ансамбля остались одни развалины, а на месте Дрезденской картинной галереи высились только обугленные остовы стен. В павильонах Цвингера размещались библиотека, математический кабинет, кунсткамера, коллекции гравюр и фарфора. Однако основным предназначением Цвингера являлось проведение различного рода празднеств, что во многом и определило своеобразие его архитектуры. Обширный двор служил для проведения парадов и представлений, а окружающие его павильоны выполняли роль своеобразных театральных лож. Официальной датой основания Дрезденской картинной галереи считается 1772 год. История приобретения коллекций началась с правления саксонского курфюрста Фридриха III Мудрого (1486–1525), который стал покупать различные раритеты, а также давал заказы таким выдающимся художникам как Л.Кранах и А.Дюрер. При Августе I, в 1560, была образована кунсткамера – универсальное собрание всякого рода редкостей и природных диковинок, изобретений механиков, драгоценной посуды, украшений, старинных монет, а 40 также картин, которые составляли меньшую часть коллекций. Среди живописных произведений здесь преобладали картины религиозного содержания и династические портреты. Важнейший этап в истории коллекции наступил в годы правления Августа II Сильного (годы жизни 1670–1733), короле Польском и курфюрсте Саксонском. Он поставил цель создания выдающейся коллекции, не уступающей тем, какие он видел в Италии и Франции. При Августе П были приобретены такие шедевры как Царство Флоры Пуссена, Спящая Венера Джорджоне и др. Агенты Августа III (годы правления 1733–1763), среди которых были настоящие специалисты в области искусства, скупали все лучшее, что появлялось на аукционах Парижа, Рима, Амстердама, Праги и др. городов Европы. Величайшей удачей Августа III было приобретение в 1745 в Италии у герцога Моденского д'Эсте коллекции, в которой насчитывалось ок. 100 картин (среди них Святая ночь Корреджо, Динарий кесаря Тициана, Портрет Шарля де Солье Г.Гольбейна Младшего, Мадонна с семейством Куччино П.Веронезе и др.) В то же время было приобретено 288 картин из собрания Валленштейна (в т.ч. картины Вермера Дельфтского, Ван Дейка, Ф.Хальса); из императорского собрания в Праге серия притч Д.Фети, картины П.П.Рубенса, Валантена и др. В Париже были куплены Автопортрет Рембрандта с Саскией на коленях, Саския с гвоздикой. Почти все картины Рембрандта поступили в коллекцию в это время. По поручению короля Саксонии граф Франческо Альгаротти стал приобретать произведения Ф.Тьеполо, Пьяцетти. Он приобрел знаменитую Шоколадницу Лиотара. Только в 1742 Август Ш купил 700 картин. Вершиной его собирательской деятельности была покупка в 1754 в монастыре Святого Сикста в Пьяченце Сикстинской мадонны Рафаэля Санти. Итальянская живопись В собрании находятся картины многих ведущих мастеров Раннего Возрождения. Среди них выделяются картины Антонело де Мессина (1430– 1479) Святой Себастьян, Франческо Косса (1435– 1477) Благовещение. Строгая красота и суровое Андреа Мантенья. Святое величие образов в картине падуанца Андреа семейство со св. Елизаветой и Мантенья (1431–1506) Святое семейство с младенцем Иоанном. Посл.треть 15 в. Елизаветой и маленьким Иоанном Крестителем навеяны древнеримскими скульптурами. Мантенья занимался археологическими раскопками и был знатоком античной культуры. Один из лучших и наиболее характерных портретов этого времени Портрет мальчика Бернардино Пинтуриккьо (1455–1513). Художественные достоинства портрета так высоки, что его приписывали Бернардино Пинтуриккьо. Портрет Рафаэлю, однако картина была написана в 1480– мальчика. 1480-е гг. 1485, а Рафаэль родился в 1483. Лучшая среди картин Веронезе (1528–1588) 41 П.Веронезе. Нахождение Моисея. 16 в. Джорджоне. Спящая Венера.1508 Антонио Корреджо. Ночь. Ок. 1530 г. Тинторетто. Спасение Арсинои.1560-е гг. 42 Мадонна с семейством Куччина (1571). Картины П.Веронезе Поклонение волхвов, Пир в Кане, хотя и написаны на библейские сюжеты, но являются по существу изображением великолепных праздников. Среди шедевров Дрезденской галереи Спящая Венера Джорджоне (1477–1510) – лучшее произведение великого венецианского художника. Работая над картиной, Джорджоне умер от чумы, заканчивал ее его друг и ученик Тициан. Картина пармского художника Антонио Корреджо (1489– 1534) Святая ночь – поклонение пастухов новорожденному Христу – считается лучшей в творчестве этого мастера. Творчество Я.Тинторетто (1518–1594) отличается большим драматизмом. Битва архангела Михаила с сатаной в образе дракона создана в последнее десятилетие жизни художника, когда он поставил свое искусство на службу церкви. Подлинным художественным событием стала картина Тинторетто Спасение Арсинои на сюжет, заимствованный из сочинения римского писателя Лукиана и переработанный в эпоху Средневековья в духе рыцарских романов. Наиболее знаменитая часть итальянской коллекции – произведения мастеров Высокого Возрождения. Среди них – Сикстинская мадонна Рафаэля. Рафаэль Санти (1483–1520) написал ее в 1515–1519 по заказу папы Юлия II для алтаря церкви святого Сикста в городе Пьяченце (Италия). «Сикстинская мадонна» великого Рафаэля находилась в ящике, который был сделан из тонких, но прочных и хорошо обработанных планок. На дне ящика был укреплен толстый картон, а внутри ящика - рамка, обитая войлоком, на которой и покоилась картина. Но в дни войны ящик не мог служить надежной защитой, В одно мгновение он мог вспыхнуть, и человечество навсегда бы потеряло шедевр Рафаэля. «Мадонна» была написана для алтаря монастыря Святого Сикста в Пьяченце. Двор саксонских курфюрстов выкупил эту картину в 1754 году у монастыря, заплатив за нее 20 000 цехинов - немалую по тем временам сумму. Очень своеобразна композиция картины - юная босоногая женщина с ребенком на руках идет с небес к людям. Широко открытые лучезарные глаза Мадонны печальны - мать предчувствует трагическую судьбу своего сына и все же несет его людям. Тициан имел репутацию лучшего портретиста Италии. В Портрете мужчины с пальмовой ветвью (1561) Тициан подчеркнул духовную значительность, властную силу модели. В портрете Дамы в белом платье внимание художника привлекает ее красота и юность. Долгое время считалось, что это портрет дочери художника в подвенечном платье. Самая знаменитая картина Тициана в дрезденском собрании – Динарий кесаря, иллюстрирующая нравственный поединок между Христом и фарисеем. Среди иностранных художников, работавших при дворе Августа III, особенно важная роль принадлежала Б. Белотто (Каналетто), племяннику А.Канале. По заказу короля художник должен был запечатлеть виды Дрездена. С 1747 он стал придворным живописцем. В галерее находятся 35 произведений Белотто, в т.ч. 16 видов Дрездена. Эти картины после Второй мировой войны обрели особую историко-культурную ценность, т.к. город после американских бомбардировок был превращен в руины. Немецкая живопись В коллекции искусства Германии лучше всего представлены мастера 16 в. Лукас Кранах Сарший (1472–1553) 50 лет провел на службе при дворе Саксонских курфюрстов. За это время сменилось 3 правителя. Он написал много династических портретов, как например, Свадебные портреты Генриха Благочестивого и его супруги (1514) – первые в искусстве Германии портреты во весь рост в натуральную величину. Кранах писал картины на сюжеты. Священного писания: Адам и Ева (1531), Христос в Гефсиманском саду (Моление о чаше) и ряд других. К числу ранних произведений относится Алтарь Св. Екатерины – покровительницы науки, исполненный в 1506 в связи с основанием университета в Виттенберге (1502), который тогда был столицей Саксонии. Рафаэль Санти. Сикстинская Мадонна. 1515–1519 Тициан. Динарий кесаря. Ок.1516 Каналетто Дж.А. Вид Дрездена, Новый рынок со стороны улицы Мориц.1750-52 Лукас Кранах Старший Свадебные портреты Генриха Благочестивого и его супруги (1514) 43 А. Дюрер. Алтарь Девы Марии, центральное изображение и створки, общий вид. Ок. 1496 Ганс Гольбейн Младший. Портрет Шарля де Солье, сира де Моретта, французского посла в Лондоне. 1534-1535 Ян ван Эйк. Алтарь Марии (Дрезденский складень).1437 Ян Вермеер Дельфтский. У сводни. 1656 Якоб ван Рейсдаль.Еврейское кладбище. 17 в. 44 В галерее хранится Дрезденский алтарь (1506), написанный А.Дюрером (1471–1528) по заказу Фридриха Мудрого для капеллы в Виттенбергском замке. Лучшим портретистом Германии эпохи Возрождения был Ганс Гольбейн Младший (1497–1543). Во время первого пребывания в Англии он создал Двойной портрет нотариуса и судьи Томаса Годселва и его сына Джона (1528). В 1532 Гольбейн окончательно переселился в Англию и стал с 1536 придворным живописцем короля Генриха VIII. Тогда им был написан Портрет французского посла при английском дворе Шарля де Солье Сиера де Моретта. Нидерландская живопись Столь же богато в галерее собрание живописи Нидерландов. Становление нидерландского Возрождения начинается с творчества Яна ван Эйка (1390–1441). Одним из шедевров Дрезденской галереи является триптих (1437), в центральной части которого изображена мадонна с младенцем в красном плаще, сидящая на троне в глубине храма с колоннами. В Дрезденской галерее находятся произведения мастеров Голландии 17 в. Особую ценность представляют картины Вермера Дельфтского Девушка, читающая письмо у раскрытого окна, У сводни – единственная картина, датированная художником (1656). Другой великий мастер Голландии, Якоб ван Рейсдаль (1628–1682), представлен с исчерпывающей полнотой, Дрезденская галерея обладает самым большим в Германии собранием его картин. Еврейское кладбище Якоба ван Рейсдаля многие специалисты считают вершиной его творчества. Это аллегория неминуемой смерти человека, конечности его существования на земле и постоянного возрождения жизни природы. Большое собрание работ Рембрандта насчитывает 15 картин, в основном представляющих начало его творчества. Среди них 2 автопортрета (1636, 1639) и несколько портретов Саскии – жены художника. Наиболее знаменит ранний портрет улыбающейся Саскии, написанный в 1633, когда она была невестой художника. Здесь же находится и самый поздний портрет Саскии, созданный в 1641, за год до ее смерти. Юношеский задор, стремление к нетрадиционному изображению бытовых сцен, проявилось и в Автопортрете с Саскией на коленях (1635). В коллекции имеются работы пейзажистов (Яна ван Гойена, М. Гоббемы, Арта ван дер Нира), мастеров натюрморта (Виллема Клас Хеды, Корнелиса де Хеема), бытового жанра (Адриана ван Остаде, Тер Борха, Метсю), есть здесь портреты Франца Хальса. В Дрезденской галерее представлено творчество Антониса Ван Дейка (1599–1641), знаменитого фламандского живописца, мастера портрета, мифологической, религиозной картины, офорта. В 1620 по инициативе королевского гофмаршала Томаса Хауэрда, графа Эрендела Ван Дейк был приглашен в Англию в качестве придворного живописца. Здесь он знакомится с произведениями Высокого Возрождения. В 1632 по приглашению короля Карла I (1625–1649), которого Рубенс называл «величайшим любителем живописи из всех государей мира», Ван Дейк снова едет в Англию. Там он получает должность «главного живописца на службе их величества», дворянский титул и золотую цепь. В Дрездене представлен картинами Господин в черном перед колонной, Дама в черном перед красной портьерой, а также несколькими картинами разных лет, изображающими детей короля Англии Карла I. Всесторонне отражено в собрании творчество великого художника Фландрии Питера Пауля Рубенса. В полных динамики сценах охот (Возвращение Дианы с охоты, Охота на кабана) Рубенс выступает как главный создатель стиля барокко в европейском искусстве. Наиболее знаменита среди картин Рубенса Вирсавия у фонтана (1635). Удивительны судьбы рубенсовских картин. «Вирсавия», которую в 1749 году в Париже приобрел Август III, курфюрст Саксонии и страстный любитель живописи, была трижды «ранена»: пробита пулей в 1849 году в дни революционных событий в Дрездене, где она хранилась в картинной галерее двора; в марте 1920 Рембрандт.Автопортрет с Саскией на коленях. 1635 Ян ван Гойен. Лето на реке Антонис ван Дейк. Дама в черном. 17 в Питер Пауль Рубенс Вирсавия у фонтана. пер. пол. 17 в. 45 Хусепе де Рибера. Св. Инесса в заключении. 1641 Бартоломе Эстебан Мурильо Мария с Младенцем. ок. 1670 Г. Реберн. Портрет епископа Луция О’ Берна Николя Пуссен. Царство Флоры. ок.1635 46 года, когда путчисты заняли дворцовый комплекс Цвингер, куда в 1855 году была переведена картинная галерея, - пуля пробила отверстие длиной в 3 и шириной в 1 см. Третье приключение с «Вирсавией» случилось в годы второй мировой войны. Незадолго до вступления советских войск в Дрезден большая часть картин была вывезена гитлеровцами из Цвингера и спрятана в заминированных убежищах. Это были грязные полузатопленные штольни старых известняковых шахт. В одной из них, на глубине 52 метров, было погребено 350 картин, в том числе «Вирсавия» Рубенса. Сваленные в кучу в луже воды, они бы погибли очень быстро, если бы не оперативные действия советских войск, нашедших картины, да не умелые руки реставраторов из Музея изобразительных искусств им. А.С. Пушкина. В 1956 году картина вместе с другими спасенными шедеврами Дрезденской галереи вернулась на родину, в Цвингер. Испанская живопись В разделе испанской школы также лучше всего представлен 17 век: картинами Ф.Сурбарана (1598– 1664), Б.Э.Мурильо (1618–1682) Х.Риберы (1591– 1652), Д.Веласкеса (1599–1660). Диего Веласкес, принадлежит к числу лучших портретистов в истории европейской живописи. (Портрет пожилого господина с золотой цепью и орденским крестом) Св. Инесса (Агнесса) является высшим достижением зрелого стиля художника Хусепе де Риберы. По сравнению с ранними его работами в «Св. Инессе» манера живописи Риберы меняется кардинально: исчезли резкие цветовые контрасты, светотень стала мягче, цветовая гамма насыщена золотистыми и серебристыми оттенками, краски, положенные мелкими мазками, как будто мерцают под воздействием света. На картине изображена юная девушка-христианка, которую выставили обнаженной перед толпой, за то что она не желала поклоняться языческим богам. Но произошло чудо: волосы Инессы внезапно отросли до пят, прикрыв наготу, а спустившийся с небес ангел накинул на ее тело покрывало. Изображение пронизано потоком света. Кажется, что само полотно излучает сияние Бартоломе Эстебан Мурильо (1618–1682), испанский живописец. Испытав в юности влияние Сурбарана, Мурильо занимался религиозной живописью, писал портреты и сцены из жизни бедняков, но славу принесли ему полотна на сюжеты из жизни Богоматери и многочисленные изображения детей (Мария с Младенцем). Клод Лоррен. Пейзаж с Английская живопись бегством в Египет. 1647 Английская школа стала привлекать внимание собирателей только с конца 18 века. В Дрезденской галерее находятся произведения Джошуа Рейнольдса (1723–1792) – главы английской Академии художеств и Г. Реберна (1756–1823). Французская живопись Французская школа 17 века представлена работами лучшего мастера этого времени Николя Пуссена (1594–1665): двумя картинами на Антуан Ватто. Общество в библейские сюжеты и четырьмя на сюжеты из парке. 1716-1719 античной мифологии. Наиболее знаменита картина Царство Флоры (1630–1631) на тему «Метаморфоз» Овидия. Дрезденской галерее принадлежат Пейзаж с бегством в Египет (1647), Пейзаж с Аяксом и Галатеей, написанные в Риме Клодом Лорреном. Изображая исключительно классический пейзаж, художник даёт ему идеализированную интерпретацию: за некоторым исключением пейзажи его картин всегда воображаемые. Жан-Этьен Лиотар. Композиции состоят из многочисленных планов и Шоколадница (Фройляйн элементов (группы деревьев, здания). Секрет Бальдауф). 1744 искусства Клода заключается в том, что художник создаёт глубокое пространство, благодаря наблюдениям римских пейзажей и изучению света и свето-воздушной среды. Легкость, непринужденность и грация, ставшие отличительной особенностью искусства Франции 18 века, проявились в картинах Антуана Ватто (1684–1721). В зрелый период творчества художник разрабатывает новый тип сюжетов – театральные сцены и “галантные празднества” (Праздник любви, Общество в парке). Во Франции некоторое время работал и художник из Швейцарии ЖанЭтьен Лиотар (1702–1789), мастер портрета в стиле рококо. Интимная задушевность и оживление, присущие портрету рококо в целом, обычно не обезличивались у Лиотара, сочетаясь с достаточно тонким вниманием к индивидуальному характеру. Однако все же самыми популярными его вещами стали типажные портреты, поэтизирующие женственность как таковую. 47 Лекция 8. Лондонская Национальная галерея По объему коллекция Национальной галереи несоизмерима с Лувром или Эрмитажем. Англичане предпочли при создании количеству качество. В собрании около 2000 образцов западноевропейской живописи XIII - начала ХХ века, другими словами - каталог шедевров изобразительного искусства от Джотто до Пикассо. Отличительная особенность Лондонской Национальной галереи в том, что все картины экспонируются в хронологическом порядке. Независимо от национальной принадлежности художника. В Британии, как известно, самая старая конституционная монархия в мире (с 1215 года). Образование Национальной галереи к монархам имеет косвенное отношение. И, в отличие от большинства своих собратьев - крупных европейских музеев, королевской коллекции в основе своей не имеет. Хотя решение о покупке первого собрания, и положившего начало музею, коллекции банкира Джона Джулиуса Ангерштайна (38 картин - 57 тысяч фунтов) было принято Парламентом под давлением короля Георга IV. Это событие произошло в 1824 году. Возможно, это было лучшее из того, что этот малосимпатичный монарх сделал для Англии. Первоначально галерея располагалась в особняке Ангерстайна на улице Пэлл-Мэлл, в самом центре Лондона. Позднее галерея переехала на Трафалгарсквер. Здесь в 1834-1838 годах было построено новое здание в любимом англичанами неоклассическом стиле по проекту архитектора Уильяма Уилкинса. Правда, некоторое время, до 1869 года, она делила помещение с Королевской Академией художеств. Английская живопись Конечно, находясь в Англии, в первую очередь хочется познакомиться с английским искусством. Музей предоставляет эту возможность в полной мере. Рейнолдс Джошуа (1723—1792) - крупнейший представитель английской школы портретной живописи. XVIII в. Благодаря своему таланту, способному в равной мере удовлетворить требованиям как аристократических, так и буржуазных кругов, Рейнолдс был популярен в самых разных слоях английского общества. Его блестящая портретная галерея насчитывает свыше двух тысяч произведений. 48 Портреты отличаются необыкновенным сходством с моделью, выразительностью и глубиной психологической характеристики, умелой расстановкой фигур, тщательным подбором аксессуаров, смелой, сочной манерой письма. За заслуги в создании Лондонского литературного клуба и Королевской академии художеств король Георг III пожаловал Рейнолдсу рыцарское звание, а в 1784 г. назначил своим придворным живописцем. Рейнолдс творил более 40 лет, имел множество поклонников и немало друзей, но всегда оставался одинок. Еще в молодости у него начались проблемы со слухом, а в 1789 г. он начал терять зрение. По свидетельству биографов, когда художник ослеп на один глаз, он положил кисть на мольберт и сказал с мужеством, которое ему никогда не изменяло: «Всему на свете есть конец, пришел и мой конец». В раннем творчестве Гейнсборо (1727 – 1788) прослеживаются два основных мотива: пейзажи, навеянные голландской школой, а также парные портреты, исполненные на фоне пейзажа («Портрет Р. Эндрюса с женой«). Гейнсборо обладал исключительным даром передачи сходства и настроения модели, сочетая это качество со свежестью и живостью живописной манеры. Хогарт (1697 - 1764) впервые создает социальную сатиру, опережая своего современника писателя Филдинга и открывая путь в литературе Уильяму Теккерею и Чарлзу Диккенсу в XIX веке, но в живописи Англии ни при Хогарте, ни позже уже ничего подобного не было. В 1744 году под кистью Хогарта рождаются шесть картин новой серии, самого знаменитого его живописного театра - 'Модный брак', где художник высмеивает и осуждает высшие круги английского общества. В те времена беднеющая аристократия Англии стремилась сблизиться с богатыми буржуа, зачастую идя на 'модные браки' - 'деловые' союзы без любви. Джошуа Рейнолдс Портрет полковника Тарлтона.1782 Томас Гейнсборо Портрет четы Эндрюс.1750 Уильям Хогарт Модный брак. 1744 Уильям Тёрнер Дождь пар и скорость. 1844 49 Карло Кривелли. Мадонна Рондино.1490 Пьеро делла Франческа Крещение. Около 1440-1445 П. Веронезе. Измена. Ок. 1575 50 Джозеф Мэллорд Уильям Тёрнер (17751851) – британский живописец, мастер романтического пейзажа, предтеча французских импрессионистов. 1790-е годы определились два основных приоритета Тёрнера-художника. Работал он преимущественно в акварельной технике. Многие акварели были написаны им на заказ, о чем говорят записи, сделанные на обратной их стороне. Тёрнер хорошо знал, какие именно пейзажи пользуются наибольшим спросом, и в соответствии с этим планировал свои путешествия. Итальянская живопись Экспозиция содержит жемчужины итальянской школы живописи. Хотелось бы обратить внимание на коллекцию картин венецианца XV века Карло Кривелли. Сейчас этот прекрасный художник не так знаменит, как в 1861 году, когда он считался одним из самых значительных художников Итальянского Возрождения, и за его «Мадонну Рондино» была уплачена фантастическая по тем временам сумма в 2184 фунта. Для сравнения - единственная в галерее картина делла Франчески была куплена тогда же за 241 фунт. Основные черты искусства Пьеро делла Франчески (ок.1415/20 – 1492) – величие образов, объёмность форм, прозрачность колорита, последовательно перспективное построение пространства, выступают уже в произведениях 1550-х гг. Как сообщает Вазари, Пьеро делла Франческа работал в Риме для папы Николая V (1447–1454); должно быть, именно во время этой поездки мастер познакомился с произведениями античной скульптуры, прекрасное знание которой он демонстрирует в картине «Крещение Христа». На картине Крещение, написанной, вероятно, ок. 1453, Христос изображен стоящим в синих водах реки, в которых отражаются люди на берегу, – явное подражание фламандским мастерам. ВЕРОНЕЗЕ Паоло (1528-88), итальянский живописец эпохи Возрождения. Представитель венецианской школы. В 70 гг. 16 столетия Веронезе с активностью работал в области светской живописи, нередко вдохновляясь эротическими мотивами. Речь идет о художественном жанре, пользовавшемся большим спросом у коллекционеров, в особенности после того, как со смертью Тициана картины подобного рода почти исчезли. К этой группе следует отнести серию из четырех композиций, так называемых «Аллегорий любви». В XVIII веке, когда картины находились в коллекции герцога Орлеанского, считалось, что они изображают Неверность, Разочарование, Уважение и Счастливый союз. Предполагается, что поводом для их создания послужило событие, связанное с чьим-то бракосочетанием. В собрании галереи находятся шесть полотен Боттичелли, в том числе одна из самых знаменитых его картин «Венера и Марс». Портреты женщин редко встречаются у Сандро Боттичелли, но он воспел и прославил Симонетту Веспуччи - женщину, знаменитую своей красотой и любовью. Она была возлюбленной другого человека - Джулиано Медичи. Она - сама Красота, царица всемогущего искусства. Жизнь разрушает красоту, рок преследует любовь. Симонетта умирает от чахотки, а через два года, в тот же апрельский день, когда была погребена прекрасная Симонетта, оплакиваемая всей Флоренцией, в соборе Джулиано Медичи был заколот ножом наемного убийцы. Но флорентийцы не хотели верить, что прелестные и нежные Черты Симонетты будут навсегда утрачены. И Боттичелли донес до нас священную память о ней. Смерть ее стала глубоким личным горем для художника. Стремясь заглушить страдания, художник запечатлевал Симонетту Веспуччи в своих картинах. Боль, всколыхнувшая Боттичелли, явила миру шедевры: «Весна», « Рождение Венеры». И наконец «Венера и Марс» написанная в 1485-м году. Искусствоведы единодушны: «Вытянутая композиция, замершие позы, работа явно не удалась мастеру». Однако по поводу этой картины есть и другое мнение. Жаль, что мало кто понял тяжкую боль и пустоту сердца Сандро Боттичелли. Вглядитесь в эту поистине страшную картину. Никогда раньше Боттичелли не писал Джулиано в такой позе. Спящий Марс? Как бы не так, он мёртв. Болезненный реализм позы умершего, говорит о том, что художник видел Павшего Джулиано. Ещё секунда и тоненькая струйка крови потечёт по его лицу, ведь первый удар пришёлся по голове. Но мастер не может запятнать идеал. Теперь вглядитесь в Симонетту. Она смотрит мимо, в никуда, и как безвольно лежат кисти её рук. Наверняка художник не видел умирающей Симонетты, но что в этой позе, нега или бессилие? Фигуры Венеры и Марса разнесены в противоположные стороны и заперты в гнетущее, тесное 51 пространство. Они умерли 26-го апреля, Муза и Принц Юности, а Сандро Боттичелли навеки запечатлел свою любовь и боль - свою молодость. В коллекции галереи имеются и работы Тициана (1487 – 1576), главы венецианской школы Высокого и Позднего Возрождения. Тициан был величайшим новатором, предложив новую технику масляной живописи. Стал одним из основателей монументальной алтарной картины, пейзажа как самостоятельного жанра и различных типов портретов. Собрание Лондонской Национальной галереи гордится полотнами трех величайших Титанов Возрождения: Леонардо да Винчи, Микеланджело Леонардо да Винчи. Мадонна в и Рафаэля. «Мадонна в скалах» Леонардо да скалах.Ок.1497-1511 Винчи (1452 – 1519) (зрелый вариант более ранней работы, хранящейся в Лувре). Самое поразительное в картине - это просвет в скалах в левом верхнем углу. Там видится целая аллея гигантских зубчатых утёсов, а в напряжённых тональных контрастах заключён световой эпицентр полотна. Свет, распространяющийся из грота, - не просто физический свет, - он придаёт Сон рыцаря. 1504-1505 образу картины космический масштаб, одухотворяет, возвеличивает героев. Также в галерее хранится картон Леонардо «Святое семейство». Большим подарком для музея стало «Положение во гроб» Микеланджело (1475 – 1564), поступившее от частного собирателя живописи, который случайно обнаружил эту реликвия у одного римского антиквара. Хотя картина была в очень плохом состоянии, все в ней Микеланджело указывало на авторство Микеланджело; в 20 в. Буонаротти Положение догадки подтвердились. Вслед за этой в 1870 г. в во гроб. Ок. 1510 галерею поступила еще одна картина мастера «Мадонна с младенцем и Святым Иоанном» (Манчестерская Мадонна), как считают ученые, самая ранняя из его живописных работ. Предметом особой гордости музея являются эти две станковые картины Микеланджело (в мире их всего 3!), третья находится в галерее Уффици. Музей владеет такими работами Рафаэля (1483-1520), как «Святая Екатерина», наивная аллегория «Сон рыцаря». «Манчестерская» Мадонна. 1497 52 Испанская живопись В Лондонской галерее выставлены произведения крупнейших испанских художников: Эль Греко, Мурильо, Риберы, Сурбарана, Гойи. Эль Греко (1541 – 1614) исполнил, по крайней мере, пять картин с изображением св. Иеронима. На этой картине, относящейся к последним годам жизни художника, святой изображен в красном кардинальском облачении, он сидит за открытой книгой, атрибутом, указывающим на его интеллектуальную деятельность. Величайший живописец Испании Диего Веласкес (1599 – 1660) представлен в музее девятью полотнами, и среди них - едва ли не самая знаменитая картина испанской школы «Венера перед зеркалом». Искусствоведы считают, что среди работ Веласкеса было немало изображений богини любви, но в XVII в. испанские моралисты считали картины подобного рода непристойными. Так что реликвия лондонского музея – это единственная сохранившаяся обнаженная Венера из наследия великого живописца. Кстати, в 1914 г. Национальная галерея чуть было не лишилась своего сокровища: некая суфражистка, чье имя в анналах истории не зафиксировано, в порыве ярости нанесла невинному полотну ножевой удар. Гойя (1746 – 1828) в портретах современников позволил заглянуть в самые сокровенные глубины человеческой души, уловить всю сложность человеческого характера, настроений и эмоций. Искусство Гойи несет сильный отпечаток темпераментной, яркой натуры, его личных чувств и переживаний. Открыто восхищается художник яркой внешностью, темпераментом и полнотой ощущения жизни в портрете Исабели Кобос де Порсель. Свободная энергичная поза, смелый взгляд, большая внутренняя сила и уверенность невольно заставляют вспомнить испанок-героинь, сражавшихся во время герильи (народной войны). Немецкая живопись Альтдорфер Альбрехт (ок. 1480 -1538), немецкий живописец и график эпохи Возрождения, глава Рафаэль. Св. Екатерина Александрийская. 1508 Эль Греко. Св. Иероним в кардинальском одеянии. До 1600 Диего Веласкес. Венера перед зеркалом. 1647-51 53 Франсиско де Гойя. Портрет Исабель де Порсель. 1805 Альбрехт Альтдорфер. Пейзаж Ханс Хольбейн Младший. Портрет французских послов Жана де Дентвиля и Жоржа де Сельва. 1533 Вермеер Дельфтский. Молодая дама за спинетом. 1670 54 Возрождения, глава дунайской школы. Одним из первых в немецком искусстве Возрождения изображал реальный мир во всей его широте и поэтичности. Насыщенность бытовыми деталями, богатство пейзажных фонов, выразительность типов придают картинам Альтдорфера большую жизненность. Он писал и чистые пейзажи, являясь одним из самых ранних представителей пейзажной живописи в Европе. В коллекции галереи встречаются работы Кранаха, Гольбейна, Дюрера, Каспара Давида Фридриха. В историю искусства Ханс Хольбейн Младший вошёл главным образом как автор портретов, знаменующих одну из вершин художественной культуры Возрождения. Нидерландская школа Нидерландская школа представлена самой значительной в Европе коллекцией. Обсобое снимание обращает на себя великий голландский художник XVI века Ян Вермеер Дельфтский («Молодая дама за спинетом»). В Лондонской галерее есть две его картины, и это немало: Вермеер, один из самых загадочных художников Нидерландов, оставил после себя так мало произведений, что по всему миру они наперечет, и даже в Голландии, на родине художника, находятся лишь шесть его полотен. Посетители имеют возможность познакомится с работами Кампена, Мемлинга, Кристуса, ван дер Вейдена, Боутса, Давида, Босха - всех звезд нидерландского «золотого века» живописи. Нидерландская коллекция включает четыре полотна Яна ван Эйка (ни один музей мира не располагает таким собранием), в том числе одну из самых значительных его картин – «Портрет четы Арнольфини». В коллекции галереи мы встречаем замечательные работы Питера Пауля Рубенса (1577 – 1640). Картина Рубенса «Суд Париса» может считаться эталоном живописи барокко. Рубенс вернулся к этому ранее уже написанному им мифологическому сюжету во время своего второго брака. Перед богинями сидит на камне Парис в пастушеской одежде. Рядом с ним - пытающийся помочь ему сделать выбор Гермес (или Меркурий) со своим, обвитым змеей, жезлом. Парис, в раздумье протягивающий яблоко, явно не знает, которая из богинь более его достойна. Кажется, что ничто не может возмутить покой этого уравновешенного, разумного мира. Вот только в небе над головами богинь можно различить силуэт богини раздора, желающей посеять смуту. Великий Рембрандт (1606 – 1669) создал замечательные произведения почти во всех жанрах и пользовался разнообразной техникой письма. Ореол славы вокруг имени Рембрандта не померк и после его смерти, он получил истинное признание как один из выдающихся живописцев всех времён. На последних автопортретах Рембрандта, ставших вершиной его не имеющей аналогов портретной галереи, перед зрителем предстаёт человек, стоически переносящий тяжёлые испытания и горечь утрат (в 1668 г. он потерял свою возлюбленную Хендрикье Стоффелс, а в 1668 г. - сына Титуса). В творчестве Рембрандта имеется множество картин, написанных на религиозные сюжеты. Французская живопись. Представитель импрессионизма, Дега, увлечённый многообразием и подвижностью городской жизни, пишет современный ему Париж (улицы, театр, кафе, скачки) в непрерывно сменяющихся аспектах, воссоздавая атмосферу города, показывает характерность поведения и облика людей, порождённую спецификой их труда и быта. В 1860-е гг., копируя старых мастеров в Лувре, Э.Дега знакомится с Э.Мане. Импрессионисты считали Э.Мане своим идейным вождем и предшественником. Клод Моне (1840 – 1926) считал, что для того, чтобы так передать световоздушную среду, надо было не только выйти на природу, но и поновому увидеть предметы, отказавшись от тех правил, которым учили при работе в мастерских, и полностью довериться своему зрению. «Забыв» такие основополагающие принципы Ян ван Эйк. Портрет четы Арнольфини. 1434 П.П Рубенс. Суд Париса. 1632-35 Рембрандт. Автопортрет в возрасте 63 лет. 1669 Э. Дега. Балерины. 1890-1900 гг. 55 К Моне. Купание в «Лягушатнике». 1869 О. Ренуар. Зонтики. ок. 1881-86 В. Ван Гог. Подсолнухи.1888 56 академической живописи, как рисунок и постепенный переход от света к тени, К.Моне составляет и фигуры, и пейзаж из обобщенных световых пятен, оттенки и цвет которых зависят только от освещения, нет четких контуров предметов: они как бы смазаны легким движением воздуха. Закончив «Завтрак на траве», К. Моне продолжает совершенствовать открытый им метод в многочисленных этюдах, которые пишет в «Лягушатнике» - любимом месте отдыха парижан. Любовь Ренуара (1841 – 1919) к театру была особенной. Ренуара больше волновали и захватывали те, кто дышал театром, его атмосферой. В картине «Первый выезд» Ренуар не только сумел передать впечатление от первого посещения театра очаровательной девушкой. «Зонтики». Детальное изучение фасонов показывает, что платья на женщинах, изображенных в правой части картины, соответствуют моде 1881 года, а платье на женщине слева - моде 1886 года. Эта картина была последним большим полотном, на котором Ренуар изобразил сцену из современной ему жизни. 1. Молодая женщина слева - это «мидинетка», девушка, которая очень рано приступает к работе и освобождается уже к полудню (midi). На ее лице читаются следы усталости. 2. В центре картины курносая девушка смотрит, не кончается ли дождь. Несмотря на то что мы видим лишь часть ее лица, Ренуар сумел живо передать его вопросительное выражение. 3. Модно одетая молодая мать с опущенными глазами повернулась, чтобы поторопить своих заигравшихся детей скрыться от дождя. 4. Маленькая девочка с обручем - яркий пример мастерства, которого достиг Ренуар при передаче на холсте того невинного очарования, присущего детям. Каким-то странным и загадочным образом имя Ван Гога (нидерландского и французского постимпрессиониста) всегда было связано с цветами. Он сам писал в письме к брату Тео: «Подсолнух - это мое, в известном смысле». Этот цветок имел для него особое значение: желтый цвет олицетворяет дружбу и надежду, в то время как цветок сам по себе представляется «идеей, символизирующей признательность и благодарность». В галерее мы встречаем и работы Поля Сезанна (1839-1906) - французского живописца, одного из крупнейших представителей постимпрессионизма Лекция 9. Русский музей: история создания. Дворцы Русского музея История создания Русского музея связана с именами двух российский императоров.13 апреля 1895 года император Николай II подписал Указ об учреждении Русского музея, в память о своем отце, Александре III. Три года спустя, 7 марта 1898 года, открылся первый в России государственный музей национального изобразительного искусства. Для музея выбрали здание – памятник архитектуры русского классицизма первой трети 19 века, Михайловский дворец, построенный для младшего сына императора Павла I - великого князя Михаила. Первоначально коллекция музей насчитывала всего около полутора тысяч произведений. Затем из Эрмитажа, Зимнего дворца и Музея Академии художеств поступила практически полностью галерея картин российских живописцев. Весомым вкладом в собрание музея стали коллекции князя Алексея Лобанова-Ростовского, княгини Марии Тенишевой и личная коллекция императора Александра III из Царскосельского Александровского дворца.Сегодня в музее хранится крупнейшая в мире коллекция русского изобразительного искусства, насчитывающая около 400 000 произведений. Ее уникальность определяется как широтой хронологических рамок, от начала XI века до наших дней, так и тем, что в не представлены практически все виды и жанры изобразительного искусства.Собрание музея росло, и Михайловский дворец вскоре стал тесен для постоянно растущей коллекции. И вот, в конце XX века, мэрия СанктПетербурга передала музею три великолепных дворца, которые находятся поблизости от главного здания: Строгановский дворец, Мраморный дворец и Михайловский (Инженерный) замок. Теперь эти старинные дворцы образовали уникальный духовноисторический ансамбль, объединяемый Русским музеем. Э.Липгарт. Император Николай II. 1914. Неизвестный художник. Император Александр III. 1880-1890. Репин И. Портрет княгини М.К. Тенишевой Алексей Борисович ЛобановРостовский 57 Дворцы Русского музея Михайловский дворец Б.-Ш.Митуар. Портрет архитектора К.И.Росси. 1820-е. Дж. Доу. Портрет великого князя Михаила Павловича. Начало 1820-х. Беггров К.П. Михайловский дворец 1832 Шарлемань И. Михайловский дворец. 1853 58 Михайловский дворец неразрывно связан с именем его создателя, архитектора Карла Росси. Дворец был построен в 1819-1825 годах для великого князя Михаила Павловича, младшего сына императора Павла I. С Невского проспекта открывается удивительно красивый вид на его главный фасад с изящными и стройными восемью колоннами. Внешний вид главного здания и западного флигеля дворца сохранился до наших дней практически без изменений. Из интерьеров в первоначальном виде до нас дошли главный вестибюль и Белый зал. Великолепен главный вестибюль с широкой парадной лестницей, разветвляющейся на два марша, которые ведут на галерею второго этажа, украшенную 18 грандиозными колоннами. Белый зал представляет собой уникальный петербургский дворцовый интерьер первой четверти XIX века. Даже после переделок при приспособлении здания под музей, здесь сохранилось живописное и скульптурное убранство зала и подлинная мебель, созданная по эскизам К. Росси, а также произведения декоративноприкладного искусства. В 1895 году здание было выкуплено в казну и передано учрежденному «Русскому Музею Императора Александра III». В 1895-1898 годах внутренние помещения дворца были перестроены и приспособлены для нужд музея по проекту архитектора В.Свиньина. Строгановский дворец Строгановский дворец был построен в 1750-х годах архитектором Франческо Бартоломео Растрелли и являет собой яркий пример барочного стиля. Дворец был построен в форме буквы « Г». В конце XVIII — начале XIX века архитектор Андрей Воронихин перестроил весь северо-западный угол здания, устроив вход с Невского проспекта. На протяжении почти двухвековой истории Строгановского дворца его интерьеры неоднократно переделывались. Особенно большие изменения в облик дворца внес самый известный представитель знаменитого рода – граф Александр Сергеевич Строганов. При нем появились новые залы и кабинеты: Угловой зал, Минеральный кабинет, Картинная галерея, Малая библиотека. К началу двадцатого века многие помещения дворца безвозвратно утратили свой первоначальный вид, а некоторые из них сохранили лишь отдельные его элементы. Большой Танцевальный зал Строгановского дворца – единственный в Петербурге интерьер, сохранивший подлинное декоративное убранство Растрелли и уникальный плафон Джузеппе Валериани «Триумф Героя». В декабре 1988 года Строгановский дворец был передан Государственному Русскому музею Строгановский Дворец Угловой зал (Парадная столовая) после реставрации. Фото 1995 г Мраморный дворец Мраморный дворец является ярким примером архитектуры раннего классицизма. Он построен по заказу Екатерины II в 1768-1785 гг. архитектором Антонио Ринальди и предназначался в дар графу Григорию Орлову. Для отделки внешних фасадов и внутреннего убранства дворца архитектор впервые в России широко использовал большое количество разновидностей мрамора, поэтому дворец позднее и получил свое название - Мраморный. Мраморный зал - уникальный шедевр мировой архитектуры. Здесь сохранились в основном все особенности первоначальной каменной отделки. В середине XIX века при реконструкции дворца перекрытие между 2-м и 3-м этажами было разобрано. Живописный плафон С. Торелли «Свадьба Амура и Психеи» был поднят на высоту 3-го этажа, и появились бронзовые с хрусталем люстры. В последней четверти XIX века владельцем дворца был великий князь Константин Константинович. Облик этого периода сохранился в музыкальной комнате, в библиотеке и кабинете. В Гостиной выделяется живописный плафон «Служение искусству» работы Э. Липгарта. С. Торелли. Портрет графа Г. Г. Орлова. Не ранее апреля 1763. С. Торелли. Коронационный портрет Екатерины II. Между 1763 и 1766. 59 Мраморный дворец Мраморный зал. Западная стена с рельефами М. Козловского В 1992 году Мраморный дворец передан Государственному Русскому музею. В 1995 году в Мраморном дворце был открыт «Музей Людвига в Русском музее», в основе которого произведения современных художников Европы, России и Америки, подаренные Русскому музею известными немецкими коллекционерами Петером и Ирэной Людвиг. С 2001 года в Мраморном дворце открыта постоянная экспозиция «Коллекция петербургских собирателей братьев Ржевских». Музыкальная гостиная Великого князя Константина Константиновича Липгарт Э.К. Плафон. «Жертвоприношение Аполлона» Михайловский замок Алексеев Ф.А. Вид на Михайловский замок и площадь Коннетабля в Петербурге. 1800 Михайловский замок. Западный фасад 60 Михайловский замок построен в 1797-1801 гг. по проекту архитекторов Винченцо Бренна и Василия Баженова как парадная резиденция императора Павла I. Свое название замок получил в честь небесного покровителя Дома Романовых Архангела Михаила. В основе структуры дворца лежит квадрат с закругленными углами, в который вписан восьмиугольник внутреннего парадного двора. Каждый фасад имеет свое «лицо», что придает зданию особую живописность. Главный фасад отличается особой торжественностью и монументальностью благодаря двум мраморным обелискам, украшенным золочеными вензелями Павла I. Северный фасад обращен к летнему саду. Его скульптуры, широкая пологая лестница, колоннада и балкон - традиционные элементы садового фасада, подчеркивают его обращенность к природе. Восточный фасад замка выходит на Фонтанку и имеет небольшой полукруглый выступ в центре, завершающийся куполом и башенкой с флагштоком, на котором во время пребывания Павла I в замке развевался императорский штандарт. Западный фасад – церковный. Церковь обозначена центральным выступом, а его скульптурный декор говорит о культовом назначении этой части сооружения Интерьеры Михайловского замка современники называли «чудом роскоши и вкуса». Замок сочетал в себе функции парадной резиденции императора и музея художественных коллекций античного, западноевропейского и русского искусства. Многие предметы дворцового убранства изготовлены по рисункам Винченцо Бренны и его молодого ученика Карло Росси. После убийства императора Павла I, произошедшего в замке в ночь с 11 на 12 марта 1801 года, замок перешел в ведение Министерства Императорского двора, здесь разместилось Николаевское Инженерное училище, давшее замку второе название - Инженерный. В 1994 году замок передан Государственному Русскому музею. Русский музей: коллекция живописи Коллекция Государственного Русского музея отражает все виды художественного творчества, развивавшегося в России со времени принятия христианства и до современности. В первую очередь привлекает внимание богатейшая коллекция живописи. Более пяти тысяч икон хранится в музее, самая древняя из которых – это икона «Архангел Гавриил», которую еще называют «Ангел Златые Власы». Она относится к 12 веку. «Богоматерь Белозерская» - икона первой половины 13 века - древнейший и редчайший памятник, ее иконографический тип – Богоматерь Умиление – младенец Христос, обнимая мать, касается лицом ее щеки. В собрании музея есть иконы таких выдающихся иконописцев, как Андрей Рублев и Дионисий. Алтарь церкви Архангела Михаила Фрагмент отделки вестибюля зала гвардии Архангел Гавриил (Ангел Златые Власы) Апостол Павел. А. Рублев. Около 1408. Москва 61 Богоматерь Умиление (Белозерская). Первая половина XIII века Аргунов И. Портрет княгини Екатерины Александровны Лобановой-Ростовской. 1754 Рокотов Ф. Портрет великого князя Павла Петровича в детстве. 1761 Вишняков И. Портрет Сарры Эл. Фермор. Ок. 1750 62 Реформы Петра I неизбежно оказали влияние на русскую культуру, поэтому в 18 веке на смену всеобщей религиозности пришли иные ценности. В художественном искусстве это отразилось в появлении и распространении жанра портрета. В собрании Русского музея хранится прекрасная коллекция портретов художников 18 века. Среди них работы Ивана Никитина, Ивана Вишнякова, братьев Алексея и Ивана Аргуновых. В 70-80 годы - пора расцвета творчества Федора Рокотова, одного из самых тонких портретистов той поры. В музее находятся серия портретов воспитанниц Смольного пансиона благородных девиц, написанная по заказу Екатерины II самым ярким портретистом эпохи классицизма Дмитрием Левицким. Эстетические принципы сентиментализма в полной мере выражены в творчестве Владимира Боровиковского. Картина Антона Лосенко «Владимир и Рогнеда» сыграла важную роль в становлении русского исторического жанра. Девятнадцатый век принес с собой множество новых течений и направлений, что и отражает коллекция Русского музея. В 1809 году Орестом Кипренским написан «Портрет Евграфа Давыдова», ставший своеобразным символом раннего русского романтизма. В 70-80 годы - пора расцвета творчества Федора Рокотова, одного из самых тонких портретистов той поры. В музее находятся серия портретов воспитанниц Смольного пансиона благородных девиц, написанная по заказу Екатерины II самым ярким портретистом эпохи классицизма Дмитрием Левицким. Эстетические принципы сентиментализма в полной мере выражены в творчестве Владимира Боровиковского. Картина Антона Лосенко «Владимир и Рогнеда» сыграла важную роль в становлении русского исторического жанра. В 70-80 годы - пора расцвета творчества Федора Рокотова, одного из самых тонких портретистов той поры. В музее находятся серия портретов воспитанниц Смольного пансиона благородных девиц, написанная по заказу Екатерины II самым ярким портретистом эпохи классицизма Дмитрием Левицким. Эстетические принципы сентиментализма в полной мере выражены в творчестве Владимира Боровиковского. Картина Антона Лосенко «Владимир и Рогнеда» сыграла важную роль в становлении русского исторического жанра. Девятнадцатый век принес с собой множество новых течений и направлений, что и отражает коллекция Русского музея. В 1809 году Орестом Кипренским написан «Портрет Евграфа Давыдова», ставший своеобразным символом раннего русского романтизма. В 1820-е годы в моду снова вошел так называемый парадный портрет, королем которого в русском искусстве этого времени бесспорно был Карл Брюллов. В его творческом наследии немало эффектных работ: портрет Юлии Самойловой, удаляющейся с бала, портрет сестер Шишмаревых, портрет Великой княгини Елены Павловны с дочерью и многие другие. Одним из главных шедевров Русского музея является историческое полотно Брюллова «Последний день Помпеи». Еще одним эпохальным произведением для русского искусства стала картина Александра Иванова «Явление Христа народу». В Русском музее находится большой, окончательный эскиз картины, которая сейчас хранится в Третьяковской галерее. Обращение к быту крестьян впервые встречается в творчестве Алексея Венецианова. Лосенко А. Владимир и Рогнеда. 1770 Кипренский О. Портрет лейб-гусарского полковника Евграфа Давыдова. 1809 Брюллов К. Последний день Помпеи. 18301833 Брюллов К. Портрет вел. кн. Елены Павловны с дочерью Марией. 1830 63 Венецианов А. Жнецы. Вт. пол.1820-х Айвазовский И. Девятый вал. 1850 Репин И. Бурлаки на Волге. 1870-1873 Суриков В. Взятие снежного городка. 1891 Шишкин И. Корабельная роща. 1898 64 Собрание Русского музея насчитывает около 40 полотен Ивана Айвазовского, среди которых одна из лучших картин художника – «Девятый вал». В 1870 году было создано Товарищество передвижных выставок. В своем творчестве «передвижники» обращались к историческому жанру, портретному, бытовому. Один из самых знаменитых передвижников был Илья Репин. В Русском музее находятся его известные картины «Запорожцы», «Бурлаки на Волге», «Заседание Государственного Совета». Творчество Василия Сурикова представлено исторической картиной «Покорение Сибири Ермаком», сценой из праздничной жизни народа «Взятие снежного городка». Особое внимание художники второй половины 19 века проявляли к природе, изучали местные ландшафты. Творчество Ивана Шишкина связано с воспеванием леса. Архип Куинджи, обращаясь к теме природы, искал свет и цвет в разное время дня и ночи, летом и зимой. Особое место среди пейзажистов этого периода занимает Исаак Левитан, который занимался поиском «души русской природы». На рубеже 19 и 20 веков наметился новый интерес к истории России, новое отношение к национальной жизни. Появляются работы Виктора Васнецова «Витязь на распутье», Андрея Рябушкина «Семья купца в 17 веке» и другие. Позднее о роскошной красоте провинциального купечества писал Борис Кустодиев. Художественный язык Михаила Врубеля отличался от его современников. Его «Шестикрылый серафим» написан живописными мазками, похожими на мозаику, что разрушает классические понятия формы и композиции. Другом Врубеля был Валентин Серов, известный как блестящий портретист. Его заказчиками были и представители высшего света и известные люди из мира искусства. Однако Серов не ограничивался портретным жанром, о чем свидетельствует его историческая композиция «Петр II и цесаревна Елизавета на псовой охоте». История и быт старой Европы оживает в произведениях Константина Сомова, участника объединения «Мир искусства». В творчестве Николая Рериха раскрывается таинственный мир Востока. Пейзажам Гималаев и Индии посвящены многие работы художника. Поэтическое воспевание чистоты жизни отшельников, духовности, свойственной людям, ушедшим от мирской суеты, пронизывает образы, созданные Михаилом Нестеровым. Двадцатый век принес с собой пеструю картину разных стилей, свидетельствующей о свободе и раскованности, характерной для русской культуры этого периода. Именно в это время сформировались принципиально новые эстетические идеи искусства ХХ столетия, отразившиеся в творчестве Кузьмы ПетроваВодкина, Василия Кандинского, Павла Филонова, Владимира Татлина. В коллекции Русского музея находятся более 100 картин Казимира Малевича, в том числе знаменитый «Черный квадрат». Искусство второй половины ХХ века представлено в музее работами художников разных направлений. Русский музей с интересом собирает сегодня произведения московского и питерского андеграунда, лирический концептуализм, соц-арт, различные версии постмодернизма. Левитан И. Сумерки. Луна.1899 Васнецов В. Витязь на распутье. 1882 Кустодиев Б. Купчиха за чаем. 1918 Врубель М. Шестикрылый серафим. 1904 Рерих Н. Помни 1945 65 Лекция 10. Пасхальные яйца Фаберже Коллекция Кремля Один из самых старейших и богатых музеев Московского Кремля Оружейная палата. В коллекции национальной сокровищницы представлены изделия русских ювелирных фирм XIX и начала XX веков. Среди них произведения знаменитой фирмы Фаберже: часы, портсигары, ювелирные украшения, столовое серебро, чайные и кофейные сервизы, оправы хрустальных ваз, миниатюрные скульптурные фигурки из цветных поделочных камней. Гордость коллекции - десять императорских пасхальных яиц с сюрпризами, которые являются вершиной творческого вдохновения и отточенного мастерства целой плеяды выдающихся ювелиров и художников под руководством Карла Фаберже. Основателем фирмы был Густав Фаберже, который родился в 1814 году в городе Пярну в Прибалтике. В 1842 году Густав основал ювелирную фирму под собственным именем в Санкт-Петербурге на Большой Морской улице, в доме номер 11. Его старший сын Петер Карл Фаберже родился в России, в С.-П. 30 мая 1846 года. Вероятно, его талант был настолько незауряден, что в 1872 году, в возрасте 26 лет он принял в свои руки дело отца. Ювелир, художникдизайнер, реставратор и замечательный предприниматель, Карл Густавович превратил небольшую ювелирную мастерскую в самое крупное предприятие в Российской империи и одно из самых больших во всем мире. Фирма имела филиалы в Москве, Одессе, Киеве и Лондоне и продавала через последний свою продукцию далеко за пределами Европы. В 1885 году Карл Фаберже становится Поставщиком Императорского двора, а в 1890 г. получает другое высокое звание - Оценщика Кабинета Его Императорского Величества, а также становится Потомственным Почетным гражданином. Все сыновья Фаберже продолжали дело начатое их дедом и расширенное их отцом. Драматические события, которые привели к смене режима и правительства в России, заставили Фаберже закрыть фирму в 1918 году. Петер Карл Фаберже умер в Швейцарии около Лозанны 24 сентября 1920 года. Изготовление изыскано украшенных пасхальных яиц было и традицией, и старинным ремеслом в России. Задолго до того, как Фаберже начал создавать ювелирные яйца для императорской семьи, яйца из драгоценных металлов и камней делались для русских царей. Но только Карл Фаберже и его талантливая команда художников, ювелиров, камнерезов, скульпторов-модельщиков и миниатюристов сумели довести искусство изготовления ювелирных пасхальных яиц до беспримерного и непревзойденного уровня изящества, мастерства и творческой фантазии. Всего, с 1885 по 1917 год по заказу императоров Александра III и Николая II было создано около 56 пасхальных шедевров (точная цифра неизвестна). Яйца, сделанные в мастерской Михаила Перхина, которую после его смерти возглавил Генрих Вигстрем, отличались небывалой роскошью, удивительной фантазией. 66 В коллекции Кремля находятся следующие пасхальные яйца: Память Азова Яйцо из гелиотропа, состоящее из двух частей, соединенных шарниром, декорировано накладным узором золотых завитков с бриллиантами. Замок-кнопка украшен рубином и двумя бриллиантами. Модель крейсера - сюрприз яйца выполнена из золота и платины, ее окна - из алмазов, ограненных розой. Изготовлено Михаилом Перхиным. На корме крейсера резная надпись: Подарено Александром III императрице Марии «АЗОВ». Модель укреплена на Федоровне пластине из аквамарина, зеленоватоголубой цвет которого имитирует морскую воду. На этом броненосном корабле, построенном на Балтийском заводе в конце 80-х годов XIX века, цесаревич Николай Александрович (будущий император Николай II) в 1890-1891 годах совершил путешествие на Восток, во время которого он подвергся нападению японского самурая фанатика в городе Оцу и чудом остался жив. Плавание закончилось во Владивостоке, где цесаревич и наследник престола положил начало строительству Транссибирской железной дороги. Яйцо с моделью Александровского дворца Нефритовое яйцо, состоящее из двух соединенных шарниром частей, украшено пятью миниатюрными акварельными портретами детей Николая II, обрамленными алмазами. Яйцо инкрустировано золотом и драгоценными камнями. Над портретами помещены начальные буквы имен детей, выложенные Изготовлено Генрихом Вигстремом. Подарено алмазами. На яйце вверху и внизу императором Николаем II императрице Александре укреплены плоские треугольные Федоровне бриллианты, под которыми на серебряной фольге исполнены чернью монограмма императрицы Александры Федоровны «А°» и дата «1908». Модель Александровского дворца выполнена из золота и серебра, окна дворца - из горного хрусталя, кровля перекрыта светло-зеленой эмалью. Модель укреплена на золотом столике с гравированной надписью «ЦАРСКОСЕЛЬСКИЙ ДВОРЕЦ». Он был загородной резиденцией царя Николая II и его семьи, которая редко покидала стены дворца и вела 67 довольно замкнутый образ жизни, за что их звали «царскосельскими отшельниками». Подставка под яйцо изготовлена в 1989 г. на Московском экспериментальном ювелирном заводе мастером С.Бугровым по эскизу художника Т.Д.Жарковой. Подлинная подставка отсутствует Яйцо-часы Яйцо декорировано прозрачной желтой эмалью по гильошированному фону и накладным узором из цветного золота, увенчано букетом белых лилий, выполненных из халцедона и золота. На лицевой стороне основания алмазами выложена дата: «1899». Часы имеют белый эмалевый циферблат, вращающийся по горизонтали, и неподвижно закрепленную стрелку, усыпанную алмазами. Она имеет вид стрелы Амура, выпущенной из лука, и Изготовлено Михаилом Перхиным. Подарено окружена факелами, чье пламя императором Николаем II императрице Александре превращается в пышные растительные Федоровне завитки. Вместе с букетом лилий, «прорастающих» сквозь венок роз из разноцветного золота, они символизируют добродетельное пламя семейной любви. Это пасхальное яйцо, сделанное в виде старинных французских часов в стиле Людовика XVI, является своеобразным овеществленным признанием Николая II в любви своей жене. Яйцо с моделью яхты «Штандарт» Яйцо из горного хрусталя состоит из двух частей, соединенных шарниром. Золотая оправа яйца с резной надписью «ШТАНДАРТЪ 1909», украшена бриллиантами, эмалью и двумя фигурками геральдических двуглавых орлов из ляпис-лазури. Подставка в виде двух лазуритовых сплетенных дельфинов Оно было изготовлено Генрихом Вигстремом. Подарено императором Николаем II императрице имеет профилированное основание из Александре Федоровне горного хрусталя. Внутри яйца находится золотая модель яхты «Штандарт», укрепленная на имитирующей воду волнистой пластине из горного хрусталя, фотографически точно воспроизводящая внешний вид и оснастку царской яхты вплоть до развевающегося на мачте императорского штандарта, крошечных шлюпок и 68 вращающегося золотого руля. Это была любимая яхта Николая II, на которой семья царя проводила много времени в шхерах Финского залива, пока яхта не потерпела крушение в прибрежных шхерах. Яйцо с моделью сибирского поезда Яйцо с крышкой на шарнире выполнено из серебра, в средней части украшено гравированным изображением карты Российского государства с Транссибирской магистралью и надписью «Великий железный путь к 1900 году». В яйцо вкладывается золотая с платиной действующая модель поезда, состоящая из паровоза и пяти вагонов. На первом гравирована надпись: Оно было изготовлено Михаилом Перхиным. «Прямое сибирское сообщение», на Подарено императором Николаем II императрице втором, третьем и четвертом - Александре Федоровне «Для дам», «Для курящих», «Для некурящих», на втором - «2го кл.», «24 места», на третьем и четвертом - «1го кл.», «18 мест». Пятый вагон предназначен для церкви. Механизм модели заводится золотым ключом. Это пасхальное яйцо - характерный образец памятного подарочного изделия, созданного на фирме в честь важного исторического события - строительства Транссибирской магистрали, вдохновленного императором Александром III и продолженного в царствование Николая II. Яйцо с моделью памятника Александру III Яйцо из горного хрусталя состоит из двух частей. Вверху яйцо украшено накладной платиновой сеткой, усыпанной мелкими алмазами, с двух сторон - платиновыми консолями, над которыми помещены фигурки геральдических двуглавых орлов. Вверху на яйце укреплен крупный алмаз, сквозь который видна дата «1910». Подставка представляет собой четыре платиновые крылатые полуфигуры путти, укрепленные на хрустальном профилированном основании. В яйцо вкладывается золотая модель памятника Мастер неизвестен. Подарок императора Николая II императрице Марии Федоровне 69 Александру III на высоком прямоугольном постаменте из ляпис-лазури. Модель воспроизводит памятник работы скульптора П.Трубецкого, воздвигнутый на Знаменской площади Петербурга около Николаевского вокзала согласно рескрипту Николая II в память о своем отце. Яйцо-клевер Ажурное яйцо с крышкой на шарнире выполнено из золотых сканых листьев клевера, часть из них заполнена светлозеленой прозрачной оконной эмалью, часть мелкими алмазами. Между листьями размещены узкие изогнутые ленты, набранные мелкими рубинами. На ажурном ободке яйца - изображение императорской короны, дата «1902» и монограмма императрицы Александры Федоровны в цветов клевера. Сюрприз Оно было изготовлено Михаилом Перхиным. обрамлении Подарено императором Николаем II утрачен. Но сотрудникам музея удалось императрице Александре Федоровне найти уникальный архивный документ, из которого следует, что внутри был укреплен драгоценный четырехлистник с 4мя миниатюрами. Вероятно, на лепестках сюрприза были изображены портреты царских дочерей (Ольги, Татьяны, Марии и Анастасии), следовательно он являлся символом счастливого брака Николая II и императрицы Александры Федоровны, символом соединения двух любящих людей. По поверью считалось, что найти четырехлепестковый клевер было большой редкостью и удачей. Яйцо выполнено в стиле «модерн». Московский Кремль Мастер неизвестен. Подарено императором Николаем II императрице Александре Федоровне 70 Декор золотого покрытого белой опаловой эмалью яйца с куполом и тройными окнами навеян архитектурой Успенского собора Московского Кремля. В одно из застекленных окон виден интерьер собора, изображенный на овальной стеклянной пластине, находящейся внутри модели. На круглой золотой накладке, закрепленной на яйце снизу, белой эмалью исполнена дата (1904). Подставка, выполненная из цветного золота и серебра, имеет вид стилизованных кремлевских стен и башен с кровлями, покрытыми зеленой прозрачной эмалью. На повторенной дважды Спасской башне изображены эмалью гербы Российской империи и Москвы, над воротами в киотах - миниатюрные иконы «Богоматерь Казанская» и «Христос-Вседержитель». Восьмигранное основание выполнено из оникса. Внутрь модели помещен музыкальный механизм, который заводится золотым ключом, после чего звучат две «херувимские» песни - праздничные пасхальные гимны. Это пасхальное яйцо было сделано в память пребывания царя с царицей в Первопрестольной златоглавой столице во время празднования Пасхи в 1903 году, что с энтузиазмом было воспринято всем русским обществом и, в особенности, москвичами. Выполняя это необычайное по замыслу произведение, мастера фирмы Фаберже стремились создать образ древнего Кремля - одновременно величественного и сказочно - нарядного. Перед нами своеобразная, виртуозная вариация на тему кремлевской архитектуры. Яйцо с миниатюрой на мольберте Стальное яйцо создано в годы первой мировой войны тяжелого времени и для России, и для царской семьи. Поэтому его облик строг, а декор официален и суховат. Яйцо украшено золотой императорской короной и накладными изображениями герба Российской империи, св. Георгия Победоносца, даты «1916» и монограммой императрицы Александры Оно было изготовлено Генрихом Вигстремом, Федоровны. Подставка для яйца миниатюрист - Василий Зуев выполнена в виде четырех снарядов, укрепленных на постаменте из нефрита. Сюрпризом яйца является мольберт в виде вензеля царицы Александры Федоровны, на котором закреплена миниатюра, исполненная акварелью по кости, изображающая императора Николая II с сыном Алексеем на позиции русских войск. Поскольку яйцо было создано в честь награждения царя орденом святого Георгия IV степени, то золотая рамка миниатюры украшена черно-оранжевой лентой и белым эмалевым крестом этого ордена Яйцо «300-летие дома Романовых» Яйцо, выполненное к трехсотлетию дома Романовых, украшено восемнадцатью миниатюрными портре-тами представителей царствовавшей династии. Вверху и внизу на яйце укреплены плоские бриллианты, сквозь которые видны даты «1613» и «1913». Внутри яйца укреплен вращающийся 71 стальной вороненый глобус, на котором дважды помещено золотое накладное изображение Северного полушария: на одном - цветным золотом обозначена территория России в границах 1613 г., на другом - в границах 1913 г. В декоре яйца, посвященного 300летнему юбилею правящей династии, пышно отмечавшемуся в империи, обильно использованы элементы государствен-ной символики. Поверхность яйца в пространстве между миниатюрами в алмазных рамках украшена чеканными геральдическими царскими венцами и коронами. Подставкой служит литая серебряная позолоченная фигура гербового орла, укрепленная на круглом основании из пурпурина, имитирующего государственный щит. Оно было изготовлено Генрихом Вигстремом. Подарено императором Николаем II императрице Александре Федоровне Коллекция яиц, приобретенных Виктором Вексельбергом В Нью-Йорке совершена беспрецедентная сделка: российский бизнесмен Виктор Вексельберг приобрел уникальную коллекцию ювелирных изделий Карла Фаберже у семьи Форбс. В коллекции - девять императорских пасхальных яиц. Господин Вексельберг заплатил за коллекцию более 100 млн долларов. В их числе самое знаменитое произведение ювелира Коронационное яйцо, сделанное для Николая II. Это крупнейшая частная коллекция императорских пасхальных яиц. Первое пасхальное яйцо «Курочка», 1885 В курице были другие сюрпризы которые ныне утеряны.Подарок Александра III его жене 72 Яйцо в стиле Ренессанс, 1894 Яйцо-шкатулка. Последнее, которое было изготовлено для Александра III. Это художественная имитация шкатулки работы Лероя (18 в.), которая сейчас находится в Зеленых Сокровищницах в Дрездене. Какой находился сюрприз внутри – неизвестно Яйцо с бутоном розы, 1895 Бутон из золота. Первое яйцо, подаренное Николаем II его жене Александре Федоровне. В бутоне было 2 сюрприза: миниатюрная модель короны и рубиновая яйцевидная подвеска, висящая в ней. Местонахождение сюрпризов не известно. Яйцо в память о коронации, 1897 Цветовая гамма яйца напоминает коронационное платье императрицы. В карете висело яйцо, украшенное бриллиантами. 73 Яйцо «Ландыши», 1898 Для императрицы Александры Федоровны в 1898 г. было сделано яйцо «Ландыши» с портретными миниатюрами Николая II и Великих княжон Ольги и Татьяны. Яйцо «Петушок», 1900 Считается, что эрмитажные часы «Павлин» послужили образцом для яйцачасов «Петушок», подаренного императрице Марии Федоровне на Пасху 1900 г. Яйцо «Апельсиновое дерево», 1911 Сюрприз – заводная птичка, которая появляется из яйца и поет. Ключом к механизму является один из апельсинов. Подарок Николая II матери – вдовствующей императрице Марии Федоровне 74 Яйцо «Орден Св. Георгия», 1916 Одним из последних яиц, созданных для императриц было яйцо «Орден Святого Георгия» 1916 г. Мария Федоровна сама вывезла его на Запад, покидая Россию в 1919 г. Яйцо «15 годовщина царствования», 1911 На Пасху 1911 года императрице Александре Федоровне венценосный супруг подарил яйцо «Пятнадца-тилетний юбилей», посвященное годовщине их вступления на престол. Яйцо украшено портретными миниатюрами императорской семьи и важными эпизодами из истории дома Романовых. 75
