05_2012 - Газета "Музыкальное обозрение".

ISSN 2224-7025
www.muzobozrenie.ru
га з е та
музыкальное обозрение
издается с 1989 года
Фото А ндрей Устинов
№ 1. 2. 3. 4. 5. 6. 7. 8. 9. 10. 11. 12. (341) 2012
в номере:
событие стр. 4
Послание Ноймайера:
«Война и мир»:
торжество патриотизма
Танец, рожденный любовью
«Свадьба с Богом»
К 70-летию Джона Ноймайера
Опера С. Прокофьева
в театре им. Станиславского
и Немировича-Данченко
музыкальный театр стр. 12
Три века от Рихарда
Штрауса: «Кавалер розы» на
исторической сцене Большого Театра
музыкальный театр
стр.
14
Клод Дебюсси
«Пеллеас и Мелизанда»
100 лет на российской сцене:
Петроград – Москва – Петербург
событие
стр.
6
Ростропович FOREVER!
Завершился Фестиваль-посвящение
маэстро. Открывается Центр
культурного и исторического наследия
М. Ростроповича и Г. Вишневской
музыкальный театр стр. 10
событие стр. 2
филармонические
сезоны
стр. 18
Пермь,
Омск,
Тольятти
фестиваль
стр.
23
Внучка и правнук
М. Максаковой
выступили в честь
бабушки и прабабушки
на ее родине
в Астрахани
книги
стр.
26
Новинки книжной
«Шопенианы»
Симфоническая
чудо-машина из Чикаго:
и это наше будущее?
Рецепты от Риккардо Му ти:
«Мы не пьем много водки. Но позволяем себе
вино. Томаты каждое утро. Но не моццарелла, в ней много
холестерина. И оливковое масло virgin»
власть стр. 17
Владимир призвал Владимиров
МГИМО – Минкульту: Владимир МЕДИНСКИЙ
министр культуры
Ясная Поляна – Кремлю: Владимир ТОЛСТОЙ
советник Президента по культуре
Василий С а ф о н о в и Август Б е рн га р д: найдите 10 отличий
стр. 24
2
событие
музыкальное обозрение | №5(341). 2012
ЕвроВояж Чикагского чуда
С
О музыкальных машинах, хороших президентах, гастрономии и астрономии
18 апреля, Москва
Д. Смирнов «Космическая одиссея»
Н. Рота. Сюита из к/ф «Леопард»
Д. Шостакович. Симфония № 5
19 апреля, Москва
21 апреля, Санкт-Петербург
Д. Смирнов. «Космическая одиссея»
Р. Штраус. «Смерть и просветление»
С. Франк. Симфония ре минор
Историческая справка
Чикагский симфонический оркестр —
один из самых знаменитых и признанных в
мире. Коллектив был основан в 1891 группой
чикагских бизнесменов во главе с Ч.Н. Феем,
его первым руководителем стал Т. Томас (до
1905). В числе главных дирижеров оркестра
были Р. Кубелик (1950 – 1953), Ф. Райнер (1953
– 1963), Г. Шолти (1969 – 1991), Д. Баренбойм
(1991 – 2006), Б. Хайтинк (2006 – 2010). С сентября 2010 оркестр возглавляет десятый руководитель — и первый итальянец в истории
коллектива — Р. Мути. Главным приглашенным дирижером является П. Булез.
В разные годы за пультом оркестра стояли
С. Рахманинов, М. Равель, Р. Штраус, С. Прокофьев, А. Копленд, А. Шенберг, Л. Бернстайн,
Л. Стоковский, Ю. Орманди, К.М. Джулини,
К. Аббадо. Помимо гастрольных поездок,
только в Чикаго оркестр ежегодно играет до
150 концертов, включая летний фестивальный сезон в парке Равиния (в окрестностях
Чикаго), которая является летней резиденцией коллектива.
В оркестре в настоящее время играют три
выходца из СССР: концертмейстер группы
гобоев Е. Изотов (воспитанник МССМШ
им. Гнесиных), помощник концертмейстера
вторых скрипок А. Игольников (23 года
прослуживший в оркестре Е. Мравинского),
литаврист В. Карпинос (уроженец Киева,
победитель Всесоюзного конкурса молодых
музыкантов в 1989).
Устройство машины
По сути, Chicago Symphony Orchestra — корпорация, состоящая из нескольких крупных
подразделений:
собственно симфонического оркестра
(2 дирижера, 109 музыкантов, 3 библиотекаря);
хора (Chicago Symphony Chorus в количестве 220 (!) певцов под руководством главного дирижера и хормейстера Д. Вольфа,
а также 3 его заместителей, переводчика,
4 пианистов-концертмейстеров);
вспомогательного оркестра — Civic
Orchestra, где играют молодые музыкантылюбители (основан в 1919 под патронатом
ЧСО);
менеджмента, в который входят президент, его помощник и 16 подразделений; наиболее крупные из них — отделы развития
(25 сотрудников), финансов (12 сотрудников),
маркетинга и продаж (12 сотрудников), инженерно-техническая служба и рабочие
Ф ото Тодд Розенберг
езон, катившийся до поры буднично и обыденно, весной взорвался
громкими событиями. Выступления ГАСО во главе с В. Юровским,
концерт РНО с М. Плетневым, блистательно сыгравшим почти неизвестные
сочинения Черепнина и Голованова, XI Московский Пасхальный фестиваль с впечатляющим прокофьевским циклом В. Гергиева,
III Международный фестиваль Мстислава
Ростроповича (см. стр. 6-9)…
И посреди этого пиршества — событие
№ 1 сезона. В Россию приехал поистине образцовый продукт американской культуры
и технологии — шикарная музыкальная машина под названием «Chicago Symphony
Orchestra». Второй раз в своей истории (первый визит состоялся в 1990 под управлением
Г. Шолти) и впервые в независимую Россию.
Концерты состоялись в рамках российскоитальянского турне ЧСО 18 – 27 апреля (Москва — Петербург — Рим — Неаполь — Брешия — Равенна).
сцены (13 сотрудников), административный
отдел (10 сотрудников). Общее число менеджеров — 121 человек, что превышает творческий состав оркестра.
Руководит оркестром «Ассоциация Чикагского симфонического оркестра», которую возглавляет президент. С августа 2003
этот пост занимает Д. Раттер, выпускница
Стэнфордского университета, магистр делового администрирования университета Южной Калифорнии. Она курирует деятельность
оркестра, Института обучения, стажировок
и профессиональной подготовки при ЧСО,
в т.ч. любительского оркестра и симфонического хора, а также собственно симфонического центра. До прихода в ЧСО Д. Руттер
была исполнительным директором Сиэттлского симфонического оркестра, ранее
работала исполнительным директором
Лос-Анджелесского камерного оркестра,
управляющим филармонии Лос-Анджелеса.
Финансирование оркестра складывается из
доходов от собственной деятельности (концерты, записи и т.д.), средств города и штата,
а также спонсорских вливаний. В числе партнеров коллектива — крупнейшие финансовые институты, промышленные группы и
корпорации (генеральный спонсор — Bank
of America, а также Meryll Linch, American
Airlines, Ernst & Young, BMO, LLP и др.). У оркестра множество частных «доноров», которых администрация умело стимулирует
с помощью различных привилегий, зависящих от размера вклада. Наиболее крупные
спонсоры являются так называемыми Govering members, входя в исполнительный комитет, влияющий на стратегию развития оркестра.
Ежегодно оркестр дает только в Чикаго
(на сцене собственного Симфонического центра и на летнем фестивале в Равинии) около
150 концертов, которые имеют возможность
слушать до 200 000 жителей города. Следуя
американским традициям, Чикагский симфонический оркестр стремится максимально повысить свою социальную роль. С этой
целью запущен специальный проект «Гражданин Музыкант», в рамках которого проходят концерты оркестра в больницах, церквях, детских учреждениях и даже тюрьмах,
просветительско-образовательные и другие
мероприятия. Этот проект инициировал
Р. Мути, а курирует его выдающийся музыкант
Йо-Йо Ма, приглашенный Мути на специально созданную должность творческого консультанта. Ключевую роль в этой деятельности
играет Институт обучения, стажировок
и профессиональной подготовки.
Программа «Гражданин Музыкант» была
продолжена и во время пребывания ЧСО
в России. В Москве музыканты дали благотворительные концерты в Театре им. Станиславского и Немировича-Данченко и Реабилитационном центре «Преодоление», провели
мастер-классы в консерватории; в Петербурге выступили в детском доме в Купчино и
также дали мастер-класс в консерватории.
Шоу
Приезд Чикагского симфонического оркестра — кульминация программы «Американские сезоны в России» под эгидой двусторонней российско-американской Президентской комиссии Медведев — Обама.
Поэтому гастроли проходили в жанре политического шоу, что сказалось на характере и
содержании сопутствовавших мероприятий,
выборе репертуара, присутствии политического и дипломатического бомонда и т.д.
Днем 18 апреля состоялся первый акт:
пресс-конференция в ИТАР-ТАСС, помпезная, с ажиотажем, красочными баннерами
спонсоров. Журналистам раздавали «флешки» и CD с записью Реквиема Верди. Организована она была с американским размахом
и российской безалаберностью.
Разговор на ней шел большей частью о чем
угодно, только не о музыке — немудрено,
поскольку назначена она была на время
утренней репетиции оркестра. Естественно,
дирижер и музыканты появились почти «под
занавес». Это был провал организаторов —
первый, но не последний. Второй — то, как
вел себя ведущий М. Гусман, первый заместитель директора ИТАР-ТАСС: развязно,
злоупотребляя «искрометным», как ему
казалось, юмором, встревая в выступления
гостей. Третий — нехватка мест для журналистов. Четвертый: не было переводчика.
Синхронный перевод шел только через
наушники, и записать текст на диктофон
могли только те, кто знал, как это сделать
технически (таковых было крайне мало)...
С таким неуважением к коллегам довелось столкнуться впервые в истории
музыкальных пресс-конференций.
Посол США в России М. Макфол заметил:
«Когда я впервые начал работать с президентом Обамой, я был удивлен тем, сколько
времени и внимания он уделял взаимоотношениям с Россией. Думаю, это будет рекорд,
я не знаю другого такого примера в истории.
Это хорошо для Соединенных Штатов. Хорошо для России. И хорошо для всего мира.
И то, что мы делаем под названием «Американские сезоны» — это именно в духе
видения президента Обамы в плане «перезагрузки» взаимоотношений с Россией».
Спецпредставитель Президента России по
международному культурному сотрудничеству М. Швыдкой: «У всех, кто придет в Московскую консерваторию, есть шанс понять,
на какой музыке воспитываются президенты Соединенных Штатов. Господин Обама
родом из Чикаго, поэтому он воспитывался
на музыке, которую играл Чикагский симфонический оркестр. На какой музыке воспитывались наши президенты, мы знаем,
потому что в городе где они родились, есть
великий оркестр Мравинского, потом Темирканова… Вот, видимо, в городах, где есть
хорошие симфонические оркестры, рождаются хорошие президенты разных стран. Так
что сегодняшний визит имеет познавательно-политический характер … гастроли Чикагского оркестра — это венец большого
сезона американской культуры, который
включал в себя необычайное разнообразие
хореографических, музыкальных, визуальных событий и, я думаю, что вершиной
этого действительно станут гастроли Чикагского симфонического оркестра».
Далее президент ЧСО Д. Раттер рассказала трогательную и захватывающую легенду
под названием «Как я уговорила Риккардо
Мути», которую с удовольствием подхватил
внезапно появившийся в ИТАР-ТАСС маэстро в сопровождении музыкантов. Все это
естественно — в стране, которой в ближайшем июле исполнится 236 лет, а культура ее
еще моложе, подобные истории являются
частью национального эпоса.
Р. Мути: «В 2005 я начал дирижировать
Нью-Йоркским филармоническим оркестром — им никогда ранее не дирижировал
итальянец. И те взаимоотношения с оркестром, которые у меня сложились… это чтото вроде любви. Оркестр попросил меня стать
музыкальным руководителем. Но я, пробыв
с 1968 художественным руководителем нескольких оркестров и 19 лет в театре La Scala,
хотел быть свободным. И я ответил «Нет.
Я продолжу работать с вами, но…». Они настаивали. И я второй раз ответил однозначно: «Нет». В то же самое время, Дебора стала
приходить на мои концерты в Париже, в Лондоне, Нью-Йорке. Когда женщина появляется на каждом твоем выступлении, есть только два варианта: либо ты интересен ей как
человек, как мужчина, либо ты интересен ей
как музыкант.
событие
музыкальное обозрение | №5(341). 2012
Дебора так настойчиво приглашала меня
приехать в Чикаго, что я принял предложение. Первая фраза, которую я сказал оркестру, шла прямо из моего сердца: «Вы помните, как я дирижировал вами в начале 70-х,
когда я был молодым? Я надеюсь, что сейчас
вы не видите во мне старую развалину».
Оркестр засмеялся. С этого все и началось. И
мгновенно установились чудесные взаимоотношения с музыкантами. И мы совершили тур по Европе. Он был очень успешным.
И наше исполнение становилось все лучше и
лучше для понимания слушателями.
А Дебора все упорнее настаивала на том,
чтобы я согласился возглавить оркестр , еще
и потому, что она была послом от музыкантов, и выражала их пожелания. И в конце концов я сдался и сказал «Хорошо…». Чикагский
оркестр — один из величайших оркестров
в мире, и я счастлив быть здесь. Возможно,
Нью-Йоркский оркестр сделал мне предложение слишком рано. В любом случае, мне
нравится Чикаго — не только оркестр, но город. Вы должны приехать в Чикаго, потому
что это один из красивейших городов Соединенных Штатов. И это говорит человек,
который родился в Италии. В Неаполе».
Также маэстро коснулся программы гастролей и ее концепции:
«Программа — это всегда проблема. Должны ли мы играть музыку, которая не исполняется или не часто исполняется в России?
Или мы должны играть русскую музыку, на
основании концепции, что музыка не связана напрямую с национальной принадлежностью? Я имею в виду мнение, что итальянец
может дирижировать только Верди, Пуччини, Доницетти и Беллини. Русский может дирижировать и исполнять только Мусоргского, Рахманинова и т.д. Француз… Я думаю,
эта концепция абсолютно неправильна. Если
английский оркестр играет французскую музыку, француз скажет: «О, это звучит не пофранцузски». Если итальянец дирижирует
русской музыкой, то якобы «это звучит не порусски». А если русский исполняет Верди,
«это звучит не совсем Верди». Я в это не верю.
Это интерпретации. И это интересно —
обратиться к репертуару, который принадлежит другой культуре, другой традиции, и
посмотреть, что из этого получится, потому
что это создает еще большее понимание между людьми».
Под занавес пресс-конференции Мути
перевел разговор на гастрономическую тему:
«Что касается еды, кухни — я лично и музыканты оркестра предпочитаем Средиземноморскую кухню. Это очень хорошая и очень
здоровая кухня. Мы не пьем много водки. Но
позволяем себе вино. Томаты каждое утро.
Но не моццарелла, потому что там есть холестерин. Томаты, кстати, очень помогают
для профилактики рака. Оливковое масло
virgin… Но Extra virgin часто трудно найти…».
Шоу с политуклоном...
...продолжилось и на самих концертах,
явно расписанное и «раскрученное». Незримое присутствие двух президентов, участие
посла М. Макфола и спецпредставителя
М. Швыдкого; в БЗК — явное преобладание
VIP-ов над музыкантами; давно забытое ощущение дружбы «детей разных народов» — американского, русского, итальянского, в т.ч. присутствие в оркестре русских музыкантов…
Да и программа, похоже, была выбрана, скорее всего, из соображений политкорректности и призвана «раздать всем сестрам по серьгам»: с одной стороны, обозначить уважение
к принимающей стране (Пятая симфония Шостаковича), российско-американские параллели и пересечения («Космическая одиссея»
Д. Смирнова), с другой — подчеркнуть личные пристрастия маэстро (сюита из музыки
Н. Роты к фильму «Леопард»), с третьей — продемонстрировать универсализм оркестра
и дирижера: были представлены также немецкая музыка («Смерть и просветление»
Р. Штрауса) и французская (Симфония Франка).
Не случайным был и выбор бисов: в первый вечер прозвучал «Ноктюрн» земляка
Мути, неаполитанца Дж. Мартуччи. Гобоист
Е. Изотов прямо со сцены (что тоже было, несомненно, подготовлено) рассказал трогательную историю. Некогда А. Рубинштейн,
гастролируя в Неаполе, услышал фортепианный концерт Мартуччи, привез в Россию
ноты и исполнил в Москве. И вот в честь этого Чикагский оркестр под управлением уроженца Неаполя Р. Мути исполняет на своем
московском концерте музыку Мартуччи.
А второй концерт завершился увертюрой
к опере Верди «Сила судьбы». Теперь уже сам
Мути (на итальянском) рассказал историю —
впрочем, хорошо известную — о том, что эта
опера была написана Верди для Мариинского театра по заказу Дирекции Императорских театров. Так что и тут все в высшей
степени было продумано.
Программа
Первое разочарование — «Космическая
одиссея» Д. Смирнова, открывавшая все
концерты. Наш соотечественник, живущий
ныне в Англии, считался одним из самых
перспективных и интересных русских композиторов 1970-1980-х. О его плодовитости
свидетельствует и порядковый номер опуса
(156), что значительно превышает наследие
Бетховена. Жаль, количество не всегда
переходит в качество. В предисловии автор
говорил о том, что стремился запечатлеть
подвиги первопроходцев космоса и создать
произведение, удовлетворяющее «пяти критериям: столь же быстрое, как увертюра
к «Руслану и Людмиле», выразительное и
трогательное, как увертюра к «Силе судьбы»,
великолепно оркестрованное, как любая
увертюра Берлиоза, звучащее не более семи
минут и вызывающее у слушателей спонтанную овацию, как будто они только что
увидели прекрасную падающую звезду!».
Из всего многообещающего набора реализованы оказались лишь семь минут и спонтанная овация непритязательной части
зала. Произведение, напичканное реминисценциями музыки из одноименного голливудского блокбастера и иными перепевами,
оказалось неумелым опытом по части и материала, и его развития, вместо которого —
разрозненные клочки и фрагменты (8 за
7 минут!), полный хаос в звучании оркестра,
беспомощность автора, который не в состоянии развить свою мысль. Более всего
это напоминало звуковую иллюстрацию к
учебному пособию по оркестровой фактуре,
если бы не бенефис ударных, заглушавших
и забивавших всё и вся. И слова Р. Мути о том,
что он вдохновился музыкой Смирнова, остановив на ней свой выбор после долгих поисков, воспринимаются не иначе как ирония.
Продолжившая первый московский концерт сюита из музыки Н. Роты к фильму
«Леопард» — выбор маэстро:
«Рота сыграл очень важную роль в моей
жизни, потому что он подтолкнул меня
к тому, чтобы стать музыкантом. Мой отец
был прекрасным врачом, и он хотел, чтобы
я стал доктором, или адвокатом, или инженером… но не музыкантом. Хотя он хотел,
чтобы все его пять детей учились музыке, но
для общего культурного развития.
Когда я встретил Рота, он увидел во мне достаточно качеств для того, чтобы стать профессиональным музыкантом, так что это еще
и знак благодарности великому композитору. И мягкость , плавность его музыки к «Леопарду», фильму Висконти… Как сказал мне
один музыкант Чикагского симфонического после репетиции, она очень искренняя и
очень подвижная. Знаете, он сказал: «Играть
музыку Рота в этом фантастическом зале…
дало мне ощущение того, что Рота — это такой итальянский Чайковский». Это правда.
Его мелодии неожиданно обрели благородство. Более того, в музыке появилось своего
рода величие, которое зал (Большой зал консерватории — «МО») подарил этой музыке,
эта музыка словно родилась в этом зале.
Рота был большим любителем русской музыки. И мой музыкант открыл мне новую
перспективу. В свете этой перспективы я коечто изменил в партитуре».
Трудно согласиться с маэстро. Композитор, с гениальной точностью находивший
звуковой контрапункт к зрительным образам великих режиссеров, оказался в значительной мере дискредитирован: его киномузыка, будучи вынесена на концертную эстраду в качестве самостоятельного сочинения,
обнаружила свои очевидные слабости — банальность интонаций, фрагментарность,
отсутствие «широкого дыхания», потенциала симфонического развития. Высказывание
о Н. Рота как об «итальянском Чайковском»,
призванное возвести композитора на пьедестал, обернулось чуть ли не насмешкой. А отдавать ему практически целое отделение —
не более чем рекламный ход.
С особым интересом ждали от Чикагского
оркестра и Мути Пятую симфонию Шостаковича. И сам же подогрел этот интерес: «Мы
решили привезти сюда одно из гениальнейших произведений симфонической литературы — это Пятая симфония (Шостаковича),
которую русские должны знать от первой до
последней ноты. Но это интересно — услышать
такую симфонию в исполнении американского оркестра, с итальянским дирижером. Даже
не просто из Италии, и из Южной Италии».
Что ж, все ноты были на своих местах, и темпы вроде похожи, и темы узнаваемы. Но, видимо, маэстро не подумал о том, что у нас
каждый знает наизусть не только ноты симфонии, но помнит и о том, в какое время родилась эта музыка. Какими пронзительными чувствами она окрашена. Какая боль и
трагедия стоит за этими нотами. Какой вопль
отчаяния, ужаса, гнева слышен во вроде бы
победном марше финала. Все то, что могли
услышать в ней современники и слышим мы.
И, увы, не услышали Мути и чикагцы. Они не
ранены этой музыкой, не знакомы с контекстом эпохи, не попытались вникну ть
в смысл произведения и в мир композитора.
Хотя можно было вернуться к записям дирижеров, которые сердцем пережили эту трагедию: Мравинского, Кондрашина, Светланова. Но для Мути это были просто ноты, сыгранные с ледяным блеском, алмазной точностью, стерильной чистотой и — пустотой.
Столь же академично, отстраненно и безлико были сыграны во второй вечер поэма Р.
Штрауса и Симфония Франка (повторенные
спустя два дня в Санкт-Петербурге). В них не
было и намека на индивидуальность авторов. К тому же оба сочинения были отнюдь
не идеально выстроены по форме.
Американское чудо?
Конечно, исполнительский уровень Чикагского оркестра запредельно высок: таких
бесплотных и в то же время насыщенных
пианиссимо струнных, таких безукоризненных соло и ансамблей дерева и меди, такой
культуры музицирования в целом Большой
зал консерватории не слышал очень давно.
Оркестр звучит как совершенный механизм, все детали и части которого идеально
«притерты» друг к другу. Даже ноты на пюпитрах чикагцы переворачивают абсолютно синхронно, превращая эту простейшую
процедуру в какой-то завораживающий балет, настолько отлажено у них взаимопонимание, «единое дыхание». Такое чувство, что
у них есть некая недоступная нам библиотека файлов на все случаи жизни. Хотите ррр
кларнетов и гобоев — пожалуйста; mf струнных — ради бога; шесть f медных — запросто.
Просто нужно в нужный момент зайти в
базу данных, найти нужный файл (раньше бы сказали — кирпичик) и поставить
его на нужное место. И музыка готова. Однако она не вызывает ни эмоционального напряжения, ни удовольствия, ни послевкусия,
не заставляет задуматься о каком-либо смысле (сочинения или жизни — все равно). Сбив
ладони от аплодисментов, выходишь из зала
— и через полчаса не можешь вспомнить, а что
же это было: ни одной зарубки в душе. Такое
мнение высказывали многие.
Правда, многие говорили и о том, что осталось впечатление каких-то действительно
оркестровых чудес. Конечно, звучит оркестр
потрясающе. На качество игры коллектива
влияет и постоянство: то, что многие оркестранты из нынешнего состава были в нашей
стране и на гастролях с маэстро Шолти в 1990.
Но, возможно, именно стремление к совершенству звучания, наивысшему исполнительскому уровню, начертанное на знамени
Чикагского оркестра (этот девиз как заклинание непрерывно повторяли во всех интервью и Д. Раттер, и Р. Мути, и сами оркестранты), сыграло со знаменитым коллективом
злую шутку. Абстрактное мастерство, пусть
и высочайшее само по себе, но в отрыве от
стиля исполняемой музыки, делает исполнение пресным и безликим. Музыка, не пропущенная через себя, через душу, холодна.
Безусловно, все музыканты ЧСО — выдающиеся исполнители, каждый из которых прошел конкурс не менее 200 человек на место.
И если бы проводился конкурс оркестровых
трудностей, обязательных фигур (как «школа» в фигурном катании), ЧСО занял бы первое место. Запас прочности — 1000-процентный. Ни у кого никогда не дрогнет ни
мускул, ни рука. Но не покидало и ощущение абсолютной запрограммированности.
Стерилизованности. Невозможности
какого-го бы то ни было отхода от заранее, раз и навсегда заданного движения
по прямой. Какого-либо душевного rubato.
Единственным оживляющим моментом стали легкие, но на общем стерильном фоне заметные «киксы» валторны во II части симфонии Франка: вот тогда, хотя бы на минуту, возникло ощущение, что на сцене все-таки
3
живые люди, а не автоматы по штамповке
идеальных звуков. Или продаже кока-колы.
Маэстро
Хотя Мути переиграл огромное количество
всевозможной музыки с лучшими оркестрами мира, создав и собственный оркестр —
«Луиджи Керубини», его декларируемая универсальность — скорее из области мифологии. Мути прежде всего оперный дирижер, и действительно выдающийся. Не
случайно он 19 лет возглавлял La Scala. Возможно, итальянский маэстро силен там, где
есть резкие контрасты, «страсть в клочья» —
в своем специфическом и весьма узком репертуаре. При соприкосновении с музыкой
иного склада он теряет львиную долю своей
харизмы, становится скучным и банальным.
Не случайно, по общему мнению, наиболее убедительно из всей программы гастролей прозвучала увертюра из «Силы судьбы» Верди — бис второго дня. Театральная
душа маэстро не вынесла того, что после исполнения Симфонии Франка публика не
вскочила с мест, как в первый вечер. И он решил ее «добить»: исполнение сопровождалось неистовой жестикуляцией дирижера,
который то прыгал, то приседал, то рычал,
то носился по подставке и за ее пределами,
выжимая из оркестрантов запредельные
эмоции… Опытный маэстро достиг желаемого: финальные аккорды утонули в восторженном реве публики. Но одна увертюра за
два вечера — маловато будет…
P.S. Чикаго и другие
Визит ЧСО еще раз напомнил о том, что
в последние годы в России побывали с гастролями многие оркестры топ-уровня, коллективы с великими именами и традициями. Безусловно, недосягаемая вершина —
Оркестр Баварского радио с М. Янсонсом
(2009). Это отдельная планета, выше которой
— только звезды. Берлинские филармоники
с С. Рэттлом (2008) и Венские — с Д. Баренбоймом (2007). Остался в памяти визит LSO
с В. Гергиевым (2007), выступления ряда оркестров на первых Фестивалях симфонических оркестров мира.
Уже в этом сезоне — Оркестр Романдской
Швейцарии с М. Яновским, у которого отмечалось и великолепное качество звучания,
и точность интерпретации (в частности, той
же Симфонии Франка). В памяти осталось
блистательное, буквально заворожившее
исполнение Госоркестром 3-й симфонии Бетховена под управлением В. Юровского. Несколько первых концертов Пасхального
фестиваля, исполнение В. Гергиевым и оркестром Мариинского театра (пока он еще не был
измочален бесконечными вояжами по России) 1-й, 2-й, 3-й, 5-й симфоний Прокофьева:
запомнилась не только традиционная мощь
и энергетика, но и неожиданная тонкость, филигранность, мелодичность исполнения.
В этом смысле посетить концерты Чикагского симфонического — тоже как будто
совершить космическую одиссею, побывать
на особой планете. Только остался вопрос:
а есть ли на ней жизнь?

«МО»
4
событие
музыкальное обозрение | №5(341). 2012
Танец, рожденный любовью
Празднование 70-тия Джона Ноймайера в Москве и приуроченные к нему
гастроли Гамбургского балета стали главными событиями текущего сезона
События и факты
Это настоящее везение, что Джон Ноймайер — уникальный хореограф «большого
стиля» из Гамбурга — празднует свое семидесятилетие вместе с нами в России. К его
юбилею были приурочены грандиозные
гастроли Гамбургского балета, которые
прошли в Москве с 3 по 7 мая. В полном составе труппа не приезжала в Москву 22 года.
Виновниками этих последних роскошных
гастролей и вообще постоянного присутствия хореографии Ноймайера в России, является МАМТ. В 2007 с постановки балета
«Чайка» началось тесное сотрудничество
Ноймайера с Музыкальным театром. В 2011
он и его постоянная репетиционная бригада
перенесли на сцену «Стасика» балет «Русалочка», который на сегодняшний момент является единственным опусом хореографа,
идущим в российских театрах. В семидесятый день рождения сэра Джона 24 февраля
2012 прошло последнее представление
«Чайки» (всего спектакль показывали около
20 раз за пять лет). Контракт на «Русалочку»
заключен также на пять лет, и, скорее всего,
за это время театр сделает еще одну работу
с участием Ноймайера, но название пока обсуждается.
Продолжение юбилейных празднеств грядет в Санкт-Петербурге — в ноябре 2012 на
сцене Александринского театра состоятся
еще одни гастроли Гамбургского балета
в рамках фестиваля «Дягилев. P.S.». Покажут
«Даму с камелиями» с Дианой Вишневой, гала-концерт, и в Театральном музее пройдет
конференция (организатор — Наталья Зозулина, автор многочисленных статей и научных публикаций о творчестве Ноймайера).
Гастроли и постановки
в России
1990 — первые гастроли Гамбургского балета в Москве (ГАБТ и МАМТ) и Ленинграде
(Кировский театр) со спектаклями «Пер
Гюнт» (музыку к балету была заказана Шнитке, 1989) и «Пятая симфония Малера».
2001 — Мариинский театр. Премьера
вечера одноактных балетов:
«Spring and Fall» («Весна и осень»). Муз.:
Дворжак «Серенада для струнных ми мажор»
«Now and Then» («Теперь и тогда»). Муз.: Равель «Концерт для фортепиано с оркестром
соль мажор»
Мировая премьера «Звуки пустых страниц». Муз.: Шнитке «Альтовый концерт»
2003 — Гастроли Гамбургского балета
в Санкт-Петербурге, приуроченные к празднованию 300-летия города (Мариинский
театр) со спектаклями «Нижинский» (2000),
«Чайка» (2002) и «Дама с камелиями» (на музыку Шопена, 1978)
2004 — Большой театр. Премьера балета
«Сон в летнюю ночь». Муз.: Мендельсон, Лигети и механическая музыка
2007 — МАМТ. Премьера балета «Чайка».
Муз.: Шостакович, Чайковский, Скрябин,
Гленни
2007 — Гастроли Гамбургского балета
в Санкт-Петербурге (Эрмитажный театр)
с программой номеров
2009 — Гастроли Гамбургского балета
в Санкт-Петербурге (Александринский театр) с балетами «Павильон Армиды» (2009,
на музыку Черепнина), «Вацлав» (1979, на музыку Баха) и «Весна священная» (1972)
2011 — МАМТ. Премьера балета «Русалочка». Муз.: Л. Ауэрбах
2012 — Гастроли Гамбургского балета
в Москве (МАМТ) с балетами «Третья симфония Малера» и «Нижинский»
Гамбургский балет в числах
В 2013 Га мбу ргск ий ба лет отметит
40-тие сотрудничества с Джоном Ноймайером. Продолжая считаться ведущим коллективом Гамбургской Государственной
Оперы, за четыре десятка лет Гамбургский
балет стал абсолютно авторским театром.
В месяц играются не более 2-х-3-х названий, что, однако, не означает, что в театре
действует система стаджоне. В год выпускается одна-две премьеры.
Должность, которую занимает Ноймайер,
называется стандартно — художественный
руководитель и интендант Гамбургского балета (по аналогии с интендантами Зальцбургского и Байройтского фестивалей, или
Берлинского балета). Балетные педагоги работают и в театре и в Школе – часть их выполняет функции педагогов-репетиторов,
уполномоченных «переносить» спектакли
Ноймайера в другие театры. Таких людей
единицы — это Радик Зарипов, Виктор Хьюз,
Кевин Хейген и с недавнего времени —
Антон Александров.
В труппе работают 55 человек. Высший
ранг — первые танцовщики. Это Анна Поликарпова, Сильвия Аццони, Элен Буше, Каролина Агюэро, Анна Лаудере, Ллойд Риггинс,
Александр Рябко, Иван Урбан, Карстен Юнг,
Отто Бубеничек и Эдвин Ревазов.
Пенсионный возраст артиста — 40-42 года.
Номинально Гамбургский балет комплектуется выпускниками Школы, в реальности
же лучших людей отыскивают на международных балетных конкурсах, снабжают их
хорошей стипендией и доучивают силами
репетиторов Балетного центра, напрямую
связанных с театром.
Гамбургский балет
в названиях
Фирменной карточкой труппы являются
8 симфоний Густава Малера, в разные годы
поставленных Ноймайером. Кроме того, что
Малер является любимым композитором
хореографа, он еще и очень «свой» для Гамбурга человек, так как прослужил в местной
опере 6 лет в качестве главного дирижера, аккурат до того, как возглавил Венскую Оперу.
Мировая премьера балета «Третья симфония
Малера» состоялась в Гамбурге в 1975. А Летом 2011 хореограф закончил свой малеровский цикл «Десятой симфонией», посвятив
ее Альме Шиндлер-Малер. Только 2 симфонии останутся навсегда «неотанцованными»
— Вторая и Восьмая. Кроме симфоний у Ноймайера есть еще балет «Песни об умерших
детях».
Вторым после Малера композитором
«в резиденции» является Шостакович, на музыку которого поставлены балеты «Чайка»
и «Нижинский» (11 симфония «1905 год» задействована целиком).
В 1985 Ноймайер поставил в помещении
гамбургской Кампнагельфабрик балет
«Отелло» на музыку Пярта и Шнитке, открыв
новую страницу в театральном освоении
пьес Шекспира. Запись балета до сих пор бродит по рукам балетоманов, вербуя новых
поклонников творчества Ноймайера.
Начиная с 1975 в Гамбурге проходит двухнедельный танц-марафон «Дни балета», венчающий театральный сезон, и на котором
труппа показывает все свои достижения за
год. В этом году фестиваль пройдет в 38-й раз.
Последней громкой премьерой театра является «Лилиом» — балет о великой депрессии в США. Музыку к нему написал Мишель
Легран. 22 мая 2012 исполнители главных ролей в «Лилиом» и композитор были удостоены в Москве престижной премии «Бенуа де
ля Данс».
Воспитание чувств
Джон Ноймайер родился в городе Милуоки, штат Висконсин. Учился в Маркеттском
университете на театроведческом и филологическом по специальности «английская литература» и «шекспироведение». Писательство как таковое его не интересовало, хотя
любовь к обширным предисловиям в буклетах и вступительным речам, предваряющим
собственные балетные вечера — следствие
гуманитарного образования. В университете Ноймайер всегда был среди театрального
актива — ставил пьески и танцы в них, и, будучи достаточно выученным, танцевал сам.
С дипломом бакалавра он приехал в Англию.
У него не было намерений продолжать академическую карьеру в одном из британских
ВУЗов. Он прошел стажировку в Школе
Английского королевского балета и отправился в Штутгарт — тогдашнюю балетную
Джон Ноймайер. Май 2012
Мекку Германии. Поступил в кордебалет
Штутгартского театра. Труппой там руководил Джон Кранко, один из главных идеологов сюжетного балета в Европе. В отличие от
многих коллег по цеху, Кранко умел делиться опытом хореографа. Может, у него и была
ревность к талантливым ученикам, но все его
артисты, которые подавали надежды как хореографы, получили в Штутгарте отличный
старт и создали в итоге собственные балетные миры. Иржи Килиан, Уильям Форсайт,
Уве Шольц и Ноймайер — все они вышли из
штутгартских утренников молодой хореографии.
Литература
Когда Ноймайер начал пробовать себя в качестве хореографа, он единственный из четверки будущих гениев строго придерживался литературного направления. Он реально
учился у Кранко, который слыл в тот момент
самым дерзким интерпретатором шекспировских пьес в балете. Пока Лавровский и
Макмиллан передавали дух истории через
внешний облик спектакля, он выводил на
сцену человеческие характеры, освобожденные от романтической вуали ХIХ века. Впитав дух театра Кранко, Ноймайер пошел еще
дальше в сближении книжных героев с переживаниями живых современников. С этим
мироощущением он вывел на балетную сцену едва ли не всех значимых персонажей мировой литературы.
Карьера
В 1969 Ноймайер уже возглавляет балет во
Франкфурте-на-Майне, а с 1973 он — во главе балетной труппы Гамбургской Staatsoper.
Он начал с «Лебединого озера». Превратив
балет балетов в «Иллюзии как в “Лебедином
озере”», хореограф рассказал историю Людвига Баварского, заставив немцев гордиться
своей историей. Историей, давшей Чайковскому персонажа для балета, до того считавшегося фирменным знаком русского театра.
Ноймайер победил — его спектакль вошел
в список лучших балетов XX века, а Гамбург
с «ноймайеровским «Лебединым» превратился в новую балетную столицу.
Гамбург полюбил Ноймайера, он стал настоящим немецким горожанином — даже носит звание профессора Гамбургского сената.
Дружбу хореографа и города закрепило еще
одно событие — Гамбург подарил Ноймайеру Балетный центр, где проходят репетиции
и расположена балетная школа, обеспечивающая педагогическую работу сходящим звездам и поставляющая труппе новых артистов.
Самым громким музыкальным событием
начала 2000-х стал ноймайеровский балет
«Зимний путь» (2001) на музыку Шуберта,
в обработке Ханса Цендера. Фантастика происходящего заключалась в том, что Ноймайер пришел в репетиционный зал с историей
про юного героя, затерявшегося в романтических грезах, но сообщение о теракте 11 сентября в Нью-Йорке вдохновило его на совсем
другой балет с другим «горячим» сюжетом.
Евангелие от Матфея
В одном предисловии к буклету Ноймайер рассуждает о своих правах на освоение
евангельского материала и приходит к выводу, что он не только имеет право, но обязан воплотить великую историю в танце. Он
владеет балетным языком, который всегда
конкретен, так как нет ничего более материального, чем тело, с которым работает хореограф. Чувствуя, что он может конкретизировать баховскую абстракцию, Ноймайер
становится и первым исполнителем Христа
в собственных «Страстях по Матфею» (1981)
Баха. Этот балет играли и до сих пор играют
в главной церкви Гамбурга — Св. Михаила.
Мир как балет
Уверенный в безграничности танца, Ноймайер иногда сам становится его заложником. «Балетные» истории проникали в его
«Щелкунчик» (1971), где учитель танцев Дроссельмейер вводит героиню в таинственный
мир балета, показывая ей во сне Анну Павлову у балетного станка рядом с великим Чекетти. Учится танцевать принцесса Аврора
в «Спящей красавице» (1978). Балетные персонажи мелькают в «Чайке» (2002). И в культовом балете «Смерть в Венеции» (2003, балет на музыку Баха и Вагнера) — мир снова
предстал как балет. Придворный балетмейстер фон Ашенбах никак не может закончить
свой балет о Фридрихе Великом и отправляется в Венецию, где встречает юного поляка
Тадзио. Когда Ноймайера спросили, почему
он не взял музыку Малера, хореограф ответил, что совсем не музыкальная тема его занимает в данном случае — куда интереснее
тот факт, что в том же 1911 (год написания
«Смерти в Венеции» Томасом Манном) на
Лидо отдыхал великий танцовщик Вацлав
Нижинский, более того, сохранился его портрет того времени на пляже, и самая любопытная параллель — появление темы Нарцисса (ключевой для Манна) в хореографии
Фокина с тем же Нижинским и в том же году.
Резюме
Что касается стиля Ноймайера, то можно
сказать, что он не совершал в Европе революций, как Морис Бежар, не впадал в эксцентрику, как Ролан Пети, отрицал превращение театра в танцфабрику, как Форсайт, и не
трогал этнических тем, как Килиан. Университетское образование, балетное коллекционирование, огромная библиотека и фонотека сохранили его верность старомодной
традиции трехактного спектакля. Но в вопросах формы сюжетного балета, Ноймайер
5
событие
музыкальное обозрение | №5(341). 2012
Сцена из балета Нижинский. I акт
стал подлинным реформатором. Он отменил
линейную связь действия и музыки, представил спектакль как гигантский гипертекст,
в котором работают все ссылки. Движущей
силой его построений остается креативный
человек, способный наполнить энергией любую мертвую форму. И поэтому он не устает
рассказывать о таком человеке и его помыслах, используя движения вместо слов. Его
стиль можно определить как «ноймайеровский», он застрахован от подделок в духе «по
мотивам Петипа» и «после Фокина», так как
герои его балетов не берутся из архива, но
всегда моделируются на месте, в репетиционном зале.
Центр всего — человек
Одна из самых «изысканных» бесед с хореографом состоялась в 2001 в Мариинском
театре, когда Ноймайер ставил там «Звуки
пустых страниц» — мировую премьеру в память о своем друге Альфреде Шнитке. Джон
рассуждает о предмете, который волнует его
больше всего:
«Прежде всего меня интересует человек.
Иногда это сводит с ума. По сути, я должен
использовать человека как краску, как бумагу, чтобы писать или рисовать, но так, чтобы
он оставался человеком, поскольку мое искусство в основном эмоционально активно.
Я не могу сделать ни единого движения, пока
это не будет внутренне мотивировано. И вместе с тем, я не могу сформулировать, что
именно чувствую, прежде чем сделаю движение. Например, в новом балете с музыкой
Шнитке я не пишу историю о том, о сем. Я должен быть свободен согласно музыке и рассказывать свои ощущения от этой музыки и от
Альфреда Шнитке, который был моим другом. Затем я должен пробовать импровизировать с артистами, чтобы через импровизацию,
наблюдая танцовщиков как в зеркале, понять
их интеллектуальную сторону. Моя концепция в том, что центр всего — человек. Я хочу
почувствовать, что, к примеру, Диана Вишнева — женщина, которая танцует, а не фантастический пируэт, исполненный Дианой
Вишневой. Конечно, есть опасность, что останутся только эмоции, и поэтому я должен привить телам своих танцовщиков точность,
подобную точности скрипки. Импровизируя,
я должен очень критически оценивать, взвешивать все «за» и «против». Вот моя самая
важная концепция искусства: первичная важность личностного присутствия. Я хочу выразить суть человека через движение…
Создание нового балета — очень трудная,
но самая чудесная часть моей жизни. Если
это реальный спектакль, я не готовлю его
дома, зная только, что на репетицию придут
три исполнителя. Я слушаю музыку, я не сочиняю дома движения. Однако, встречаясь
с конкретным исполнителем в зале, я слышу
музыку словно впервые и должен импровизировать. Это шок и для меня и для танцора.
Я не знаю, хорошо это или плохо. Важно, чтобы возникла ситуация обоюдного доверия:
они должны доверять мне, а я — им, и это все
равно, что быть голым. Вы знаете, что если
идете в баню с кем-то, то должны испытывать определенную симпатию к своим спутникам, потому что никто не сможет находиться голым перед кем угодно. А в сочинении танца я полностью наг перед
танцовщиком, и, возможно да же, что
в этот момент я выгляжу глупо. Я должен
быть смелым, чтобы требовать от исполнителей того, чего хочу, даже если им
кажется, что это странно».

Сцена из балета Нижинский. II акт
Нижинский: 3 версии
Для балетоманов
За 39 лет работы в Гамбургском балете
Ноймайер поставил на гамбургской сцене
практически все балеты, так или иначе связанные с Нижинским. Он даже решился воплотить в жизнь несостоявшийся проект
балета Нижинского на музыку Баха. Ряд источников указывает на то, что Нижинский
хотел поставить балет-дивертисмент, напоминающий придворные спектакли времен И. С. Баха, но проект не был осуществлен. Зато Ноймайер сочинил свой балет
о том, как Нижинский ставит на музыку
Баха. Называется спектакль «Вацлав» (1979).
Это был первый шаг Ноймайера на пути
постижения Нижинского — танцовщика,
хореографа, человека-легенды XX века.
Когда летом 2000 Ноймайер выпустил
свой opus magnum «Нижинский», в одном из
интервью он сказал, что «Вацлав» — это
Vorname (первое имя) большой темы, которой он занимается всю жизнь, и что он надеется полнометражным балетом-биографией «закрыть» ее. Этого, к счастью, не случилось, поскольку в год столетия Русских
Сезонов Ноймайер выпустил балет «Павильон Армиды», в котором снова вернулся к
Нижинскому-человеку и Нижинскому-хореографу. Но черту под многолетним осмыслением наследия и значения Нижинского
Ноймайер все ж таки тогда в 2000 провел.
План гастрольных поездок труппы в сезоне
1999-2000 он выстроил как путешествие по
местам, связанным с Русскими сезонами.
Он показал будущим исполнителям партий
Вацлава, Ромолы, Брониславы, Дягилева и
партий-персонажей Нижинского места, где
жил, выступал и наконец, похоронен великий танцовщик. Гамбургская труппа побывала с гастролями в парижском Шатле, где
Нижинский первый раз танцевал с Русским
балетом, в театре «Колон» в Буэнос-Айресе,
где Нижинский последний раз танцевал
«Видение розы» вместе с труппой Дягилева.
Музыка «Нижинского» неслучайная:
Соната для скрипки и фортепиано (opus
147, третья часть) и Одиннадцатая симфония «1905 год» Шостаковича – для основного сюжета, и «Венский карнавал» и 20-я
Прелюдия Шопена, «Шехеразада» Римского-Корсакова для картин-видений.
Он использовал все — книги, картины, рисунки самого Вацлава, фотографии и свой
собственный опыт в постижении Нижинского через постановки балетов Фокина и
Нижинского. Ноймайер выступает здесь
также в роли сценографа и художника по костюмам. До этого момента Ноймайер работал с постоянным художником — Юргеном
Розе, начиная с «Нижинского», то есть с
2000, он практически сведет на нет сотрудничество с коллегами по театральному цеху.
Дома у Ноймайера хранится крупнейшая
в мире балетная коллекция, львиную долю
которой составляют документы и вещи, связанные с Русскими сезонами. Чтобы «одеть»
героев дягилевской антрепризы, хореографу не надо было далеко ходить — костюмы
и эскизы хранятся у него дома. (Ситуация
с этим уникальным домашним музеем пока
не прояснена. По последним сведениям
Ноймайер все еще ждет бОльшей субсидии
от города на то, чтобы залы музея стали доступны для посещений публики, а сам бы
коллекционер жил в прилегающей к будущему городскому музею квартире).
Ценнейшие экспонаты собрания Ноймайера — рисунки Нижинского. Он рисовал сферы, которые называл странными
именами вроде «Бог танца». Две светящиеся сферы из этой серии рисунков, стали
главной декорацией к балету – они спускаются с колосников как дизайнерский
значок художников-конструктивистов и
уплывают в кулисы как два жалких обруча. Вполне возможно, что Нижинский, если
бы не физическая оторванность от России
и не вынужденная художественная изоляция из-за его мнимого сумасшествия, как
художник примкнул бы к Поповой, Родченко и другим конструктивистам. Ноймайеру эта версия, во всяком случае, ближе, чем
идея объяснять странные рисунки танцовщика банальным помешательством.
Начинается балет в гостиной отеля “Сювретта-хауз” в Сен-Морице, где Вацлав и Ромола Нижинские поселились в ожидании
благополучного исхода войны и возвращения в Россию. Сцену и зрительный зал не
разделяет занавес — Ноймайер конструирует театр в театре. В гостиной собираются гости — все ждут выхода Нижинского.
Танцовщик исполняет свой последний танец на тряпочном кресте, сооруженном им
из ковровых дорожек. Ноймайер как бы задает происходящему точку отсчета — 1919,
Нижинский «венчается с Богом». Но танец
внезапно обрывается из-за появления Дягилева. Его приход замечает только Нижинский — это первая картина из «мира бреда»,
в который начинает погружаться Нижинский. Внезапно со всех сторон появляются
персонажи, одетые в костюмы Бакста и Бенуа — это любимые герои Нижинского —
Призрак Розы, Фавн, Золотой Раб. Их основная функция в этом балете — сломать границу между спектаклем и жизнью, маской
и лицом Нижинского, который, видимо, не
умел делить жизнь на собственно жизнь
и на театр. Его беспомощно прекрасный
в своей лестной похоти Фавн соблазняет на
корабле реальную Ромолу и хитроумная
венгерка быстренько потащит реального
Нижинского под венец. Призрак Розы развлекает совсем не спящую девушку, как
в балете Фокина, а вовсе даже Сергея Павловича в отеле. Не ломается только Петрушка. Тряпичная кукла не может сойти с ума
и умереть от неразделенной любви. Так
и Нижинский-Петрушка не сходит с ума,
а закрывается, уходит в себя, наблюдая
сумасшествие мира.
Для всех
Ноймайер разделил балет на две части и
назвал их «Приближения». В первой части
он попытался выстроить путь мифа о Нижинском — его умирание вместе с уходом
танцовщика со сцены и возрождение уже
в наше время. Пьянящая музыка «Шехеразады» лучше всего передает магию первых
Русских сезонов. А 11 симфония Шостаковича рулит вторым актом. Композитор написал ее в 1957, то есть через семь лет после
смерти Нижинского, и посвятил революционным событиям 1905. Мы-то знаем, что это
не про то — не про ту революция, и не про
те «дела» говорил Дмитрий Дмитриевич.
А Ноймайеру, как ни странно, хотя он большой знаток музыки Шостаковича, подтекст
не открылся, впрочем, он ему и не понадобился. Из источников о Нижинском мы знаем, что мальчиком он был ранен на улице
«деятелями» Кровавого воскресенья. Этого
факта Ноймайеру хватило, чтобы из пятнистого Фавна и бестиарного Золотого раба
слепить образ человека, через судьбу которого танком проехал XX век. Согласно этой
логике Нижинский, конечно же, не был сумасшедшим, он просто чувствовал больше,
понимал тоньше и страдал глубже. А вот мир
под революционные марши 11 симфонии
с ума сходит по-настоящему. Сферы Нижинского сходятся и расходятся, конструктивистам в России откручивают головы, балетные аристократы подаются в Париж, чтобы
там работать таксистами, другие тихо умирают в Венеции, а за Первой Мировой идет
Вторая. Так что трудно сказать, что важнее
в музыке — то, что композитор в нее вложил, или что люди услышали.
Третий слой
Есть еще и третий слой «Нижинского». Он
— для тех, кто считает музыку Шостаковича зеркалом истории XX века. Музыкальная
энциклопедия пишет: «Симфония «1905 год»
по структуре напоминает цитатник анонимных революционных песен. 1-я часть,
«Дворцовая площадь», изображает предгрозовую атмосферу, здесь цитируются песни
«Слушай» и «Арестант» — музыкальные
символы тюремной России. 2-я, «9 января»
— шествие петербургских рабочих к Зимнему дворцу и его расстрел царскими войсками («Обнажите головы», «Гой ты, царь наш,
Батюшка». 3-я, «Вечная память» — траурное
шествие, оплакивание погибших («Славное
море, священный Байкал», «Смело товарищи, в ногу», «Здравствуй, свободы вольное
слово», «Вы жертвою пали»). Четвертая, «Набат» — революционный порыв народа, уверенность в победе («Беснуйтесь, тираны»,
«Варшавянка», мелодия из оперетты Свиридова “Огоньки”». Ноймайер придумывает
свою схему, прочитав на каком-то ином
уровне прозрение композитора.
1905 — точка отсчета русской трагедии
XX века. Спустя пятьдесят лет Шостакович
пишет свою важнейшую партитуру к юбилею основной революции, но она, ведь, его
не трогает никак. С чего бы? Он и намеревался «отметить» пятидесятилетие событий
1905, да только не успел к 1955. Спустя еще
50 лет Ноймайер ставит «Нижинского» и эти
60 минут музыки использует, чтобы рассказать о крахе мира на примере одной семьи
гениальных людей: в 1905 Вацлава ранят солдаты; медленно, долго, болезненно сходит
с ума брат Стасик; сны о Дягилеве, измены
Ромолы, скандальная постановка «Весны
священной» в Париже в 1913; постоянное присутствие маски Петрушки, которую Нижинский так и не смог сорвать с лица; бессмыслица иммиграции в душной Швейцарии и
еще большая бессмыслица — существование
в санатории для душевно больных. Артист
был болен, но не настолько смертельно, как
раненый винтовками 1905 мир.

Текст и фото Екатерины Беляевой
6
событие
музыкальное обозрение | №5(341). 2012
Скрещение символов и судеб
85 лет со дня рождения Мстислава Ростроповича
Завершился III Московский
международный фестиваль
Мстислава Ростроповича,
ставший, без сомнения,
одним из главных музыкальных
событий уходящего сезона
и всего 2012 года
Ф
орум, прошедший в окружении двух памятных дат
— 85-летия со дня рождения маэстро (27 марта)
и 5-летия со дня смерти
(27 апреля) — явил многое из того что может
быть связано в нашем сознании с его именем. Семья, друзья, творчество, педагогика, эмиграция, возвращение, взаимоотношения с властью, посвящения, фонд, память, наследие… Насколько многолик был
Ростропович, настолько многоликим —
и в какой-то степени противоречивым —
оказался и посвященный ему фестиваль.
Масштабы форума поразительны.
«Месяц Ростроповича» вместил в себя
11 концертов, открытие памятника маэстро
с участием президента В. Путина и ведущих политиков — А. Авдеева, С. Собянина,
М. Швыдкого (см. «МО», № 3), презентацию
Центра культурного и исторического
наследия М. Ростроповича и Г. Вишневской и выставки «Ростропович – Вишневская. Судеб скрещенье» в Музее
им. Глинки. Были задействованы все
крупные московские залы (кроме Дома музыки). Представительнейший состав участников более чем из 10 стран: 7 оркестров
(4 российских и 3 зарубежных), 2 ведущих
московских хора, приглашенные дирижеры,
раскрученные солисты. Концерт памяти
Б. Ельцина. Российские премьеры. Концерты в городах России. «Люди, годы, жизнь…».
Шостакович
и «Леди Макбет»
Ростропович и Шостакович. Безусловно,
особая тема и в биографии маэстро, и в истории советской музыкальной культуры. И не
случайно открылся фестиваль одним из
кульминационных событий: концертным
исполнением в Большом зале консерватории оперы «Леди Макбет Мценского
уезда» в 1-й редакции. Сочинения, безусловно, одного из важнейших и этапных в дирижерской карьере Ростроповича, а также
в творчестве Г. Вишневской. Еще в 1962, в дебютном концерте в качестве дирижера
в Горьком, Ростропович исполнил «4 симфонических антракта» из этой оперы. В 1966 вышел фильм-опера «Катерина Измайлова»,
в котором Г. Вишневская спела и сыграла
заглавную партию. В 1978 в Лондоне Ростропович возродил 1-ю редакцию оперы, осуществив студийную запись (выпущена в 1979 фирмой EMI). В 1992 участвовал
в выпуске видеофильма по опере. В сентябре
1996, к 90-летию автора и 60-летию печально известной статьи «Сумбур вместо музыки», дирижировал концертными исполнениями оперы в Петербурге и Москве (средства
от московского концерта поступили в фонд
возведения Храма Христа Спасителя).
И только на рубеже веков Ростропович
осуществил сценическую постановку оперы. Но не в России, о чем так мечтал, а в Испании (Teatro Real в Мадриде) в январе 2000,
в том же году в Дижоне (Франция) и Мюнхене, в 2001 в Буэнос-Айресе, в 2002 в Риме.
Состав участников можно назвать экспериментальным. Прежде всего, потому, что
у оркестра «Русская филармония» — в отличие, скажем, от Капеллы В. Полянского —
не так много опыта в этом жанре (в последние годы это были «Набукко» и «Аида» Верди, «Танкред» Россини, «Порги и Бесс» Гершвина, «Свадьба Фигаро» Моцарта, «Лакме»
Делиба). Кстати, в этот вечер к «РФ»
под управлением Д. Юровского присоединились музыканты из Великобритании.
Именно оркестр и Хоровая капелла им. Юрлова (худ. рук. Г. Дмитряк), можно сказать,
доминировали в этом концерте-спектакле.
В то время как исполнители главных партий (в основном из Мариинского театра:
Т. Павловская в роли Катерины, В. Ванеев —
Борис Тимофеевич, а также Г. Беззубенков,
М. Кит, А. Попов, «примкнувшие к ним» солисты Большого театра М. Пастер и М. Михайлов, солист «Новой Оперы» С. Поляков,
Л. Кинча из Латвийской национальной оперы, М. Соколова) воспроизводили скорее
трактовку Мариинки, уступая хору и оркестру в эмоциональной мощи и энергии. Пожалуй, наиболее убедителен был М. Пастер
в партии Зиновия Борисовича.
Может быть, логично было бы взять за основу спектакль Большого театра, тем более
что опера входит в репертуар ГАБТ. Это стало бы и данью уважения маэстро, которому
так и не довелось осуществить эту постановку на главной сцене страны к 90-летию
Шостаковича (1996), как он этого хотел. Но
у Большого свой график, а у О. Ростропович, художественного руководителя Фестиваля и Президента Фонда М. Ростроповича
— как всегда, собственные планы и идеи…
Присутствовал и визуальный ряд (реж.
В. Стародубцев). Например, духовой оркестр сначала располагался на балконе
1-го амфитеатра, а в нужный момент спустился в партер и грянул оглушительное
tutti. И, конечно, невозможно не отметить
блестящую статью об опере недавно скончавшегося М. Якубова, опубликованную
в программе к концерту.
Симфонические хроники
Парад оркестров из Лондона (LFO под
управлением В. Юровского, 1 и 2 апреля)
в Большом зале консерватории, СанктПетербурга (ЗКР АСО филармонии во главе
с Ю. Темиркановым, 3 и 4 апреля), Парижа
(Orchestre de Paris, дирижер П. Ярви, 14 апреля), Рима (Национальной академии СантаЧечилия, дирижер А. Паппано, 26 и 27 апреля) в Колонном зале (своеобразная альтернатива июньскому Фестивалю симфонических
оркестров мира, который в последние годы
сдает позиции), возможно, стал самым ярким, насыщенным и грандиозным проектом внутри Фестиваля. Как уже писало
«МО», в приглашении именно этих зарубежных коллективов заключена особая идея,
связанная с празднованием юбилеев маэстро. Впрочем, у «парада оркестров» были
свои подъемы и спады. Orchestre de Paris
очень тонко, эмоционально, захватывающе
исполнил шумановскую программу (увертюра «Манфред» и Симфония № 1) и Симфонию-концерт Прокофьева, в котором
с большим чувством солировала американская виолончелистка А. Вайлерштайн
(в день своего 30-летия). Говоря о концертах
LFO, можно отметить, что в исполнении
4-й симфонии Брамса (в первый вечер) преобладало интеллектуальное начало — что
как раз и отличает манеру В. Юровского, которую он прививает всем своим коллективам (теперь и Госоркестру). Второй концерт
лондонцев — «Приношение Прокофьеву»
с оригинальной программой: звучали
оратория «Иван Грозный» в редакции
Л. Атовмьяна (российская премьера, мировая премьера состоялась в январе в Лондоне) и музыка к спектаклю Камерного театра
А. Таирова «Египетские ночи» с К. Хабенским и Ч. Хаматовой в роли чтецов (это произведение было и в программе Пасхального фестиваля). К сожалению, замечательные
актеры «не вписались» в жанр литературномузыкального спектакля-концерта, оказавшись в нем «инородным телом».
В. Юровский о программе концерта:
«Выбор был сделан совместно с руководством
фестиваля. Мы предлагали и другие программы. Например, программу, посвященную Мусоргскому, где была бы российская
премьера нового сочинения А. Раскатова
и его обработка «Песен и плясок смерти» Мусоргского с С. Лейферкусом в качестве солиста. Но потом ухватились за Прокофьева,
прежде всего за «Ивана Грозного», поскольку версия Атовмьяна вообще никогда нигде
не исполнялась. А это единственная версия, в задумке и осуществлении которой
принимал участие сам Сергей Сергеевич.
Еще при его жизни Атовмьян начал с его
слов и по его плану выполнять эту редакцию, в том же ключе, в каком Прокофьев
сам сделал кантату «Александр Невский»
из музыки к фильму. После смерти Прокофьева Атовмьян доводил работу сам, а потом появился Стасевич со своей версией,
и работа Атовмьяна легла в стол. Благодаря м узыковед у Н. Кравец, партит у ра
дошла до нас, мы сыграли в Лондоне мировую премьеру этой версии и сейчас
в Москву. Как и “Египетские ночи”».
Присутствие в программах Фестиваля
музыки Прокофьева абсолютно естественно и не менее символично, чем сочинений
Шостаковича. Стоит заметить, что на Фестивале прозвучали оба произведения, посвященных маэстро, первые страницы партитур которых отлиты слева и справа на
постаменте памятника Ростроповичу
в Брюсовом переулке: помимо Симфонииконцерта Прокофьева, это Концерт № 1
Шостаковича (в исполнении итальянского виолончелиста Э. Диндо, лауреата Международного конкурса им. Ростроповича
в Париже, и ЗКР АСО Санкт-Петербургской
филармонии с Ю. Темиркановым).
Концерты оркестра «Санта-Чечилия»
ожидались с особым интересом. Но показалось, что сегодня коллектив не в самой
идеальной форме, особенно по сравнению
с феерическим выступлением на Фестивале симфонических оркестров в 2007. Отсюда — весьма неровный исполнительский
«ландшафт»: от довольно механистичной
и отчасти «по-итальянски» легковесной 4-й
симфонии Шумана — до одухотворенной и
опять-таки «по-итальянски» радостной 9-й
Дворжака. Вероятно, включение в программы музыки этих двух композиторов тоже
не случайно: виолончельные Концерты того
и другого входили в число любимейших
сочинений Ростроповича. Труднее объяснить значительный пласт итальянской
оперной музыки (Верди, Пуччини, Понкьелли): скорее всего, это выбор сэра
А. Паппано и оркестра. Впрочем, именно
в этом репертуаре они себя проявили с наибольшим блеском.
Безусловно, каждый концерт Фестиваля
был «заточен» на одно имя, на одну личность — М. Ростроповича. Каждый символизировал важнейшие вехи в жизни музыканта. Концерт АСО Нижегородской
филармонии (дирижер А. Скульский)
напомнил о тех прочных творческих узах,
что более 40 лет связывали маэстро с музыкальной культурой Горького — Нижнего
Новгорода. О том, что именно в этом городе и с этим оркестром Ростропович дебютировал как дирижер; что именно здесь он
открывал 50 лет назад Первый фестиваль
современной музыки; солировал в единственном концерте, на котором в качестве
дирижера выступил Д.Д. Шостакович; дал
один из своих последних концертов в 2006
к 100-летию Шостаковича. На концерте
28 марта в КЗЧ в Концерте Э. Элгара солировал 17-летний виолончелист В. Гузов, стипендиат Фонда М. Ростроповича.
Концерт 22 апреля был посвящен памяти Б. Ельцина. Значимость события была
подчеркнута выбором произведения: в исполнении ГАСО им. Е.Ф. Светланова (дирижер А. Вайзер из Германии), солистов из России, Испании и Великобритании и — вновь
— Капеллы им. Юрлова звучала Большая
месса Моцарта, одно из самых драматичных
сочинений венского классика. Б. Ельцин
скончался за четыре дня до Ростроповича,
23 апреля 2007. При жизни их связывали добрые отношения. Ростропович был в Москве
и поддержал Ельцина и в августе 1991 (весь
мир обошло его фото с автоматом в руках),
событие
музыкальное обозрение | №5(341). 2012
и в сентябре 1993 (дирижировал Национальным симфоническим оркестра США на Красной площади — этот концерт памяти
П.И. Чайковского транслировался на многие
страны). Давно дружат Н. Ельцина и Г. Вишневская. На концерте в Большом зале Московской консерватории рядом сидели Г.П. Вишневская, Н.И. Ельцина, Н.Д. Солженицына,
И.А. Шостакович — вдовы людей, которые,
каждый по-своему, столько сделали для своей страны. Ни на одном из концертов не был
замечен М. Горбачев, который вернул Ростроповичу и Вишневской гражданство
СССР, и в годы его руководства страной состоялось их возвращение и первый концерт
Ростроповича в Москве после 16-летней паузы. Уместно напомнить, что с инициативой
возвращения гражданства выступили многие известные музыканты: Т. Хренников,
обратившийся в высшие государственные
инстанции, Н. Гутман, О. Каган, Г. Канчели,
А. Шнитке, Ю. Башмет, Р. Щедрин, Д. Башкиров, Н. Каретников и другие, а также академик А. Сахаров. По инициативе Т. Хренникова Ростропович был восстановлен в Союзе
композиторов СССР.
«Виолончельный оркестр»
М. Ростропович был выдающейся личностью. Какой бы области музыкальной деятельности ни касался маэстро, будь то
исполнительство, дирижирование, композиторское творчество, педагогика — от него исходил мощнейший импульс развития.
Именно с его появлением на сцене неимоверно возросла роль виолончели как
сольного инструмента; она заняла достойное место в одном ряду с роялем
и скрипкой. Благодаря ему невероятно
расширился виолончельный репертуар.
Ростроповичу посвящены десятки, если не
сотни произведений, среди них опусы Прокофьева, Шостаковича, Хачатуряна, Шнитке, Бриттена, Дютийе, Мессиана, Лютославского, Пендерецкого, Щедрина…
В 1960 – 1970-х годах, когда Конкурс
им. Чайковского был одним из самых престижных (если не самым престижным) состязаний виолончелистов в мире, только его
ученики брали первые премии: в 1962 Н. Шаховская, в 1966 К. Георгиан, в 1970 Д. Герингас. (В июне 1974, когда Ростропович только
что покинул СССР, его ученик И. Монигетти был удостоен II премии).
Ярчайшей кульминацией Фестиваля стал
«Парад виолончелистов» в Зале им. Чайковского, в котором приняли участие ученики и младшие коллеги маэстро: Д. Герингас, И. Монигетти, А. Князев, Д. Шаповалов,
Б. Андрианов, А. Бузлов, К. Родин, Е. Румянцев, а также солисты ведущих столичных оркестров: РНО, ГАСО им. Светланова,
«Новая Россия», АСО Московской филармонии, МГАСО под управлением П. Когана,
БСО им. П.И. Чайковского, оркестров «Виртуозы Москвы» и Musica Viva — всего около
70 лучших виолончелистов Москвы.
Д. Шаповалов: «Когда Ольга Ростропович предложила мне возглавить большой
виолончельный проект в рамках фестиваля, я был очень рад, потому что понял, что
Мстислав Леопольдович такую историю
сразу бы одобрил. Он любил общаться
и любил большие компании, и в нашем
проекте все это есть».
По словам Д. Шаповалова, исполнялись
«произведения, посвященные Ростроповичу, произведения, премьерой которых он
дирижировал, одна из пьес его собственного сочинения и, конечно, наиболее популярные произведения виолончельного
репертуара, большинство из которых он
сам часто играл» («АиФ»).
Кстати, «одна из пьес его собственного
сочинения» — Юмореска, которая была
обязательным произведением на XIII Конкурсе им. Чайковского в 2007 (до своей
смерти Ростропович возглавлял Оргкомитет этого Конкурса).
«Виолончельный оркестр» вышел на сцену во II отделении концерта, исполнив «Вокализ» Рахманинова, «Libertango» Пьяццоллы, «Болеро» Равеля в аранжировках
А. Васильева, а также «Гамлет-Балладу»
Р. Щедрина, написанную для 1000 виолончелей: ее премьера с участием самого
М. Ростроповича состоялась 22 мая 2004
в японском городе Кобэ, а в России — на
I Фестивале «Приношение Ростроповичу»
в Москве (см. «МО», № 3, 2008).
Концерт М. Венгерова на Фестивале примечателен тем, что это был фактически первый серьезный «сольник» скрипача после
большого перерыва, вызванного болезнью
руки и освоением профессии дирижера.
В программе — Партита для скрипки соло
Баха, Соната для скрипки и клавира Генделя,
«Крейцерова соната» Бетховена (партнером
М. Венгерова выступил пианист В. Папян).
О. Ростропович: «Максим Венгеров
много выступал с папой, у них были очень
близкие отношения, как у отца и сына.
И после ухода папы Максим на какое-то
время отошел от игры на скрипке, по многим обстоятельствам – он хотел заниматься дирижированием, потом были некоторые проблемы с рукой, которые, к счастью,
сейчас уже устранены. Он возвращается
к концертной сцене» (радио «Свобода»).
М. Венгеров: «Я встретил маэстро Ростроповича, и он мне открыл двери в другой мир музыки. К тому времени я уже достаточно свободно ощущал себя, когда интерпретировал любое сочинение. Но маэстро взял и поломал. Он мне сразу сказал:
ты — колоссальный скрипач, тебе нужна
только стратосфера. И он помогал мне почувствовать эту стратосферу. Главное, что
он научил меня общению музыкантов —
когда ты не просто играешь, а слушаешь
другого и должен перевоплощаться в разные роли. Он так говорил: в этой части
у тебя роль слуги, ты аккомпанируешь, служишь хозяину, а я играю тему. А теперь
я тебе служу. И я долго не мог понять, как
это — служить. Наконец я осознал, что не
только не слушаю, как он играет, и не могу
поддержать его тему, но и в жизни, когда с
кем-то разговариваю, слушаю только себя.
Вот так музыка и маэстро Ростропович научили меня не только хорошо играть на
скрипке, но и жизни» (Российская газета).
В 2004 музыканты были удостоены
«Грэмми» за запись скрипичных концертов Б. Бриттена и У. Уолтона (солист
М. Венгеров, Лондонский симфонический
оркестр, дирижер М. Ростропович).
Еще один вечер был посвящен джазу:
в Зале им. Чайковского выступило The Dizzy
Gillespie All-Star Big Band из США. Этот концерт О. Ростропович на пресс-конференции,
посвященной фестивалю, назвала «дочерней шалостью»: «Папа в свое время очень
ругался на меня и сестру за то, что мы слушаем всякую ерунду, например, The Beatles,
вместо того чтобы заниматься инструментом. Но сам папа очень ценил высокий
профессионализм во всех сферах и любил
хороший джаз».
В этом году концерты Фестиваля впервые
состоялись в российских регионах: Нижнем
Новгороде, Воронеже (родной город Л. Ростроповича, отца М. Ростроповича), Саратове (где семья жила еще до рождения Мстислава Леопольдовича), Оренбурге (родина
матери Ростроповича С. Федотовой; в Оренбурге семья Ростроповичей была в эвакуации, здесь же в 1942 скончался Л.В. Ростропович). Но, разумеется, все главное было
сосредоточено в столице. Фестиваль, посвященный М. Ростроповичу, два года назад
буквально ворвался в музыкальную жизнь
Москвы, можно сказать, «вне расписания».
Своими роскошными программами, невероятно мощным составом участников (а среди них в 2010 и 2011, в частности, были
оркестры Ю. Темирканова, Ю. Башмета,
М. Плетнева, оркестр Maggio musicale
fiorentino под управлением З. Меты, художественный руководитель Вашингтонского симфонического оркестра К. фон Эшенбах, Г. Кремер и «Кремерата Балтика»,
С. Крылов и English Chamber Orchestra, Американский театр балета, Д. Мацуев…)
Фестиваль придал и без того чрезвычайно
насыщенной в этот период столичной концертной и театральной жизни просто космические масштабы. Но если в предыдущие
годы «Неделя Ростроповича» вписалась в эту
жизнь в высшей степени органично, то
ныне, растянувшись на месяц, совпав с фестивалем «Золотая Маска», Пасхальным
фестивалем, премьерами «Войны и мира»
в театре им. Станиславского и НемировичаДанченко и «Кавалера розы» в Большом, гастролями Чикагского симфонического
оркестра (а ведь есть еще и повседневная
филармоническая жизнь!), Фестиваль Ростроповича не просто перенасытил ситуацию, что привело к некоторым проблемам
с заполнением концертных залов. Ведь на
концерты академической музыки традиционно ходит практически одна и та же немногочисленная прослойка слушателей. Как
следствие, на концерт, к примеру, Orchestre
de Paris (а также на некоторые концерты Пасхального фестиваля) билеты так
на стр.8 



7
событие
музыкальное обозрение | №5(341). 2012
фото
В. Г ригорович а . 1992
8
и не были распроданы, пришлось приглашать
«филармонических бабушек» (что, конечно,
тоже очень хорошо); к концу «Леди Макбет…»
Большой зал консерватории был заполнен едва
ли не наполовину (далеко не все выдержали
«испытание» оперой), а на джазовом концерте публику буквально зазывали в партер…
Был бы сам Мстислав Леопольдович
удовлетворен подобной ситуацией? И выдержит ли Москва очередное «цунами»
в следующем году, если это вновь будет
«Месяц Ростроповича»?
Концепция фестиваля
С одной стороны, ее можно назвать
продуманной и выстроенной. Самые выдающиеся музыканты не стесняются признаваться в том, что из уважения и любви
к маэстро Ростроповичу они готовы отменить или перенести давно запланированные гастроли. Магнетизм личности великого музыканта воздействует и сегодня,
когда маэстро уже нет с нами. В программах — великие творения, в том числе
посвященные Ростроповичу.
С другой стороны, под эгидой имени Ростроповича можно провести практически
любое самое масштабное событие. С любым
составом участников — вряд ли кто-то из
современных музыкантов откажется выступить «в честь Славы». С любыми программами — ибо едва ли найдется сочинение
для виолончели, которое он бы не исполнял,
и не так уж много отыщется оркестровых
и оперных партитур, не входивших в его репертуар. И даже сочинение, посвященное,
к примеру, английской королеве, вполне вписалось бы в программу любого концерта, хотя
бы потому, что Ростропович праздновал свое
75-летие в Букингемском дворце.
Можно пригласить исполнителей из любой страны, потому что Ростропович
играл практически везде и был связан
творческими узами со всеми известными
оркестрами. И даже событие № 1 сезона 2011
– 2012 — визит Чикагского симфонического оркестра, гастролировавшего в России совсем по другому поводу, в рамках
«Американских сезонов» в России и проекта двух президентов, — не обошелся без магии маэстро. Совершенно неожиданно (или
закономерно?) оркестр посвятил Ростроповичу свой первый концерт в Москве!
Характерна реплика О. Ростропович. На
вопрос о том, как ей удается уже который
год собирать столь блистательный состав
участников Фестиваля, она ответила: «Я им
просто звоню и договариваюсь. Если не получается в этом году, договариваюсь на следующий».
Хотя выбор солистов на сей раз вовсе не
означал действительно выдающегося исполнительского уровня некоторых из них
(например, китайская пианистка Юджа
Вонг откровенно «завалила» 3-й концерт
Прокофьева на концерте-закрытии).
Во всех мероприятиях фестиваля чувствовалось присутствие любимого детища М. Ростроповича — его семьи. Можно
восхищаться силой духа Г.П. Вишневской.
Разумеется, первостепенную роль сыграла О. Ростропович, как и ее супруг, вицепрезидент Фонда Ростроповича А. Попов.
Чего не хватало фестивалю, так это более
интенсивного информационного сопровождения. Афиш и баннеров в Москве было,
пожалуй, недостаточно. Ввиду отсутствия
полноценного пресс-центра сложно было
получить какую-либо дополнительную информацию о концертах. Так и осталась тайной информация о бюджете фестиваля,
хотя его масштабы вполне можно представить, учитывая число и уровень приглашенных исполнителей и коллективов, стоимость аренды залов и иные расходы.
Не только концерты
24 апреля было официально объявлено
об открытии Центра культурного и исторического наследия М. Ростроповича и
Г. Вишневской в Москве (филиал ГЦММК
им. Глинки). Он будет располагаться на
Кудринской площади, в здании Культурного центра им. П.И. Чайковского.
Идея создания подобного хранилища,
где было бы собрано уникальное наследие
уникальной семьи, которое пока что находится в разрозненном виде (в Москве,
Петербурге, Париже), возникла довольно
давно. Ее озвучил и В. Путин в своем выступлении 29 марта на открытии памятника М. Ростроповичу.
Кстати, в свое время (12 мая 2008) В. Путин
открыл выставку коллекции произведений
искусства, собранной Ростроповичем
и Вишневской и в 2007 размещенной
в Константиновском дворце в СанктПетербурге. Как известно, вскоре после
смерти маэстро коллекция была выставлена
Г. Вишневской на продажу на аукционе
Sotheby's, но за день до проведения торгов
приобретена предпринимателем А. Усмановым и передана им в дар государству. Теперь
она носит название «Коллекция Константиновского дворца. Дар А. Усманова».
Это собрание произведений русского искусства XVII – XX вв. включает в себя более
900 экспонатов: живопись и графику, фарфор и стекло, бронзу и малахит, резную
кость и финифть. На протяжении 30 лет
М. Ростропович и Г. Вишневская собирали
эту коллекцию в России и за рубежом.
Здесь картины В. Боровиковского, А. Венецианова, К. Брюллова, И. Репина, В. Серова, Н. Рериха, Б. Григорьева, вернувшиеся в Россию (в т.ч. коллекция живописных
и графических работ Репина, масштабное
полотно Григорьева «Лики России» и его
более поздние работы, знаменитый портрет Авроры Демидовой кисти Брюллова).
Морские пейзажи Айвазовского и Боголюбова, эскизы Левитана, работы передвижников, Добужинского, Малявина, Коровина, Судейкина… Основательно представлен русский фарфор (в т.ч. самый ранний,
периода царствования Елизаветы Петровны, и знаменитый «агитационный» фарфор первых лет советской власти). По экспозиции можно проследить всю историю
развития русского стекольного производства с начала XVIII в. Небольшое собрание
серебра включает изделия фирмы Фаберже. Представлена и коллекция предметов,
украшенных финифтью и резной костью.
Но это в Петербурге. Что касается Москвы,
то, как заметил на пресс-конференции, посвященной созданию Центра, министр
культуры А. Авдеев, это здание и земля —
«собственность Правительства Москвы,
которое передает ее на баланс Министерства
культуры. Сейчас экспозиционные площади
занимают 1700 – 1800 кв.м. Кроме того, зарезервирован небольшой свободный участок
для развития этого центра. Будет выстроена
вторая очередь центра, ориентировочно,
3000 – 5000 кв.м. И тогда здесь разместится
постоянная экспозиция культурного центра
Ростроповича – Вишневской; здесь мы сможем организовывать концерты, другие выставки и большую музыкально-культурную
деятельность, связанную как с жизнью Петра Ильича Чайковского, так и со всем, что
имеет отношение к выдающейся деятельности М.Л. Ростроповича и Г.П. Вишневской.
Министерство к ульт у ры полностью
берет на себя ответственность за охрану, за
страхование, за атмосферу <…> Я хотел бы
перечислить некоторые бесценные вещи,
которые находятся в коллекции. Это творческий архив Мстислава Леопольдовича Ростроповича, рукописи произведений великих композиторов, посвященных ему и Галине Павловне Вишневской: Шостаковича,
Прокофьева, Бриттена, Дютийе, Лютославского, Пендерецкого, Шнитке, Бернстайна
и других. Виолончели Ростроповича, на которых он играл. Его награды, среди которых
более 20 только высших орденов различных
стран мира. Сюда же относится личный
творческий архив Галины Павловны и Ваши,
Галина Павловна, сценические костюмы.
Ко второму разделу относятся такие
культурные ценности, как письма Чайковского, Римского-Корсакова, Бородина, Мусорского, Балакирева, Шаляпина, личный
архив Репина, переписка Репина с Горьким, Толстым, Чеховым, Куинджи, Верещагиным, Серовым. Творческие архивы
Шнитке, Малько. Картины и рисунки с дарственными надписями Дали, Шагала, работы Серова, Репина, Григорьева, Малявина и других художников XIX – XX веков.
Третья часть — это приобретенные архивы деятелей русской истории: письма
императрицы Екатерины II, дневники императрицы Марии Федоровны, дневник
цесаревича Алексея. Следственное дело об
убийстве царской семьи следователя Соколова, дело Распутина. Переписка членов
императорской семьи. Многие исторические документы, произведения искусства,
которые хранятся сейчас в разных местах.
Появлением такого центра мы демонстрируем наше желание и волю продолжить навсегда наше общение с великим
маэстро М.Л. Ростроповичем. Мы признательны Г.П. Вишневской, семье Галины
Павловны и Мстислава Леопольдовича за
этот знаковый жест для нашей культуры
— передачу этой коллекции сюда в центр,
где она будет напоминать нам не только о
жизни наших великих современников, но
и о нашей музыкальной культуре».
Вот как Г. Вишневская обосновала создание Центра: «Время идет, все это надо разбирать. Коллекция огромная, тысячи страниц
рукописей, писем, экспонатов. Она требует
большого помещения, чтобы разместить ее
так, как она этого достойна. Сейчас она лежит вся в ящиках, в разных странах, что-то
находится здесь, в России, часть вещей мы
передали на выставку в музее Глинки.
Мстислав Леопольдович собирал все, что
касается России, и хотел, чтобы этим могли пользоваться русские люди. За границей он собирал абсолютно все. То, что
здесь — это лишь маленький кусочек айсберга. Все это требует очень бережного,
внимательного, серьезного отношения
к таким ценностям — государственным,
не только личным.
Нужно сделать архив доступным для исследователей, знатоков, искусствоведов.
Архив требует профессионального хранения, а не так, чтобы протекло с потолка или
соседи где-то залили в ванной или на кухне. Нужна охрана, страхование, противопожарная безопасность и т.д. Поэтому
встал вопрос о помещении, где можно было
бы разместить эти сокровища. Я обратилась в Правительство России с просьбой
о создании этого центра именно в Москве,
чтобы сюда могли приходить профессионалы и работать с этим архивом. Так родилась идея разместить архив в этом здании.
Во главе центра будет семья, фон д
Ростроповича, возглавляемый мною и моими двумя дочерьми».
Фотографы и телеоператоры получили
возможность первыми запечатлеть некоторые экспонаты, которые представили
Г. Вишневская и Е. Ростропович:
«Дневник царевича Алексея, 1917 год. Вот
надпись: “Дорогому моему Алексею от
мамы. Царское село”. Переписка царских
детей с их тетей, великой княгиней Ксенией Александровной. У нас в коллекции находятся 34 письма Чайковского, которые
мы хотим экспонировать. Письма Римского-Корсакова, Балакирева. Рукописи концертов, посвященных Ростроповичу, посвященных мне. Письма Римского-Корсакова тоже будут экспонироваться».
На вопрос, какова ситуация с квартирой
Д. Шостаковича в Петербурге, Г. Вишневская ответила:
«Ростропович выкупил квартиру родителей Шостаковича на улице Марата, где композитор жил до 1932. Там была написана
«Леди Макбет Мценского уезда». Уже одно
это, казалось бы, должно подать идею Музея-квартиры. Там была коммуналка, жили
три семьи. Мы ее расселили, купили каждой
семье по квартире и сделали там музей. Подарили эту квартиру городу в 2006, устроили концерт, подписали какие-то акты. Примерно через полгода я получаю письмо
из театрального общества: «Квартиру, которую вы подарили, мы не можем оформить,
перевести из жилого фонда в нежилой».
И просят, чтобы я пошла и похлопотала, чтобы перевести все это дело, и тогда они могут взять этот подарок. Я сказала: «Спасибо, но если вам это не нужно, я верну это
себе». Так что эта квартира опять наша.
Еще в 1996 мы купили дом в Петербурге
на набережной Невы, постепенно расселили его (там было 42 квартиры) и хотели
сделать архив. Но все-таки это жилой дом,
он не приспособлен для архива.
Я в своей жизни никаких подарков от
государства не получала, сама все заработала. Наоборот, я дарю и отдаю свое. И я
счастлива, что отдаю именно заработанное мною и Ростроповичем. Это дар, который мы делаем с большим удовольствием
и от всей души для России».
А. Авдеев: «Надо все делать не торопясь,
но основательно. Будут завезены архивы,
приобретено выставочное оборудование,
витрины. Строительство в наше время быстро не идет, тем более в центре Москвы.
Я думаю, что за 3 – 4 года мы управимся,
если будет хороший проект. Я надеюсь, что
в ближайший год отменят 94-ый закон,
у нас будет уже не тяжелейшая конкурсная процедура, а более легкая процедура
выбора и проекта, и строителей — это нам
поможет сократить сроки постройки.
Министерство культуры не является сторонником передачи коллекции в собственность государства. Нам очень важно, чтобы
это была собственность семьи, но экспонировалась постоянно в федеральном музее.
Это знаковая акция, которая нам поможет
привлечь в государственный федеральный
музей и другие коллекции. Нам очень важно, чтобы гражданское общество убедилось
на этом примере, что можно делать федеральный музей, часть постоянной экспозиции которого будет состоять из частных
коллекций. Это не затрагивает интересы
владельца, но это идет на службу обществу.
Поэтому я думаю, что если мы будем работать по такой формуле, она будет своего
рода приглашением и для других крупных
9
событие
музыкальное обозрение | №5(341). 2012
частных коллекционеров активно участвовать в музейной жизни страны
Мы безмерно благодарны Вам, Галина
Павловна, за этот замечательный благородный жест, благодарны членам Вашей семьи,
благодарны воле Мстислава Леопольдовича, потому что он неоднократно высказывал в прессе и в личном общении идею создания такого культурного центра в Москве.
Этот центр будет напоминать нам о творческом гении выдающегося музыканта».
Тем не менее, этот Культурный центр
по-прежнему будет носить имя П.И. Чайковского, и там, как и раньше, будет располагаться экспозиция «Музей П.И. Чайковского в Москве».
Выставка
25 апреля в Музее им. Глинки начала
работу экспозиция «Ростропович —
Вишневская. Судеб скрещенье», на которой представлена часть архива. Выставк у открыла Г.П. Вишневска я. В числе
гостей — А. Авдеев, Н. Ельцина, Н. Солженицына, известные политики и деятели
культуры, близкие друзья семьи.
На выставке — уникальные документы,
личные вещи артистов, свидетельства их
жизни до судьбоносной встречи в Праге
в 1955 и последующей более чем полувековой совместной жизни. Виолончельный
футляр маленького Славы, его похвальные
листы с круглыми пятерками, оригинал открытого письма в защиту Солженицына.
Удостоверение о награждении Г. Вишневской медалью «За оборону Ленинграда», ее
сценические платья. Та самая ваза, в которую Ростропович в качестве признания
в любви положил ландыши и соленые огурцы. Автографы Прокофьева, Шостаковича,
Бриттена, Бернстайна, Шнитке, Пикассо,
Солженицына. Официальные документы
о лишении Ростроповича и Вишневской
гражданства СССР. Награды М. Ростроповича, его уникальные инструменты…
Выставка продлится до 30 июня, затем
будет показана в Санкт-Петербурге и Париже. После этого большинство экспонатов будут переданы в Центр культурного
и исторического наследия М. Ростроповича и Г. Вишневской.
В общем, Ростропович — наше все.
Как Пушкин, Глинка Чайковский, Лев
Толстой. Наверное, настала пора изучения его жизни и творчества в музыкальных у чебных заведениях, как
великого деятеля русской культуры
ХХ – XXI веков.
Ростропович и «МО»
Маэстро был другом нашей газеты. Както он заметил: «“Музыкальное обозрение”
читаю с удовольствием. Потому что эта
единственная серьезная музыкальная газета, которая у нас существует. Единственная газета которая дает по-настоящему
сильное и полное ощущение того, что есть
в настоящей музыке».
Слова великого музыканта, дружившего
с Прокофьевым и Шостаковичем, Бриттеном
и Бернстайном, встречавшегося с Сибелиусом, Стравинским, Хиндемитом, дорогого
стоят. Особенно сейчас, когда друг за другом появляются издания, — увы! — снижающие уровень музыкальной прессы…
В 2005 М. Ростропович и Г. Вишневская были названы в рейтинге «МО»
персонами года.
В 2006 маэстро дал главному редактору
«МО» А. Устинову одно из своих последних интервью. Начавшись в Саратове, беседа продолжилась в Москве и Париже.
На вопрос, грядет ли крах культуры, Ростропович ответил: «Если технический
прогресс в области электронных технологий остановится, то, может быть, мы начнем возвращаться к тому, что связано
с красотой жизни, с красотой искусства,
с красотой литературы».
Конечно, маэстро понимал, что ни бизнес,
ни технический прогресс остановить невозможно. Это понимаем и мы. Но пока живо
искусство Ростроповича, его традиции, пока
он продолжает дарить человечеству великую музыку — теперь уже звучащую словно
бы от его имени, в его честь и память, — можно надеяться, что культура выстоит. А преодолевать трудности и драматические
жизненные коллизии надо учиться у Ростроповича — с улыбкой и верой в будущее.
Так, как это делал он, Слава.

« МО »
Класс №19
нига ученицы М. Ростроповича
вышла на западе за несколько
месяцев до его смерти в 2007.
А начало работы над ней было положено
в 2004 при поддержке самого музыканта
и его учеников. Поэтому здесь представлен ряд эксклюзивов — фотографии
из личного архива, документы, и главное
— личные беседы с маэстро. Именно свой
субъективный взгляд на прожитые события отличают эту работу от других многочисленных книг о Ростроповиче. При
этом отечественная литература о виолончелисте на сегодняшний день измеряется
десятком изданий. Среди них две монографии Т. Гайдамович (1963, 2001), книга
Л. Гинзбург (1963). Т. Грум-Гржимайло,
практически летописец семьи Ростроповича-Вишневской, подготовила множество статей и две книги «Ростропович
и его современники» (1997) и «Слава
и Галина» (2007). Две монографии
принадлежат С. Хентовой, есть работа
М. Спектора и исследование А. Акиньшина
о предках виолончелиста (Воронеж, 2006).
Учитель
И все же уникальность книги в другом –
в том, что Ростропович представлен здесь
в первую очередь как уникальный педагог
с четко продуманной системой обучения.
И об этом Уилсон может говорить с уверенность, так как с 1964 по 1971 гг. она училась
у него в Московской консерватории.
По ее высказываниям можно представить
атмосферу обожания, которая царила
в классе №19. И не только студенты боготворили Ростроповича, но и маэстро относился к своим ученикам по-особенному.
На первом собрании со студентами он говорил: «Я хочу узнать ваши интересы, прочитать книги, которые вы читаете, заглянуть в ваши души, чтобы всестороннее
развивать вас». Как пишет Уилсон, за рубежом «он не принял ни одного предложения
о регулярной преподавательской деятельности и не поддерживал ни с одной другой
группой молодых музыкантов такой же
непрерывной связи, как с учениками своего класса в Москве».
Главная идея, проводимая автором
в том, что педагогика мыслилась им как
часть исполнительства, отделить одно
от другого для него было невозможно.
Поэтому много внимания уделяется исполнительскому анализу его записей
и концертов, трактовке сочинений композиторов XX в. И в этом смысле книга
Уилсон – не просто очередная биография
о Ростроповиче, она представляет профессиональный интерес для музыкантов.
В книге сосуществует несколько повествовательных линий. Описание главных
событий жизни — от рождения до отъезда из Советского Союза в 1974 — дополняется подробными экскурсами в историю
виолончельного искусства в России и
рассказами о педагогах-виолончелистах.
Вторая линия — описание дружбы Ростроповича с великими композиторами
XX в. (от Глиэра до С. Прокофьева и Д. Шостаковича), чему посвящены отдельные
главы. И в этом контексте книга пересекается с другой работой Уилсон — о Шостаковиче (в русском переводе вышла в 2006),
которого она также знала лично. Дело
в том, что ее отец был послом Англии
в СССР и президентом колледжа в Кембридже, принимал участие в деле А. Солженицына, дружил с Рихтером и вообще
был большим любителем музыки. Поэтому в их доме всегда собирались знаменитости. Именно к ее родителям приехал
Ростропович после отъезда из страны,
у них останавливалась чета Шостаковичей
во время поездки в Англию в 1972.
И еще один план повествования —
интермедии, представляющие собой
монологи учеников о методике занятий
Ростроповича. Среди них — глава Н. Шаховской, А. Кнайфеля (учился и как композитор и как виолончелист), Н. Гутман,
К. Георгиан, В. Яглинг, И. Монигетти
(в приложении — список студентов
М. Ростроповича по классу виолончели
за 1947-1974). Все они отмечают необыкновенно образный язык маэстро, его способность метко характеризовать и музыку
и необходимую манеру исполнения.
Уилсон Э. Мстислав Ростропович.
Композитор, учитель, легенда /
Пер. с англ. К. Савельева.
М.: Эксмо, 2011. – 512 с., ил. Тираж 2000 экз.
Свой акцент
Некоторые культурологические
и исторические рассуждения автора все
же выглядят достаточно прямолинейными в силу того, что автор принадлежит другой культуре. Так, она пишет:
«русская педагогическая традиция
всегда исходила из того, что артист
несет ответственность не только
перед великими мастерами прошлого,
но и перед грядущими поколениями.
Эта концепция соответствовала общественному принципу коллективного
сознания, пропагандируемому советской идеологией».
«Иностранный акцент» ощущается
и в том, что Уилсон пытается проникнуть
в суть «неповторимой русской души».
И в этом ее выручает сам Ростропович.
Она приводит его слова: «Ростропович
говорил западным музыкантам, что
лучший способ проникнуть в суть
русской музыки — это читать Чехова
и Достоевского. Здесь музыкант может
подобрать ключ к национальному характеру, который Ростропович понимал
как непрерывное колебание между
крайними проявлениями восторга
и депрессии, чередование возвышенных
мечтаний о недостижимом величии
с периодами полной безысходности,
когда печали и горести тонут в водке».
Теперь о «ложках дегтя», относящихся
не к автору, а к русскому изданию.
Во-первых, почему-то на суперобложке
Ростропович в первую очередь именуется как композитор, потом как учитель
и легенда. Но не как великий виолончелист (в английском оригинале именно
так). Да, действительно в юности
он проявлял незаурядные способности
к сочинительству, но прославился он
все же не этим. Официозно выглядят цитаты на форзацах. Среди выбранных персон — В. Путин, Ж. Ширак, А. Вознесенский, епископ Венский и Австрийский
Илларион и др. Кроме того, в английской
версии предусмотрен алфавитный указатель упоминаемых персон, что облегчает
чтение книги и поиск информации. У нас
навигатор отсутствует вовсе.
Максимы Ростроповича
«Концентрация при исполнении должна быть такой, что если во время твоей
игры кто-то подошел бы и срывал с тебя
одежду, ты бы этого не заметила».
Формула успеха: «Десять новых
концертов улучшают старую программу
в два раза».
«Музыканту важно определять свой
первоначальный замысел и уметь воплотить его в реальность. Могу сказать, что
я этим занимаюсь весь последний кусок
жизни — а он очень длинный, около
60 лет. И в конечном счете я никогда
не доходил до половины моего идеала
в исполнении».
«Музыкант не должен казаться исполнителем. Он должен казаться сочинителем. Не играть, а сочинять при публике
музыку. Тогда ему поверят».
Причем можно исполнять произведение бесчисленное множество раз,
но сохранять ощущение его рождения
на эстраде».
«Музыка — это исцеление. Музыка
зажигает факел добра и может переустроить, усовершенствовать мир».

Екатерина Ключникова
10
музыкальный театр
премьера
музыкальное обозрение | №5(341). 2012
После мира и войны
Ф ото М. Логвинов
В Музыкальном театре им. К.С. Станиславского и Вл.И. Немировича-Данченко поставлена опера
С. Прокофьева «Война и мир». Спектакль стал торжеством патриотизма
Музыка С. Прокофьева
Либретто С. Прокофьева
и М. Мендельсон-Прокофьевой
по одноименному роману Л. Толстого
Музыкальный руководитель Ф. Коробов
Режиссер А. Титель
Художник-постановщик В. Арефьев
Художник по костюмам О. Поликарпова
Главный хормейстер С. Лыков
Художник по свету Д. Исмагилов
Хореограф Л. Александрова
Исполнители:
Князь Андрей Болконский Д. Зуев
Наташа Ростова Н. Петрожицкая
Пьер Безухов Н. Ерохин
Наполеон А. Согомонян
Кутузов Д. Ульянов
Около 70 действующих лиц, 300 статистов
«Мосфильма», Капелла им. Судакова
Спектакль идет около 4 часов
Час икс
Для прокофьевского гиганта «Война и мир»
трудно представить более подходящее время, чем нынешний сезон. Широко отмечаемое 200-летие Бородинского сражения, как
очередная попытка формирования коллективной памяти с помощью национальных
праздников, актуализирует все артефакты о
событиях 1812 г. Поэтому постановка в Музыкальном театре им. Станиславского и Немировича-Данченко выходит за рамки только
музыкального события, вписываясь в ряд
официозов, глянцевых переизданий «Бородино», шумихи вокруг продаж земли на Бородинском поле и реконструкции музея-панорамы сражения (вновь открыта в марте
2012).
Помимо желания поставить этот оперный
колосс театр мобилизовал все возможные ресурсы – финансовые (оказана поддержка
Правительства Москвы), постановочные, артистические и организационные. Репетиции
шли около полугода с осени 2011. Почти все 70
главных действующих лиц, требуемых
в партитуре (это рекорд в мировой оперной
практике), из собственного штата. Для обустройства батальных сцен дополнительно привлечено около 300 статистов Мосфильма. Хоровая часть усилена капеллой им. Судакова.
Для создания исторического шика художник
по костюмам О. Поликарпова разработала по
эскизам XIX в. более полутысячи костюмов.
Это и платья ампир, русское и французское военное обмундирование, зипуны для
ополченцев и др. А еще всевозможные
галуны, эполеты, кивера, перевязи, обшлаги, аксельбанты, плюмажи...
Театр не в первый раз обращается к этой
опере. Именно здесь в 1957 г. впервые показали все 13 картин «Войны и мира». Эта
версия (с небольшими изменениями во
2 действии) взята за основу и теперь.
Коллектив был причастен и к знаменитой
киноверсии эпопеи Ф. Бондарчука: его балетмейстер В. Бурмейстер делал для фильма хореографические сцены.
Вечный сюжет
Восприятие оперы Прокофьева невозможно представить вне связи с произведением
Л. Толстого, которое превратилось в один из
«вечных сюжетов». Их глубина, архетипичность и многослойность порождают постоянные интерпретации. Среди них – Дон
Жуан, Ромео и Джульетта, Прометей, Дон Кихот и др. Вот и в актуальности «Войны и мира»
никто сегодня не усомнится. Пусть мало кто
дочитывал толстовские 4 тома до конца, но
культовые фильмы-эпопеи наверняка видели многие. Это американо-итальянская
версия 1956 г., режиссер К. Видор с О. Хепберн
в роли Наташи. А в 1967 на экраны вышла легендарная лента Ф. Бондарчука с В. Тихоновым-Андреем и Л. Савельевой-Наташей.
Сама фигура Толстого сегодня претендует
на роль «властителя дум» (чего стоит ажиотаж вокруг его новой биографии «Бегство
из рая» П. Басинского, 2010). И в этом солидарны не только русские, но и известные
литераторы Британии и Америки, называвая
Толстого самым величайших среди писателей всех времен.
Прокофьев тоже рассчитывал на знающего слушателя. Как указывал писатель
Б. Брехт, известные сюжеты нужны для того,
чтобы не отвлекаться на повествование, а говорить о глобальных проблемах, стоящих за
ним. Поэтому между картинами нет причинно-следственных связей и появление новых
персонажей не обусловлено логикой. Не говоря уже об отсутствии мотивации поступков, внутренней речи и эмоциях, о которых
много пишет Толстой. Все это просто физически было бы невозможно уложить в оперный формат. Переложение романа-эпопеи
Толстого с множеством действующих лиц,
сквозных линий, различных планов повествования с философскими отступлениями
в прокрустово ложе оперного формата
можно считать задачей невыполнимой. И последствия этого Прокофьев ощущал в течение последних 12 лет жизни, когда работал
над оперой.
Коллективное творчество
Принято говорить о непростой судьбе оперы, которая кроилась и переделывалась
более 4 раз под воздействием власти, внешних обстоятельств и т.д. Но здесь стоит сказать, что проблемы возникали у Прокофьева
не только с этим opus magnum. Ему постоянно приходилось доказывать, что он «свой» в
советской стране. Так, категорически не принимался балет «Золушка» (в том числе исполнительницей главной роли Г. Улановой).
В тоже время, перенос партитуры оперы на
сцену практически всегда сопровождается
корректурами, связанными с законами театрально-визуального искусства (другое дело,
что часто эти изменения не фиксировались
в нотах). Именно такие «шлифовки» происходили и с полотном «Война и мир», когда автор что-то дописывал, а что-то сокращал.
Так, первая версия из 11 картин (работа над
оперой началась еще в апреле 1941) была исполненная в 1944 г. под фортепиано в Большом зале консерватории (дирижер С. Самосуд). Она получила «зеленый свет» для дальнейших постановок, которые уже велись
в послевоенном климате 1945-1946 гг. Заказ
того времени был связан с усилением патриотической темы в искусстве и откровенной
идеализацией «наших». Именно Самосуд, готовивший премьеру в Ленинградском Малом
оперном театре (ныне Михайловский), указал на недоработки ряда сюжетных линий.
Особенно военно-патриотической (приводил в пример «Ивана Сусанина» и «Руслана
и Людмилу»). Под внешним влиянием была
дописана откровенно ура-патриотическая
музыка и народно-массовые сцены, сопровождаемые словами, как будто с агитплакатов ВОВ.
Можно было бы считать Самосуда «злым
гением» оперы, если бы не благодаря его влияниям появились сцены и мелодии, без которых вообще трудно представить «Войну и
мир». Это Бал со знаменитым вальсом и его
реминисценциями. А еще драматически
важная сцена в Филях, где Кутузов принимает решение сдать Москву. Мучительно создавалась ключевая ария фельдмаршала.
Более 10 попыток Прокофьев приносил Самосуду. Получившаяся «Величавая, в солнечных лучах, матерь русских городов» сегодня
является одним из главных хитов оперы.
Оперный результат трудно сравнивать
с романом Толстого. Это совсем другое прочтение «вечного сюжета», актуальное для
конкретной советской эпохи конца 1940-х –
начала 1950-х гг. У Толстого даже патриотизм
совсем другой – более интимного толка, рафинированный. А палитра характеристик
главных героев всегда многосоставная, с иронией, юмором и сарказмом.
К 1946 г. партитура достигла 13 картин, обросла множеством сценических персонажей
и требовала больших постановочных ресурсов в виде хоров, батальных сцен и т.д. Самосуд и режиссер Б. Покровский, также сыгравший ключевую роль в сценической жизни
оперы, приняли решение поставить «Войну
и мир» в 2 вечера. Спектакль «Мир», выдержавший более 50 представлений, получил
высшую награду того времени — Сталинскую
премию. Но после постановления 1948 г., когда под удар попали главные композиторы
страны, Прокофьева обвинили в «антинародном формализме». И вторую военную часть
сняли с афиш. Позорное обсуждение привело к очередной порции переделок, в основном связанных с внесением купюр и сокращением до одновечернего экшена.
В результате, опубликованная в 1958 г. партитура представляет собой 13 картин, которые можно исполнять и в два вечера с открытием всех купюр и в один. Для истории это
не исключение из правила. По несколько версий существует у «Бориса Годунова» М. Мусоргского, «Дон Карлоса» Дж. Верди, «Леди
Макбет» Д. Шостаковича. Концепция двухвечерней постановки тоже имеет прецеденты. Есть же «Кольцо Нибелунгов» Р. Вагнера,
которое успешно ставится и как целое — в
виде четырехдневного марафона, и как отдельные спектакли. Правда, исполненный
в 1982 г. в Перми двухвечерний вариант «Войны и мира» показал, что он менее убедителен и с художественной точки зрения, и с точки зрения восприятия.
Многолетняя история постановок оперы
показательна в том, что она существует как
«открытая форма», трансформер. И в этом
заключен ее жизненный потенциал.
Без сада и бала
В постановке А. Тителя заострены разрывы между действиями и даже картинами.
Хоровой эпиграф, связывающий «Мир» с победой и патриотическими интонациями финала, снят. Каждая сцена смотрится как
обрыв, что подчеркивается эклектичностью
сценографии. Единственным знаменателем
этой формулы оказываются бытовые предметы – люстры, сундуки, стулья, диваны,
ковры. А собственно сценическое действие
оборачивается закулисьем. Мир уже сотворен где-то там, в сознании каждого. Может
быть, поэтому весь спектакль проходит в белых стенах, чтоб не мешать уже существующим ментальным декорациям (белое сценографическое решение с дверными проемами
использовал Г. Вик в Мариинке). Дверные проемы по бокам – то ли окна, то ли двери –
уместны в мирное время, но для военных действий неудобны. Очень скудной выглядит
цветовая палитра, которая подчас не используется как выразительное средство.
Сад в Отрадном (1 картина) представляет собой отвесную стену, закрывающую сцену, словно застывший занавес. На фоне
видео-проекции шелестящих листьев знаменитого дуба выдвигаются маленькие жердочки. Фактически зависая, Андрей поет
музыкальный театр
музыкальное обозрение | №5(341). 2012
Технология патриотизма
Несмотря на высказанные в интервью желания дирижера и режиссера сделать акцент
на первой части эпопеи, результат получился обратный. Военный запал затмил психологические нюансы и актерскую игру, поэтому первая часть вышла местами затянутой
и скучной. Парадокс же в том, что именно народно-боевые сцены появились из-под пера
композитора под давлением извне. Но Прокофьев был мастером по части манипуляций
человеческими эмоциями и патриотический
драйв у него сделан безукоризненно точно и
эффектно (похоже, он знал «секрет» такого
воздействия уже с Первого фортепианного
концерта). Вот и у Коробова-Тителя крики
«ура», звуки горнов, труб, барабанов, взрывы, стоны раненных, мощная батальная
музыка, хоровые и народные сцены выигрываются с особой тщательностью и приобретают небывалый размах.
Прежде пустой белый прямоугольник сцены наполняется до краев военными, как
будто режиссер хотел воочию воплотить утопические принципы реализма. Правда, проблема в том, что сцена театра не может стать
площадью для военных строевых упражнений, и от условности никуда не сбежать.
Около 300 человек со штыками наголо то
поворачиваются в зал анфас, то строят шеренги, каре, фаланги, образуя идеальные параллели. Массовка уже не уходит со сцены,
символически изображая войну. Она объединяет и русских, и французов, и ополченцев. Чтобы показать разные стороны воющих
на первый план выходят то «наши», то «враги». Они «выдавливаются» общей толпой из
центра. Но статисты, не выполняя никаких
других функций, постепенно воспринимаются уже как неподвижные истуканы.
Людские взаимоотношения на этом фоне
казались чем-то второстепенным. Будь то
встреча Андрея, Денисова и Пьера накануне
Бородинского сражения (8 картина). Или это
Наполеон, чье эффектное появление приветствовалось раздвигающейся диагональю
в 50 человек (в 9 картине). И даже Военный
совет в Филях (10 картина) выглядел — за
исключением, конечно, величальной арии
Кутузова — не столь судьбоносно.
Кульминацию на себя перетянула сцена
«Улицы Москвы» в 11 картине. Видимо, желая придать постановке московский акцент,
были сделаны специальные перестановки и
раскрыты купюры, усиливающие единую
драматургическую линию. Символами грабежа и одновременно спешного побега стали
передаваемые по рукам массовки картины,
самовары, ковры и даже люди. После душераздирающего крика Наполеона «Скифы!»
(кстати, скифская философия была близка мировоззрению Прокофьева) исполнители буквально раздавили слушателей хором «В ночку темную» (обычно он не исполняется). Чтоб
усилить и без того понятный месседж этой
клятвы, ее текст транслировался на занавесе
(прием заимствован из постановки «Золотого петушка» К. Серебренникова). Жаль, что
текстовая строка не предусмотрена с начала
Сопрано Наталья Петрожицкая (Наташа Ростова) действовала профессионально.
Ее партия качественно сделана, но, может
быть, местами слишком эмоционально и
прямолинейно. Желание как можно лучше
сыграть роль разрушали образ легкомысленной и беззаботной 16-летней девушки.
Из лидерской тройки выбился Д. Зуев, исполнявший Андрея Болконского. Его образ
получился слишком выхолощенный и одномерный. Несколько комичной вышла роль
С. Балашова-Курагина, элегантной и даже
положительной Долохова в исполнении
Р. Улыбина. Из стана врагов показали класс
Вяч. Войнаровский как повар Наполеона
и Д. Степанович в роли капитана Рамбаля.
Победа над оперой
Единодушно оценив титаническую работу коллектива (надо сказать, что хвалят всех,
кто обращается к прокофьевскому колоссу),
критики решили не выносить конкретных
суждений или сравнивать с предыдущими
интерпретациями. А между тем главное достоинство постановки как раз в том, что в ней
удалось разрешить сценические «апории»
прокофьевского сочинения, долгое время
считавшиеся ошибками композитора.
Дело в том, что в опере слишком много
разнонаправленных картин, постоянно чередуются масштабные сцены с камерными.
Во втором действии вообще нужно быстро
менять ракурс показа, как в кино, переводить камеру то на русские войска, то на
французские, что трудно сделать в условиях театра. Кроме того, здесь добавляется
Ф ото М. Логвинов
о бренности жизни. Еще выше красотой ночи
восхищаются с дрожью в голосе Наташа и
Соня. Их светлые платья вообще сливаются
с фоном. Вместо тонкой психологической
игры, предполагаемой в партитуре, вокалисты вынуждены в буквальном смысле балансировать (для страховки держаться сзади за
ручки). А публика в страхе за судьбы актеров
уже не слышат прекрасных лирико-психологических оттенков музыки.
Сцены бала (2 картина) тоже фактически нет. Подробно показаны приготовления
(сегодня уже тренд в современной режиссуре) — прислуга расставляет мебель, натирает
полы. В огромном пространстве сцены появляется несколько людей. Но главными героями остаются стулья. Танцевальный выход
императора Александр I (В. Дик) добавляет
комического эффекта, так как судорожные
па не соответствуют его статусу. Можно, конечно, увидеть в этом исторический сарказм
— мол, правитель был слабым и его роль в войне 1812 г. скорее второстепенная. Но выкидывание коленец никак не вяжется с художественной эстетикой.
При этом яркой режиссерской находкой стала сцена вальса. Все ожидают выхода танцевальных пар, а вместо этого знаменитая мелодия начинает звучать при пустой
сцене и приглушенном свете, как интроспекция, «чистая музыка». Танец влюбленных
выписан с кинематографической точностью
– вот крупный план, в центре которого влюбленные. А вот общий план – в кадре появляются легкие кружащиеся пары. Чувства героев также через танец оживут уже во время
войны в 12 картине, ставшей одной из гениальных и новаторских во всей истории мировой оперы. Предсмертный бред князя изображен с помощью хорового фона «пити-пити», неотвязно пульсирующего в сознании
героя. На этом фоне танец Наташи и Андрея,
слишком резвый для умирающего князя, видимо, превращается в вечное движение душ.
Под звон люстр, которые чистит прислуга,
у князя Болконского (3 картина) отказываются принимать Наташу. По замыслу Толстого, именно этот эпизод оказывается ключевым в судьбе героини, толкающий ее на
интригу с Курагиным. Но у исполнителей
сложной перекрестной дуэли не получилось.
Люстры, как потонувшие корабли, создают
антураж в гостиной великосветской львицы Элен Безуховой (4 картина). На огромном диване ее перевозят воздыхатели. Сцена в кабинете Долохова (5 картина), где обсуждается похищение Ростовой, получилась
как фельетон для иностранцев. Подаются все
элементы «русскости»: представитель народа, ямщик Балага, пьющий горькую, здесь же
горячие мужские поцелуи и шуба для будущей невесты. Зачем-то на сцену вывели живую лошадь, перепуганную насмерть, которая никакой функции кроме статичного
антуража так и не выполнила.
Неудавшийся побег Наташи в 6 картине
и 7 картина в кабинете у Пьера Безухова
ничего нового с точки зрения постановки
не принесли. Ощущалось желание скорее
перейти к главному – военному действию.
спектакля, особенно для мирных сцен, где
каждая реплика действительно важна.
Градус эмоций, без того накрученный прокофьевским мастерством и усиленный мощью исполнителей, зашкаливал. И публика,
уже взвинченная кутузовскими славильными речами, окончательно взорвалась патриотическими рукоплесканиями. Заключительная потасовка между двумя группами
массовки выглядела скорее как риторика
действия: и исполнители и публика уже давно праздновали победу.
Механизм
без «нанотехнологий»
Дирижер и оркестр выполнили важную
миссию — соединили огромные части оперного механизма в единую мощную машину,
но в ее движение все же ощущалась напряженность. В оркестре подчеркивались
низкие объемные тембры, ритмические
заклинания (как у Стравинского в «Весне священной»). Хоры-плачи и причитания (открытые когда-то Мусоргским) исполнены грандиозно, с надрывом, поэтому воздействуют
предельно точно. Но для того, чтобы перейти
на более высокий уровень интерпретации,
этого оказалось недостаточно. Для мирного
времени не хватило филигранности и психологической тонкости, как, например, в кружевном спектакле П. Фоменко (идет с 2004).
Среди солистов блистал приглашенный
Н. Ерохин. Его Пьер полностью соответствовал — как внешне, так и внутренне — образу,
созданному в кино. В сложных психологических сценах, например признание в любви
Наташе, конфликтный диалог с Курагиным,
он демонстрировал харизматичный темперамент и актерское мастерство. Еще один лидер
спектакля — Д. Ульянов в роли Кутузова,
сорвавший большинство аплодисментов.
11
премьера
много небольших ролей и сюжетная линия
рассеивается. Но Титель нашел уникальное
решение, которое позволяет обойти переодевания и длительные масштабные перестановки. Он не уводит массовку вообще со
сцены, лишь меняет ее структуры. И в этом
его технологическая победа.
В результате весь военный акт прошел на
одном дыхании, что можно считать чуть ли
не единственным случаем за всю историю
показов «Войны и мира». К концу спектакля
практически не было пустых мест в зале,
а публика не хотела отпускать исполнителей. И это разрушило распространенный
миф о том, что это сочинение сложно досмотреть до конца. Необоснованность таких обвинений очевидна. Ведь пользовались же
успехом постановка канадца Р. Лепажа
«Липсинк», продолжительностью 9 часов
(2009), или «Берег утопии» по Т. Стоппарду
в РАМТе, занимавший около 10 часов.
Опера как National Identity
Успех постановки связан еще и с попаданием в «горизонт ожидания» публики.
В современном контексте российской действительности, с ее воспаленным оппозиционным сознанием и протестными движениями, опера получила единственно
возможное прочтение. Колосса льный
подъем музыки, ощущение общей победы
над коллективным врагом, масштабность
и историзм оказали настолько сильное
эмоциональное воздействие, что национальный синдром разрушил оперу как
художественный текст. Она превратилась
в манифест общественных умонастроений, даже патриотическую демонстрацию.
При этом такого рода актуализация была
создана в сценографии и режиссерских ходах. В созданном на сцене историческом
фоне нет маскарадности или бутафорской
истории, как в модных ролевых играх. Каждый раз подчеркивается, что разыгрываемый спектакль — это часть нас сегодняшних. И толстовский сюжет, и мелодии
Прокофьева, и победа над Наполеоном,
и даже сожжение Москвы — все это лоскутное одеяло общей ментальности. Вот поэтому спектакль показывает оперу не взаправду, а становится как бы фантомом.
Даже сценография готовится заранее —
еще до начала последующей картины. Действие как бы предупреждается заранее,
дается точка отсчета для дальнейшего
воспоминания.
Военный мир вообще оборачивается самоанализом. Постановщики постоянно
ведут диалог с залом. Публика и актеры
уравниваются с помощью общего света, а
расстановка действующих лиц разрушает
рампу. Все это напоминает физиологические воздействия. Это нажимы на «нерв»,
«болевые точки» и «рефлексы» русской
ментальности. Как только пошла речь
о «матери всей земли», национальном враге, «святой Руси», «священной столице»,
зазвучали победные гимны и колокола публика отозвалась неоднократными уравыкриками. Удивительно, но, несмотря на
многочисленные спекуляции, мифология
«National Identity» все также бьет в цель.
Видимо, только такие прямолинейные
идеи и способны сегодня объединять нас,
как прежние лозунги «впереди планеты
всей» или «Москва — Третий Рим».
Хиты постановок
Первое посмертное исполнение последней
завершенной редакции — Флоренция, 1953,
на итальянском языке. Дирижер А. Родзинский, среди исполнителей Ф. Корелли, Э. Бастианини (купированы «Бал» и «Шевардинский редут»).
Советская премьера — Ленинград, 1955, Малый оперный театр. Дирижер Э. Грикуров, режиссер Б. Покровский (без картин «В кабинете Безухова» и «На улицах Москвы»).
Премьера оперы в 13 картинах — Москва, 1957,
Музыкальный театр им. Станиславского и Немировича-Данченко. Дирижер Самосуд, режиссеры Л. Баратов и П. Златогоров.
Премьера полной версии оперы с эпиграфов
(специально дописан для Большого театра) –
Москва, 1959, Большой театр. Дирижер А. Мелик-Пашаев, режиссер Покровский. В ролях
— Е. Кибкало, Г. Вишневская, И. Архипова. Постановка стала основополагающей для отечественной сцены. В 1981 г. была перенесена
на сцену Кремлевского дворца съездов (ныне
Государственный Кремлевский дворец), а также в Мариинский театр (дирижировали в разное время Ю. Темирканов, В. Гергиев).
Первая постановка в два вечера — Пермь,
1982 г., Пермский театр оперы и балета.
Дирижер В. Рылов, режиссер Э. Пасынков.
За рубежом премьеры прошли в: Софии (1957).
Лейпциге (1961), Загребе (1961), Праге (1970).
Английская сценическая премьера состоялась
в 1972, американская в Бостоне — в 1974. В 1973
опера показана на открытии Сиднейской оперы. Шла в аргентинском театре Колон (1984),
Эдинбурге (1989), Сиэтле (1990) и др.
После 90-х
Современным пропагандистом оперы, как
в целом творчества Прокофьева, является
В. Гергиев (поставил все оперное наследие).
В Мариинке сделаны две версии. Первая —
1991 г. в режиссуре Г. Вика (совместно с лондонским «Ковент-Гарденом»). Вторая 2000-х гг. —
масштабно-голливудская интерпретация
А. Кончаловского, но сильно купированная.
Дебютировали А. Нетребко и А. Марков (показывалась в Нью-Йорке).
Самой успешной зарубежной постановкой
последних лет является спектакль парижской
«Опера Бастиль» (2000). Он объединил интернациональную группу, почти половина солистов из России (в том числе А. Кочерга,
О. Гурякова и др.). Дирижер Г. Бертини, режиссер Ф. Замбелло.
В 2005-м в Большой театр к работе над оперой Прокофьева пригласил М. Ростроповича.
Но он оставил музыкальное руководство. Дирижер А. Ведерников. Режиссер И. Поповски.
В 2011 дана абстрактно-модернистская версия в Кёльне (с многочисленными купюрами
и без Кутузова).

Благодарим за комментарии
А.И. Гусева
Екатерина Ключникова
и историческую справку
12
музыкальный театр
премьера
музыкальное обозрение | №5(341). 2012
«Кавалер» как символ Жизни
Ф ото Д а мир Ю су пов
Ф ото Д а мир Ю су пов
Интернациональная команда поставила «Кавалер розы» Р. Штрауса в Большом театре
Умный, тонкий, ироничный
и просто красивый спектакль
С. Лоулесса позволил
проникнуть в бесконечные
подтексты оперы Штрауса
и Гофмансталя, совершить тур
во Вене и истории
Музыка Р. Штрауса
Либретто Г. фон Гофмансталя
Режиссер С. Лоулесс
Музыкальный руководитель,
дирижер В. Синайский
Художник-постановщик Б. Дугардин
Художник по костюмам С. Вилмингтон
Художник по свету П. Пайант
Главный хормейстер В. Борисов
Хореограф Л. Хокни
Исполнители:
Маршальша М. Динер, Е. Годованец
Барон Окс ауф Лерхенау С. Ричардсон,
М. Хемм
Октавиан А. Стефани, А. Кадурина
Софи Л. Петрова, А. Яровая
З
наковый для всего оперного мира
«Кавалер розы» в России абсолютно неизвестен. За более чем
100 летнюю историю существования он появлялся у нас всего дважды. Первый раз — в ленинградском Театре оперы и
балета в режиссуре С. Радлова, дирижировал
В. Дранишников (1928). А потом оперу увидели москвичи — в 1971, когда труппа Венской
оперы привезла ее под руководством дирижера Й. Крипса. Поэтому премьеру в Большом можно считать сенсационной.
Но проблема в том, что музыка Р. Штрауса
в нашей стране не имеет традиции — исполнительской, а тем более слушательской. Еще
больше вопросов возникает именно с партитурой «Кавалера». Сразу же после премьеры
в 1911 ее окрестили «возвращением к корням».
Неожиданно для всех модернист Штраус обратился к «венскому тексту» XVII – XVIII вв.,
к немецким традициям народно-балаганной
культуры. А Гофмансталь превратил все
в эстетскую пародию с аллюзиями на итальянскую комедию масок, мольеровские
пьесы и роман «Любовные похождения
кавалера де Фобласа» Ж.-Б. де Кувре (поэтому нашему сл у шателю, не знающему
немецкого, все время приходится отвлекаться на бегущую строку с русским переводом).
Прошлое помножено на знаки рубежа
XIX – XX вв. Вся эта гремучая смесь оказывается для отечественного меломана, отдаленно знакомого с австро-немецкой системой координат, «черным ящиком», расшифровывать
данные которого могут лишь специалисты.
Штраус по-русски
Но все же наша к ульт у рна я пам ять
хранит периоды штраусомании и связи
с австро-немецкими художественными
традициями разных эпох.
Фигура Р. Штрауса была скандально популярна в России еще при его жизни, став
символом модного декадентства. В 1896
и 1913 он с успехом гастролировал в
России как дирижер. Отрицательная репутация не мешала его музыке прописаться на отечественных сценах и повлиять на
стиль русских композиторов (Скрябина,
Прокофьева и др.). В 1913 «Электру» ставит
Вс. Мейерхольд в Мариинском театре в
тандеме с художником А. Головиным. Уже
после революции в 1924 показана «Саломея» под управлениемВ. Дранишникова
(он же работал и над«Кавалером»). Но
«Rosenkavalier» не успел доехать до Императорских театров, так как в 1914 вышел
декрет на запрет всех сочинений немецких авторов. А в советское время прямые
контакты с музыкой Штрауса закончились.
Последние 20 лет штраусовский оперный
мир возрождается на сцене Мариинского
театра по инициативе В. Гергиева. Он
представил 4 шедевра из 15. Череда постановок началась с «Саломеи» (2000), «Ариадны на Наксосе» (2004), затем показана
«Электра» (2007) и «Женщина без тени»
(2009), получившая «Золотую маску».
За рубежом по степени популярности
с «Кавалером розы» трудно что-либо сравнить. А для венцев этот хит превратился
в своего рода ритуал. Традиции в исполнении были заложены премьерой в Дрезденской Королевской опере с культовыми
декорациями и костюмами А. Роллера.
Всем известна постановка Г. фон Караяна
с Э. Шварцкопф, К. Людвиг. Сделаны записи Дрезденской оперы и оркестра Штатскапеллы с Р. Кемпе, работавшим со Штраусом. Оперу блестяще интерпретировали
такие дирижеры, как К. Краус, К. Бем,
Г. Шолти, Б. Хайтинк и др.
В новой постановке Большого театра, где
начало венской линии положено нашумевшим «Воццеком» А. Берга, учтена история
и русский контекст «Кавалера». Приглашенный режиссер англичанин С. Лоулесс
объединил традицию и новаторство, тонко рассчитал средства выразительности
и показал несколько смысловых уровней,
уходя от оперетточной простоты.
Венский маскарад,
и ничего больше?
Режиссеру удалось сделать сюжет, нагруженный с лож ными д л я нас именами
и длинными разговорными сценами,
легким и непринужденным. И это несмотря
на продолжительность около 4 часов и сложный штраусовский язык, хотя и разбавленный трехдольностью вездесущего вальса.
Время действия 1740-е гг., правление
императрицы Марии Терезии. Фельдмаршальша княгиня Верденберг, она же
Маршальша, влюблена в 17-летнего юношу
—графа Октавиана (эта роль исполняется
женщиной). Чтобы не попасться на измене, он переодевается в горничную, в то
время как в дверь стучится барон Окс (понемецки — бык, простофиля). Волокита
и пропойца, он хочет улучшить свое благосостояние, женившись на дочери богача
Фаниналя, недавно получившего титул
аристократа. Окс ищет поверенного, который по древнему обычаю должен вручить
невесте серебряную розу. Маршальша рекомендует Октавиана, а в это время Окс
ухлестывает за ее вновь испеченной камеристкой Мариандль.
Во время совершения обряда во 2 действии
Окс ведет себя непристойно. А когда Октавиан и Софи остаются одни, то понимают,
что любят друг друга. Защищая девушку
от домогательств жениха, юноша наносит
Оксу незначительную рану, за что Фаниналь
выгоняет его из дома.
Чтобы освободить новую возлюбленную
от Окса, юноша опять переодевается в Мариандль и назначает ему свидание. Розыгрыш барона в 3 действии заканчивается
его разоблачением. Неожиданно в трактир
(а в постановке Лоулесса - кафе), где он уединился с застенчивой горничной, входит
дама, представившаяся его женой, со множеством детей. Все это видит Фаниналь
и Софи, приезжает полиция нравов (у Лоулесса еще и папарацци). Кажется, что поглазеть на скандал собирается вся Вена.
Прибывает Маршальша, которая утихомиривает кузена Окса и советует Октавиану
и Софи отдаться велению сердец.
Режиссер тонко подтрунивает над венскими обычаями и национальными символами, например во II действии вывозят
статую И. Штрауса, короля вальсов, неожиданно появляется Папагено из «Волшебной флейты» Моцарта. В то же время
он мастерски декорирует сцену главными
достопримечательностями Вены, и опера
оказывается туром по городу.
В центре I действия — огромная кровать с балдахином. А сверху над ней возвышается главный символ Выставочного
зала Венского Сецессиона — золотой шар.
Сотканный из листьев, он, кажется, олицетворяет собой весь мир. Золотая доминанта в сценографии, роскошные парадные
лестницы по краям сцены ассоциируется
с залами дворца Шенбрунн. Кровать Маршальши используется как импровизированная сцена для балетной интермедии,
потом выходят повара с огромными головами, на которых они несут блюда с яствами. Итальянский певец развлекает графиню канцоной, в духе романтическо-любовных излияний Шуберта (явный анахронизм, которых в опере много).
Во II действии через антигероя Окса,
своего рода «перевертыш» Дон-Жуана и
Фигаро, высмеивается обратная сторона
венского шика — грубость, пошлость,
мужланство и раблезианская простота.
А III действие разворачивается в знаменитом парке Пратер. Пытаясь соблазнить
горничную, Окс то обучает ее стрельбе
в тире, то пытается догнать в аттракционе по лабиринтам ада, то угощает пивом.
В качестве своры детворы, кричащих Оксу
предательское «Папа!», появляется венский хор мальчиков.
Комедия положений
Однако в простом сюжете с переодеваниями и розыгрышами подчеркиваются
идеи рубежа XIX – XX вв. Ведь опера создавалась самыми рафинированными интеллектуалами своего времени. Да к тому
же в эпоху югендстиля, культивирующего
все суггестивное и бессознательное.
Сценография во II действии, когда нувориш Фанина ль пытается проверн у ть
«модный брак» (так называется цикл картин У. Хогарта, который использова л
Гофмансталь в либретто), символична.
Огромные шкафы-серванты заставлены
посудой и инкрустированы зеркалами.
В буфетах главное богатство Фаниналя.
А когда дочь, протестуя против брака, начинает бить огромные тарелки, то именно их и пытается в первую очередь спасти
Фаниналь. Зеркальные блики придают
сцене ощущение нереальности (возникают ассоциации с балетом «Щелкунчик»
М. Шемякина, где домашняя утварь вырастает до огромных фигур). Становится
непонятно, кто находится на сцене, а кто
– лишь отражение, фантом. Огромные
дверцы шкафов вдруг оказываются настоящими вратами, из которых выходит посланник Октавиан с розой. А в конце они
поглощают весь этот мирок, когда Окса,
прикинувшегося тяжелораненым, вывозят на каталке в окружении свиты.
Фантасмагория усиливается к III акту,
когда Окса преследуют видения, а вся сцена с аттракционами, по задумке Лоулесса,
вдруг проваливается в тартарары, в ад.
Постановочные идеи подчеркивают моралите оперы: высмеивание пороков вырастает до Апокалипсиса социальной системы начала XX в.
Искус Эроса
Исполнение женщиной роли Октавиана
не случайно. Травести — не просто краска
г о ло с а, а в а ж н ые д л я а вт ор ов и деи
множественности «мужского» и «женского», обусловленности человеческой
природы социальными стереотипами.
В разговоре Октавиана и Маршальши,
лежащих на огромной кровати — у нас эта
сцена получила ярлык лесбийской, — ставится под вопрос правомерность гендерных норм. Может быть, поэтому столь привлекателен юный Октавиан, почти что андрогин, своей неоднозначной природой
чарующий и мужлана Окса и юную Софи.
В рассуждениях Маршальши сфокусир ов а н ы и деи и о м ноже с т в ен но с т и
«Я» и о «вечном возвращении», в духе
А. Шопенгауэра и Ф. Ницше. Вот она видит
себя в юной Софи, а потом рассуждает
о быстротечности жизни и любви. Важно
то, что режиссер преподносит все монологи героини как предельное сокровище,
полностью сосредотачива я внимание
на музыке и актерском шарме исполнительницы.
Внешние колесики сюжета на самом деле
фиксируют внутренние превращения героев, и для показа этих изменений режиссер умело выстраивает драматургические
линии. От внешней картинности I действи я, к ож ивленной фантасмагории
II и III действия он ведет зрителя к парящему просветленному финалу, дающему
ответы на философские «Warum?». В заключительном трио ничто не мешает наслаждаться фантастическим звучанием
разнотембровых женских голосов в блестящей оправе штраусовских длиннот
с тихими кульминациями и глубиной как
у Г. Малера. В этом ансамбле исполнители
смогли показать и отказ от любви, и ее всепрощение, хрупкость чувств и их вневременную силу. Через статичность мизансцен Лоулесс подчеркнул их растерянность
пере д невероя т ны м и п рояв лени я м и
жизни и любви, не укладывающимися
в стереотипы. Маршальша, отказываясь
от Октавиана, приближается к метафизической полноте жизни. Октавиан, который
балансирует между двумя влюбленностями, еще не понимает, как ему действовать
дальше. И когда уходит Маршальша, он
вместе с Софи по-детски засыпает на
маленькой кровати, погружаясь в мир
грез-сновидений.
Вперед, в прошлое
Ф ото Д а мир Ю су пов
В спектакле акцентирован еще один метафизический смысл «Кавалера» — идея
времени. Она заложена и в тексте, и в музыкальном языке, который постепенно
становится все более сложным и диссонансным. Три акта у Лоулесса превращаются
в своего рода исследование, где малое время (судьбы людей) переплетается со Временем большим, охватывающим три исторических века. Бег времени отсчитывается
часами, которые между актами усиленно
крутятся вперед. В I действии перед нами
почти что настоящий XVIII в. с его пышным
убранством и роскошеством. Здесь миром
правят незыблемые традиции патриархата
и социальных различий, так Маршальша говорит о «порядке вещей в мире». В следующем акте — на сцене XIX в. с его акцентом
на бюргерских представлениях о красоте.
Отсюда перевес домашнего пространства
с его ценностями комфорта, с зеркалами,
серебром и стилем бидермайер.
Развязка драмы-комедии происходит
в начале XX в. — с его упрощенными силуэтами в одежде и отношениях, небольшими кафешками с фаст-фудом, тиром.
Дети поедают мороженное, мамочк и
ходят с колясками и воздушными шариками, без остановки крутится колесо обозрения. Главный цвет — черно-белый,
предельно заостренный контраст и в тоже
время символ эпохи кино. После адских
красных аттракционов — опустевшая сцена, над которой высится огромный стеклянный купол (аллюзии на Немецкий
собор или Собор Св. Хедвига в Берлине).
Герои-символы Маршальша, Октавиан
и Софи олицетворяют вневременные константы человеческих взаимоотношений,
суть разных веков и разных возрастов.
музыкальный театр
Часы впервые пошли назад, показывая
единство всех времен.
Международный лоск
Все эти тонкости оказались возможными благодаря блестяще подобранной
международной команде исполнителей. Сложнейшие сольные партии в «Кавалере» дополняются разнонаправленным
музыкальным материалом в оркестре, показывающим то внешние события, то раскрывающим подсознательные движения,
то рисующим исторический фон. Под руководством В. Синайского оркестр Большого творил чудеса, сложно было поверить, что это именно тот же самый, «наш»
коллектив. Особенно удались кульминационные разделы, музыканты оперативно реагировали на мгновенные смены жанров,
стилей, темпа и характеров. Мощь штраусовского фирменного звучания сменялась
выстроенными тихими разделами, рафинированными до предела. Может быть,
не хватило венского шика в вальсовости,
но придираться к этому в контексте всей
сделанной работы не стоит. Тем более, что
премьерные показы проходили в стрессовой ситуации – во время первого показа
В. Синайский из-за болезни был заменен
ассистентом А. Соловьевым, который
уверенно провел все спектакли.
Критика единодушно отметила сопрано
М. Динер в роли Маршальши с красивым
пиано, матовым тембром и длинными
фразами. Ее успешно дублировала Е. Годованец. Партия Октавиана, требующая
сочного меццо и внешности подростк а, п рек расно подош ла А . Стефа н и.
А во втором составе блистала А. Кадурина
(из Молодежной программы Большого).
По мнению «Ведомостей» превосходной пол у чи лась парти я Окса в исполнении
харизматичного баса С. Ричардсона, совмеща ющего м у ж ла нство с юмором.
Ю н у ю Со фи пор у ч и л и Л . Пе т р ов ой
и А. Яровой (еще одна воспитанница Молодежной программы).
Комедия-перевертыш
Режиссеру удалось в огромном пространстве сцены выстроить внутренние
взаимоотношения главных героев, сделать
их понятными и близкими, невзирая на
рампу. Где-то эта величина даже сыграла
на руку, создавая ощущение бесконечности, как в последней сцене. Режиссер,
вслед за авторами, ярко показал диспозиции героев. Эти связи неслучайны, ведь
из их противопоставлений рождаются, по
замыслу Гофмансталя, множественность
и диалектичность. Писатель указывал, что
только в этом переплетении судеб проявляется непознаваемый смысл Жизни. Гофмансталь и Штраус смеялись не только над
далеким «венским», они разыграли всех,
кто не обладает глубиной познания искусства. «Возврат в прошлое» не состоялся,
что подчеркивал и Лоулесс с актерами.
«Идиллия» прекрасного нужна для осозна ни я и нс т и н к т и вног о, ви та льног о.
Но если, по Фрейду и Юнгу, бессознательное страшно и неуправляемо, то в мире
прошлого, в исторических костюмах оно
превращается в очищающее познание самых тайных, скрытых форм жизни.

Екатерина Ключникова
13
премьера
Английская
комедия
В эксклюзивном интервью «МО» режиссер Стивен ЛОУЛЕСС
рассказал о своей первой постановке в Большом театре
МО | Когда Вы соглашались работать
в Большом театре, Вы осознавали, что
придется ставить форматную оперу
на од ной из са м ы х больши х сцен
в мире?
СЛ | Размеры вашего театра и параметры сцены меня поначалу шокировали.
Потому что сама опера Штрауса кажется
громоздкой по количеству занятых людей,
всякого реквизита, декораций, прописанных автором, однако, рассказанная в ней
история – очень интимная, бытовая.
МО | Возникли трудности освоения
пространства?
СЛ | С помощью дизайна декораций мы
старались не в ущерб большим размерам
театра все-таки сузить игровое пространство и сделать его более компактным.
Штраус ставил свою оперу про Вену,
в ней масса аллюзий на австрийские исторические реалии и на немецкую музыкальную традицию. А у нас и традиция
другая, и опера эта неизвестна.
Это общая проблема. Думаете, в Лондоне лучше понимают эти реалии, хотя опера шла в Ковент-Гардене? С «Лет у чей
мышью» другого Штрауса есть похожие
«трудности перевода». Для чтения реалий
я придумал понятные всем шаблоны.
МО | Вы осовремениваете постановку?
СЛ | Главная тема моей постановки – показать, как течет время. Время как единица измерения истории – то есть вот оно
само по себе идет, измеряет, измеряет, и в
итоге – течет история. Например, первый
акт – про аристократический слой, о том,
как он силен и властен. И для меня это олицетворение XVIII века. Когда мы переходим во второй акт, все меняется – поднимается средний класс, увеличивается его
сила. А к третьему акту происходит выравнивание социальных слоев. Я не могу сказать, что возвышаются пролетарии – это
было бы натяжкой, но разница между классами почти стирается. Так постепенно мы
и переходим из века в век: первый акт–
XVIII, второй – XIX и третий – XX. В музыке это тоже все отражено, потому что
партитура написана в XX веке, но в ней
много отсылок к XVIII – к Моцарту, прежде всего, и к XIX со всеми вот этими пародийными вальсами на музыку другого
Штрауса. Я считаю, что делать временем
действия только один XVIII век, как это задумано Рихардом Штраусом, неправильно. Музыка льный-то и литерат у рный
текст однозначно принадлежат началу
XX века, и написан он под реальным воздействием Фрейда.
МО | У нас не знают и Г. фон Гофмансталя? Его сложно воспринимать неподготовленным…
СЛ | Я читаю либретто Гофмансталя как
тонкую комедию. Комедию про социальные маски, про притворство. Барон приезжает из провинции и пытается изобразить, что он такой же аристократ как Маршальша. Фаниналь в свою очередь воображает, что он «крут» как барон. Но во что
бы эти люди ни были одеты, мы понимаем, что они не являются теми, за кого хотят себя выдать. В этом дост у пность
сюжета. Мы идем в дорогой ресторан в Москве или Лондоне и видим, как люди
выдают себя за тех, кем не являются – «выпендриваются», как могут. Желание социального превосходства над другими заложено в наши ДНК. Но когда барон приходит
в самую простенькую пивнушку на свидание с Октавианом, переодетым служанкой
Мариандль, он именно здесь чувствует
себя как дома, почти на равных с ней.
И в момент, когда ему «сладко» внутри его
истинного социального класса, мы – зрители – освобождаемся от собственных
комплексов с порцией здорового смеха.
Ф ото Е к атерин а Беляева
музыкальное обозрение | №5(341). 2012
С. Лоулесс род. в Англии. Профессией оперного
режиссера заинтересовался, прочитав в «Таймс»
интервью с Дж. Копли. Окончил Оперный колледж
в Лондоне по специальности «помреж». Ассистировал
А. Тарковскому во время его работы в Ковент-Гарден
над «Борисом Годуновым». После смерти кинорежиссера
перенес этого «Бориса» в Кировский театр,
Метрополитен Оперу, «Ла Фениче». В 1986-1991 –
постановщик Глайндборнской передвижной Оперы.
Самый яркий спектакль того периода – «Смерть
в Венеции». За последующие 20 лет осуществил
постановки более пятидесяти спектаклей в ведущих
театрах мира и на музыкальных фестивалях, включая
оперы Моцарта, Штрауса, Верди, Вагнера, Россини,
Леонкавалло, Бриттена, Чайковского. «Кавалер розы» –
дебют режиссера в Москве.
МО | Венская тема в Вашей постановке предельно заострена. Но так ли она
однозначна?
СЛ | Да, это своеобразное чествование
Вены, если слово «чествование» здесь можно употребить. Я много работал в столице
Австрии и знаю, что ее жители пытаются
представить определенный миф, образ
Вены для всего мира. Выходит такое шикарное, счастливое, уютное место, где хочется
надолго остаться, гулять, отдыхать. Но
правда в том, что есть еще другая сторона
Вены – темная, злостная. Неслучайно
Фрейд, самый характерный уроженец Вены
XX века, пытался сбалансировать две эти
экстремальные черты характера венцев. В
моем спектакле показаны эти две стороны.
МО | Вам было трудно работать с русскими артистами?
СЛ | Я всю жизнь с момента встречи с Тарковским работаю с русскими певцами, но то
речь о «Борисе Годунове». В «Кавалере розы»
совсем другое. Русские певцы, мягко скажем,
неизвестны тем, как они поют Штрауса. А это
действительно музыкально очень сложные
партии, которые не просто учить. Главная
проблема – учить речитативы и потом
играть, когда их поешь. Тут трудности и у
немцев и у русских, но преодолимые.
МО | Какое символическое значение
приобретает в Вашей постановке ритуал с розой?
СЛ | Мне интересен не ритуал сам по себе,
а то, что происходит, когда конкретные люди
пытаются этот ритуал проделать с собой.
В партитуре прописано, что во время презентации розы и у Октавиана, и у Софи много пауз, то есть они скажут фразу – и пауза,
скажут фразу – и пауза. Это оправдывалось
тем, что они безумно нервничают, и один, и
другой. Вот от этого мы фантазируем.
МО | Известно, что англичане везде
опознаются как англичане – хоть в Англии, хоть во Франции, хоть в России.
Что такого сугубо английского вы привезли в Москву?
СЛ | Говорят, что существует некий английский стиль. Мне трудно сказать, что
это такое. Но если речь о свойственной англичанам ироничности, то мне она тоже,
несомненно, близка, и, как кажется, очень
подходит «Кавалеру розы». Я делаю из оперы Штрауса социальную комедию про
классы, а это и есть определение типичной английской комедии. В этом смысле
я типичный англичанин.

Беседовала Екатерина Беляева
14
музыкальный театр
премьера
музыкальное обозрение | №5(341). 2012
Будни одного королевства
Ф ото Н. Разин а
Ф ото Н. Разин а
«Пеллеас и Мелизанда» в Петербурге: два спектакля с перерывом в сотню лет
«Пеллеас и Мелизанда»
Опера Клода Дебюсси на текст
одноименной драмы Мориса Метерлинка
Музыкальный руководитель и дирижер
Валерий Гергиев
Дирижеры Гавриэль Гейне, Кристиан Кнапп
Режиссер Даниэл Креймер
Художник-постановщик Джайлс Кейдл
Художник по костюмам Майкл Красс
Ассистент режиссера и хореограф Элейн
Тайлер-Холл
Художник по свету Питер Мамфорд
Ответственный концертмейстер
Наталья Мордашова
Главный хормейстер Андрей Петренко
Репетитор по французскому языку
Ксения Клименко
Мелизанда Анастасия Калагина, Ирина
Матаева, Екатерина Попова
Пеллеас Андрей Бондаренко, Владимир
Мороз, Роман Шулаков
Голо Андрей Серов, Евгений Уланов,
Владимир Феляуэр
Аркель Олег Сычев, Александр Киселев
Женевьева Елена Витман, Злата Булычева
Иньоль Константин Ефимов, Платон
Черкасов
Мировая премьера 30 апреля 1902,
Опера Комик, Париж
Премьера в России 19 октября 1915,
Театр музыкальной драмы, Петроград
прППрПремьера в театре им. Станиславского
и Немировича-Данченко 18 июня 2007
Премьера в Мариинском театре
13 апреля 2012
Э
тот год отмечен празднованием 150-летия К. Дебюсси. Парижская опера, помимо «Пеллеаса и Мелизанды», поставила
даже незаконченную оперу «Падение дома Эшеров», в Петербургской филармонии исполнили раннюю, дописанную
Эдисоном Денисовым, оперу «Родриго
и Химена», Мариинский театр впервые обратился к «Пеллеасу», пригласив, правда,
английскую команду постановщиков.
Прежде, чем описывать, что у них получилось, есть смысл вспомнить самую первую русскую постановку «Пеллеаса» и то,
как пришла в Россию музыка Дебюсси.
Младофранцуз,
революционер и декадент
В первые два десятилетия ХХ века, когда
необычные произведения французского
композитора, полные неожиданных гармоний, тембровых и фактурных решений,
только начали исполняться за пределами Парижа, русской публике повезло: дирижеры
А. Зилоти и С. Кусевицкий сразу «распробовали» эту новую музыку и регулярно включали симфонические «Ноктюрны», «Море»,
«Образы» в программы своих концертов. Соперничали за право первыми представить
публике новинку Дебюсси, порой опережая
в этом Европу. Так балет «Игры» после провала спектакля Нижинского в Париже весной
1913 был исполнен во французской столице
лишь на следующий год (не говоря уже о других городах), а Зилоти, немедленно заказав
ноты в издательстве Дюран, познакомил петербургских слушателей с этой авангардной
партитурой уже в ноябре 1913. Прелюд
к «Послеполуденному отдыху фавна» был настолько популярен, что Мясковский в 1914,
рецензируя на страницах журнала «Музыка»
симфоническую картину Дебюсси «Весна»,
замечал, что «приятно было бы время от времени заменять ею заезженного «Фавна», которого играют нынче на всех перекрестках».
В русских столицах произведения Дебюсси
исполнялись чаще, чем теперь и больше, чем
где либо (исключая Париж). Рецензии на эти
концерты Кружка современной музыки,
кружка Держановского, М. Юдиной, А. Дроздова, К. Сараджева, статьи А. Оссовского,
В. Каратыгина, Н. Мясковского воспитали
вкус публики. Брошюра Л. Сабанеева (1922),
ставшая итогом его размышлений о феномене Дебюсси, до сих пор одна из лучших работ
о композиторе. Постоянное слушание
и обсуждение новой французской музыки
не прошло даром: Стравинский, вспоминая
в «Диалогах» свою юность, признался, что
косность академического образования
он преодолел именно благодаря Дебюсси.
Отношение же консерваторской среды
к «младофранцузам» было резко негативным. «Заберите этот мусор», — брезгливо сказал Римский-Корсаков, отдавая своему ученику А. Моозеру партитуру «Фавна». «Не мы
ли повлияли на характер оркестровки этих современных ублюдков? Если да, то печально»,
— писал он Лядову. «Всякая равель пошла», —
словно вторил им из Москвы Танеев.
Однако турне французских дирижеров
— В. д’Энди, К. Шевийяра, А. Мессаже, концерты Зилоти и Кусевицкого, визит самого
Дебюсси в 1913, подогревали интерес к его
главному творению — опере «Пеллеас и
Мелизанда» (1902).
Opus magnum
Для Дебюсси «Пеллеас» — произведение,
которым он утвердился в парижском музыкальном мире. Как и всякий французский
композитор, закончивший Консерваторию,
получивший в награду за победу в выпускном конкурсе — Римскую премию и три года
стажировки в Италии, он должен был по возвращении «защититься» — написать оперу.
Удачная постановка обеспечивала отчисления со сборов спектаклей и соответствующий статус в обществе. Но Дебюсси никак не
мог найти подходящего либретто. Его литературный вкус, сформированный поэзией
Бодлера, Банвиля, Верлена, Малларме, не допускал цеховых либретто с традиционными
сюжетами и избитыми рифмами. И лишь познакомившись с драматургией Метерлинка, решил положить на музыку — буквально
слово в слово! — его новую пьесу «Пеллеас
и Мелизанда» (1893) — драму с «тристановским» треугольником, где героиня, заблудившаяся в лесу, становится женой нашедшего ее принца Голо, а затем влюбляется
в его младшего брата. Действие происходит
в средневековом королевстве Аллемонда, затерянном в глухих лесах, на берегу моря. Подозрения Голо, невозможность признания
в любви, невыносимость молчания и смерть
как единственный исход трагедии — Дебюсси пленило в этом тексте все. Немногословность героев, говорящих загадками и намеками, богатство символов (тут сложным образом связаны источник в лесу, упавшая туда
корона Мелизанды, колодец в парке и уроненное ей туда обручальное кольцо и пр.).
Атмосфера недоговоренности позволила
вывести на первый план оркестр, заставив
музыку донести то, что не могут сказать друг
другу герои.
Из современной ему оперы Дебюсси ориентировался только на Вагнера, но его,
поклонника «Тристана», смущала, как он
признавался, «ложная метафизика» байройтского волшебника. «Пеллеас» — ответ
Вагнеру в пространстве похожего сюжета.
Здесь также нет номерной структуры, действие движется почти безостановочно,
а в сложное симфоническое развитие вплетены оркестровые лейтмотивы — никогда
не звучащие, в отличие от Вагнера — в вокальных партиях. Парижская публика сразу почувствовала новизну партитуры,
и оценка творения Дебюсси в профессиональных кругах только возрастала. П. Булез
и О. Мессиан ведут отсчет музыки ХХ века
с премьеры оперы — с 30 апреля 1902.
«Пеллеас» на Театральной
площади, 3
Российская премьера оперы «назревала»
в двух столицах с 1907. Сначала ее собирались исполнить французские артисты. Парижский импресарио Э. Рей на волне взаимных культурных обменов после заключения
Франко-русского альянса, пытался устроить
в Большом и Мариинском театрах гастроли
артистов Опера Комик. Но его просьбу о бесплатной аренде театров и участии императорских оркестров высочайше «не услышали». Затем в сезоне 1912 – 1913 «Пеллеаса», уже
100 раз данного в Париже, анонсировал московский театр Зимина, с успехом поставивший до того «Манон» Массне и «Луизу» Шарпантье. Переговоры с Дебюсси вели Театр
Солодовникова, Свободный театр Марджанова и Дирекция императорских театров, но
все вынуждены были отказаться — как писали газеты, «из-за непомерных финансовых
условий, поставленных автором».
В итоге в 1915, когда из-за войны немецкие оперы были изгнаны из репертуара,
к «Пеллеасу» обратился Петроградский
театр музыкальной драмы, основанный
за три года до этого бывшим ассистентом
Станиславского режиссером И. Лапицким
(Михайловым). Лапицкий и на оперных подмостках требовал от артистов «полной гибели всерьез», от декораторов дотошного воспроизведения эпохи, в его театре не было
звезд-гастролеров и маленьких ролей: сегодня ты солист, завтра статист. Но часто Лапицкий перегибал палку: Онегин и Ленский
в сцене дуэли появлялись в ботинках, измазанных мелом, что означало прилипший
к подошвам снег, в финале «Кармен» на сцену выскакивали санитары с носилками.
Какие-то спектакли — «Борис», «Царская
невеста», «Мейстерзингеры» — труппе удались, но реалистический «Пеллеас» (как
и «Парсифаль») вызвал резкую критику. Ругали мелочно-подробную режиссуру, уязвимый русский перевод, «конфетные» декорации и ярмарочные костюмы: Пеллеас —
в нежном зелено-розовом, а Голо — в злодейском красно-черном. Однако польский дирижер Г. Фительберг, М. Бриан (Мелизанда),
М. Давыдова (Женевьева), К. Содомов (Аркель) заслужили единодушную похвалу.
«Своеобразный тип звукосозерцания Дебюсси, на недостаточную известность которого
среди русских музыкантов грешно было бы
жаловаться, — писал критик Вячеслав Каратыгин, — пришел в контакт с широкими массами». Кстати, Музыкальная драма давала
спектакли в Большом зале консерватории,
ровно напротив Мариинского театра.
На Театральной площади, 1
Спектакль Мариинского театра парадоксальным образом напоминает первого петербургского «Пеллеаса» — замечательная
работа музыкантов и сомнительная реалистическая режиссура.
Обращение театра к этой опере сейчас —
жест символический, hommage Гергиева
Дебюсси в юбилейный год. Изощренное оркестровое письмо, сотканное из тонкой паутины соло и микстов, пуантилистских
мазков, гибкой смены метра и ритма — всех
этих дуновений ветра, игры волн, бликов
солнца сквозь листву и лунного света — вызов дирижерам, и одна из причин редкого
появления «Пеллеаса» в театрах. Гергиев не
часто играл Дебюсси, но многим памятно
его исполнение «Моря».
«Пеллеас» звучал завораживающе:
гибко, прозрачно, импульсивно, радуя градациями динамики от трех пиано до меццо
форте. Оркестр, накопив драматическую
энергию первых трех актов, закипел раскаленной медью лишь тогда, когда сквозь сценическое действие начал проглядывать
неумолимый Рок (отметим работу дирижеров-репетиторов Г. Гейне и К. Кнаппа).
И поскольку основные события оперы
происходят в оркестре, его детализированное и поэтическое звучание перевесило
многие недостатки спектакля. Для Дебюсси подобный баланс голосов и сопровождения был принципиален, он считал, что
в современной ему опере слишком много
поют. А надо петь только тогда, когда в этом
есть необходимость. Поэтому в «Пеллеасе» нет
музыкальное обозрение | №5(341). 2012
протяженных монологов, ансамблей, хоров,
вагнеровского многословия. Для Дебюсси
важны краткие реплики, намеки, взгляды.
Увы, режиссер Д. Креймер музыке не доверяет. Он решил не только договорить все до
конца, но и наглядно объяснить, если кто
что-то недопонял. Символистский текст прочитан как бытовая мелодрама, и там где быта
не хватило — его щедро добавили. Артисты
утрируют эмоции — если Мелизанда в отчаянии бежит в лесу, то нарочито топая тяжелеными ботинками, Пеллеас появляется
(с сообщением, что его друг умирает) беззаботно подпрыгивая, мальчишка Иньоль переживает проблемы переходного возраста,
почему-то наряжаясь в женские платья. Если
Дебюсси отказался от тех сцен Метерлинка,
где действовали второстепенные персонажи, то режиссер наоборот вводит большую
свиту, играющую короля. Люди в угрожающе кожаных передниках заполняют сцену от
края до края, наблюдая, оживляя, вмешиваясь в действие. Особенно назойливы пантомимы в интерлюдиях. Композитор добавил
оркестровые связки между сценами, чтобы
монтажники Опера Комик могли поменять
в это время декорации. В Мариинском — декорация одна на весь спектакль, и в интерлюдиях герои продолжают мимировать
сильные душевные переживания. Пеллеас
рвет плюшевую игрушку, подаренную ему
выжившим из ума дедушкой (мол, я не ребенок). Мелизанда с остервенением колотит
живот, провоцируя выкидыш. А уж кончина
главной героини, где она минут пять бьется
в агонии — и вовсе из другой оперы. Дебюсси вообще-то ненавидел оперный натурализм, в своих статьях он издевался над
веристскими «стрррастями», взывая к французской сдержанности и вкусу.
Есть и удачи — например, сцена с Иньолем,
которого Голо заставляет подглядывать за женой и братом. В пьесе отец ставит его на плечи и поднимает к окнам замка, в Мариинском — раскачивает на качелях, все выше
и выше, теряя самообладание и срываясь на
крик. Увеличивающаяся амплитуда качелей
отлично передает динамику этой сцены — нарастающее отчаяние ребенка, невозможность
вырваться и убежать. Или сцена у башни, над
которой всегда ломают головы постановщики: что делать с волосами Мелизанды, «которые длиннее ее самой». Роскошная шевелюра героини должна упасть с балкона на Пеллеаса и укутать его золотой волной. Завороженный он привязывает волосы к ветвям
дерева и при приближении Голо не может
распутать. Метерлинковская гипербола концентрированно передавала дух времени —
загадочные героини с распущенными волосами заполнили тогда символистские журналы, театральные афиши и даже перебрались на фасады домов в стиле ар нуво. Но что
делать с этим орудием соблазна сейчас, когда
расплетенными косами никого не удивишь?
Мелизанда спускает Пеллеасу длинные ленты, как во сне разматывая их с запястий, они
удачно символизируют нити, которые натянулись в этот момент между героями. В дальнейшем эти ленты превратятся в путы, которыми Мелизанду свяж ут слу жанки,
в «оковы», которыми в припадке ревности
скручивает ее Голо. Вот если бы и в остальном очистить спектакль от лишней суеты, нагромождения вещей, крикливых костюмов…
Тогда на первый план вышел бы удачный свет,
который чутко вторил музыке, тактично отмечал цезуры между картинами, создавал то
«движение», которого так жаждал режиссер.
Выбор мастера
Всегда волнует вопрос: по какому принципу приглашают режиссеров в Мариинский? Личный вкус Гергиева? Чьи-то рекомендации? Это четвертая оперная постановка Креймера, вторая в Мариинском —
в прошлом году он перенес «Герцога Синюю
бороду» Бартока, поставленную им ранее
в Лондонской национальной опере. Американец, последние годы обосновавшийся
в Англии, он большей частью работает в драматическом театре. В интервью он признался, что ему нравится насыщать оперы политикой, религией, острыми культурными
аспектами — всем тем, что другие уже опасаются выносить на драмсцену, боясь отпугнуть
зрителя. А оперный сюжет допускает расширенное толкование. Не поспоришь, лишь бы
эти социальные и политические инъекции
были уместны. «Пеллеас» уже накопил достаточно сценических версий, чтобы искушать
нового постановщика прочтением «пост…».
Так, чтобы была и башня, и реальная ниспа-
музыкальный театр
дающая шевелюра, и Иньоль на плечах у Голо
— такой точностью отличается лишь спектакль П. Булеза и П. Штайна в Уэльской оперы. В недавнем спектакле парижской Опера
Комик (2010, постановка С. Брауншвейга, музыкальный руководитель Э. Гардинер) опера была трактована почти стерильно: минималистический задник из деревянных реек,
маяк, ни моря, ни мрачных подземелий. Но
в последней сцене все опять свелось к больничной кровати с капельницей, на которой
угасает Мелизанда. В спектакле Баварской
оперы (2004, копродукция с Английской национальной оперой) визуальный ряд был гораздо радикальнее — между небом и землей
в полной темноте висел «домик» — такой,
как обычно рисуют дети — с треугольной
крышей и окошком, — точнее, это была лишь
идея дома, а окружала его глубокая тьма. Герои были совершенно одиноки в космосе, где
колодцем и гротом служила опрокинутая
дуга месяца (режиссер и художник-постановщик Р. Джонс и Э. МакДональд).
Декорация же мариинского спектакля —
экседра «неряшливого» металлического
задника, грубо сваренный помост, вся эта
«жесть» неблагополучного социума, куда
режиссером помещен сюжет, как-то диссонирует с музыкой Дебюсси.
Спектакль спасают певцы. Опера Дебюсси стала этапной работой для многих из них.
Мелизанда А. Калагиной c темпераментом
Катерины Измайловой демонстрирует все
краски роскошного голоса огромного диапазона. Но ее драматический напор начисто
уничтожал отрешенность и обреченность
героини. Безукоризненны были вокально
и сценически (ну почти!) А. Бондаренко
(Пеллеас) и А. Серов (Голо). Хорош был
и О. Сычев (Аркель), не хватало ровности
и царственного благородства Е. Витман —
Женевьеве, игравшей какую-то свекровьвамп с надтреснутым «колдовским» голосом.
Благодаря усилиям репетитора К. Клименко в Мариинском театре все лучше и лучше
поют по-французски. А вот перевод, использованный в субтитрах, с выражениями
«месячный свет» вместо «лунного света»
законно вызывал в зале смешки.
«Пеллеас» и публика
При жизни Дебюсси удачная сценическая
судьба у его музыкальной драмы сложилась
только в Париже. Некоторые рьяные поклонники, их прозвали «пеллеастрами», специально съезжались в столицу в день спектакля.
«Пеллеаса» не раз возобновляли с разными
составами и в 1913 отметили сотое представление. Но вот постановки в других городах —
в Лионе, Бордо, Нанте, Праге, Мюнхене, Бостоне, Риме — исчерпывались 2-3 представлениями. Как писала «РМГ», отслеживая зарубежные новости, «возмущение приняло
масштабы настоящего фиаско». На этом фоне
петербургский спектакль 1915, при всех его
недостатках, оказался одним из самых успешных. Он шел два года, по 15 раз в сезон. Вероятно, продвинутая петербургская публика,
интересовалась новейшей музыкой даже
в тяжелые военные годы. «Был на “Пеллеасе”,
— записывает в дневнике в 1917 художник
К. Сомов. — Метерлинк так устарел, такой
внешний, но сколько прекрасного в оркестре».
Но после 1917 «поэтика угасания и буржуазной нирваны» (Р. Роллан) попала в разряд
«бывшего», как и большинство ее слушателей. Впрочем, такая же реакция на Дебюсси
характерна и для Франции и тех стран, что
были пресыщены импрессионизмом. Удивительно, что когда после некоторого забвения Дебюсси заново открыли в 1960-е, у нас
так долго не доходили руки до его главного
творения. Лишь в 2007 оперу поставили в московском театре имени Станиславского и Немировича-Данченко: французский дирижер
М. Минковски, отметивший 100-летие оперы день в день ее концертным исполнением
в Опера Комик, осуществил в Москве давно
взлелеянный проект (режиссер О. Пи).
За «Пеллеасом и Мелизандой» закрепилась слава трудной, «монотонной» оперы,
неспроста стоящей в истории оперного
театра особняком. Мол, для нее должны
созреть и исполнители, и слушатели. Слушая ее в театре вживую, думаешь: какое же
это заблуждение! И какая досада, что в Петербурге так долго были лишены этого удовольствия! Остается только пожалеть, что
символистский театр оказался «не по зубам»
постановщику, и Гергиеву пришлось спасать
спектакль, вместо того, чтобы получать
заслуженные благодарности.

Анна Петрова
премьера
15
«Пеллеас» в России:
100 лет спустя
Москва, 2007
Российская история «Пеллеаса» продолжилась спустя ровно столетие после первых
попыток его постановки. 18 июня 2007 на
сцене МАМТ им. Станиславского и Немировича-Данченко состоялась премьера
российско-французского проекта (копродукция с театром Опера Комик). Было показано 4 спектакля, спустя год — еще три
(следующая серия намечена на сентябрь
2012, с несколько измененным составом, но
с неизменным М. Минковски за пультом).
«Главным героем премьеры стал, безусловно, Марк Минковский. За две недели
репетиций французскому маэстро удалось
добиться от оркестра, никогда прежде не
игравшего музыки Дебюсси, такого уровня
проникновения в ее стилистику и атмосферу, какой нечасто услышишь даже у ведущих
наших симфонических оркестров, периодически к ней обращающихся. В руках Минковского оркестр мерцал и переливался всеми
оттенками партитуры Дебюсси, завораживая своим звучанием и создавая тревожную
и трепетную, зыбкую и загадочную атмосферу символистской музыкальной драмы.
Что касается постановки (режиссер и художник по свету Оливье Пи, сценография и
костюмы Пьера-Андре Вейца), то она во многом представляется спорной. Чего только не
намешано в режиссерском решении: фрейдистские комплексы, театр абсурда с элементами хоррора и тому подобное. Вспомнилось
недавнее высказывание Рене Флеминг, что
многие современные режиссеры пытаются
переносить на сцену свои ночные кошмары.
К Пи это, похоже, тоже относится. Пастух
с руками по локоть в крови, полуголые монстры, клинические симптомы у большей части персонажей... » («Культура»).
 Петербург, 2012
 «Валерий Гергиев играл “Пеллеаса” во всей
тонкости дивных оркестровых красок, во
всей полноте переживания нежной ускользающей печали, загадочной тревожной тоски, которыми напитана импрессионистическая опера Дебюсси. Происходившее на
сцене было куда более брутально. Художник
Джайлс Кейдл опоясал пространство полукругом, составленным из сочлененных грязноватых плоскостей — вроде бетонных или
из какого-то другого бесчеловечного материала. Под ними панели с чахлым рисунком,
сверху — потроха раздетых колосников. Балкон замка — площадка на грубых опорах, как
у железнодорожного моста, на него можно
забраться по металлической заводской лестнице" («Ведомости»).
«К чести Мариинки, ее труппа исполнила
“Пеллеаса” (причем на первом же премьерном спектакле) так, будто все последние сто
лет только и делала, что осваивала тонкий
французский музыкальный и поэтический
язык эпохи модерна. <…> Поразительно, но
приглашенные Гергиевым партнеры-постановщики словно поставили задачу — максимально снизить градус лирической драмы,
«опустив» его жесткой иронией. Начиная с
декораций (художник-постановщик Джайлс
Кейдл) — ничего похожего на романтический замок в дремучем лесу мы не видим,
а мостообразная конструкция, нависающая
над сценой, скорее напоминает сильно потрепанный трап-кишку, какие в аэропортах
подгоняют к самолетам, или борт старого
корабля, прошитый шрапнелью. Когда герои говорят о звездном небе, эта “железка”
подсвечивается сзади, но картина напоминает не столько звезды, сколько тонущий
“Титаник” — возможно, намек на мир жестких правил, который выстроил Голо, но
разрушили своей “незаконной” любовью
Мелизанда и Пеллеас. Сцена забросана безобразными бочками из-под горючего (символ приземленной запасливости Голо?), а
сбоку стоит здоровенный уродливый бак, выполняющий роль полагающихся по сюжету
водоемов — морского грота, подземного озера и т.п. Мудрец Аркель волей художника по
костюмам Майкла Красса предстает старым
маразматиком, то нацепляющим на седую
трясущуюся голову древнюю генеральскую
  «На сцене Театра имени Станиславского
и Немировича-Данченко обнаружился абсолютно европейский спектакль, очень качественный, без всяких скидок на местную
специфику. Такой можно увидеть и услышать
во многих местах западнее Москвы, но в самой Москве ничего подобного еще не случалось <...> и местными артистами, и местной
публикой приобретен небесполезный опыт»
(«Коммерсант»).
«Опера Клода Дебюсси “Пеллеас и Мелизанда” предстала в его (Оливье Пи — «МО»)
нынешней постановке и под выдающимся музыкальным руководством Марка Минковски
в своем, быть может, самом идеальном воплощении — как тончайшая симфония света,
движения и звука. Свет воплощен здесь тысячей мельчайших бликов, разбит на осколки и
затем собран в одном озере, или на одной плоскости. Эта игра света и тени подобна ворожбе, которую трудно оценить сразу, но которая
медленно проникает во все ваше существо.
Таинственный лес, где происходит встреча
юной Мелизанды и старого Голо, предстает
в спектакле огромной рощей светящихся
металлических колонн, подвешенных к колосникам. Они мерцают и бликуют в свете театральных софитов, сливаясь с шепотом
музыкальных пассажей, являя собой зримый
образ музыки: ведь совершеннейший из инструментов — орган — сам по себе является
лишь рощей, частоколом сияющих труб. Музыкальные потоки точно сами собой переливаются в пространство света, превращаясь в
танец сияющего леса» («Российская газета»).
«Пеллеас» получил две «Золотые Маски»: в номинациях «опера — спектакль» и
«работа дирижера» (М. Минковски). Также
спектакль был признан «Событием года»
в рейтинге газеты «Музыкальное обозрение».
  фуражку, то щеголяющим в нелепом молодежном костюмчике цвета детской неожиданности. Знаменитые длинные золотые
волосы Мелизанды, которые она спускает
с башни, чтобы Пеллеас смог их поцеловать,
превращаются в две жалкие тряпочки, привязанные к ее рукавам. Апофеоза эта ирония
достигает в конце оперы, где умирающая
Мелизанда вовсе не лежит себе тихим увядающим цветком, как об этом говорится
в либретто, а дергается в буйных конвульсиях, будто ее поджаривают, что, надо признаться, немыслимо раздражает глаз и мешает уху воспринимать музыку» («Труд»).
«...Оба премьерных состава исполнителей
были подобраны ноточка к ноточке, сбалансированы по тембрам и динамике в одной
звуковой палитре. Каждый из певцов продемонстрировал понимание стиля с его культом полутонов и негромких звучностей.
Даже французский язык, который сами
французы признают сложным для оперного
пения, в целом показался удачно освоенным.
Пары Анастасия Калагина — Андрей Бондаренко и Ирина Матаева — Владимир Мороз
при сходстве режиссерского рисунка представили много нюансов в интерпретации
своих партий. <…> Надо быть Валерием Гергиевым, чтобы, работая на перспективу, усмотреть в этом режиссере серьезное дарование, которому можно доверять такие этапные работы. Впрочем, “Пеллеас и Мелизанда” удались Креймеру намного больше, хотя
черты “стиля”, намеченные им в “Синей Бороде”, угадывались. Так же много тьмы на
сцене, такой же интерес к темной стороне человеческой природы, такое же желание создать саспенс любыми средствами. Похоже,
он снова взял на вооружение опыт хорроров
и психологических триллеров. <…> Одной из
кульминаций была сцена истерики беременной Мелизанды, которая начала колотить
себя по животу. Впрочем, неясным осталось,
кто был отцом ребенка Мелизанды — Пеллеас или все же Голо, нашедший ее на какой-то
урбанистической окраине у колодца, а в финале после убийства Пеллеаса сошедший
с ума. Моралью этой басни стала мысль о сансаре, о предначертанности, об обязательном
связывании путами традиционной семьи
и невозможности свободной любви («Российская газета»).
 
16
информация
музыкальное обозрение | №5(341). 2012
Старый новый дом
Самарский театр оперы и балета: море света и премьер
80-летие театра
и открытие преображенного
во всех отношениях здания —
эти события стали центральными в жизни САТоБ в недавнем
прошлом (в сезоне 2010 – 2011)
По высоким стандартам
Реконструированная сцена, оборудованная по последнему слову техники. Гримуборные, соответствующие мировым стандартам. Оркестровая яма, где размещается
более 80 музыкантов. Новая световая аппаратура… Здание, в 1938 открывшееся как
«Дворец культуры имени Куйбышева», превратилось в настоящий храм искусства.
Зрительный зал украсили лепнина, позолота, хрустальная люстра о 169 лампочках.
Мрамор — розового и салатного цветов.
Позолотили и капители колонн в фойе, превратив интерьер в подобие тронного зала. Мемориальная доска в фойе напоминает о премьере Седьмой симфонии Д. Шостаковича.
Торжественное открытие реконструированного здания состоялось в сентябре
2010 в рамках Международного фестиваля
«Мстиславу Ростроповичу» (художественный руководитель В. Гергиев). В исполнении
оркестра Мариинского театра прозвучали
2-я и 4-я симфонии Малера, Концерт для
скрипки с оркестром С. Губайдулиной
в присутствии автора (солистка А.-С. Муттер). В концертах были заняты солистки Мариинского театра О. Бородина и А. Калагина.
Зимой 2011 прошли премьеры оперы
«Князь Игорь» (дирижер А. Анисимов, режиссер Ю. Александров, художник В. Окунев);
балетов «Спящая красавица» (в версии Мариинского театра, постановщик Г. Комлева)
и «Анюта» (постановщик В. Васильев)
На обновленную сцену в новой сценической версии вернулись «Любовный напиток»,
«Риголетто», «Евгений Онегин». К. Шморгонер поставил балет «Дон Кихот».
Новые лица, новая жизнь
Чуть больше года назад (18 марта 2011) сменилось руководство театра. Генеральным
директором назначена Наталья Глухова, до
этого долгие годы возглавлявшая Самарскую филармонию. Накануне нового сезона
состоялось еще одно знаковое назначение.
Художественным руководителем и главным
дирижером стал Александр Анисимов —
один из самых опытных и востребованных
в России маэстро. В штат театра приняты
дирижеры В. Куликов и Е. Хохлов, главный
художник Е. Соловьева.
Жизнь оперная…
Сегодня в афише театра пять опер: «Князь
Игорь», «Риголетто», «Евгений Онегин», «Царская невеста» и «Мадам Баттерфлай» Дж. Пуччини, возобновление которой состоялась
17 марта (дирижер А. Анисимов, режиссер
Д.М. Кеги (Швейцария), художник Е. Соловьева). Отмечая высокий уровень музыкального
прочтения оперы, красивый визуальный ряд,
игру цветовой гаммы (деревца цветущей сакуры на фоне залитого то персиковым, то голубым, то алым светом задника), критики отмечали ненадежность сценической конструкции (стены японского домика, в соответствии
с либретто неустойчивые, как карточный домик, покачиваясь и иногда стукаясь друг о
друга, свисали со штанкетов, обрамленные
тяжелыми деревянными рамами). Впрочем,
над воплощением оформительской идеи театр продолжает работать.
Кульминацией оперного сезона 2011 –
2012 станет премьера оперы М. Мусоргского «Борис Годунов» 1 июня. Это знаковое событие: ровно 81 год назад, 1 июня 1931,
именно «Борисом Годуновым» началась
жизнь Самарского оперного театра. Режиссер спектакля Н. Чусова, дирижер-постановщик В. Куликов, художник-постановщик П. Каплевич.
…и балетная
Она в последнее время также весьма активна. Премьеры нынешнего сезона — одноактные балеты «Танго… Танго… Танго…»
на музыку А. Пьяццолы (хореограф
К. Шморгонер) и «Шопениана» (постановка
Г. Комлевой) (21 ноября). Объединенные в одном вечере, балеты представляют два полюса жизни. «Танго» — жизнь улицы, невеселая,
страстная и грубая реальность ХХ века, «Шопениана» — светлый, ирреальный сон. Герой
«Танго» ищет свой идеал, девушку своей мечты, там, где ее нет и быть не может: в злачных
местах, в кафе, на танцплощадках. К лирическому герою «Шопенианы» муза прилетает
сама, рожденная музыкой (выразительно
звучит оркестр во главе с Е. Хохловым).
К числу самых посещаемых спектаклей сезона относится «Щелкунчик» (премьера
29 декабря 2011, хореограф К. Шморгонер,
дирижер А. Анисимов, сценография М. Вольской) . На первый план в этой постановке
выходит ощущение уходящего времени,
невозвратимости светлого мира детства.
25 февраля в балетной афише появилась
«Тщетная предосторожность» (постановщик К. Шморгонер, дирижер В. Куликов,
декорации Н. Хохловой). Ожидается премьера «Ромео и Джульетты», также в постановке К. Шморгонера (27 июня), не шедшей на самарской сцене около 50 лет.
Важная сторона жизни театра — фестивали разного направления. Так, Фестиваль
классического балета имени Аллы Шелест, существующий уже 17 лет, удостоен
Ордена Екатерины Великой и включен в Европейскую Ассоциацию Фестивалей. Международный фестиваль «Басы XXI века»
— в числе мероприятий Культурной Олимпиады в рамках Олимпиады «Сочи-2014».
Ежегодному весеннему оперному фестивалю с 2012 присвоено имя И.К. Архиповой,
оказавшей большое влияние на музыкальную жизнь Самары.
Перспективы
Самарский театр оперы и балета после
некоторого спада, вызванного реконструкцией и прочими временными трудностями,
находится в стадии подъема. Формируется
сильный творческий коллектив, к сотрудничеству приглашаются крупные мастера,
нарабатывается репертуар, достойный академического музыкального театра.
В планах театра на следующий сезон —
также немало премьер. Оперная труппа
готовит «Травиату» (1, 2, 13 октября) к открытию 82-го сезона (дирижер-постановщик
А. Анисимов, режиссер-постановщик А. ди
Лючия, Италия, художник-постановщик
Е. Соловьева). В январе 2013 ожидается
премьера «Евгения Онегина», весной —
«Аиды» в постановке Ю. Александрова.
Балетные премьеры осуществляет художественный руководитель балетной труппы
К. Шморгонер. Это «Павильон Армиды»
Н. Черепнина (20, 21 октября; дирижер
Е. Хохлов, художник-постановщик — историк моды А. Васильев); «Баядерка» Минкуса (18 ноября, дирижер А. Данилов, художник-постановщик В. Окунев); «Дама пик»
на музыку Чайковского (июнь 2013). В конце
ноября на сцене театра состоится XII Фестиваль имени Аллы Шелест.

Наталья Эскина
Государственный Симфонический
оркестр Чеченской Республики
Объявляет конкурс на замещение вакантных должностей:
Струнная группа:
Первые скрипки – 10 человек
(включая концертмейстера оркестра)
Вторые скрипки – 8 человек
(включая концертмейстера группы)
Альты – 7 человек
(включая концертмейстера группы)
Виолончели – 7 человек
(включая концертмейстера группы)
Контрабасы – 4 человека
(включая концертмейстера группы)
Духовые и ударные инструменты:
Флейты – 3 человека
(Концертмейстер, регулятор, пикколо)
Гобои – 3 человека
(Концертмейстер, регулятор, англ. рожок)
Кларнеты – 2 человека
(Регулятор, бас-кларнет)
Фаготы – 3 человека
(Концертмейстер, регулятор,
Контрфагот)
Валторны – 4 человека на все места
в группе
Трубы – 4 человека на все места в группе
Тромбон – 3 человека
(концертмейстер, регулятор, бас-тромбон)
Туба – 1 человек
Ударные – 4 человека на все места
в группе
(литавры, малый барабан, ксилофон,
все виды ударных инструментов)
Арфа – 1 человек
Условия: Предоставление жилья. Заработная плата от 18000 р.
Возможность совмещения работы в других местах.
Контактная информация: Тел-факс: 8 (8712) 22-39-86, +7 (928) 737-73-80,
+7 (928) 641-23-41, e-mail: chechnya_simfoniya@mail.ru www.orkestrchr.ru
Государственная академическая хоровая
капелла имени А.А. Юрлова
Итоги сезона 2011 – 2012
Ф
илармонический абонемент
Капеллы был посвящен русской и итальянской музыке.
В честь Года Италии в России
на сцене Большого зала Московской консерватории хор исполнил сцены из опер итальянских композиторов. Солисты Д. Алиева (сопрано), О. Кулько (тенор), С. Романовский (тенор), Д. Ульянов (бас). Также в БЗК
совместно с МГАСО под управлением П. Когана прозвучал «Реквием» Дж. Верди. В концерте «С любовью к России» исполнялись
«Свадебка» Стравинского, «Курские песни»
Свиридова, обработки русских народных
песен Ларина. В концерте принимали участие пианисты Е. Мечетина, В. Холоденко,
А. Гугнин, И. Рудин; певцы М. Булгакова
(сопрано), А. Кулаева (меццо-сопрано), С. Мостовой (тенор), П. Мигунов (бас); ансамбль
ударных инструментов М. Пекарского.
Фестивали. В рамках Большого фестиваля РНО прозвучали фрагменты «Реквиема» Моцарта в композиции Э. Радзинского
«Несколько встреч с господином Моцартом…», 3-я симфония Бернстайна «Кадиш:
диалог с Богом» (памяти жертв теракта
11 сентября 2001) и «Реквием» Верди.
В программе фестиваля «Жемчужины
России», концерты которого проходили
в московских и подмосковных храмах, Капелла и солист В. Маторин представили духовные сочинения Чеснокова, Гречанинова,
Струмского, Христова. В концерте XII фестиваля «Посвящение Олегу Кагану»
исполнен «Стикс» Канчели для хора, альта
и симфонического оркестра (с Ю. Башметом
и оркестром «Новая Россия»).
Ва ж ным событием ста ло и у частие
в III Международном фестивале имени
М. Ростроповича: хор выступил в концерте-открытии 27 марта (опера Шостаковича
«Катерина Измайлова») и памяти Б.Н. Ельцина 22 апреля (Месса с-moll Моцарта
с ГАСО).
В программе фестиваля «Кремли и
храмы России», учредителем которого
является Капелла и ее художественный
руководитель Г. Дмитряк, хор исполнил
произведения русской духовной музыки
в Казанском соборе Санкт-Петербурга.
Важными вехами сезона стали «Кармина
Бурана» Орфа в ММДМ с оркестром «Русская
филармония», «Реквием» Форе с ГАСО России (дирижер Я. Тортелье), «Иоанн Дамаскин» Танеева с оркестром Московской
филармонии (дирижер Ю. Симонов). 6 июня
коллектив примет участие в юбилейном
концерте П. Когана в БЗК: будет исполнена
9-я симфония Бетховена.
Гастроли. В сентябре Капелла выступала
в Греции (о. Крит) в рамках программы
Средиземноморского фестиваля искусств,
приняв участие, в частности, в концертном
исполнении оперы Моцарта «Идоменей».
В декабре коллектив находился в столице
Катара Дохе, где проходил 4-й форум Альянса цивилизаций ООН, и выступил в премьерном исполнении музыкальной композиции
композитора Вангелиса «Наш дом во Вселенной — планета Земля». Наконец, в начале
апреля Капелла приняла участие во II международном фестивале «Рахлинские сезоны» в
Казани. В трех концертах были исполнены
«Кармина Бурана» К. Орфа, «Реквием»
Дж. Верди, а также сольная программа.

Монолог художественного руководителя Капеллы Г. Дмитряка — на стр. 19
власть и культура
музыкальное обозрение | №5(341). 2012
17
Призвали двух Владимиров
МГИМО — Минкульту: Владимир МЕДИНСКИЙ министр культуры
Ясная Поляна — Кремлю: Владимир ТОЛСТОЙ советник Президента по культуре
В
начале года министр культуры
А. Авдеев объявил, что не собирается работать в новом правительстве России. Сразу после
этого появились слухи относительно возможного преемника Авдеева.
Первой возникла фамилия Д. Молчанова, директора Департамента массовых
коммуникаций, культуры и образования
Правительства РФ, в начале 2000-х — первого заместителя тогдашнего министра
культуры М. Швыдкого. Одновременно
называлась и кандидатура К. Шахназарова — кинорежиссера, гендиректора киноконцерна «Мосфильм», первого заместителя председателя Совета по культуре
и искусству при Президенте. Но он заранее отказался от претензий на работу
в правительстве, решив сосредоточиться
на творчестве. Со временем в числе претендентов стали называть заместителя
министра Г. Ивлиева, бывшего председателя Комитета по культуре Госдумы: в кулуарах ходили слухи, что его переход
на работу в Министерство как раз и был
связан с возможным назначением. Фигурировали председатель ВГТРК О. Добродеев, советник президента по культуре
Ю. Лаптев, спецпредставитель М. Швыдкой и еще человек 10 – 15. Некоторые из
них сами «вбрасывали» информацию, создавая себе пиар. Наконец, не исключалась
и возможность переназначения А. Авдеева, поскольку его активная деятельность
в последние месяцы никак не соответствовала образу «уходящего министра».
Ожидания нового министра оказались
необычайно велики еще и потому, что напряжение поддерживалось «сверху». Чем
больше «подбрасывалось» той или иной
информации, тем больше сгущалась завеса тайны. Оставалось ощущение, что
некие силы, упоминая ту или иную кандидатуру в качестве претендента на кресло министра, преследовали совсем иную
цель: «засветить» конкурентов и удалить
их из числа реальных кандидатов.
Зная особенности кадровой политики В.
Путина и учитывая, что непредсказуемость
назначений стала тенденцией (в частности,
появление во главе министерства и А. Соколова в 2004, и А. Авдеева в 2008 было полной неожиданностью), можно было предположить, что и на сей раз нас ожидает
нечто подобное. Так и получилось. Назначение В. Мединского, если и не произвело эффекта разорвавшейся бомбы, то, по
крайней мере, изрядно всполошило и прессу, и интернет, и блогосферу. Пожалуй,
впервые в истории нашей страны министр
культуры стал самой обсуждаемой фигурой в новом правительстве, затмив министров обороны, внутренних дел, здравоохранения, экономики… Радует хотя бы то,
что культура, пусть и таким неожиданным
образом, пусть и на время, привлекла повышенное внимание.
Владимир Мединский родился в 1970 в г. Смела
(Черкасская область УССР). Окончил факультет
международной журналистики МГИМО (1992)
и аспирантуру (1994). Работал стажером в прессслужбе посольства СССР (РФ) в США. После окончания аспирантуры преподает на факультете журналистики МГИМО, профессор.
В 1992 основал PR-агентство "Корпорация "Я",
которым руководил до 1998. После этого работал
в налоговых органах.
В 1999 – 2002 — руководитель управления Центрального избирательного штаба блока «Отечество
— Вся Россия», член ЦПС ОПОО «Отечество», затем
советник зампредседателя Госдумы Георгия Бооса.
В 2002 – 2004 был руководителем исполкома
Московской организации партии «Единая Россия»,
руководителем избирательного штаба партии
по Москве.
В 2003 – 2011 — депутат Госдумы. В эти же годы
был замруководителя ЦИК «Единой России»
по информационно-аналитической работе, президентом Российской ассоциации по связям с общественностью (РАСО).
В 2007 – 2011 — председатель подкомитета
по экологии Комитета по природным ресурсам,
природопользованию и экологии. В ноябре — декабре 2011 — председатель комитета Госдумы по
культуре. Член Генсовета партии «Единая Россия».
Мединский также входил в Комиссию при президенте РФ «по противодействию попыткам фальсификации истории в ущерб интересам России».
14 февраля этого года указом Д. Медведева комиссия ликвидирована.
И это все о нем...
На назначение Мединского быстро
откликнулись деятели культуры.
Ю. Поляков: «Литературная газета»
с Владимиром Мединским сотрудничает
давно: мы рецензируем его книги, делаем
с ним интервью. Мне лично близок его этакий просвещенный патриотизм. Не патриотизм человека, который ничего не знает
и поэтому патриот. А патриотизм человека, который образован, много знает о своей стране. И назначение на эту должность
патриота я считаю очень важным. Знаете,
есть такое выражение про женщин — «слаба на передок». Вот проблема наших бывших министров была в том, что они были
слабы на патриотизм» («МК»).
Портал LENIZDAT.RU упоминает некоторые факты из биографии Мединского:
«С осени 2011 года занимал пост председателя комитета Госдумы по культуре.
В том же году Мединский защитил диссертацию на соискание ученой степени доктора исторических наук по теме “Проблемы объективности в освещении росс и йс кой ис т ори и в т ор ой по лови н ы
XV—XVII вв.” Защита прошла в стенах Российского государственного социального
университета. Степень была присвоена решением ВАК 30 декабря 2011 года. Однако
после присвоения “докторской” ряд историков подвергли автореферат и некоторые
положения диссертации критике, полагая,
что многие фразы в нем заимствованы.
В свою защиту Владимир Ростиславович
заявил, что в автореферате были использованы “шаблонные фразы, присутствующие и у других авторов”».
Журнал «Forbes», характеризуя нового
министра, подчеркивает: «Мединскому,
конечно, больше подошел бы не Минкульт,
а министерство по комм у никаци ям.
Но оно в России почем у-то с леплено
с Минсвязью, а там нужны совсем другие
управленцы — технократы. Хорош был бы
Мединский и в Минобразования — нет сомнения, что он быстро выдумал бы что-то
вроде уваровской триады “православие,
самодержавие, народность” и придал
бы завершенный вид образовательной реформе».
«Московскому комсомольцу» Мединский дал одно из первых интервью в новом качестве. Вот некоторые фрагменты:
«Консультации шли достаточно давно,
было много собеседований. <…> спонтанных решений тут не бывает и быть не может. Почему такие длительные проверки
и собеседования? Потому что нужно доказать свой профессионализм.
<…> Проблем действительно много,
но одна тянется еще с 90-х годов — это
«остаточный принцип» отношения к культуре. Это неправильно. Культура — краеугольный камень, на котором стоит государство. Она стержень народного суверенитета. Культура определяет всё — от
поведения частного лица в обществе (ведь,
говорят, что человек себя ведёт так, потому что «культуры не хватает») до государс т вен н ы х мас ш табов. На до вы вес т и
культуру в приоритетную область, сформировать культурную политику.
<…> У меня нет любимчиков и нелюбимчиков. Я оцениваю людей по эффективности их работы.
<…> Работа министра культуры — это
самое интересное, что можно придумать.
Она дает неоценимый опыт. И, может
быть, когда я когда-нибудь выйду на пенсию, я напишу об этом».
Министр-писатель
В. Мединский — член Союза писателей Ро сс и и. Н а о фи ц иа л ьном с а й т е
www.medinskiy.ru значатся 7 оригинальных названий его книг:
«Мифы о России. О русском пьянстве
лени и жестокости», 2002 – 2006;
«Мифы о России-2. О русской демократии, грязи и «тюрьме народов»,
2004 – 2007;
«Мифы о России-3. О русском воровстве, особом пути и долготерпении»,
2005 – 2008;
«Особенности национального пиара.
PRавдивая история Руси от Рюрика
до Петра», 2002 – 2008;
«История мировых кризисов», 2008,
совместно с А. Хинштейном;
«Война. 1939-1945. Мифы СССР»,
2000 – 2011;
«Стена», 2009 – 2011 (первый роман,
а не публицистика).
Общий тираж, вместе с переизданиями,
карманными вариантами, дайджестами и
т.д. — около миллиона экземпляров.
Издательский дом «Коммерсантъ» признал
серию «Мифы о России» самой тиражной
исторической книгой современной России
(«МК»). Портал NEWSru.com отмечает, что
популярность его работ только растет.
По словам руководителя проектов издательства «Олма Медиа Групп» А. Соколова,
«в нашем издательстве выше рейтинг имеет только Борис Акунин». Сам же Мединский
говорит, что только в 2010 он заработал
писательским трудом около 2 млн. руб.
В отличие от двух своих предшественников, людей далеко не публичных, привыкших работать в тиши кабинетов, Мединский — фигура медийная, весьма известная в политике, публичная, в каком-то
смысле напоминающая этим М. Швыдкого. Работая в Думе, Мединский был одним
из самых активных депутатов. Регулярно
появлялся в прямых эфирах на ТВ, участвовал в диспутах, дискуссиях, политических
ток-шоу. Он является активным пользователем соцсетей, но на днях вышел из сети
«ВКонтакте», обидевшись на создателя сети
П. Дурова за одно из его высказываний
в сети. Мединский известен своими яркими, хлесткими, но и весьма неоднозначными высказываниями и предложениями.
Например, «С этим извращением необходимо заканчивать» (о выносе тела Ленина
из Мавзолея). Или предложение продавать
сим-карты только при условии копирования паспорта покупателя.
За работу, товарищи!
Сразу после назначения, 21 мая, Мединский приехал в министерство. В этот же
день экс-министр Авдеев прощался с бывшими подчиненными. Новый министр
интенсивно начал знакомиться с деятельностью подразделений, департаментов.
На день выпуска этого номера «МО» неизвестна была структура министерства, персоналии заместителей министра, начальников департаментов. Но известно, что
по указу В. Путина от 21 мая о структуре
федеральных органов исполнительной власти, в ведение Министерства культуры перешло Федеральное агентство по туризму.
Кстати, помощница Мединского в МГИМО по имени Кристина, к которой обратились корреспонденты «МК», заявила, что
хотела бы продолжить работу вместе с шефом. Так что, видимо, в пресс-службе министерства также грядут перемены.
22 мая министр принимал зачет
в МГИМО по специальности «телевизионная журналистика». После этого
студенты шутили, что зачетки с его
подписью можно хранить для истории;
сканировать и размещать сканы в соцсетях как артефакт.
Перемены продолжаются
Указом от 23 мая В. Путин освободил
Ю. Лаптева от обязанностей советника
Президента по вопросам культуры
и назначил на эту должность В. Толстого, директора Музея-заповедника «Ясная Поляна».
Владимир Толстой — праправнук Л.Н. Толстого —
родился в 1962 в Москве. В 1984 году окончил
факультет журналистики МГУ им. М.В. Ломоносова. Работал корреспондентом, затем редактором
отдела журнала «Студенческий меридиан».
В 1993 – 1994 — ведущий эксперт отдела музеев
Министерства культуры РФ. С 1994 — директор
Государственного мемориального и природного
заповедника «Музей-усадьба Л.Н. Толстого “Ясная
Поляна”».
В. Толстой — главный редактор историко-публицистического альманаха «Воскресение», главный
редактор литературно-художественного
иллюстрированного журнала «Ясная Поляна».
Председатель жюри литературной премии «Ясная
Поляна». Учредитель ежегодных Международных
писательских встреч в Ясной Поляне.
Председатель Центрального совета Ассоциации
музейных работников регионов России, член
президиума Союза музеев России, президент
Российского комитета Международного совета
музеев (ИКОМ России).
С 2004 — председатель Общественной палаты
Тульской области. С 2011 — член Совета при президенте РФ по культуре и искусству и Общественной палаты РФ. Входил в число доверенных лиц
В. Путина на прошедших президентских выборах.
Заслуженный работник культуры РФ.
Министром образования и науки в правительстве стал Дмитрий Ливанов, ранее работавший ректором Московского
института стали и сплавов.
Министром связи и массовых коммуникаций назначен Николай Никифоров,
до этого Ему еще не исполнилось 30 лет,
и это самый молодой министр в правительстве Д. Медведева. До этого он работал заместителем премьер-министра —
министром информатизации и связи
Республики Татарстан.
Предшественник Никифорова И. Щеголев, как и А. Фурсенко, и ряд других министров кабинета Путина, стал советником
президента. Остались во власти и люди, курировавшие сферу культуры и идеологии.
Так, В. Сурков получил должность заместителя Председателя Правительства – руководителем Аппарата Правительства РФ.
Д. Песков вместе с В. Путиным вернулся
в Кремль и стал заместителем руководителя администрации Президента — пресссекретарем Президента РФ.
В ближайшее время должен решиться
вопрос дальнейшего места работы Ю. Лаптева, заместителей министров, начальников департаментов и других ответственных чиновников.

«МО»
18
юбилеи
Человек Земли и Неба
Исполнилось 60 лет министру культуры и духовного развития
Республики Саха (Якутия)
Андрею Саввичу БОРИСОВУ
Э
тот человек вполне заслужил имя «северного
Леонардо» — настолько
разностронни его таланты,
настолько разнообразны, порой
неожиданны сферы их применения. Актер, драматический,
оперный и кинорежиссер, писатель, публицист, философ,
мыслитель, общественный
деятель... Духовный лидер
своего народа и своей нации.
Да, Андрей Борисов — прирожденный лидер. Это качество в свое время помогло юноше из Якутии найти свой путь
в театральное искусство,
в режиссуру — и свой путь
в искусстве и режиссуре.
Оно же помогало завоевывать
и творческие, и политические
вершины. Получив актерское
образование в Щепкинском
училище, а затем окончив курс
А.А. Гончарова в ГИТИСе,
он поставил дипломный спектакль «Желанный голубой
берег мой» по повести Ч. Айтматова «Пегий пес, бегущий
краем моря» — и не только проснулся знаменитым, но и стал
символом особого взгляда
на мир и над миром, особой
духовности, свободы, предсказания и предвидения… И этот
пронзительный спектакль,
по сути, заново открыл духовное пространство этой древней
и молодой земли.
В 1983 Борисов стал главным
режиссером Якутского драматического театра. С тех пор он поставил более 20 спектаклей. В 1986
за спектакль «Желанный голубой
берег мой» получил Государственную премию СССР. В 1989 избран народным депутатом СССР.
В 1990 Борисов возглавил Министерство культуры и духовного развития Якутии. Он был
одержим идеей врастания Якутии в мировую цивилизацию,
открытия всему миру традиций
своей родины, более того —
взаимопроникновения культур
Запада и Востока, Европы и
Азии, создания Евразийского
пространства. Его первой программой на посту министра стал
уникальный проект «Хомус (музыка) — Ысыах (празднества)
— Олонхо (эпос) — Итээл (верования)».
«Это было время культуры
в становлении государственности и высшего художественного
образования, включения в контекст мировой культуры,
создания инфраструктуры
для развития профессионального
искусства, время рождения науки
и философии культуры народов
республики. А в основе этого —
возрождение традиционной культуры как живительного источника» (А. Борисов).
Его усилиями созданы Высшая школа музыки РС (Я),
Арктический государственный институт культуры и искусства (где он был первым ректором), организованы многие
фестивали и иные творческие
проекты. В частности, Борисов
был инициатором и художественным руководителем Фестиваля искусств «От олонхо
— к новой опере», прошедшего
в Москве в 2007 к 375-летию
вхождения Якутии в состав России. В рамках проекта состоялась знаковая премьера оперной дилогии В. Кобекина
«Александр Македонский»
и «Кудангса Великий», отмеченной Специальной премией
жюри фестиваля «Золотая маска» (2009) и названной «Событием года» в рейтинге «МО»
(2007). Еще одну «Маску» А. Борисов получил в 2002 за спектакль драматического Саха театра «Олонхо» (приз критики).
«Раньше говорили, что Олонхо
— это сказка якутов, потом решили, что эпос, но эпос — принадлежность литературы, а уникальность Олонхо заключается
в том, что он всегда играется,
это прежде всего театр.
Я думаю, что мы пришли к театру Олонхо» (А. Борисов).
К какому бы жанру ни прикасались душа и сердце Борисова,
Ее счастливая жизнь
Отметила юбилей музыковед, доктор искусствоведения,
профессор Людмила Михайловна КОКОРЕВА
Л
юдмила Кокорева —
выпускница Московской консерватории
по классу теории музыки
(рук. В.А. Цуккерман) и аспирантуры (рук. И.В. Нестьев),
прошла великолепную фортепианную школу у И.Р. Клячко.
Юбилейная дата — приятный
повод воздать должное научным достижениям Людмилы
Михайловны. Главной темой
ее творческих устремлений стало французское музыкальное
искусство, что необычайно
соответствует ее облику —
изящному, рафинированному,
женственному. Законченности
формы созвучны внутренняя
глубина и содержательность
и ее лекций, и ее книг: для них
характерны структурность,
ясная логика, концептуальность.
Многое в ее научных достижениях связано со словом
«впервые». Монография
«Жизнь и творчество Дариуса
Мийо» (1986) открыла русскому
читателю творчество одного
из представителей французской
«Шестерки». Ценность этого
исследования заключалась
и в том, что автор состояла
в переписке с композитором,
получала его комментарии,
музыкальное обозрение | №5(341). 2012
его проницательный ум и творческая фантазия, — во всем
чувствуется рука Мастера,
Художника, Творца, первопроходца. Совершенно естественно
то, что он обратился к опере.
Поставленный им в Якутском
театре оперы и балета спектакль «Борис Годунов» (1996)
стал безусловной вехой в истории постановок этой оперы
на российской сцене. Фильм
«Тайна Чингис Хаана» (2009,
Россия – Монголия – США) —
первым полнометражным
проектом якутского кино.
Сегодня А. Борисов воплощает в жизнь Национальный
инновационный проект
Республики Саха (Якутия)
«Земля Олонхо». Это главное
сейчас и в деятельности возглавляемого им министерства,
и в его жизни. Проект был
представлен на всемирной выставке ЭКСПО-2010 в Шанхае.
В 2012 презентуется на V Международных спортивных играх
«Дети Азии». В 2013 будет построен комплекс «Земля Олонхо» с Международным центром
Олонхо, Театром Олонхо —
по словам А. Борисова, «духовный наукоград».
«Если проект не состоится,
если мы не придем к единой идее,
то мы начнем терять культуру,
духовную субстанцию народа.
Это пронзительно мною ощущается» (А. Борисов).
«Я знаю, что я знал…» —
в этой многозначной фразе
заключена парадигма познания,
основанного на интуиции, на активизации генетической памяти. В ней отрицание шаблонов,
штампов и «всяческой мертвечины». В ней призыв к жизни раскрепощенной, богатой, как сама
природа, и прекрасной, как ее
величество Игра.
Я знаю, что я знал… В этой
мысли в отличие от сократовской «я знаю только то, что я
ничего не знаю», нет пессимизма
и погони за суммой знаний,
которая все глубже убеждает
тебя в том, что чем больше ты
знаешь, тем очевиднее твое незнание… Я знал… Поэтому я
спрашиваю у себя. Я читаю Сократа, чтобы вспомнить, что я
знал… И тогда отзывается во мне
вселенский голос и пробуждается
генная память. И тогда я могу
явить миру свою, необщую, идею
и прозвучать своей нотой в земном
бытии» (А. Борисов).

Павел Райгородский
партитуры, к которым вовсе
не было доступа в России. Тема
Мийо продолжилась в переводе
его мемуаров «Моя счастливая
жизнь», выполненных Л. Кокоревой с бережным вниманием.
Комментарии переводчицы
позволили представить реалии
и контекст жизни Мийо, не в последнюю очередь благодаря
подробностям, сообщенным
вдовой композитора. Исследование «Музыкальная культура Польши ХХ века» (1997)
лишь на первый взгляд может
показаться «изменой» французской тематике: слишком многое
связывает ее героев — прежде
всего К. Шимановского
и В. Лютославского — с парижской школой, символизмом.
В 2010 увидела свет книга
«Клод Дебюсси», к которой
Л. Кокорева шла много лет,
апробируя многие ее положения в консерваторских лекциях,
в докладах на конференциях,
статьях. Всегда соблазнительно
найти ключик к тайнам творчества классика: можно сказать,
что гипотеза, выдвинутая
Певец Смоленского края
Исполнилось 75 лет композитору и певцу,
заслуженному деятелю искусств РФ
Николаю Егоровичу ПИСАРЕНКО
У
роженец Ставрополья, выпускник Ставропольского
музыкального училища
и Казанской консерватории, он
прошел школу выдающихся педагогов: Г. Тартакова (вокал), А. Лемана (композиция), А. Бренинга (полифония), Н. Якушенко (актерское
мастерство и культура сценической речи). На сцене Писаренко более полувека, но и сегодня дает
около 50 концертов в год, исполняя
классический репертуар, народные
песни, собственные сочинения.
Творчество Писаренко-композитора основано прежде всего
на русском фольклоре. Его произведения (более 600 в различных
жанрах) исполняли Е. Нестеренко, Л. Зыкина, Т. Сергеева,
ансамбль им. Александрова,
Московский камерный хор под
управлением В. Минина, Смоленский камерный оркестр, многие
другие коллективы и солисты.
С 1965 музыкант живет и работает в Смоленске. За эти годы
дал более 8000 шефских концертов, участвовал в Международных фестивалях в регионе,
в городах России, в Белоруссии,
Болгарии и других странах.
В 1980 – 1984 был художественным руководителем Смоленской филармонии. Несколько
лет он работал также в Государственной филармонии на Кавказских Минеральных водах.
С 1997 Н. Писаренко возглавляет Смоленское региональное
отделение Союза композиторов России. Под его руководством проводятся концерты,
фестивали, авторские вечера
известных композиторов (В. Казенина, Ш. Чалаева, Т. Сергеевой,
Л. Любовского) и музыковедов, научно-практические конференции
(в т.ч. к 200-летию М.И. Глинки),
детские фольклорные праздники,
благотворительные акции, издаются нотные сборники.
Будучи педагогом по классу вокала в Смоленском музыкальном
училище, Н. Писаренко воспитал
ряд учеников, окончивших затем
консерватории в Москве, Петрозаводске, Саратове, Нижнем Новгороде. Среди них засл. арт. РФ
Д. Кирпанев, солист Астраханского театра оперы и балета М. Щербицкий, известный исполнитель
романсов В. Косарев.
Л. Кокоревой — все вышло
из «Пеллеаса и Мелизанды», —
выглядит весьма убедительной
и стройной, а сказать «новое
слово» — цель желаемая,
но достижимая далеко не каждым ученым. Взгляд в прошлое
не заслоняет повседневность.
Увлеченность исполнительскими достижениями Михаила
Плетнева вылилась в книгу
об этом музыканте (2003) —
и она стала опять-таки первой
серьезной монографией о нем.
Л. Кокорева следит за успехами
и других своих студентов, бывших и нынешних: у нее есть
дар безошибочно угадывать
таланты. На ее фестивали
молодых исполнителей «Шаги
на снегу», проходящие уже пять
лет в Библиотеке искусств имени А.П. Боголюбова, регулярно
съезжаются со всех уголков
света такие яркие артистические индивидуальности, как
А. Коробейников, Г. Громов,
А. Ярошинский, К. Лапшин,
С. Христенко, О. Тутова — все
они учились в разные годы
в Московской консерватории,
В местной и центральной прессе регулярно печатаются очерки,
эссе Н. Писаренко, посвященные
музыкальной жизни Смоленщины. Много лет он собирает материалы о выдающихся музыкантах
— смолянах, внесших вклад в развитие культурной жизни страны.
16 статей о них опубликованы
в I томе «Смоленской энциклопедии».
Н. Писаренко — делегат VIII, IX
и Х Съездов композиторов России, член Ревизионной комиссии
СК России, член Совета по культуре и искусству при Губернаторе
Смоленской области, входит в руководящие органы многих общественных организаций региона.
Среди его наград — орден Почета,
премия Центрального федерального округа, почетная грамота
Министерства культуры РФ,
звание Почетного деятеля Союза
композиторов России.
2 февраля в Зале имени
М.И. Глинки Смоленской филармонии состоялся юбилейный концерт «Николай Писаренко и его друзья». Юбиляра
поздравили зам. губернатора
Смоленской области А. Мурыгин
и зам. мэра Смоленска В. Виноградов, председатель Союза композиторов России В. Казенин,
композиторы Л. Лядова и Э. Ханок, популярные исполнители и
коллективы, представители культурной общественности Смоленска. И, конечно, многочисленные
друзья и коллеги, с которыми
Николай Егорович связан на
протяжении жизненного и творческого пути. Звучали слова
признательности артисту, музыканту, человеку. И эти слова юбиляр, несомненно, заслужил своим
талантом и неустанной многогранной деятельностью.

Татьяна СИМОНОВА
где Кокорева преподает более
40 лет. В этом году фестиваль
посвящен 150-летию К. Дебюсси.
Признанием заслуг Л.М. Кокоревой стало присвоение ей
в 2010 звания заслуженного
деятеля искусств РФ.
Круг интересов Л. Кокоревой
не ограничивается педагогикой
и работой в тиши библиотек.
«Красавица, спортсменка…» —
эта бессмертная реплика вспоминается неслучайно: популярные с легкой руки первых лиц
государства бадминтон и большой теннис уже давно стали
неотъемлемой частью жизни
Людмилы Михайловны, неизменно заражающей и заряжающей окружающих своим оптимизмом.
О своих планах юбиляр
предпочитает не распространяться. Но в блестящих идеях
у Л.М. Кокоревой нет недостатка, и можно не сомневаться,
что в будущем нас ждут новые
ценные и оригинальные
исследования.

Евгения Кривицкая
персона
музыкальное обозрение | №5(341). 2012
19
«Главное —
отношение к профессии»
Геннадий ДМИТРЯК:
8 мая отметил 65-летие
Геннадий ДМИТРЯК — известный дирижер, педагог, профессор Московской консерватории
и РАМ им. Гнесиных, художественный руководитель Государственной хоровой капеллы
им. А.А Юрлова. Его усилиями
этот коллектив вновь вышел
на лидирующие позиции в творческой и концертной жизни Москвы и России.
В юбилейном монологе Геннадий
Александрович размышляет
о прошлом и о будущем,
об этапах своей карьеры
и тайнах мастерства…
Начало…
Я родился в Вене. Накануне Дня Победы,
в городе, который называют музыкальной
столицей мира. Мой отец, тогда молодой
лейтенант танковых войск Советской Армии, по долгу службы находился с семьей
в Австрии. По рассказам мамы, гуляя возле знаменитого памятника Моцарту со
мной на руках, она мечтала, что я, быть может, когда-нибудь стану музыкантом.
Ее мечта начала осуществляться по прошествии нескольких лет в Магнитогорске,
куда командировали отца, и куда вслед за
ним переехала наша семья. Судьба привела
меня в магнитогорское музыкальное училище на дирижерско-хоровой факультет.
В то время в училище работала плеяда молодых и талантливых выпускников прославленной Ленинградской консерватории
– В. Чернушенко, В. Васильев, Б. Ляшко, а
также Свердловской консерватории — Е. Томас, В. Небесная. Возглавлял Магнитогорское музыкальное училище замечательный
музыкант-просветитель Семен Григорьевич Эйдинов. В училище царила необычайно творческая атмосфера, чему способствовала молодость многих педагогов, свойственные юности увлеченность и задор.
Оркестром училища руководил В. Чернушенко. В. Васильев, мой педагог по дирижированию, работал дирижером в Магнитогорской
хоровой капелле. Б. Ляшко руководил
студенческим хором. Эти музыканты, особенно С.Г. Эйдинов и В.Г. Васильев, сыграли
в моей жизни определяющую роль.
Как важно в молодости встретить людей,
способных подарить искреннюю и глубокую
любовь к своей профессии!.. Именно такие
люди поддерживают преемственность поколений, опыта и мастерства в любой профессиональной сфере.
Гнесинский институт
и Московская консерватория
В 1970-е Гнесинский институт, наверное,
находился в зените своей славы. На кафедре хорового дирижирования Александру Александровичу Юрлову удалось
собрать необычайно сильный педагогический коллектив, в котором энергия молодости и мастерство профессионального
опыта взаимно обогащали друг друга.
Со старейшими преподавателями, такими как синодал И. Лицвенко, В.Благообразова, Л. Андреева, работали молодые
энтузиасты хорового искусства: В. Попов,
И. Агафонников, С. Г усев, В. Су ханов,
Л. Попова, В. Судаков, В. Семенюк. Тогда
же на кафедру пришел В. Минин, что, безусловно, еще более укрепило ее лидирующие позиции.
Совместные репетиции и концерты студенческого хора и Республиканской русской
хоровой капеллы под управлением А.А. Юрлова оставили в наших сердцах неизгладимое впечатление. Мы выступали под управлением К. Кондрашина, Е. Светланова,
Д. Ойстраха, А. Юрлова. Благодаря этим выступлениям уже в студенческие годы освоили обширный пласт кантатно-ораториальной музыки XX века. Это «Патетическая оратория», «Поэма памяти Сергея Есенина»,
«Курские песни» Георгия Свиридова, 13 симфония «Бабий яр» Дмитрия Шостаковича
и многие другие сочинения. Сводный хор
в 120-130 человек производил колоссальное
впечатление. Те совместные выступления
невозможно забыть!
Для меня и всех моих сокурсников Юрлов
был непререкаемым авторитетом. Сила его
личности имела необычайное воздействие,
хотя сам он меньше всего заботился о производимом впечатлении. Я не уставал поражаться его энергии, таланту и уму, который,
как я теперь вижу, по праву можно назвать
государственным. Как организатору грандиозных хоровых фестивалей, гастрольных
поездок и концертов по всему Советскому
Союзу ему удавалось практически невозможное. Концерты у стен Новгородского
кремля, возрождение забытой традиции
исполнения русской духовной музыки, организация Всесоюзного хорового общества,
— неутомимая, подвижническая деятельность Юрлова поражала всех, кто был с ним
знаком. Мы, молодые музыканты, мечтали
быть на него похожими.
Студентом я пропадал на репетициях
в Большом зале Московской консерватории,
заворожено вслушиваясь в процесс репетиционной работы, остро ощущая возвышенный, академический дух этого удивительного учебного заведения, где некогда
работали С. Танеев, П. Чайковский, учились
С. Рахманинов, А. Скрябин…
Моя мечта получить также и консерваторское образование осуществилась в 1974 году
— я поступил на факультет оперно-симфонического дирижирования. Учился сначала в классе К.П. Кондрашина, а затем
у Л.М. Гинзбузга. Надо сказать, что класс
Лео Морицевича объединил тогда очень талантливых молодых дирижеров: А. Лазарева, М. Юровского, П. Когана, С. Скрипку,
А. Степанова, А. Анисимова. Все они сегодня работают с ведущими российскими симфоническими и оперными коллективами.
С П. Коганом, замечательным музыкантом, скрипачом и дирижером, мы стали
друзьями. Наша консерваторская дружба
продолжается и сегодня, причем дружим мы
и коллективами — наша Капелла и оркестр
П. Когана часто выступают вместе.
Капелла
«Московский Кремль»
…Наступили «лихие» 1990-е. Годы, когда
разрушилась страна, которую я любил,
которой гордился, в которой вырос, пол у ч и л п р ек рас но е о бра зова н ие, где
начал работать и где родились мои дети.
Много вопросов оставили нам те события,
ставшие теперь частью истории новой России. Несмотря ни на что, ну жно было
искать себя, искать новые возможности для
творчества. Представился подходящий
шанс — у меня появилась возможность организовать хоровой ансамбль солистов.
Этот коллектив сначала получил название
«Московская капелла», затем стал более
известен как ансамбль солистов Капелла
«Московский кремль». Прообразом его
были «Солисты Москвы» Ю. Башмета. Признаться, как только я увидел Ю. Башмета на
сцене с оркестром, был сразу же покорен
его фантастической музыкальностью, искрометной энергетикой, мощной харизмой… И, конечно, стал в мечтах лелеять возможность совместных выступлений его оркестра и моего хора. В конце 1990-х
во Франции, в Туре, мы впервые совместно
исполнили Мессу соль мажор Ф. Шуберта.
После этого наши коллективы часто выступают вместе — с Реквиемом и Большой мессой до минор В.А. Моцарта, «Stabat Mater»
Дж. Россини, поэмой «Стикс» Г. Канчели
и многими другими сочинениями.
Незабываемые впечатления подарила мне
работа в музеях Московского Кремля.
Здесь многое удалось воплотить в жизнь
то, о чем когда-то мечтал… Мы словно вернули в Московский Кремль звучание русского хора, издавна, с XV века, сопровождавшего богослужения, торжественные и праздничные церемонии. Мы выступали в залах
Оружейной палаты, Патриаршем дворце,
в Успенском сборе, соборе Василия Блаженного, где русское хоровое пение обретало особую историческую глубину. Продолжением
этих традиций стало участие Капеллы «Московский кремль» в правительственных мероприятиях. В 2004 коллектив участвовал
в церемонии инаугурации Президента РФ
В. Путина в Большом Кремлевском дворце.
Капелла имени А.А. Юрлова
В 2004 мне предложили возглавить Государственную академическую хоровую капеллу России имени А.А. Юрлова. Стоит ли говорить о том, какие противоречивые чувства овладели мной: радость, сомнение, профессиональный азарт,
ощущение огромной ответственности за
судьбу знаменитого коллектива. История
капеллы, несущая на себе печать исключительной по силе воздействия личности
А.А. Юрлова, тесно переплелась и с моей
жизнью. Три года по приглашению А.А. Юрлова я работал в капелле ассистентом, в 1973
заканчивал ассистентуру, представив с капеллой программу, включавшую Реквием
В.А. Моцарта и девять хоров С. Танеева.
Предшествующее поколение артистов
Капеллы и ее замечательные руководители
Ю. Ухов, С. Гусев сделали все, чтобы сохранить и развить традиции, заложенные Юрловым. Но теперь нужно было идти дальше.
Началась новая страница в истории коллектива — капелла вошла в XXI век. Мало было
пригласить новых артистов, требовался особый сплав технического мастерства, мобильности и глубокого художественного
чувства, душевной отзывчивости. От коллектива, перед которым встала задача
исполнения произведений самых разных
стилей и жанров, потребовалась особая концентрация внимания, нацеленного на абсолютно точную вокальную интонацию,
умение слышать музыку внутренним слухом до ее исполнения. Приходилось убеждать, добиваться понимания этих задач
всеми артистами Капеллы.
Началась моя новая жизнь, посвященная
служению этому коллективу. Много сил
и времени было потрачено на создание
удобной репетиционной базы. Получение
Гранта Правительства РФ и поддержка Министерства культуры РФ дали возможность
пригласить артистов новой формации,
способствовали расширению творческих
возможностей коллектива.
К счастью, сегодня имя юрловской Капеллы не сходит с афиш, коллектив выступает
с лучшими дирижерами и оркестрами страны — под управлением Ю. Башмета, П. Когана, Т. Курентзиса, М. Плетнева, С. Скрипки, А. Сладковского, Ю. Симонова. Семь
долгих, трудных и, в то же время, чрезвычайно плодотворных лет ушли на то, чтобы
достичь этого важного для нас уровня.
Сегодня в репертуаре Капеллы музыка самых разных стилистических направлений
и жанров: русские духовные песнопения,
произведения А. Веделя, Д. Бортнянского,
М. Березовского, П. Чеснокова, С. Рахманинова, народные песни, музыка российских
композиторов XX – XXI веков: Г. Свиридова,
Ю. Фалика, Р. Щедрина, А. Чайковского,
А. Ларина, сочинения западноевропейской
кантатно-ораториальной музыки от В.А. Моцарта, Дж. Верди, И. Брамса до Л. Бернстайна, Б. Бриттена, Дж. Тавенера. Мы много
ездим и гастролируем по России: от Калининграда до Магадана через Казань, Красноярск и Читу; за рубежом — от Прибалтики,
Польши, Англии и Греции до Катара. Сегодня у нас есть все возможности, чтобы двигаться к своей мечте, создавая хор, которым
и впредь будет гордиться наша страна.
Дань Учителю
В этом году исполняется 85 лет со дня
рождения Александра Александровича
Юрлова. «Хоровой собор памяти Александра Юрлова» — так мы назвали концерт, посвященный его памяти. Он должен пройти
11 ноября в Большом зале Московской
консерватории. Нам, конечно, хотелось,
чтобы музыкальное приношение памяти
мастера отражало его неповторимый творческий стиль, масштаб его хоровой деятельности. Поэтому к участию в концерте,
в программе которого прозвучит русская
духовная музыка и «Поэма памяти Сергея
Есенина» Г. Свиридова, приглашены ведущие
российские хоровые коллективы, руководители которых близко знали Александра
Александровича. Это прежде всего Государственный академический русский хор
имени А.В. Свешникова под управлением
Б. Тевлина, Московский государственный
академический камерный хор под управлением В. Минина. Сам Юрлов тяготел к художественной выразительности хоровых массивов — сводных, расширенных хоровых
составов. Хоровой собор его памяти, надеемся, станет воспреемником этой замечательной традиции русской хоровой школы
и украсит новый концертный сезон.

20
филармонические сезоны
музыкальное обозрение | №5(341). 2012
В постоянном поиске
Пермская краевая филармония обогащает традиции актуальным контентом
В
пос ледние годы Пермска я
филармония укрепляет свои
позиции в качестве лидера,
одного из флагманов музыкальной культуры в регионе
и в общероссийском контексте. Курс — на
приглашение статусных музыкантов и
коллективов, проведение уникальных
проектов и фестивалей, новые формы
работы со слушателями. Освоение новых
направлений творческой деятельности
с целью максимального охвата аудитории,
инновации в содержании, формате программ и даже в названиях — одна из генеральных линий руководства филармонии
и ее директора Г. Кокоулиной.
На еще более высокий уровень по сравнению с прошлыми сезонами вышла абонементная система. Среди безусловных
лидеров — не только абонементы гостей
(органная и фортепианная музыка), но
и солистки Пермской филармонии Е. Камянской (орган) и квартета «Каравай».
Высокий уровень филармония поддерживает своим ноу-хау: активным внедрением мультимедийных технологий
и трансляцией всех крупных проектов
и фестивалей в режиме он-лайн.
II Международный
фестиваль Дениса Мацуева
Этот форум играет важную роль в музыкальной жизни Прикамья. Особыми событиями фестиваля стали выездной концерт
оркестра «Новая Россия» в Березниках
и благотворительный детский концерт,
во время которого три лучших ученика пермских музыкальных школ получили стипендии фонда «Новые имена» (его патроном
является Д. Мацуев). А известные педагоги
Московской консерватории провели для
юных пермяков мастер-классы по специальностям скрипка, виолончель и флейта.
Великолепие органа
Международный фестиваль органной музыки, проводившийся в 6-й раз,
ежегодно насыщен качественно новыми
идеями. Девиз фестиваля — «Орган плюс»
— отражает его главную идею: показать
неисчерпаемость возможностей органа,
представить органную музыку во всем ее
разнообразии и великолепии, в сочетании
с вокалом, оркестром, хором, солирующими инструментами (в т.ч. и такими, как
арфа, чембало, клавесин, ударные и даже
валторна-пикколо!), познакомить с широкой звуковой панорамой эпох, стилей,
жанров, открыть неизвестные ранее композиторские и исполнительские имена.
За шесть лет на фестивале выступили
музыканты из России, Германии, Франции, Италии, Испании, Сербии, Австрии,
Нидерландов, Великобритания, Норвегии,
Финляндии, Польши, США, Канады, Новой Зеландии, Мексики, Японии.
Фестиваль соединяет в себе не только
различные музыкальные жанры (камерная и духовная музыка, джаз, авангард)
и исполнителей, но и становится экспериментальной площадкой для синтеза искусств: музыки, живописи, кино, поэзии,
хореографии, видео-инсталляций.
Каждый музыкальный фестиваль, проходящий в Перми, обязательно включает
детскую программу и выезды в города
края. Органный фестиваль тоже следует
этим традициям: в этом сезоне, кроме
шести концертных вечеров в Органном
зале, состоялись два детских дневных концерта, а жители отдаленных территорий
впервые побывали на «живом» органном
концерте благодаря небольшому переносному органу-позитиву.
«Торжество рояля»
Зрители, собравшиеся на гала-концерт
этого Международного проекта, присутствовали, пожалуй, на самом экспериментальном событии в новейшей истории
Пермской филармонии. Его участники:
С. Катсарис (Франция), Д. Лайвли (США),
С. Кудряков и А. Гиндин. Проект остроумно завязан на цифре «четыре»: четыре
исполнителя за четырьмя роялями на сцене Большого зала филармонии, четыре
композитора (Р. Вагнер, К. Черни, Д. Мийо,
М. Равель), четыре произведения в программе. И четыре города, в которых прошли сольные концерты проекта: Пермь,
Добрянка, Соликамск и Краснокамск.
Накануне концерта шла техническая
работа над подготовкой видеотрансляции
на два больших экрана, а также доставкой,
установкой и настройкой инструментов на
сцене Большого зала: к двум филармоническим «Стейнвеям» и роялю Petrof присоединился новый «Стейнвей» из Муниципального дворца культуры им. Солдатова.
«Удивительные звуки»
и «Музыка для беременных»
Пермская филармония традиционно выступает в качестве площадки для реализации необычных проектов. Один из них
— «Удивительные звуки. Дни необычных инструментов в Пермской краевой
филармонии». Встречи с молодыми
исполнителями и знакомство с редкими
музыкальными инструментами — терменвоксом, стеклянной арфой, стеклянной
пан-флейтой и веррофоном — вызвали
такую живую реакцию слушателей, что
с та ли и м п ульсом д л я ра зм ыш лений
о новом масштабном фестивале.
Другой проект — «Классическая музыка для беременных женщин», прошедший перед Новым годом, ориентирован
на один из основных трендов социальной
политики — охрану семьи, материнства
и детства. По мнению Г. Кокоулиной, именно сейчас, когда в регионе открыт Краевой
перинатальный центр, «наш пилотный
проект приобретает особую актуальность
и востребованность».
«Дети Выдры» в Москве
«Сделано в Перми» — это эксперимента льна я п лоща дк а, предста в л яюща я
на российском и международном уровне
достижения пермской культуры.
Первый проект бренда — музыкальная
сюита «Дети Выдры» В. Мартынова на
стихи В. Хлебникова в исполнении камерного струнного оркестра «Opus Posth.» под
управлением Т. Гринденко, Пермского
академического хора «Млада» и всемирно
известной тувинской группы «Хуун-ХуурТу». Премьера прошла в сентябре 2009
при поддержке Пермской краевой филармонии.
Пр о ек т у же бы л пок а з а н в Перм и
и Санкт-Петербурге, а также в Украине
(Киев) и Польше. Поступило приглашение
из Голландии на крупнейший Holland
Festival. На очереди — показ в Норвегии.
В марте с уникальным сочинением
смогли познакомиться москвичи. Московская премьера прошла в Концертном
зале им. Чайковского. После концерта
множество известных людей высказали
слова признательности и восхищения.
Например, писатель В. Сорокин назвал это
сочинение «совершенным шедевром».
В апреле состоялся показ этого концерта
на телеканале «Культура».
«Дягилевский
фестиваль-2012»
Пермская филармония не первый год
принимает активное участие в Международном Дягилевском фестивале. Филармоническая программа 2012 отличается
насыщенностью и эксклюзивностью. Особенностью нынешнего фестиваля можно
назвать уникальный «фортепианный акцент»: из шести программ в пяти так или
иначе заняты пианисты. Причем это будут и сольные концерты таких исполнителей, как К. Тейлор, А. Батагов, А. Любимов, и вечера в «содружестве» с другими
инструментами и вокалом. Так, совместную программу представят А. Мельников
(о котором С. Рихтер сказа л, что «он
по-настоящему талантлив и даже масштабен») и австрийский баритон Г. Нигль, известный исполнением заглавной партии
в спектакле ГАБТ «Воццек».
На сцене Органного зала состоится концертное исполнение «Свадебки» И. Стравинского и мировая премьера музыкального представления в народном ду хе
В. Николаева «Геревень» в исполнении
пианистов К. Тейлора, А. Мельникова,
М. Шиляева и И. Соколова, четырех солистов — Ю. Корпачевой (сопрано), О. Петровой (меццо-сопрано), С. Леонтьева (тенор)
и Д. Ульянова (бас), хора MusicAeterna и ансамбля ударных инструментов М. Пекарского. Дирижер — Т. Курентзис.
В программе фестиваля — еще одна
мировая премьера: сочинение «Примадонна» Б. Филановского. Исполнители:
О. Балашова-Леман (меццо-сопрано), хор
MusicAeterna, симфонический оркестр
Пермского театра оперы и балета. Дирижер — О. Кюанде (Швейцария).
Белые ночи в Перми
Нынешний год стал триумфальным для
Пермской краевой филармонии: в программу Года Музыки-2012 в рамках Культурной
Олимпиады «Сочи-2014», участие в которой принимают самые интересные и креативные российские проекты в области
культуры, включены сразу четыре пермских проекта. Это Всероссийский фестиваль Национального филармонического
оркестра России «Владимир Спиваков приглашает…», фестиваль «Певческое поле
Прикамья», Большой музыкальный фестиваль «Движение» (все они в этом году
пройдут в третий раз в июне в рамках II фестиваля «Белые ночи в Перми») и VII Международный фестиваль органной музыки.
«Владимир Спиваков
приглашает…»
В рамках фестиваля НФОР под управлением В. Спивакова даст шесть концертов.
Вместе с оркестром выступят С. Догадин
(скрипка) и Д. Харитонов (фортепиано).
В трех концертах к оркестру присоединится московский Хор Академии хорового искусства. Это даст возможность пермским
меломанам услышать ораториальные произведения Рахманинова, о. Илариона (Алфеева), Керубини, Брамса, Шостаковича.
Завершится фестиваль оперным галаконцертом на открытой площадке — главной сцене фестива льного городка на
эспланаде. Арии из опер Моцарта, Верди
и Чайковского исполнят А. Аглатова (сопрано), Д. Галстян (меццо-сопрано), А. Неклюдов (тенор), Д. Трифонов (баритон).
«Музыка будет полковая»
Впервые в рамках «Белых ночей в Перми» филармония представит Фестиваль
военных и духовых оркестров. В город
съедутся известные коллективы из СанктПетербурга, Одессы, Нидерландов, Италии
и знаменитые шотландские волынщики.
Хозяин фестиваля — Пермский губернский военный оркестр. Сценическими
площадками для выступлений оркестров
станет пространство центра Перми. Кульминация фестиваля — концерт-шоу марширующих оркестров «Brass Show» в СК
«Молот». Сочетание военной, классической, народной и эстра дной музыки,
парадные дефиле военных оркестров
и танцевальные шоу, показательные выступления с оружием, лазерные и пиротехнические эффекты — все это сделает
интернациональный фестиваль одним из
самых ярких и патриотичных международных зрелищ года.
Поет Прикамье
До революции в Пермской губернии насчитывалось около 300 хоров, каждый из
которых давал около 100 концертов в год.
Возродить хоровые традиции — амбициозная задача, которую Пермская филармония успешно реализует уже третий год
в рамках певческого фестиваля «Поющее
поле Прикамья». В течение нескольких
дней хоровая музыка будет звучать в концертных залах и на открытых площадках.
Хэдлайнеры фестиваля — Уральский государственный камерный хор Пермской
филармонии под руководством нар. арт.
России В. Новика, хор «Пересвет» (Москва),
Академическая капелла Тюменской филармонии, Оренбургский камерный хор,
Пермский академический хор «Млада».
Впервые своеобразную антологию православной музыки одного из самых популярный российских композиторов XX века
представит 100-голосый хор в грандиозном проекте «Сергей Рахманинов.
Духовная музыка в двух вечерах» на
сцене Органного концертного зала.
III Большой музыкальный
фестиваль «Движение»
Этот ежегодный форум, ныне включенный в программу «Белых ночей в Перми»,
обещает стать самым жарким событием
лета. Двухдневный марафон самых разных музыкальных стилей, течений и традиций развернется на главной фестивальной арене эспланады. Среди гостей —
группы Capitan Tifus, Speech Debelle, Deus,
Koudede, La troba kung fu, «Бу мбокс»,
«Маша и Медведи» «Отзвуки Му», «Странные игры», певцы П. Налич, И. Желанная
и Д. Назаров.
На качественно новый уровень выходит
и Международный фестиваль современной музыки.
В ближайших планах Пермской филармонии — проведение новых фестивалей,
освоение мультимедийных рес у рсов,
создание программ, синтезирующих культурное наследие в формате активного
диалога как с ярыми приверженцами музыкального искусства, так и теми, кто
только открывает для себя многоликий
мир музыки.

21
филармонические сезоны
музыкальное обозрение | №5(341). 2012
Фестивальная весна в Омске
Два крупных музыкальных форума состоялись в столице Прииртышья
Их творческий диапазон
оказался весьма обширным,
а концертные программы —
щедрыми на яркие открытия.
Афиша фестивалей включала
как всеми любимые шедевры,
так и самые последние
достижения современного
музыкального искусства
От классики к минимализму
Именно так можно охарактеризовать стилевую направленность Фестиваля Новой
музыки-2012, прошедшего в Концертном
зале Омской филармонии с 9 по 23 марта под
эгидой Культурной Олимпиады «Сочи 2014».
Фестиваль впервые был проведен в 2008
по инициативе художественного руководителя и главного дирижера Омского академического симфонического оркестра Д. Васильева и при поддержке областного правительства. И сразу стал заметным явлением в музыкальной жизни региона и страны.
В нынешнем году фестиваль состоялся
в третий раз, и впервые концерты прошли
в новом Концертном зале Омской филармонии. Слушателей ознакоми слушателей
с новинками симфонического искусства,
редко или никогда не звучавшими в Омске
сочинениями, многообразием жанров и выразительных средств современной музыки,
именами молодых авторов.
В четырех концертах прозвучало 16 произведений 14 российских и зарубежных
композиторов. В их исполнении участвовали московские солисты — В. Щербаков
(фортепиано), М. Березницк ий (а льт)
и Д. Илларионов (гитара). Гостем фестиваля стал композитор Илья Хейфец, родившийся в Омске и проживающий ныне
в Израиле, и чье творчество постоянно
представлено в концертах ОАСО (в т.ч. на
Фестивале симфонических оркестров
мира в Москве в 2010). На сей раз состоялась мировая премьера его Концерта для
фортепиано с оркестром (2009).
Главным событием фестиваля Новой музыки-2012
стала еще одна мировая премьера — Симфонии № 21 «Гра д
велий» А. Караманова.
Это произведение входит
в цикл из шести одночастных симфоний, созданных в 1976 – 1980 по мотивам
Апокалипсиса — книги откровений Иоанна
Богослова. 21-я симфония оставалась единственным неисполненным сочинением из
данного цикла. В 2001 автор сделал ее любительскую запись на рояле. Но в оркестровом
исполнении эта музыка прозвучала впервые.
Программа фестиваля-2012 включала
сочинения, написанные за последние
60 лет (начиная с 1952, года создания пьесы Дж. Кейджа «4`33``»). Минималистскую
линию продолжили оркестровые пьесы
Дж. Адамса: «Короткая поездка на скоростной машине», «Lollapalooza», фокстрот
«The Charmain Dances».
На другом полюсе — своего рода классика ХХ века, сочинения признанных мэтров в традиционных жанрах Симфония
№ 3 К. Пендерецкого и Концерт № 2 для
гитары с оркестром мексиканского композитора Э. Ангуло. Особое внимание на фестивале было уделено современной русской музыке. Сразу два произведения
фестивальной программы обязаны своим
рождением изобразительному искусству:
симфоническая поэма В. Кикты «Похищение Европы» (1990), вдохновленная работой В. Серова, и симфоническая притча
О. Шайдуллиной «Поцелуй Иуды» (2005),
созданная по мотивам рисунка О. Бердсли. Были исполнены сочинения С. Губайдулиной, Н. Кошкина, молодого воронежского автора П. Рукавицына — победителя IV Всероссийского конкурса композиторов имени А.П. Петрова (сюитой из
музыки к драматическому спектаклю «Мокинпотт», 2010).
Впервые в Омске
Одним из важных событий в жизни филармонии стала церемония дарения новой
скрипки, одной из лучших работ известного современного французского мастера
А. Карбонара. Церемония с участием мастера, в присутствии Губернатора Омской
области Л. Полежаева, прошла во время
фестиваля «Владимир Спиваков приглашает…», состоявшегося с 6 по 10 апреля.
Омск стал вторым региональным центром
России (после Перми), где состоялся фестиваль В. Спивакова. И его проведение
тоже связано с появлением в городе современной концертной площадки высочайшего уровня.
Национальный филармонический оркестр России под управлением В. Спивакова представил в Омске пять разноплановых программ: «Вечер с Чайковским»,
«Грандиозный Рахманинов», «Популярная
классика для всей семьи», «Viva opera!»
и «Час Чаплина». Солировали молодые музыканты, лауреаты международных конкурсов С. Догадин (скрипка), З. Чочиева
(фортепиано), А. Аглатова (сопрано), А. Неклюдов (тенор) и Дм. Трифонов (баритон).
Во время фестиваля впервые в Омской области выступил прославленный Хор Академии хорового искусства В.С. Попова.
Помимо фестиваля, В. Спиваков возглавляет проходящий в Омске Международный
конкурс скрипачей имени Ю.И. Янкелевича. Следующий, III конкурс, пройдет с 1
по 10 марта 2013 (см. стр. 40). Главным призом станет скрипка итальянского мастера
Гаетано Антониацци, изготовленная в Милане в 1880.

Анастасия Иголкина
Двойной юбилей
Тольяттинская филармония отметила 20-летие
и провела насыщенный концертный сезон
Муниципальная филармония — редкий для России
статус. Одна из таких немногих
концертных организаций родилась два десятилетия назад
на родине знаменитых «Жигулей»
Вехи истории
1980 — в Толья т т и созда н фи лиа л
Самарской филармонии.
1992 — образова на Тольят тинск а я
филармония.
2001 — по итогам конкурса Окно в Россию» ТФ вошла в десятку лучших филармоний России.
2004 — филармония получила в распоряжение здание бывшего ДК «Юбилейный».
2005 — после реконструкции открыт
Большой концертный за л (рассчитан
на 609 мест). На концертах симфонической,
камерной музыки в целях улучшения акустики используется «приставная сцена», а
первые четыре ряда зала временно демонтируются (в этом случае зал рассчитан на
533 места). В этом зале выступали В. Гергиев, Д. Мацуев, Ю. Симонов, В. Крайнев,
М. Плетнев, Н. Шаховская, А. Эшпай, Э. Вирсаладзе, Д. Крамер; симфонические оркестры Московской, Самарской и Ульяновской
филармоний, Мариинского театра, прославленные фольклорные коллективы.
2006 — вступление в Союз концертных
организаций России (СКОР) и Ассоциацию
симфонических и камерных оркестров
России (АСКОР).
Филармоническая жизнь
В штате филармонии — четыре коллектива:
симфонический оркестр (создан в 1991,
в статусе филармонического с 1993); художественный руководитель и главный дирижер
А. Воронцов. В этом сезоне оркестр также
отметил 20-летие (см. «МО», 2012, № 2);
д жазовый оркестр (создан в 1993,
в филармонии с 1998); художественный руководитель и дирижер В. Мурзов;
русский оркестр — оркестр русских
народных инструментов (создан как филармонический в 2007); художественный
руководитель и дирижер В. Кормишин;
камерный хор «Гармония» (создан
в 1995, в филармонии с 2007); художественный руководитель и дирижер Т. Четкова.
Филармония организует:
абонементы, рассчитанные на разные
категории слушателей;
фестивали: ежегодный фестиваль «Тольяттинская музыкальная осень», международный фестиваль «Джаз-весна в Тольятти», фестиваль «Классика OPEN FEST»;
концерт ы известны х кол лек тивов
и артистов.
Ряд концертных программ — результат
партнерских отношений с музыкальными
организациями, фондами, общественными организациями, некоммерческими
партнерствами: Московской филармонией, Фондом В. Спивакова, Санкт-Петербургским Домом музыки, Самарской филармонией, общественной организацией
«Альянс Франсез Тольятти», Молодежным
симфоническим оркестром Поволжья.
Юбилейный сезон открылся 1 октября, в Международный день Музыки.
В этот вечер в зале филармонии звучал
уникальный цифровой орган Hauptwerk
— единственный в России электронный
инструмент нового поколения. В концерте у частвова ли пианист и органист
В. Муртазин и флейтист В. Дрожников.
Абонементы
В сезоне 2011 – 2012 Филармония представила 16 абонементных циклов. Три
из них детские: «Классика — детям»
Си мфони ческого оркест ра; «Ск а зк и
с оркестром» Русского оркестра; «Расскажи мне, музыка!» Камерного хора «Гармония».
Собственные абонементы провели Симфонический оркестр («Классика на
бис», «Солист + оркестр»), Русский оркестр («Душа России»), Камерный хор
(«Хоровые собрания»). Как всегда, популярностью пользовались и другие джазовые абонементы; циклы, посвященные
различным направлениям рок- и популярной музыки, вокального искусства,
фольклора («Романс и не только», «Страстные гитары», «Песни нашего времени»,
«Виват, баян!»), абонементы, представляющие молодых музыкантов («Музыкальная сборная России», «Играют стипендиаты
Меж дународного благотворительного
фонда Владимира Спивакова»)…
В концертах принял участие мощный десант солистов. В их числе пианисты З. Чочиева, Д. Каприн, П. Каран (Великобритания),
скрипачи В. Ворона, А. Баранов, Е. Свиридов, Е. Корженевич, альтист Ф. Белугин,
баянист В. Семенов, аккордеонист А. Музикини (Франция) и его ансамбль, балалаечники А. Горбачев и А. Архиповский, гитаристы Е. Финкельштейн и Д. Илларионов, певцы О. Безинских (контртенор), А. Водопьянов (баритон), Е. Смольянинова… Многие из
них выступили в Тольятти в рамках ставшего уже традиционным сотрудничества
с Санкт-Петербургским Домом музыки
и Фондом В. Спивакова. Симфоническим
оркестром, помимо А. Воронцова, дирижировали Т. Зангиев (ученик Г. Рождественского) и маэстро из Франции О. Гранжан.
Осенние фантазии
С 15 по 30 октября в Тольяттинской филармонии в 29-й раз состоялся ежегодный традиционный фестиваль «Тольяттинская
музыкальная осень-2011» (шесть концертов). Как обычно, он представлял собой яркий калейдоскоп жанров, стилей: от
классики до авторской песни, с участием
тольяттинских артистов и известных гастролеров из Москвы, Санкт-Петербурга,
США. Среди них московские гости: лауреат XIII Международного конкурса
имени Чайковского Е. Румянцев (виолончель), исполнительница духовной
музыки С. Копылова, гусляр П. Лукоянов, джазовая вокалистка О. Гринфельд; гость из США, номинант Grammy
К. Вашингтон; Джаз-трио А. Черемизова (Санкт-Петербург).
Юбилейный парад
22 апреля Тольяттинская филармония отметила свой 20-й день рождения
праздничным концертом «Хит-коктейль на юбилей!». На сцену вышли все
филармонические коллективы. В программе — классика, джаз, фольклор, хиты группы «The Beatles», совместные выступления
коллективов.
Официальные поздравления, телеграммы и подарки в адрес Тольяттинской филармонии поступили от министерства
культуры Самарской области, депутата
Государственный Думы Екатерины Кузьмичевой, Думы г.о. Тольятти, мэра г.о. Тольятти Сергея Андреева, департамента
культуры мэрии г.о. Тольятти, Московской
государственной филармонии, Самарской
государственной филармонии, Самарского государственного театра оперы и балета, а также от Дамского клуба Тольяттинской филармонии.

Мария Сидлер
22
информация
музыкальное обозрение | №5(341). 2012
«Над Рейна светлым простором…» Радиоэнциклопедия
жанра
Сольную программу под таким названием представил в Камерном зале
Московской филармонии Тигран Матинян
М
олодой певец хорошо известен московской публике. В качестве солиста ансамбля «Мадригал» Московской
фи л армон и и ( р у ков о д и т е л ь
А. Суетин), исполнителя теноровых партий в ораториях и кантата х Персел ла, Ба ха, Ген дел я,
Моцарта, операх Монтеверди,
Глюка, Доницетти, Пуччини, Делиба он завоевал славу исполнит е л я, ко т ор ом у под в л ас т н ы
самые разные жанры и стили.
Великолепная школа (Т. Матинян — выпускник РАМ им. Гнесиных, ученик проф. А. Мартынов а), ви р т у озн а я т е х н и к а ,
природный артистизм, мастерство преподнесения тончайших
нюансов образной и музыкальной ткани — качества, благодаря которым певец органичен
в любом репертуаре, от барокко
до музыки ХХ столетия.
В послужном списке артиста —
баховские «Страсти по Матфею»
и «Рождественская оратория»,
Реквием и «Коронационная месса» Моцарта, «Мессия» Генделя;
запомнившееся выст у пление
в партии Хаджи в концертном
исполнении оперы Делиба «Лакме» на фестивале «Светлановские
недели» (2008); гастроли в Японии, Италии, на Мальте. Его приглашают к сотрудничеству такие
известные коллективы и дирижеры, как А. Рудин и оркестр Musica
Viva, С. Скрипка и Гос ударственный оркестр кинематографии, МГАСО под управлением
Тигран Матинян
П. Когана, В. Понькин, С. Стадлер,
П. Сорокин, Р. Капассо, Р. Канетти.
Концерт в Камерном зале Московской филармонии дал старт
сольной карьере певца. О серьезности его намерений свидетельствует программа, составленная
из шедевров Баха, Генделя, Шуберта, Шумана, Р. Штрауса.
Первое отделение — целиком и
полностью погружение в мир музыка льного барокко. Арии из
опер («Береника», «А льцина»,
Ариодант») и ораторий «(Мессия», «Иевфай») Генделя, дополненные арией из Кантаты № 21
Ба х а, о с та ви л и впечатлен ие
полного слияния исполнителя и
музыки. Восхитила непринужденность, с которой Т. Матинян
преодолевал технические вершины. Казалось, он их просто не
замечал — настолько органичны
были и виртуозные юбиляции,
и страстные любовные sospiri,
и ангелоподобные звуки, словно
бы спустившиеся с небес…
Казалось бы, что может быть
контрастнее, чем барочные арии
и романтическая немецкая Lied?
И что может и х объединить?
Ответ очевиден: мастерство и
вдох новение исполни те л я —
певца и яркого актера в одном
лице. Своеобразным эпиграфом
2-й час т и вечера пос л у ж и ло
знаменитое шумановское «Посвящение» из цикла «Мирты» —
сочетание восторженного ликования и в то же время благородной с держ а нности. Столь же
интеллигентно и благородно —
быть может, именно эти слова
полнее всего характеризуют манеру Т. Матиняна — прозвучала
и песня «В мире муки» из тех же
«Мирт», и наполненные весенними образами песни Шуберта,
и овеянные позднеромантическим флером «Ночь» и «Преданность» раннего Р. Штрауса.
Успех Т. Матиняна по праву
разделил его партнер — пианист
Михаил Антоненко, который к
тому же превосходно исполнил
Экспромт ор. 90 № 3 Шуберта.
В планах Т. Матиняна — исполнение этой же программы на фестивале Premio Gorky на о. Капри,
концерты в залах Московской
филармонии, гастроли по России
с ансамблем «Мадригал». А также записи кантаты немецкого
ком пози т ора, совр емен н и к а
венских классиков И. Гесслера
с ансамблем Pratum Integrum
и сольных мотетов А. Кальдара
(современника Вивальди) с одним из самых барочных оркестров — I Barocchisti (Швейцария)
под управлением Д. Фасолиса на
лейбле EMI.

Драгоценные россыпи
22 марта 2012 в Московском государственном университете культуры и искусств
состоялся II фестиваль «Песня — жизнь», посвященный памяти заслуженного
деятеля искусств РФ, профессора В.В. Гаврилова (1926 – 2008).
З
а мечате льный специалист, прекрасный
организатор и руковод и т е л ь, соче т а вш и й
высокую требовательность с душевной чуткостью, В.В. Гаврилов стоял у истоков создания кафедры русского народно-певческого искусства и возглавлял ее
более 30 лет.
Кафедра организовала и провела фестиваль в форме встречи
с вы п уск н и к а м и ра зн ы х лет
(с 1976 по 2010). Это была встреча
людей, за годы учебы ставших
друг другу близкими, и в то же
время профессионалов, на высоком профессиональном уровне
реализующих свою исполнительскую и творческую индивидуальность. Фестива ль объедини л
более 20 взрослых и детских коллективов, были представлены
сольные выступления и дуэты.
Каждый коллектив стремился
показать универсальные возможности своего ансамбля, представляя произведения разных
жанров, от частушки до лирической протяжной песни, считающейс я верш и ной певческог о
искусства.
Участники сценического действа продемонстрировали мастерство сольного и ансамблевого пения, декламации, танца,
игры на народных инструментах,
красочные костюмы. Выступление ансамбля «Казачий круг»
(рук. В. Скунцев, выпускник 1982)
пленило публику не только пением, но и великолепной пляской.
Большой энт узиазм сл у шателей вызвал ансамбль «Ромода»
Виталий Гаврилов
(рук. С. Власова), исполнивший
многожанровую программу из
песен Белгородской области. Ансамбль «Истоки» (рук. Е. Бессонова, выпускница 1976) продемонс т ри рова л своеобра зн ые
певческие приемы и средства выразительности, приблизившись
к а у т е н т и ч н о м у з в у ч а н и ю.
А нсамбль «Поверье» ( ру к.
Ю. Алакина, выпускница 2009)
запомнился удивительно жизнерадостным настроением.
Впрочем, это можно сказать
обо всех коллективах — участниках фестиваля. В их выступлениях ощущалась органичная связь
импровизационности и традиции. По сравнению с предыдущим фестивалем существенно
вырос ло исполнительское
мастерство, заметно сложнее
стал репертуар.
Фестиваль отличался прекрасной организацией. Была продумана и отлажена его структура:
кропотливая подготовительная
работы по поиску и приглашению
участников, содействие в транспортировке костюмов и инструментов, формирование программы, выпуск красочного буклета,
информационное обеспечение,
церемонии открытия и закрытия
с вручением памятных подарков.
Особый вклад в организацию
фестиваля внесли зав. кафедрой
русского народно-певческого искусства проф. Т. Беляева, профессора В. Бакке, Л. Моисеева и весь
состав кафедры: профессора,
преподаватели и студенты. Неоценимую помощь в проведении
форума оказали ректорат МГУКИ
и директор Института музыки
Л. Зорилова.
На следующий день, 23 марта,
в рамках Второго Московского
студенческого фестиваля народной музыки «Гавриловские гуляния» состоялся большой трехчасовой концерт, посвященный
10-летию кафедры сольного народного пения. В нем приняли
участие студенты и преподаватели кафедры, а также Концертный
образцовый оркестр РЖ Д под
управлением народного артиста
РФ, проф. А. Данильченко, ОРНИ
МГУКИ (дирижер — доц. А. Кабзистый), ансамбли «Карагод»
(ру к. — проф., зав. кафедрой
сольного народного пени я
Е. Засимова, «Этнос Плюс» (рук.
А. Дармастук), «Россиянка» (рук.
— проф. А. Литвиненко) и «Россияночка» (рук. — выпускник
кафедры народно-певческого
искусства В. Рыжов). Я. Артыковская исполнила «Лу чинушк у»
из репертуара Н.В. Плевицкой,
ансамбль «Карагод» — песню
«Издалека долго», студенческий
ансамбль «Реченька» — венок
песен Брянской области.

В. Назарова
Кандидат искусствоведения, доцент
Оперная антология «Орфея»
Н
а протяжении многих
лет ра диостанци я
«Орфей» представляет
оперный жанр, во всех
его проявлениях, в целом ряде
тематических программ.
Энциклопедией жанра можно
назвать проект «Сегодня в опере» (эфир каж дую пятницу
в 19.00). Программа знакомит
слушателей с операми разных
стилей и жанров, различных национальных школ — неизменно
в лучшем исполнении, с участием мировых звезд. Сочинения
транслируются без купюр, целиком, в сопровождении глубоких
и точных комментариев известного эксперта в области музыкального театра А. Парина. За
последние месяцы программа
представила своеобразные фестивали оперного творчества
Доницетти, Оффенбаха и Чайковского, в промежутках между
которыми прошли циклы сочинений разных эпох, связанных
с античными мифами об Орфее
и Медее.
Еще одна авторская программа А. Парина — «И музыка, и
слово» (эфир по воскресеньям
в 17.00) посвящена современной
ситуации в оперном и вокальном
искусстве. Автор анализирует
важнейшие события: премьеры,
конкурсы, фестивали, самые интересные спектакли в России и за
рубежом, яркие актерские дебют ы. Ит ог и «З о ло т ой м ас к и»,
VI Международный детский вокальный конкурс С. Лейферкуса,
опера Ж. Оффенбаха «Сказки
Гофмана» и Пасхальный фестиваль в венском «Театре Ан дер
Вин», концерты Х. Герзмавы,
В. Ла дюка, юбилейный вечер
Д. Вдовина, творчество М. Касрашвили — таковы темы недавних
выпусков программы, гостями
которой становятся известные
певцы, дирижеры, постановщики,
музыкальные критики.
Интереснейшие сюжеты, связанные с миром оперы, составляют канву программы Н. Рыбинского «Оперные страсти» (суббота, 12.30). Она посвящена
истории и сегодняшнему дню
оперного театра, самым ярким
личностям жанра — композиторам, певцам, дирижерам, режиссерам. Вот некоторые темы самых
свежих программ, дающие представление об их содержании:
«Что случилось на премьере оперы “Тоска?”», «Примадонна с фамилией… Онегин», «Два случая
с Тосканини», «Поджигатели театра “Ля Фениче”», «Шостакович
без фрака»… В программе звучат
фрагменты уникальных оперных
записей, голоса выдающихся
певцов.
Иной ракурс оперного искусства — взгляд «изнутри», глазами участника творческого процесса представляет программа
Любови Казарновской «Вокалиссимо» (четверг, 19.00).
Среди тем недавних выпусков —
85-летие со дня рождения великой американской примадонны
Л. Прайс, творчество Л. Паваротти, оперный театр современной
русской провинции, цикл программ, связанных с книгой одного из лучших певцов ХХ века
Т. Гобби. Интерес аудитории
вызывают ответы ведущей на
вопросы слушателей (дискуссионная рубрика «Спрашивайте —
о т в е ч а е м ! ») , р а з м ы ш л е н и я
о проблемах оперного исполнительства.
Мир оперы представлен на
«Орфее» и в целом ряде программ
общей тематики. В частности, гостями программы В. Молчанова
«Рандеву с дилетантом» (эфир
по субботам в 19.00) не так давно были Е. Образцова и И. Масленникова. Один из последних
выпусков был посвящен творчеству ведущей солистки театра
«Новая Опера», приглашенной
солистки Большого и Мариинского театров Е. Поповской.
Важное место оперная тема
занимает в программе С. Яковенко «И довелось, и посчастл и ви ло с ь...» (во с к р есен ь е,
19:00). За последнее время ее гостями были певец В. Пьявко,
художественный руководитель
Детского музыкального театра
имени Н.И. Сац Г. Исаакян, композитор Е. Подгайц.
Новости оперного жанра
представлены на сайте Российского государственного музыка льного телера диоцентра, в
который входит Радио «Орфей»:
www.muzcentrum.ru, в разделах
«Новости» и «Афиша». На сайте
организовано онлайн-вещание
р а д и о с т а н ц и и . А в р а з де ле
«Архив» можно прослушать выпуски программ «Орфея», посвященных миру оперы.

«С красной строки»
Еженедельно по субботам в 17.00 (время московское)
Совместный проект
газеты «Музыкальное обозрение»
и радиостанции «Орфей»
Города вещания:
Москва (72,14 и 99,2 МГц),
Санкт-Петербург (1125 кГц),
Липецк (70,07), Курган (106,0),
Волгоград (1161 кГц, 71,33 МГц),
Смоленск (103,4),
Екатеринбург (69,92),
Тула (71,93), Пермь (66,80),
города Пермской области:
Барда (67,88), Кудымкар (67,97),
Кунгур (67,43), Чусовой (71,06)
фестиваль
музыкальное обозрение | №5(341). 2012
Максаковы в Астрахани
23
С 20 по 24 апреля в Астрахани прошел XII Международный фестиваль
вокального искусства имени В. Барсовой и М. Максаковой
…А 21 апреля Астрахань
отмечала День рыбака.
«Если мы не астраханцы
— значит, Волга не
река!». Такой слоган
придумали в рыбной и икорной
столице России в честь
главного местного праздника.
И не только местного.
В
самолете Москва – Астрахань
значительная часть пассажиров — соли дные м у ж чины,
явно не из последних офис-менеждеров. Обратным рейсом
летели те же мужчины, но уже загорелые
до черноты (конец апреля, на юге +25!)
и со связками отборной вяленой, сушеной
и прочей рыбы.
И лишь один астраханец, видимо, в эти
дни так и не попробовал волжской рыбки:
оппозиционный кандидат в мэры О. Шеин,
объявивший голодовку в знак протеста против фальсификаций на выборах.
Ну а культурная жизнь столицы Нижнего
Поволжья была в эти дни представлена
фестивалем в честь юбилеев двух великих
русских певиц, рожденных в Астрахани:
110-летию М.П. Максаковой и 120-летию
В.В. Барсовой.
Город Максаковой
Исторически сложилось так, что жизнь
В. Барсовой было больше связана с Сочи (там
теперь проходит конкурс ее имени). А вот
имя и деятельность Максаковой — как раз
с Астраханью. Воспоминания певицы о жизни в родном городе колоритны:
«Жили мы в бондарском поселке, который
так назывался по профессии живших в нем
рабочих. Все население этого района занималось изготовлением бочек для сельди —
рыболовство было основным промыслом
астраханцев. Семья наша жила в основном
за счет помощи друзей и родственников, особенно дедушек со стороны отца и матери…
Узнав, что в церковный хор набирают детей,
и не только их учат, но даже платят, как тогда говорили, «жалованье», я потихоньку
отправилась на пробу. Так начался мой трудовой путь, который впоследствии привел
меня к подлинному служению искусству.
Узнав, что в Астрахань приехала оперная
труппа и что певица А.Н. Смоленская, обладательница прекрасного драматического
сопрано и ученица выдающегося певца Мариинского театра И.В. Тартакова, стала преподавать в нашем училище, я пошла к ней,
не спросив разрешения у своего педагога.
В конце концов Смоленская мне честно
сказала:
— Знаешь, Маруся, ты от природы музыкальна, хорошо читаешь ноты, а потому лучше тебе поступить в оперу. Там ты научишься петь. Иначе мы с тобой будем топтаться
на одном месте. На практике я тебе помогу.
Итак, мы приехали с оперой в Красный Яр.
Провинциальный поселок. Лето. Жара —
сорок градусов в тени. На зеленой траве
на пыльных улицах разгуливают розовые
поросята. Я недоумевала: неужели в этой
глухомани могут быть любители оперы?
Оказалось — да, и очень много».
Выйдя в 19 лет замуж за певца и антрепренера М.К. Максакова (сценический псевдоним; настоящие имя и фамилия Макс
Шварц), Мария (в девичестве Сидорова) стала его ученицей, выступала в его оперной
труппе. Согласно справке заведующей
Музея культуры Астрахани Е. Герасимиди,
«после свадьбы Максаковы некоторое время проживали в двухэтажном доме по улице Красная Набережная, 129, и занимали
весь второй этаж». Муж подготовил ее
к прослушиванию в Большой театр, и в 1923
она была зачислена в труппу.
Артистическая семья не теряла связи
с Астраханью: в 1926 и 1927 Максаков, приглашенный для организации спектаклей в
летнем театре, привлек к постановкам звезд
Большого театра: М. Максакову, М. Баратову,
Б. Евлахова, Ф. Мухтарову, И. Козловского.
В начале войны (уже после гибели мужа
в 1936) певица с девятимесячной дочерью
Людмилой, ныне знаменитой актрисой, эвакуировалась в родную Астрахань, под бомбежкой, на корабле. Здесь она организовала
оперный коллектив, выступала как режиссер
и исполнительница главных ролей, среди ее
постановок «Евгений Онегин», «Пиковая
дама», «Русалка», «Риголетто», «Травиата»,
«Тоска». Давала много концертов в госпиталях и на призывных пунктах, перечисляла
средства в фонд обороны. После войны Максакова приезжала в Астрахань на различные
мероприятия, в т.ч. на конкурсы, прослушивала местные таланты, среди которых была
будущая солистка ГАБТ Т. Милашкина.
Мария Петровна передала Астраханскому краеведческому музею свои документы
и вещи, концертные платья. В 2000 в Музее
культуры была создана экспозиция, посвященная жизни и творчеству М. Максаковой.
На пресс-конференции, посвященной
открытию фестиваля, внучка певицы и наследница певческого таланта М. Максакова
сказала: «Конечно, Астраханью бабушка
жила, и астраханцы помнят ее, чтят. И то, что
консерватория была открыта в Астрахани,
а не в Волгограде, где численность жителей
превышала астраханскую; и то, что зал филармонии носит имя бабушки, ее именем
названа улица, и почтовый адрес замечательного нового оперного театра — улица Максаковой, дом 2, — все это не случайно».
Страницы истории
Впервые Дни вокального искусства памяти В. Барсовой и М. Максаковой прошли
в Астрахани в 1987. Среди участников были
народные артисты СССР Б. Руденко и А. Ведерников, почетный гость (как и на всех последующих форумах) — Л. Максакова. Во второй раз,
в 1989, это был уже полноценный фестиваль.
Его главным режиссером и директором выступил директор Астраханской филармонии
О. Попков, а главным дирижером — М. Щербаков. Ангелом-хранителем фестиваля, начиная с 1989, оставался легендарный концертмейстер Максаковой, Д.М. Лернер (1909 –
2012). На II фестивале выступили с сольными
концертами В. Норейка, А. Соловьяненко,
В. Левко, Л. Чкония, М. Пальм. Состоялась премьера, подготовленная Оперной студией при
консерватории, — «Травиата» (художественный руководитель и дирижер Ф. Сепкулов,
режиссер-постановщик Л. Химич).
В 1992 прошел III фестиваль, посвященный 100-летию В. Барсовой и 90-летию
М. Максаковой; на нем с успехом выступили В. Лукьянец и А. Давтян. Тогда же на
Вечере артистических династий дебютировала в Астрахани М. Максакова-младшая,
внучка знаменитой певицы, и спела «Соловья» Алябьева.
В 1994 на IV фестивале вокального искусства творческое объединение «Музыкальный
театр», созданное годом ранее «на базе
Астраханской областной филармонии <…>
труппа которого состояла из выпускников
и студентов консерватории и артистов филармонии, многие из которых также были
выпускниками Астраханской консерватории» (из буклета «Астраханский государственный театр оперы и балета») представил
премьеру «Кармен». Хозе спел солист ГАБТ
В. Пьявко, Кармен — солистка ТО «Музыкальный театр» М. Попандопуло. На спектакле
присутствовало руководство области, и резонанс был столь благоприятным, что коллектив получил в свое распоряжение здание
Летнего гастрольного театра, выстроенного
на месте сгоревшего старого деревянного театра «Аркадия». В том же году фестиваль
обрел статус международного.
XII фестиваль 2012
Нынешний фестиваль, учредителями
которого выступили Министерство культуры региона, областная филармония
и театр оперы и балета, прошел с 20 по 24
апреля. Его украшением стали гала-концерты, перемежавшиеся с другими значимыми событиями.
В концерте-открытии с участием симфонического оркестра театра оперы и
балета (дирижер В. Воронин) пели солисты из Москвы, Петербурга, Киева, Харькова, Алматы. М. Максакова, ныне известная
певица и политический деятель (депутат
Госдумы), исполнила арию Золушки из одноименной оперы Дж. Россини, а во второй
вечер, с Оркестром русских народных инструментов Астраханской филармонии
(дирижер Е. Серединцева) — романсы
«Этот веер черный» П. Сарасате и «Две гитары» И. Васильева и А. Григорьева. Следующее поколение династии представлял сын
М. Максаковой и правнук знаменитой певицы Илья, сыгравший «Марш» Прокофьева.
22 апреля состоялся концерт участников
проекта «Большая опера» (телеканал «Культура») и лауреатов конкурсов имени Барсовой и Максаковой. Почти все они (кроме
М. Пахарь, солистки Музыкального театра
им. Станиславского и Немировича-Данченко) — выпускники Астраханской консерватории (класс проф. Н.К. Тарасовой). Большинство восторгов публики досталось на долю
артистичного С. Плюснина (солист «Геликоноперы»). Аккомпанировал певцам симфонический оркестр студентов Астраханской
консерватории (дирижер И. Сметанин).
В тот же вечер в рамках фестиваля прошел
спектакль «Мадам Баттерфляй» Астраханского театра оперы и балета.
23 апреля с концертом камерной музыки
в зале Консерватории выступила солистка
театра «Новая Опера» И. Ромишевская.
Одним из самых запоминающихся на Фестивале стал проект Астраханской филармонии: оперы Г. Доницетти «Рита, или
Побитый муж» и «Колокольчик, или Брачная ночь аптекаря», с участием Камерного оркестра филармонии (дирижерпостановщик В. Ивановский). Оперы исполнялись на русском языке, в ярко-комедийном
переводе Ю. Димитрина. Режиссер О. Маликова изобретательно использовала нехитрый реквизит, а оперный театр помог
с костюмами. Выделялись работы солистов
филармонии Т. Важоровой и В. Шепеленко, а
также С. Коблова из Нижегородского театра
оперы и балета (Энрико в «Колокольчике»).
Гала-концерт — закрытие фестиваля
24 апреля в Астраханской филармонии
начался с церемонии награждения: вицегубернатор — председатель Правительства
Астраханской области К. Маркелов вручил
премию в области вокального искусства
солистам Астраханского театра оперы и балета Е. Разгуляевой и Р. Сигбатулину. Л. Максакова объявила о том, что имя ее матери
теперь будет носить еще одно городское учреждение — школа искусств. А своеобразным
посланием Большого театра, где долгое время служила М. Максакова, и символом высочайшего вокального мастерства стало выступление М. Касрашвили, исполнившей
романс Сантуццы («Сельская честь») и арию
Тоски («Тоска»). В этом вечере приняли
участие певцы из Москвы, Петербурга, Минска, Баку, симфонический оркестр театра
оперы и балета под руководством гостя из
Саратова М. Тургунбаева.
Повседневная жизнь
Астраханской филармонии
Директор филармонии В. Чернякова:
«Фестиваль имени Барсовой и Максаковой
— прежде всего бренд, который складывался десятилетиями. Он традиционно филармонический. 24 года Астрахань принимает
знаменитых певцов. Но есть и фестивали,
которые организует Министерство культуры, но проводит на базе филармонии: «Дни
современной музыки в Астрахани»
(10-й прошел в октябре 2011) и «Мир Кавказа» (14-й — также в октябре 2011).
Филармония предлагает абонементы
для школьников, посвященные творчеству
Пушкина, Фета, в соответствии со школьной программой, и познавательные программы для самых маленьких.
На 3-м этаже филармонии мы открыли
арт-кафе «Мелодия встреч», на 80 мест,
куда приглашаем на тематические вечера:
«Фокстрот», «Вечера рок-н-ролла», «Стиляги»,
концерты романса, классической музыки.
Люди приходят на концертную программу
и могут выпить чашку чая, что-то перекусить.
На открытие арт-кафе мы пригласили известного виолончелиста и дирижера Д. Шаповалова, а также мастера кулинарного искусства.
Был незабываемый вечер.
В этом году мы с Н. Тарасовой, художественным руководителем фестиваля, впервые затеяли музыкально-театральный
проект своими силами. Оперы намеренно
выбраны комические — легкие для восприятия, но не для исполнения. Будем предлагать эти постановки свои коллегам в Ставрополь, Элисту. Материальную базу для
театральных проектов в рамках филармонии
обеспечить трудно. Но если реализовывать
интересные идеи и планы, то весь творческий коллектив филармонии будет заинтересован в росте. Наши певцы получили возможность проявить себя актерски, а это для
них — несомненный творческий рост».
В августе 2012 приступит к исполнению
обязанностей главного дирижера Астраханской филармонии В. Ивановский. Он
окончил РАМ им. Гнесиных как дирижер
хора (класс проф. В. Сорокина) и симфонического оркестра (класс проф. С. Скрипки).
С 2005 работает с Жуковским симфоническим
оркестром, в том же году был приглашен
на постановку Московским музыкальным
театром «На Басманной», с 2007 — дирижерстажер НФОР, в 2010 стажировался в Музыкальном театре им. Станиславского
и Немировича-Данченко.

Анна Виноградова
24
памятные даты
Великий ректор
Василий Ильич САФОНОВ
6 февраля 1852 – 27 февраля 1918
160 лет со дня рождения
П
ианист, дирижер, директор Московской консерватории В.И. Сафонов
был уникальной личностью.
Талант музыканта успешно дополнялся управленческой сноровкой, педагогическим даром
и неиссякаемой энергией.
Поворот судьбы
Воспитанный в заветах православия, проведший детство
в среде казаков-старообрядцев,
он был образцовым мужем
и отцом 10 детей. Но уготованную стабильность госслужащего
в канцелярии Комитета министров поменял на непостоянство
музыкантской жизни. В 27 лет (!)
он поступил в Петербургскую
консерваторию — в класс фортепиано Л. Брассена, теории музыки Н. Зарембы (до этого брал
частные уроки у А. Виллуана
и Т. Лешетицкого). И буквально
через год, в 1880, сдав выпускные
экзамены, получил золотую
медаль.
Потом он с легкостью брал все
музыкантские высоты. И как сольный пианист, и в ансамбле (играл
со скрипачом Л. Ауэром, виолончелистами А. Вержбиловичем
и К. Давыдовым). Судьба послала
ему покровителя — П. Чайковского, который рекомендовал его
в качестве профессора Московской консерватории, а потом и на
пост директора (хотя их личные
отношения были сложными,
в частности, из-за авторитарности Сафонова). Осенью 1889 он
заступает на высокий пост, сменив С. Танеева. Человек дела, он
за 16 лет службы проявил незаурядный управленческий талант,
прокладывая новые дороги
в области менеджмента.
Пальма первенства
Сафонов обозначил главную
проблему в развитии музыкального дела в Москве. В отличие
от Петербурга в городе не было
собственного большого концертного зала. Убедив влиятельных
лиц, он нашел финансирование
на строительство нового здания
консерватории с двумя залами.
Смог оснастить их по последнему слову техники. В 1898 открылись учебные корпуса
и Малый зал консерватории.
Через три года состоялась
презентация Большого зала
(с органом фирмы «Кавайе-
Маркиз и музыкант
Александр Иванович ДЮБЮК
3 марта 1812 – 8 января 1898
200 лет со дня рождения
Д
юбюк остался в истории
прежде всего как автор
многочисленных романсов и песен, популярность которых когда-то не уступала шедеврам М. Глинки и А. Алябьева.
Такие песни, как «Не брани меня,
родная», «Ах! мороз, мороз», «Улица, улица, ты, брат, пьяна», считаются народными; между тем у
них есть автор… Этой стороне дарования Дюбюка посвящены многие статьи и крупные исследования. Наиболее известен изданный
в 1997 сборник «Романсы
московского гуляки» со вступительной статьей Е. и В. Уколовых
«Творчество и судьба Александра
Дюбюка».
Странная и с трудом выговариваемая фамилия Дюбюк была
переделанной на русский лад
с французского — дю Бюк, а будущий композитор был сыном
(а, возможно, внуком) маркиза
Жана-Шарля-Луи дю Бюка де
Бримо, политического эмигранта, перебравшегося в Россию
и скончавшегося в 1830 во время
эпидемии холеры в Москве.
К тому времени 18-летний А. Дюбюк уже был известен как популярный пианист, один из лучших
учеников Дж. Филда, и прекрасный фортепианный педагог.
Имя молодого Дюбюка упоминается среди группы писателей,
поэтов и артистов, близких
Колль»), прославившегося на
весь мир уникальной акустикой.
Благодаря Сафонову в консерватории преподавали пианисты
Ф. Бузони, К. Игумнов, певцы
Л. Джиральдони, У. Мазетти, теоретики М. Ипполитов-Иванов,
Г. Конюс и др.
За 20 лет работы он воспитал
целую плеяду высококлассных
музыкантов. У него учились
И. Левин, А. Скрябин, Н. Метнер, А. Гречанинов, А. Гедике,
Н. Брюсова, сестры Гнесины,
Е. Бекман-Щербина, М. Пресман,
Л. Николаев и др. Свое «ноу-хау»
он описал в книге «”Новая формула”. Мысли для учащих и учащихся фортепиано».
Но в 1905 он был вынужден
покинуть пост директора.
С 1905 по 1909 связывает свою
жизнь с Нью-Йорком: становится главным дирижером оркестра Филармонического общества, занимает должность профессора и директора Национальной консерватории
Америки. Периодически выступает с оркестром Лондонской
филармонии. А потом много
и с успехом гастролирует по Европе, Англии и Скандинавским
странам, прославившись как
исполнитель русской музыки.
музыкальное обозрение | №5(341). 2012
Его именем в Кисловодске
названы улицы, Большой концертный зал Кисловодской филармонии, музыкальное училище в Минеральных Водах, ДМШ
№ 1 в Пятигорске. Проводятся
Всероссийский конкурс юных
пианистов в Пятигорске
им. Сафонова и Всероссийский
конкурс пианистов им. Сафонова в Кисловодске и Казани.
В феврале 2012 прошли международные научные чтения,
посвященные жизни и наследию музыканта. Среди выступающих были специалисты
из Москвы, Санкт-Петербурга,
Кисловодска, Астрахани, Киева,
Стокгольма, Рима, Екатеринбурга и Клина.
Письма
В советское время имя музыканта было практически забыто.
О нем вышла всего одна монография (Я. Равичер, 1959). Личный архив музыканта был разделен
между РГАЛИ и ГЦММК им. Глинки. Часть документов погибла во
время блокады Ленинграда.
Возрождение имени Сафонова
началось около 10 лет назад.
В 2002 широко отмечалось
150-летие со дня его рождения
в Москве, Петербурге и Кисловодске, на родине музыканта. Увидели свет новые документы из его
архива, вышел сборник статей
(2003). В 2009 опубликован фундаментальный труд «Летопись
жизни В.И. Сафонова» (сост. Л. Тумаринсон, Б. Розенфельд).
Сафонов В. Избранное.
«Давайте переписываться
с американскою быстротою…».
Переписка 1880 – 1905 гг. /
Сост. Е. Кривицкая, Л. Тумаринсон. – СПб.: Петроглиф,
2011. – 760 с., ил. (серия
«Российские Пропилеи»).
Тираж 1000 экз.
Впервые опубликован основной массив писем Сафонова,
связанный с его московским периодом жизни с 1880 по 1905 гг.
Всего опубликовано 855 документов, из которых 680 принадлежат Сафонову, 175 адресовано
ему. Всего около 160 адресатов и
корреспондентов. Они снабжены
подробными комментариями,
биографическими справками.
Расположенные хронологически, материалы объясняют многие действия музыканта,
раскрывают его художественные
и управленческие принципы.
Многие из посланий можно считать дневниковыми записями.
К ним относится переписка
с женой В. Вышнеградской.
За 12 лет непрерывных концертных поездок он отправил ей сотни писем (сохранилось около 40).
Письма воссоздают, как,
войдя в состав Дирекции
Московского отделения ИРМО,
к журналу «Москвитянин». Многолетняя дружба связывала его
с поэтом А. Григорьевым, историком М. Погодиным, драматургом А. Островским.
Гостеприимный дом композитора любили посещать все
московские музыканты:
«…Мы собирались по вечерам
у А.И. Дюбюка, — вспоминал
Н. Кашкин, — очень радушного
и хлебосольного хозяина. Петр
Ильич [Чайковский] восхищался его действительно замечательной игрой на фортепиано;
в исполнении сочинений Фильда и вообще композиций той
эпохи ему решительно не было
равного. Кроме того, А.И. Дюбюк всегда был веселым, чрезвычайно остроумным рассказчиком и собеседником. К числу
прочих талантов он присоединял еще талант повара и готовил тут же при нас превкусные
ужины, во время которых веселые беседы не умолкали».
В 1866 по приглашению Н. Рубинштейна Дюбюк стал профессором фортепиано только что
открывшейся Московской консерватории. Однако в 1872 он выбыл из числа профессоров, написав в письме к Чайковскому, что
не хочет «играть смешную роль
где бы то ни было и еще более
в Консерватории».
Из его учеников наиболее известны М. Балакирев, Н. Кашкин,
Г. Ларош, Л. Малашкин, Н. Зверев.
Последний, тяжело заболев
в 1886, отправил своего ученика
М. Пресмана заниматься к своему
учителю: «Дюбюк был в то время
глубоким стариком — ему было
уже года 74, — вспоминал позднее Пресман. — Он был среднего
роста, широкоплечий и тучный.
Своим круглым, полным, гладко
выбритым лицом, с хорошо
сохранившимися волосами
на голове он походил скорее на
старую женщину, чем на мужчину. По его внешнему виду никак
нельзя было сказать, что он имеет какое-либо отношение к пианизму. Трудно было себе вообще
представить его играющим
на фортепиано. Помню, что
в программу, входили Концерт
As-dur Фильда и этюд “Les
mouches” [“Мухи”] самого Дюбюка. Обстановка квартиры
и самый вид Дюбюка ни к какой
художественности не располагали. С первого же урока, когда я во
время непродолжительной паузы
опустил левую руку на ногу,
Дюбюк резко мне заметил: “Ты
бы уж лучше руку в карман клал
и вынимал ее каждый раз, когда
нужно играть!” Тут же он поднял
меня с места у рояля и сел за него
сам. То, что я услыхал, так поразило меня, что я, затаив дыхание,
с раскрытым ртом и удивленным
лицом весь превратился в слух.
Меня глубоко поразило то, что
у этого тучного старика его толстые, как огурцы, пальцы бегали
с такой легкостью и четкостью,
а старый, вдребезги разбитый
инструмент поразительно красиво пел. Заметив произведенное
на меня его игрой впечатление,
он самодовольно улыбнулся
Жизнь после жизни
Сафонов с энтузиазмом взялся за
реорганизацию музыкальной
жизни, которая к этому времени
была в упадке. Благодаря его стараниям в Москву приезжали дирижеры А. Никиш, композиторы
А. Дворжак, К. Сен-Санс, пианисты И. Гофман, И. Падеревский,
скрипач П. Сарасате, Ф. Крейслер.
Но на этом он не остановился.
Музыкант поставил себе цель
создать единую систему гастролей по России, объединив Москву, Петербург, Варшаву, а еще
Киев и Одессу. В этом был и экономический расчет – сделать взаимовыгодными и не столь затратными приглашение зарубежных артистов. В одном из писем
он указывает: «Я одержим манией единства и желаю одного только, чтобы моею болезнью заразились все отделения Р.М. об-ва…».
Среди постоянных респондентов — Ц. Кюи, руководивший в 1894 –1904 организацией
концертов ИРМО в Петербурге.
Сафонов обсуждает с ним взаимовыгодное сотрудничество,
программы, всегда выстраиваемые в соответствии с четкими
художественными критериями
и с учетом возможностей публики. Сафонов протежирует
коллег и учеников, например
Ипполитова-Иванова. Деловая
переписка связывала его
с Н. Римским-Корсаковым,
П. Чайковским, С. Танеевым,
Э. Направником и др.
Письма 1905 позволяют воссоздать историю ухода Сафонова из консерватории. После
получения автономии в ее
управлении повышалась роль
художественного совета, что не
соответствовало представлениям Сафонова. Он был убежден,
что «искусство аристократично
и монархично». Он пишет
и о том, что административная
должность отнимала много времени от гастролей, а он хотел
вернуться к выступлениям.
Кроме того, болезнь старшего
сына требовала дорогостоящего
лечения за границей.

Екатерина Ключникова
и снова посадил меня за рояль.
Особый интерес представляла
для меня его трактовка Концерта
Фильда, который сам Дюбюк
проходил еще с Фильдом.
Он внес в его исполнение много
интересных, даже не напечатанных в нотах деталей, а исполнением своего этюда “Les mouches”
просто поразил меня: я никак
не мог себе представить, что в таком возрасте и при такой внешности можно было нарисовать
такую картину полета и жужжания мух».
Скончался А.И. Дюбюк
в глубокой старости и похоронен
на Ваганьковском кладбище.
Современники Дюбюка высоко ценили его фортепианные
транскрипции песен Шуберта,
романсов Глинки и Алябьева,
сочинений Вебера, Доницетти и
Верди; романсы на стихи Пушкина, Кольцова, Фета, Мея,
Майкова, Шевченко, Полонского, Языкова… Популярны были
сборники «50 малороссийских
песен», «130 русских народных
песен», три книги «Песен московских цыган». Сейчас его
творчество, за исключением
нескольких песен и романсов,
практически забыто. Каталога
произведений Дюбюка (более
300 опусов!) до сих пор нет, как
и полноценных записей его
музыки. Судя по всему,
исполнителям и музыковедам
предстоит заново открывать
его музыку.

Надежда Тетерина
памятные даты
музыкальное обозрение | №5(341). 2012
«Незаметный» ректор
Август Рудольфович БЕРНГАРД
3 января 1852 — 24 июня 1908
160 лет со дня рождения
C
тудент, профессор,
а затем директор СанктПетербургской консерватории А.Р. Бернгард — возможно, персона художественно менее
значительная, чем, например,
А.Г. Рубинштейн или А.К. Глазунов. Но от этого не менее ценная
для истории и людей, которые
его окружали.
Бернгард родился в СанктПетербурге, первоначальное музыкальное образование получил
дома, и после двух лет на юридическом факультете Петербургского университета всецело посвятил себя музыке. По окончании обучения в консерватории у
Н.А. Римского-Корсакова
и Ю.И. Иогансена (1872 – 1878) был
оставлен в консерватории в качестве преподавателя гармонии
и сольфеджио. В 1884 – 1888 — инспектор, а с 1897, когда Иогансен
покинул пост директора, Бернгард стал руководителем первой российской консерватории.
Незадолго до этого консерватория расположилась в новом здании на Театральной площади, и
это позволяло год от года расширять число учащихся: с 771 чел.
в 1897 до 1137 в 1904. Было увеличено количество студенческих
концертов и квартетных вечеров
для возможности более широкой
исполнительской практики. Расширен курс общегуманитарных
предметов. Помимо учебных дисциплин, Бернгард ввел традицию
литературных вечеров (пресеклась в 1905) и открытых лекций
по истории литературы, музыки
и их взаимодействия, собиравших
порой до 200 слушателей, а также
публичных общеобразовательных концертов (состоялось
два — о клавирной музыке Баха
и об истории сонатной формы).
В 1902 введена новая система
аттестации, по которой на медали могли претендовать только
студенты, прошедшие особый
расширенный курс предметов
Дочь ХIХ века
Ольга Евгеньевна ЛЕВАШЕВА
30 марта 1912 – …..2000)
100 лет со дня рождения
«Я
прожила большую
жизнь. Она целиком
укладывается в хронологические рамки того чудовищного эксперимента, каким
был для России XX век. Можно
ли обозначить, определить его
одним словом? <…> Волею Божией довелось мне стать живой
свидетельницей всех грозных
событий, сотрясавших мою
несчастную родину и всех “крутых поворотов”, ломавших ее
историческую судьбу.
Насколько принадлежу я
этому времени? Я — подлинная “дочь XX века”? Скажу одно:
с первых же детских лет и до
глубокой старости я ощущала
себя в нем каким-то случайно
уцелевшим осколком непознаваемого далекого прошлого.
По странной случайности меня
не уничтожили ни расстрельные
пули, ни тюремные стены, ни
мучительная смерть под обломками московских бомбежек…
Но тяжелый гнет страха — едва
ли не главный определяющий
знак эпохи — остался в душе
на всю жизнь.
Стойко сохранилась и скрытая сила противодействия,
сознание своего “я”, своего внутреннего и нерушимого мира —
всего того, чем жили мои родные, мои предки и все мое
близкое окружение. Многое помогло мне выстоять и удержаться “на плаву” в это чудовищное
время “борьбы за светлое будущее”. Это — самоотверженная
любовь моих бесконечно дорогих, многострадальных родителей. Это — неистощимая
с самых ранних лет любовь
к искусству, к истинной Красоте
— в чем бы ни выражалась она: в
зримом и слышимом, в музыке,
поэзии, танце. Всего же сильнее
оказалось влечение к музыке.
Она и только она несла для меня
тот “второй мир”… Это, наконец,
— прямая и бескорыстная
25
и имеющие отличные успехи
по специальности. В том же году
в фойе консерваторского театра
установлен памятник А.Г. Рубинштейну работы скульптора Бернштама и открыт Музей имени
А. Рубинштейна.
Были учреждены различные
стипендии и поощрения для
обучения студентов за границей:
например, премия лучшему
выпускнику в размере 1200 руб.
или специальные субсидии для
выпускниц в качестве поддержки
женского музицирования и преподавания. Среди множества
педагогов, приглашенных Бернгардом в Консерваторию, привлекают имена пианистки А. Есиповой и арфистки Е. Вальтер-Кюне.
Наконец, при Бернгарде приняты два судьбоносных законодательных акта, признавшие
важность и значительность
профессии музыканта: это
предоставление выпускникам Консерватории и музыкальных училищ РМО прав
и привилегий государственной службы (т.е. уравнение
в правах с чиновниками, 1902),
а также предоставление пенсионных прав преподавателям и профессорам (1905;
до этого ни один профессор не
мог надеяться на государственное обеспечение).
Период директорства Бернгарда (1897 – 1905) подробно
описан в работе А. Пузыревского
и Л. Саккетти «Очерк пятидесятилетия деятельности СанктПетербургской Консерватории».
Кроме этого, о нем сохранилось
мало сведений: отчеты и постановления Художественного
Совета Консерватории; некролог
в «Русской Музыкальной Газете»
за 1908... Лишь несколько страниц
воспоминаний его ученика, пианиста и композитора М. Бихтера,
упоминания его имени в «Летописи…» Н. Римского-Корсакова
и несколько писем, относящихся
к 1905, могут составить его портрет.
Вот таким предстает Бернгард
в воспоминаниях Бихтера:
«А.Р. был по внешности типичным немцем. Своей фигурой
и формой головы он напоминал
Брамса. Говорил хриплым низким
голосом. Ученик Римского-Корсакова, он был добрым человеком
и неплохим музыкантом, но устарелых понятий». Обвинения
в консерватизме утроятся в 1905,
когда Бернгард будет всеми силами пытаться прекратить студенческие сходки в Консерватории,
передавая сведения о количестве
революционно настроенных студентов в Дирекцию РМО, чем вызовет гнев со стороны РимскогоКорсакова и других профессоров,
недовольных этими «полицейскими мерами». 19 марта 1905
на заседании Художественного
совета Консерватории было
принято решение уволить
из числа профессоров Римского-Корсакова, а также поддержано требование большей
части преподавателей освободить от должности Бернгарда,
как человека, не справляющегося со своими обязанностями
директора.
Студенты добивались автономии консерватории от РМО, возможности ее самоуправления и
полного внутреннего обновления,
хотя и путем революции и разрушения. В итоге права автономии
были получены. Бернгард, проводивший политику открытости и
стабильности (так, Пузыревский
вспоминает, что он избегал принимать решения единолично или
келейно, все выставляя на общественное обозрение), не смог принять необходимость столь резких
изменений, за что и получил
от Римского-Корсакова в его
«Летописи…» звание «трусливого
и бестактного». Бихтер, отмечая
честность Бернгарда и умение
признать при случае свою неправоту, также выносит суровый
вердикт: «…этот человек навсегда
испортил память о себе тем, что
в дни революции 1905 года занял
реакционную позицию, приняв
сторону дирекции против Римского-Корсакова, Глазунова и Лядова».
А. Бернгард был переводчиком
на немецкий язык либретто почти всех современных ему великих русских опер: «Майской
ночи», «Снегурочки», «Сказки
о Царе Салтане», «Моцарта и Сальери», «Каменного гостя», «Евгения Онегина», «Пиковой дамы»,
а также множества романсов,
в особенности Римского-Корсакова и Чайковского. В читальном
зале СПбГК можно также найти
учебник по гармонии Л. Бусслера,
переведенный Бернгардом.
поддержка друзей, учителей,
покровителей, в лучшем и высшем значении этого слова», —
такими словами начинает доктор искусствоведения, профессор О.Е. Левашева свои неопубликованные мемуары, которые
хранятся ныне у ее племянника
— Е.М. Левашева. Кстати, эта
фамилия часто, даже в словарях, пишется неправильно, как
Левашёва, либо как Левашова.
Ее природные дарования давали простор мыслям и словам,
ибо она свободно владела несколькими западноевропейскими языками (английским, французским, итальянским, немецким, норвежским, польским);
знала древнегреческий и латынь; обладала прекрасным
чувством литературного стиля;
изумительно читала лекции на
занятиях в Московской консерватории.
Причина такой обширности
и основательности знаний
заключается в том, что Ольга
Евгеньевна никогда не училась
в советской школе. Ее родители,
несмотря на непостижимо
трудные и нервозно меняющиеся бытовые условия с момента
рождения (30 марта 1912 г.)
сумели обеспечить ей традиционно русское домашнее воспитание и образование с привлечением лучших учителей. Хотя
в ее образовании было очень
много непредсказуемого и случайного. Но все эти случайности словно бы неслись на гребне
гигантской остаточной волны
Серебряного века русского
искусства и русской культуры.
Ольге Евгеньевне было одновременно и очень трудно и очень
легко жить, ибо она всегда видела истину и не принимала грязь
за чистоту, а историческую ложь
за незыблемую правду.
Хронологическая последовательность событий ее жизни
затрагивала великое множество
интересных и исторически характерных эпизодов. Например,
ее встреча с Деникиным; странствие ее матери с двумя дочерьми (Татьяной и Ольгой) во время Гражданской войны на телегах, где лежали трупы убитых
белогвардейцев; ее стояния
в тюремных очередях в 1930-е
годы. Затем близкие дружеские
и творческие отношения с Рихтером, Ширинским, дирижером
Светлановым, семьей актрисы
Ермоловой, пианистом Брюшковым…
Ольга Евгеньевна — выпускница Музыкального училища
при Московской консерватории
по классу фортепиано (1937),
Московской консерватории
(окончила в 1943 теоретикокомпозиторский факультет
у К.А. Кузнецова) и аспирантуры (в 1946 у него же). В 1948 защитила кандидатскую диссертацию, в 1963 — докторскую.
Картина научного творчества
О.Е. Левашевой складывалась
из любимых ею тем: история
русской музыки, история западноевропейского музыковедения
(ряд статей, посвященных
английскому и французскому
музыкознанию XVIII – XIX вв.),
музыкальные жанры XVIII
и XIX вв., с особым интересом
к опере, балету, камерно-вокальной и камерно-инструментальной музыке… Она написала
первые русские монографии об
Э. Григе (1962, 1975), Д. Пуччини
и его современниках (1980),
молодых годах Ф. Листа (1998).
Все же главным направлением ее интересов была
история русской музыки
от XVII до XX века. Две книги
о М. Глинке (за монографию
о нем музыковед была удостоена в 1989 Государственной премии РСФСР им. М.И. Глинки),
как и главы в десятитомной
«Истории русской музыки»
вошли в «золотой фонд» музыковедческой литературы. А еще
— исследования об О. Козловском, Алябьеве, Верстовском;
о русской критике и публицистике XIX века; бытовании
музыки в русском обществе
XVIII – XIX веков (статья
«Музыка в кружке Дельвига»).
Особо отметим работу «Русская вокальная лирика XVIII
века», созданную под руководством и при непосредственном
участии выдающегося юриста
и историка музыки К.А. Кузнецова, а после переработанную
в масштабное исследование
в серии «Памятники русского
музыкального искусства» (1972).
В конце же своей жизни
Ольга Евгеньевна писала: «Сейчас одиноко доживаю свой век,
с удивлением взираю на ту фантастическую “перестройку”
и “постперестройку” до которых никогда и во сне не чаяла
добрести к концу своих дней.
И что же дальше? Что будет
с моей несчастной родиной,
почему-то оказавшейся в отчуждении от всего мира? Россия, с ее великой неповторимой
культурой, так и осталась для
наших соседей, да и для нас самих страной непознанной…»
К счастью, творческое наследие Ольги Евгеньевны остается
востребованным. Ее помнят
и ценят ученики и коллеги.
Признанием заслуг выдающегося ученого стало посвященное
ее юбилею заседание в НИИ
искусствознания (28 марта
2012), где около полувека работала О.Е. Левашева.

Дарья Варуль
В. Сафонов и А. Бернгард.
Два ректора, две судьбы и две
консерватории. Общее время и множество параллелей.
Родились в один год и покинули
высокие посты одновременно
в смутный 1905. Но получили
разное значение в истории.
Благодаря многочисленным
талантам и упорству Сафонов
смог обеспечить Московской
консерватории пальму первенства. Понятно, что всякие
сравнения в искусстве условны,
но все же… Лидерство Москвы
сохраняется и поныне. В этом
сезоне открылся после реставрации знаменитый Большой
зал, детище Сафонова. А многие
сегодняшние проблемы Питерской консерватории, кто знает,
может, имеют свои корни как
раз в том далеком времени.

Надежда Тетерина
26
книги
музыкальное обозрение | №5(341). 2012
«Женский акцент»
Заветы Разумовского
то шестой выпуск ученых записок «Гимнология», издаваемых Научно-исследовательским центром
древнерусской церковной музыки при Московской консерватории (серия существует с 2000).
Сборник включает материалы
Пятой Международной конференции с одноименным названием. Среди авторов — ученые
из России, Армении, Украины,
Сербии, Греции и Швеции.
Научные чтения были посвящены протоиерею Д. Разумовскому (1818 – 1889), основоположнику русской певческой
медиевистики и профессору
кафедры истории и теории русского церковного пения Московской консерватории. Ученый
работал здесь с 1866 до конца
жизни. Кафедра была закрыта
в 1918. Через 80 лет ее традиции
были продолжены во вновь созданном Центре древнерусской
церковной музыки, который
сегодня носит имя ученого.
Разумовский стоял у истоков
систематизированного изучения
русской церковной музыки: разработал учебный курс, написал
множество капитальных трудов.
Среди них «Церковное пение
в России» (1867 – 1869), до сих
пор не имеющее аналогов. Собственно, напрямую с его именем
связаны два доклада — о старообрядцах, с которыми соприкасался ученый (авторы Е. Агеева,
Ф. Панченко).
Первый блок статей посвящен
литургической традиции
за пределами Древней Руси
(Византия, Армения, Греция,
Сербия). Второй связан с изучением певческих рукописей
и их комментариями (О. Живаева, Н. Серегина, А. Кручинина, Н. Рамазанова, Н. Парфентьева, О. Тюрина, Е. Плетнёва,
З. Гусейнова, Ю. Москва,
М. Макаровская, И. Старикова,
Г. Печенкин, И. Лозовая и др.).
Открываются забытые имена –
распевщика И. Нова (Н. Парфентьев), Тихона Макариевского, сочинителя труда «Ключ Разумения» (Ю. Шлихтина). Теоретические вопросы музыкального
Актуальные проблемы изучения
церковно-певческого искусства:
наука и практика:
Сб. ст. / Сост. И. Лозовая.
М.: Научно-издательский центр
«Московская консерватория», 2011. —
568 с., ил. Тираж 300 экз.
языка и нотации рассматривают: Р. Поспелова, Г. Пожидаева,
А. Лукашевич, Н. Мосягина и др.
Актуальным для изучения
церковно-певческого искусства
является создание электронного корпуса песнопений.
Об этом рассуждают А. Коваленин, Е. Нечипоренко. Авторы
с 2003 трудятся над «Фондом
знаменных песнопений»,
который к 2009 насчитывал
9500 единиц.

От лицедеев до генералов
нига о композиторе
А. Петрове стала частью
программы празднования 80-летия со дня его рождения. Она удостоена премии
«Золотое перо – 2010», профессиональной премии среди журналистов Санкт-Петербурга
и Ленинградской области.
Сегодня А.П. Петров (1930 –
2006) так же почитаем и знаменит,
как и при жизни. Фонд композитора, возглавляемый его вдовой,
с 2007 проводит Всероссийский
конкурс композиторов имени
музыканта (председатель жюри
А. Эшпай). Организован сад А. Петрова и «Летние музыкальные вечера», его именем названа музыкальная школа, а Правительство
Санкт-Петербурга учредило стипендию. Увидели свет два тома из
запланированного собрания сочинения в издательстве «Композитор-Санкт-Петербург». Здесь же
вышла небольшая брошюра о композиторе (автор О. Сердобольский)
и различные нотные издания.
Известный в первую очередь
как автор музыки более чем к
80 фильмам (среди них «Жестокий
романс», «Служебный роман»,
«Осенний марафон», «Небеса обетованные» и др.) Петров также сочинил множество балетов, опер, вокально-оркестровых фресок, камерных циклов и музыки к драматическим спектаклям. Долгие
годы был председателем Ленинградского отделения Союза композиторов СССР (1964 – 1991). Он
дважды получал Государственную премию СССР, а позже Государственную премию РФ, премию
Президента в области литературы
и искусства. Почетный гражданин
Ваш Андрей Петров.
Композитор в воспоминаниях
современников:
Сб. ст./ Сост. О. Сердобольский.
СПб.: Издательство И. Лимбаха, 2010. —
384 с., илл. Тираж 2000 экз.
Санкт-Петербурга, города, где он
родился и прожил всю жизнь.
Книга представляет собой венок
воспоминаний — коллег, друзей и
родственников (всего около 50 материалов). Автор-составитель —
обозреватель ИТАР-ТАСС О. Сердобольский, лично знавший маэстро около 40 лет. Среди рассказчиков — самые известные люди,
те, с кем так или иначе пересекалась судьба Петрова. И не только
из области музыкального искусства. Например, физик Ж. Алферов, писатель Д. Гранин, поэт
Е. Евтушенко, актеры О. Басилашвили, В. Гафт, А. Фрейндлих,
режиссер Э. Рязанов, тренер по
фигурному катанию Т. Москвина,
хореограф Б. Эйфман, танцовщик
М. Барышников, хореографы
Н. Касаткина и В. Василев.
Из музыкантов о нем вспоминают композиторы С. Баневич, Г. Канчели, Б. Тищенко, Р. Щедрин, дирижеры Ю. Темирканов и М. Янсонс.
А также исполнители из «другого»
музыкального мира: Ю. Шевчук
(ему Петров вручил премию
в конкурсе что-то вроде «Мы ищем
таланты»), Э. Пьеха, Э. Хиль и др.
Многие из них видели в композиторе особый типаж. Для Н. Михалкова он — современный Пьер
Безухов из Питера, для Евтушенко
— «советский Моцарт», для журналиста Л. Лурье — настоящий аристократ. Выступающие отмечают
Все смешалось…
убликация сделана
по следам кандидатской
диссертации, защищенной в Московской консерватории.
Как указывает автор на своем
сайте, он стал «первым и единственным ударником со степенью». С. Шамов (по совместительству также автор детской методики, объединяющей английский
язык с музыкой) пытается
совместить в книге невозможное:
Шамов С. Музыка действия.
Ударные инструменты
и эстетика МХТ начала XX в.
М.: Вузовская книга, 2010. — 192 с., ил.
Тираж 300 экз.
и история ударных инструментов, всех времен и народов,
и их классификация, и театральная эстетика, и семиотика. Автор
широкую жанровую палитру
творчества А. Петрова. Среди
наиболее значимых работ отмечались балеты «Сотворение мира»,
«Мастер и Маргарита», «Пушкин»,
опера «Петр Первый». Объединяет
все воспоминания схожие суждения о музыке Петрова, которой
покорны люди всех возрастов
и статусов — от клоунов до генералов. Да и сам композитор любил
пошутить. Однажды он вышел
на сцену с дирижерской палочкой,
чтобы представить новое сочинение на юбилее клоунской группы
«Лицедеи».
Один из разделов — расшифровка разговоров Сердобольского
с композитором. Петров рассуждает о «своем» времени: «Период,
оказавший самое сильное влияние — 1960-е гг. Не случайно я
принадлежу к шестидесятникам.
Это было время, когда многое
раскрылось. Сформировались идеалы. Потом были и какие-то разочарования. Но я был больше защищен своей профессией, чем писатели, поэты или кинорежиссеры.
Я никогда не рвался к темам
актуальным и современным… Но
музыка сама по себе предполагает
отстраненность. Потому что это
одно из искусств, которое поднимает над будничным, ей больше
всего свойственны возвышенность, красота пережитого».

разбирается даже в теории
К. Станиславского и критикует
ее. Плюс к этому собраны данные
по теории музыки. При всех стараниях автора все это так и не
уживается вместе. Если отвлечься
от заявленной темы и теоретических рассуждений, то в сухом
остатке останутся забавные иллюстрации и описание постановок МХТ. Впервые представлен анализ музыки композитора И. Саца
к спектаклям «Анатэм» Л. Андреева, «Драма жизни» и «У жизни
в лапах» К. Гамсуна.

то третья книга
о Вагнере, вышедшая
за всю историю серии
«ЖЗЛ». Первая появилась
в 1891, почти сразу после
феноменального успеха
тетралогии, вторая в 1934.
В новой версии учтены
современные исследования
и различные точки зрения
на творчество Вагнера.
После монографии Б. Левика
(1978) формально о Вагнере вышла только одна биография
композитора. В 2007 музыковед
М. Раку представила путеводитель по его творчеству
(«Классика-XXI»). Хотя
к жанру чистой биографии
его отнести нельзя. Блестяще
и остроумно написанный,
он скорее открывает «скелеты
в шкафах», нежели просветительским тоном вещает
о буднях маэстро. Правда,
поток исследовательских
статей не прекращался за все
это время. Среди авторов —
Б. Кац, Э. Махрова, Т. Букина,
А. Порфирьева и др. Еще были
исследования А. Гозенпуда
о Вагнере и русской культуре
(1990), переводная работа
Г. Грея (2000) и исследовательская монография Т.Букиной
о феномене успеха композитора
(2002). И вот теперь — новая
русская версия жизнеописания
Вагнера в рамках «ЖЗЛ».
Автор (окончила музыкальный институт им. ИпполитоваИванова) специализируется
в основном на немецкой культуре. Среди других ее работ —
биография баварского короля
Людвига II, который, кстати,
поддерживал и Вагнера.
Ей также принадлежит предисловие к русскому изданию
мемуаров композитора «Моя
жизнь» (2003).
Главный плюс работы
в том, что беллетристика, неизбежная для формата «ЖЗЛ»,
опирается на исторические
документы и отвечает требованиям научного издания.
Одно и то же событие показано
с точки зрения разных действующих лиц – самого композитора, единомышленников и
недругов. Как в научных изданиях, фамилии даются на
двух языках (в скобках оригинальное написание). В приложении – хронограф и самая
важная библиография
на языках. Каждое новое
имя в сноске расшифровывается как и философские
термины, которые неизбежны
при описании творчества
композитора. Даются краткие
содержания основных
сочинений. Умно подобран
иллюстративный материал —
вкладки с фотографиями,
карикатуры, факсимиле писем,
исторические афиши.
В предисловии Залесская
указывает, что сознательно
исключила некоторые вопросы,
связанные с личностью
маэстро — например, восприятие его творчества в XX в.,
современная вагнериана
и русские сюжеты. И понятно
почему: повествование могло
бы дорасти до многотомника.
И без того книга набрана мелким шрифтом и с минимумом
пробелов. Хотя есть краткие
перекрестные ссылки на некоторые рецензии русских авторов, без которых невозможно
написать биографию композитора, — о художнике П. Жуковском, принимавшем участие
в постановке «Парсифаля»,
о критике и композиторе
А. Серове и др.
Залесская М.
Вагнер.
М.: Молодая гвардия, 2011. Л 397 с., ил.
(ЖЗЛ, вып. 1329). Тираж 5000 экз.
Автор не обходит
и «острые углы» в биографии
музыканта. Его бесконечный
деспотизм, алчность, зачастую
зависть, ксенофобия и ярый
антисемитизм не оправдываются, но и не порицаются.
А подаются как факт. Она показывает (через цитирование
первоисточников), что Вагнер
был не одинок в своем категоричном отношении к евреям.
И шел не дальше К. Маркса,
приспосабливая его постулаты
для собственных целей —
критики соперников, например
Ф. Мендельсона.
И все же, пытаясь объяснить
«казус» Вагнера, Залесская
словно опирается на знаменитые слова Пушкина о несовместимости злодейства
и гениальности. Она пишет:
«…этому можно найти своеобразное “эзотерическое”
объяснение: свет всегда оттеняется тьмой. Гений Вагнера
можно сравнить с неуправляемым потоком, сметающим
все на своем пути. Чтобы справиться с самим собой и жить
обычной человеческой жизнью,
ему требовалось найти хоть
какой-то противовес. Но титан
духа не мог одновременно стать
титаном зла. Отсюда человеческие слабости — приземленные
и мелкие, но вполне надежно
державшие в узде его мятежный дух». А вот что находит
оправдание — так это его слабость к замужним женщинам и
любвеобильность. Вообще,
тема любви пронизывает всю
биографию, осмысляется в
различных ипостасях и даже
подчас абсолютизируется. Автор объясняет: «когда композитора обвиняют в «черной неблагодарности к своему ближайшему другу», говорят о «разнузданности нравов»,
о «разрушении чужих семейных очагов» и т.д., постоянно
забывают о том, что отношения
Вагнера и Козимы были не
капризом, а настоящей Любовью, которой ни он, ни она просто не в силах были противостоять. А они старались! Более
трех лет Рихард и Козима отчаянно боролись со своим чувством, не желая предавать идеалы семьи и дружбы. Один раз
– в отношениях с Матильдой
Везендонк – Вагнер сумел выйти из подобной борьбы победителем. Теперь чувство оказалось сильнее. Да и Козима,
в отличие от Матильды, помогавшей Вагнеру справиться
с любовью, всецело отдалась
своей страсти. Их переписка
того периода лучше всяких
“теорий” свидетельствует:
оба они прошли через очищение страданием.». Что ж,
такой «женско-любовный»
акцент возможен, тем
более, что из амурных
переживаний композитора
рождается шедевр «Тристан
и Изольда».

«Синдром Шопена»
этой небольшой, но аккуратно и профессионально
сделанной книге вырастает огромная Вселенная Шопена.
Книга вышла по следам юбилейной конференции 2010. Ее проводил Институт славяноведения
РАН. И это принесло много плюсов. Во-первых, сложилась международная команда специалистов из
Польши (в том числе, представители Национального института Шопена в Варшаве), Белоруссии и России. Во-вторых, удалось выйти за
рамки узко музыкантских вопросов — образ Шопена осмыслен как
целостный культурный феномен.
О нем рассуждают литературоведы, историки, филологи и т.д. За
музыкальную часть отвечали специалисты из Московской консерватории, ГИИ, Института музыки
им. Шнитке. В-третьих, привлечены современные методы гуманитаристики, дана подробная библиография на иностранных языках.
Имя Шопена в Институте — не
инородное тело. В свое время
здесь работал И. Бэлза, авторитетный в России исследователь наследия композитора. Ему принадлежат монографии 1968 и 1991
(об ученом — доклад И. Свириды).
Кроме того, в последние годы
здесь идет работа над проектом,
посвященным изучению культурных взаимосвязей России и Польши. Выходя за рамки отдельных
дисциплин, ученые выявляют
представления народов друг
о друге, например, таких феноменов как «польскость» и «русскость». И музыкальная составляющая в них также присутствует.
Книга о Шопене вписывается
в этот проект. Отталкиваясь от
фактологии, авторы пытаются
восстановить рецепции польского
гения в разных культурах. В фокусе внимания – воздействие на русское искусство и ментальность.
Временной охват от 2-й половины
XIX до XX в. (в том числе и «следы»
в развлекательной культуре).
Программной можно считать
статью И. Понятовской «Отзвуки
музыки Шопена в культуре Европы». Она показывает, что за всю
историю возникло три направления в его восприятии: в народном
стиле, как воплощение польскости
и национального романтизма,
в русле позитивистского видения.
Для России самым притягательным оказался образ национального героя. В этом он приравнивался
к М. Глинке. В обзоре рассматривается бытие шопеновской музыки
в различных странах: Австрии,
Германии, Франции, Испании,
Англии, скандинавских странах,
США, Южной Америке, Азии, Африке, даже Антильских островах.
В статье Г. Вишневского о русских рецепциях Шопена ключевыми фигурами стали В. Стасов,
Шопен в фактах и цифрах
Отзвуки Шопена в русской культуре
/ Отв. Ред. Н. Филатова.
М.: Индрик, 2012. — 192 с.
А. Рубинштейн, члены «Могучей
кучки», Л. Толстой, Б. Асафьев.
Возникал диалог с польским гением у композиторов XX в. — Э. Денисова, Р. Щедрина, С. Слонимского и др. Отдельная статья Вишневского посвящена роли М. Балакирева. Автор резюмирует, что
популярность Шопена и его
значимость для русских были
исключительными. Уже в 1861
у нас вышло первое в мире полное
пятитомное издание его сочинений, в 1864 — первая монография.
А в 1873 – 1876 увидел свет шеститомник под редакцией К. Клиндворта в издательском доме П. Юргенсона. Именно оно многие годы
считалось эталонным. Все пути
русской шопенианы Вишневский
собрал в антологии (двуязычное
издание, 2010).
Более подробно стилевые пересечения с шопеновской музыкой
выявляют К. Зенкин, И. Немировская. И. Никольская анализирует
статьи Стасова о поляке. Среди
необычных ракурсов — его творчество в концепциях К. Шимановского и А. Луначарского (О. Собакина).
Отдельный блок докладов
посвящен шопеновским мотивам
в литературе. Одним из ключевых
текстов о музыканте считается
стихотворение Ц. Норвида «Рояль Шопена» (о его символике —
статья Л. Мальцева). Сквозь призму
его искусства рассматривается
творчество Л. Толстого (Б. Бялокозович), представителей Серебряного века (О. Цыбенко), Б. Пастернака (В. Хорев). Интересен анализ
восприятия фигуры композитора
в польской культуре XX в. (Х. Рогацкий). Выделяется судьба поляка
Е. Кухарского, сыгравшего значительную роль в подготовке российского издания корреспонденции
композитора (Н. Филатова).
С. Фалькович реконструирует
советско-польские музыкальные
связи 1920 – 1930х гг., прошедших
под знаком Шопена. А. Семенова
показывает роль Шопена в искусстве советских и российских
исполнителей, охватывая период
со второй половины XX в. по наше
время (на основе контент-анализа
Интернета, а также различных
рейтингов).

О балете в миниатюре
Материалы, принадлежащие перу артиста
балета И. Вальберха,
вышли впервые в 1948. В новом
издании они снабжены подробными комментариями, биографическими справками и вступительной статьей (И. Гвоздев).
Вальбрех (настоящая фамилия
либо Лесогоров, либо Влесогоров) жил в эпоху всеобщего господства французов на сцене
(1766 – 1819). Он считается первым русским балетмейстером,
ему приписывается авторство
национально-ориентированных
и патриотических постановок
27
книги
музыкальное обозрение | №5(341). 2012
Вальберх И.
Из архива балетмейстера. Дневники.
Переписка. Сценарии. 2-е изд., испр.
СПб.: Планета музыки, 2010. – 336 с., ил.
Тираж 1500 экз.
Автор книги — признанный шопеновед, профессор Музыкальной академии в Кракове М.Томашевский
(род. 1921). Начиная с докторской
диссертации (1984), автор рассматривает разные аспекты его творчества. Среди книг: «Ф. Шопен.
Жизнь творца» в виде мультимедийного словаря на компакт-диске (1995), «Новое прочтение музыки Шопена» (1996), «Шопен и его
время» (1999) и «Шопен и Ж.
Санд» (2003). Он является редактором всевозможных периодических изданий о композиторе.
А его монография, переведенная
у нас в 2011, но увидевшая свет
в 1998, цитируется в большинстве
современных работ о музыканте.
Без сомнения, мимо этой книги нельзя пройти. Она является
важным срезом представлений
о композиторе. По жанру ее можно определить как энциклопедия Шопена. Множество фактов,
ссылок, цитат, имен собраны
в одном месте, классифицированы и систематизированы. Да так,
что без труда можно найти,
например, имена учениц композитора или изготовителей
инструментов, на которых музицировал (помогает подробное
оглавление, деление на небольшие параграфы).
Почти на 840 страницах
мелких шрифтом умещается
несколько книг, 29 глав и множество подглав. Книга представляет собой три тома, показывающих образ Шопена
в трех ипостасях. Первый том —
Шопен как человек и художник,
второй — художник. Третий —
о воздействии на современников
и последующие эпохи.
Только факты
«Жизнь» представляет собой
подробную летопись. Читая
отдельные отрывки из писем
композитора, становится понятным, что он не был «легким» человеком. Автор пытается создать
психотип личности гения. Объясняющим «ключом» становится
черта двойственности, внутреннее двумирие. И в этом еще одно
подтверждение романтического
типажа.
В главе «Пианист» собраны
свидетельства о шопеновской
игре (рецензии Ф.-Ж. Фети,
М. Мохрацкого, Ф. Мендельсона,
Г. Берлиоза, Ф. Листа и др.). Парадоксально, но за всю жизнь Шопен
дал всего около 30 публичных
концертов. Автор выводит некие
константы пианистического стиля Шопена через количественный
метод, используя повторяющиеся
формулировки. Рефренами
становятся такие определения:
игра «полная воздуха и света»,
(особенно актуальных в эпоху
наполеоновской войны 1812). Он
воспитал плеяду русских танцоров в Петербургском театральном училище.
В книге представлен дневник
путешествия Вальберха в Париж
(1802), куда его командировали
высочайшим указом для изучения зарубежного опыта. Среди
других документов — переписка
с женой за 1807 – 1808, либретто
его постановок.
Воспоминания балерины
Е. Вазем впервые публиковались в 1937, в эпоху, когда началось строительство отечественного балетоведения как научной дисциплины. В свое время
они оказались практически
Томашевский М.
Шопен: Человек, творчество,
резонанс / Пер. с польского
Л. Акопяна и Е. Янус.
М.: Музыка, 2011. — 840 с., нот.
Тираж 1000 экз.
(при поддержке ФЦП «Культура России»)
«энергия без грубости», «фортепиано, пробужденное к жизни»
и др. Здесь же раздел о его педагогике, учениках и репертуаре.
В третьей главе «Композитор» воссоздается творческий
процесс, сделана классификация
всех сочинений и приводится их
полный список (с посвящениями
и датами первых изданий).
Поднимается проблема неизданного наследия. Ведь, согласно
предсмертной воле Шопена, незаконченные произведения нужно
было уничтожить. Кроме начатой
работы «Метода игры на фортепиано», которую он высоко ценил.
От теории к практике
Если первый том сосредоточен
на исторических вопросах, то
во втором происходит осмысление буквально всех теоретикомузыкальных вопросов. От тональности, мелодики, гармонии,
метроритма, агогики до фактуры, формы, жанров и анализа
конкретных произведений!
Наиболее интересны размышления об эстетике и поэтике,
так как теоретические вопросы
в российской шопениане широко
разработаны. Автор выявляет
генезис эстетического мировоззрения, погружая идеи
композитора в широкий интеллектуальный контекст. Здесь
и теории И. Форкеля, и Г. Гердера,
и Ю. Эльснера, учителя по строгому контрапункту. Собственно,
сам Шопен целостной теории
искусства не оставил. Но через
косвенные источники автор
воссоздает его философию
«романтического». Главными
качествами для Шопена стали
правдивость в выражении чувства и субъективность, смелость
и динамичность, поэтичность,
концентрация на звуке как средстве передачи более глубокого
смысла.
Из художественных впечатлений Шопен выделял поляковромантиков: Ю. Немцевича,
К. Бродзиньского, А. Мицкевича.
Среди его единомышленников
были писатель А. де Кюстин (написавший скандальное эссе о России в 1839), художник Э. Делакруа.
Вазем Е. Записки балерины
Санкт-Петербургского
Большого театра 1867 – 1884.
СПб.: Планета музыки, 2009. — 448 с., ил.
Тираж 1500 экз.
единственными материалами
по истории балета 2-й половины XIX в. После ухода со сцены
Рассуждая о генезисе музыкального стиля, Томашевский
указывает на разнообразные
традиции: от барокко до итальянской оперы и даже популярной развлекательной культуры
того времени, еврейского и украинского фольклора. Он создает
и сложную периодизацию творчества, аж 8 этапов.
В Заключении автор, пытаясь
понять уникальность композитора, говорит о «синдроме Шопена». Его доминирующие черты:
инструментальность, музыкальность, лиричность, поэтичность,
народность и национальный дух.
«Шопенофилия»
Третий том — самый небольшой, хотя посвящен весьма важным проблемам рецепций (охвачены чуть ли не все уголки нашей
планеты). Среди всплесков шопенофилии указываются ритмы годовщин, выход первых монографий после смерти композитора,
исполнительские конкурсы.
Буквально энциклопедическими выглядят статьи о посвящениях Шопену, транскрибировании, образу в литературе, театре,
скульптуре, живописи и кино.
Дан список шопеновских обществ. Большой раздел о стилях
интерпретации.
Говоря о современном этапе
исследований, автор указывает
на формирование новой парадигмы шопеноведения. Наблюдается движение от «музыкальной инженерии» к целостной
гуманитарной рефлексии о его
искусстве.
Несмотря на разнородность
жанров, текстов и исследуемых
проблем, общий стержень здесь
все же существует. Это позитивистский взгляд на «объект» исследования, что весьма необычно после романтизированных
воздыханий о гении прежних
эпох. «Проверив алгеброй гармонию» автор не только «не разъял»
искусство «как труп», но облегчил дальнейшее движение к познанию шопеновской музыки.
Томашевский не позволяет себе
никаких (ну или почти никаких)
сантиментов, лишь несколько
скупых мужских похвал. И главным тезисом книги стало высказывание Кюстина, написавшего
в 1841: «Благодаря Вам люди любят и понимают друг друга».

Вазем работала 10 лет в alma
mater — Петербургском театральном училище. Среди глав:
рассказы о быте в училище,
о балетмейстерах Ж. Перро,
А. Сен-Леон. Творческая судьба
Вазем была связана с балетами
М. Петипа. Балерина подробно
рассказывает, как он завоевывал русскую публику и императорский двор. При этом она
рассуждает и о минусах: «Он не
чувствовал музыки, ее ритма,
поэтому очень часто сочиненные им танцы оказывались
крайне неудобными для исполнения». В заключении автор
делится своими педагогическими принципами. Все воспоминания снабжены подробными
комментариями.

Материалы рубрики «Книги» подготовила Екатерина Ключникова
28
27 марта 2012
в возрасте 63 лет после
тяжелой болезни скончался
Юрий Исаакович БЕЛЯВСКИЙ
У
шел из жизни человек,
с чьим именем был связан сложный, но плодотворный период
в истории современной российской журналистики.
Юрий Белявский родился в 1948
в Москве. В 1972 окончил Инсти-
10 апреля 2012 в возрасте
67 лет скоропостижно
скончался композитор
Глеб Серафимович Седельников
О
н был Подвижник, Поэт
и Музыкант. С девяти лет, утратив возможность видеть мир,
разглядел его, как никто. И воплотил — в Музыке и Слове.
В особых, ни на кого не похожих, только ему ведомых красках. А краски эти были сотканы из творческой щедрости
и редкой человечности. Глеб
сам был удивительно светлой
личностью, открытой людям
и всему Прекрасному.
21 марта 2012 на 80-м году
жизни скончался народный
артист СССР, лауреат
Государственной премии СССР,
художественный руководитель
и главный дирижер Академического оркестра русских
народных инструментов ВГТРК
Николай Николаевич Некрасов
Э
тот выдающийся музыкант
— дирижер, аранжировщик, педагог — необычайно много сделал
для становления профессионального оркестрового исполнительства на русских народных инструментах. «Обжигающе-испепеляющий оркестр, изумительный
ансамбль», — писала об оркестре
под управлением Некрасова газета The New York Times.
Николай Некрасов родился
30 июня 1932 в Москве в музыкальной семье (отец дирижер,
мать виолончелистка). В числе
памяти музыкантов
музыкальное обозрение | №5(341). 2012
тут управления, но вскоре ушел
в журналистскую и литературную
деятельность. Работал в журналах
«Юность», «Крокодил». Впоследствии его фельетоны и рассказы
того периода вышли отдельной
книгой. В начале 1990-х — обозреватель, зам. главного редактора
еженедельника «Россия», главным
редактором еженедельника «Утро
России». Написал несколько книг,
сценариев для телевизионных документальных фильмов.
В 1996 Белявский возглавил газету «Культура» и оставался главным
редактором 15 лет. Это были годы
яркого творческого взлета одного
из старейших изданий страны.
Благодаря Белявскому работа шла
в атмосфере взаимного доверия,
творческой свободы, полной коллегиальности. Юрий Исаакович
был демократичен, эрудирован,
ироничен, уважал сотрудников,
ценил яркие идеи, хороший литературный язык. В газете постоянно
поднимались самые насущные
вопросы существования российского искусства и общества. «Наша
газета сложно пишет о сложном, —
говорил Белявский. — Мы отдаем
себе отчет в том, что она для узкого сегмента нашего общества, но
такие издания должны быть, они
задают планку».
Испытанием для Ю. Белявского
и газеты стала экономическая нестабильность последних лет. Он
долго болел, но, несмотря на это,
всеми силами боролся с трудностями, боролся за свой коллектив.
В начале ноября 2011 Белявский
покинул свой пост, спустя несколько дней перестала выходить
газета. Возродилась она уже без
него — под патронатом Н. Михалкова и РАО. Эта организация стала
последним местом службы Ю. Белявского, но без своей газеты он
прожил всего лишь 4 месяца.
Похоронен Ю.И. Белявский
на Троекуровском кладбище.
Композитору Глебу Седельникову
и поэту Валентину Загорянскому
(псевдоним музыканта образован
от названий двух подмосковных
поселков — Валентиновка и Загорянка) удалось сделать неправдоподобно много: начиная с 1980 он
участвовал почти в каждой «Московской осени». Его оперы имели
счастливую судьбу: «Бедные люди»
(по Достоевскому) 12 лет шли в театре Б. Покровского, «Медведь» (по
Чехову) был поставлен в 15 городах.
«Родина электричества» оказалась
первой отечественной оперой, написанной по произведениям А.
Платонова. А еще — множество романсов на стихи Пушкина, Блока,
Хлебникова, Маяковского, Есенина, концерт-действо «Солдат мой,
солдатик» памяти жертв в Отечественной войне (на собственные
тексты), музыка к драматическим
и радиоспектаклям, сочинения
для детей.
Литератор Глеб Седельников
создал более 4 000 поэтических
тетрадей, содержащих свыше
100 000 стихов в различных жанрах.
Сочинять Глеб начал очень
рано, в 11 лет. К счастью, никогда
не прерывал связь со своими
главными вдохновительницами,
Музыкой и Поэзией. Образование получил фундаментальное
— Музыкальное училище при
Московской консерватории и
консерватория, которую окончил как теоретик у Ю. Холопова,
а по композиции у А. Лемана
(включая и аспирантуру). Много
раз становился лауреатом Международных и отечественных
конкурсов.
Со студенческих лет рядом
с Глебом была его неизменная
Муза, Олечка — друг, жена, помощник, прекрасная камерная
певица, подарившая ему чудесного сына Игоря, певца театра
«Новая опера».
Глеб Седельников навсегда
останется в памяти личностью
глубокой, честной, чистой,
по-детски открытой. Ведь был
он Подвижник, большой Музыкант и оригинальный Поэт.
друзей семьи были С. Лемешев
и И. Козловский. Будущий маэстро учился в Училище им. Октябрьской Революции в классе домры, затем — балалайки. Затем —
крутой поворот: учеба в военном
училище летчиков-истребителей
в г. Умань на Украине.
И вновь музыка: с 1954 по 1960
обучение дирижированию в ГМПИ
им. Гнесиных. На последних курсах был главным дирижером
Хора им. Пятницкого, в 1957 завоевал золотую медаль на Международном конкурсе VI Всемирного фестиваля молодежи и студентов в Москве. По окончании вуза
13 лет являлся главным дирижером оркестра Государственного
академического ансамбля народного танца И. Моисеева, для которого создал огромное количество аранжировок. В 1973 Н. Некрасов пере6нял у В. Федосеева
руководство Оркестром русских
народных инструментов Гостелерадио СССР, и уже через год коллективу присвоено почетное звание «академический». Оркестр
под управлением Н. Некрасова
выступал в самых отдаленных
уголках нашей страны (однажды
даже на подводной лодке) и более
чем в 60 странах мира. исполнил
более 8000 произведений, осуществил множество записей.
В разные годы музыкант возглавлял кафедру оркестрового дирижирования РАМ им. Гнеиных,
являлся профессором Московской консерватории.


Елена Долинская
Гражданская панихида
по Г.С. Седельникову прошла
12 апреля в Доме композиторов.
Отпевание — в небольшой церкви на Пятницком шоссе. Захоронение праха композитора состоится на Донском кладбище.
Прощание с музыкантом прошло в помещении телеканала
«Культура», где он работал долгие
годы, отпевание — в храме Воскресения Словущего в Брюсовом
пер. Похоронен Н.Н. Некрасов
на Троекуровском кладбище.
И. Кобзон, народный артист
СССР: «С Николаем Николаевичем
я познакомился в качестве слушателя на концертах его оркестра.
А перед моим 60-летием я предложил ему записать русские народные песни и романсы. С ним и его
оркестром я записал порядка
300 произведений. Какое же счастье я испытал от работы с этим
удивительным мастером! Как бережно он относился к слову и к музыке! Очень много полезного он
сделал и для меня и для многих
моих коллег. В моем юбилейном
туре мы объездили все бывшие республики СССР. И везде его оркестр
имел колоссальный успех. Николай
Николаевич очень бережно относился к коллективу и к публике.
Все оркестранты с благодарностью вспоминают помнят
Н.Н. Некрасова. И я хочу надеяться, что память о нем будет жить
всегда — в его записях, в воспоминаниях людей, которые с ним
общались и на сцене, и в жизни,
что все старания Некрасова и его
сподвижников не пропадут даром. И я буду добиваться, чтобы
оркестру, которым они руководил
почти 40 лет, присвоили имя Некрасова. Он этого достоин».

11 февраля 2012 в возрасте
77 лет скончалась певица,
заслуженная артистка
Дагестанской АССР
Нина Александровна ГРИГОРЕНКО
О
на родилась 11 ноября 1934
в Майкопе. После окончания
Ленинградской консерватории
(класс проф. И.П. Тимоновой-Левандо). Работала в Новосибирском
оперном театре и Ленинградском
Малом театре оперы и балета,
с 1977 – солистка Дагестанской филармонии. В ее репертуаре были
ведущие партии меццо-сопранового репертуара: Розина («Севильский цирюльник» Россини), Амнерис («Аида» Верди), Кармен (одноименная опера Бизе), Далила
(«Самсон и Далила» Сен-Санса),
15 февраля ушел из жизни
заслуженный деятель
искусств РФ, доктор
искусствоведения, профессор
кафедры теории музыки
Нижегородской консерватории
Олег Владимирович СОКОЛОВ
М
узыкант родился в 1929
в Нижнем Новгороде. В 1953 окончил Горьковскую консерваторию
по специальности история и теория музыки. С этого же года и до
последних дней жизни он преподавал в консерватории музыкально-теоретические дисциплины.
22 января 2012
ушел из жизни композитор,
заслуженный деятель искусств
России, профессор кафедры
композиции и инструментовки
Нижегородской консерватории
Станислав Петрович СТРАЗОВ
Ш
ироко образованный
музыкант — пианист, дирижер,
ученый, педагог — он более 50 лет
отдал музыкальной культуре
Нижнего Новгорода. Станислав
Петрович родился 15 июля 1941
в Иваново. Окончив Ивановское
музыкальное училище как пианист
Любаша («Царская невеста»
Римского-Корсакова), Варвара
(«Не только любовь» Щедрина)…
Обладая голосом уникального
диапазона (почти три октавы),
Григоренко исполняла и партии
сопрано. Так, в спектаклях Новосибирского театра оперы и балета
она пела и Амнерис, и Аиду.
Концертный репертуар Н. Григоренко включал сочинения
Мусоргского, Малера, Фальи,
Шостаковича, Прокофьева, Гаврилина, петербургских авторов,
композиторов Дагестана.
Почти 40 лет Н. Григоренко
была супругой и музой композитора Ш. Чалаева, чутким интерпретатором его музыки. Ей композитор посвятил циклы «И мир
был посреди», «Памяти Шостаковича», «Да не встретится любовь»,
«Лунные песни», «Колыбельные
песни сердцу», «Гой ты, Русь»,
«На поле Куликовом», духовную
кантату «Непостижимый Бог» для
контральто, детского (женского)
и смешанного хора и струнного
оркестра. Совместные выступления Ш. Чалаева и Н. Григоренко
неизменно пользовались успехом
в Москве, Дагестане, многих городах СССР и России.
Н.А. Григоренко похоронена
на православном кладбище в Махачкале.

Среди его выпускников — ныне
известные педагоги, музыковеды-исследователи, лекторы,
редакторы радио и телевидения.
О.В. Соколов — автор многочисленных работ по теории музыкального формообразования,
по музыкально-эстетической
проблематике, по проблемам русской музыки (о Глинке, Чайковском, Балакиреве, Рахманинове,
Римском-Корсакове). Им создана
принципиально новая концепция
музыкальных жанров, которая
опубликована в монографии
«Морфологическая система музыки и ее художественные жанры»,
защищенной в 1995 в качестве
докторской диссертации.
Проф. О.В. Соколов читал лекции не только в вузах Нижнего
Новгорода, но и в училищах и
консерваториях других городов.
Многие годы выступал со вступительными словами и писал аннотации к симфоническим концертам Нижегородской филармонии.
Гражданская панихида состоялась в Большом зале консерватории. Похоронен О.В. Соколов
на нижегородском кладбище
«Марьина роща».

и музыковед, он поступил в Горьковскую консерваторию. После ее
окончания (в 1966 как композитор,
в 1967 как пианист, в 1974 завершил
обучение в аспирантуре по композиции) он связал свою судьбу с городом на Волге и с консерваторией,
ставшей ему родной. Он обучал студентов гармонии, полифонии, оркестровке, музыкальным формам.
Стразов привлекал людей душевным теплом, деликатностью,
доброжелательностью, скромностью, был воплощением интеллигентности. Бессменный помощник проректора по учебной
работе, Станислав Петрович направлял сложный образовательный процесс консерватории.
Но главным делом его жизни
оставалось творчество. Он автор
6 симфоний, симфонических
поэм, увертюр, инструментальных концертов, хоровых, вокальных, камерных произведений
(в т.ч. для народных инструментов),
музыки к спектаклям и фильмам.
Прощание со С.П. Стразовым
состоялось 24 января в Оперном
классе консерватории. Похоронен
музыкант на кладбище «Федяково» Нижнего Новгорода.

конкурсы: итоги
музыкальное обозрение | №5(341). 2012
8-й Международный конкурс
«Франц Шуберт и современная музыка».
Двенадцатый международный конкурс пианистов Unisa
19 января – 4 февраля 2012, Претория, ЮАР
Станислав Христенко — III премия
Впервые международный конкурс пианистов прошел в Южно-Африканском университете (Unisa) в 1982. Его победитель, канадский пианист М.-А. Амлен, сегодня является всемирно известным концертирующим
исполнителем. В дальнейшем Unisa также
начал проводить конкурсы вокалистов
и исполнителей на струнных инструментах.
Возраст участников конкурса — до 30 лет.
Среди лауреатов конкурса — российский
скрипач Д. Махтин, а также Р. Флеминг,
Суми Йо, ряд других известных ныне музыкантов.
В жюри конкурса Unisa в разные годы
входили И. Архипова и С. Доренский.
В 1990 был образован Музыкальный фонд
Unisa, и в том же году конкурс Unisa получил аккредитацию Всемирной Федерации
Международных Музыкальных конкурсов
(Женева) — единственный из проводимых
на африканском континенте.
 Ж юри: Ахилль Делль Вин (Аргентина),
Андрей Писарев (Россия), Авадагин Пратт
(США), Идит Цви (Израиль), Джон Рус (Unisa,
ЮАР), Нина Шуманн (ЮАР), Элеанор Вонг
(Гонконг), Рамзи Йасса (Египт).
Конкурсная программа состояла из 4-х туров. В I туре участвовали 26 человек, в финальном туре (с оркестром) — 6 пианистов.
 Л АУРЕАТЫ:
I премия: Лукаш Вондрачек (Чехия) (35 тыс.
долларов США и дополнительные призы,
всего более 75 тыс. долларов)
II премия: Хиджае Ким (Южная Корея)
(25 тыс. долларов)
III премия: Станислав Христенко (Россия)
(20 тыс. долларов)
В финале конкурса С. Христенко играл
Концерт № 23 Моцарта (К. 488) и Рапсодию
на тему Паганини Рахманинова.
Помимо С. Христенко, в 2012 в этом конкурсе принимали участие и другие российские пианисты П. Колесников, И. Максимов,
О. Шевченко, Г. Войлочников.
8 – 16 февраля, Грац, Австрия
Станислав Христенко родился в Харькове
в 1984. Первый концерт дал в 11 лет, заняв
I место на Первом международном фестивале юных пианистов в Глубчице (Польша).
Окончил МГКМИ им. Шопена, Московскую
консерваторию и аспирантуру (учился
у В. Горностаевой, М. Филиппова и Д. Петровой). В 2010 получил диплом Кливлендского Института Музыки, где учился
у С. Бабаяна.
Победитель более 25 международных фортепианных и камерных конкурсов в Италии,
Испании, Японии, Корее, Греции, Словакии,
Украине, Казахстане, России и США. Является обладателем награды Эмиля Гилельса
от Фонда Мстислава Ростроповича и стипендии Фонда «Русского исполнительского
искусства».
Станислав Христенко активно гастролирует
по всему миру с сольными концертами
и с оркестрами: Кливлендским, Симфонического оркестра Финикса, Гонконгским Камерным оркестром, Берлинским Оркестром
«Musikfreunde», Оркестром Московской
консерватории и многими другими.
В его репертуаре 23 фортепианных концерта (от Баха до Прокофьева).

49-й Международный конкурс имени Франческо Виньяса
15 – 22 января, Барселона, Испания
Кристина Мхитарян — III премия
Международный конкурс вокалистов имени Франческо Виньяса в Барселоне был
основан в 1962 году в честь знаменитого
испанского тенора Ф. Виньяса, к 100-летию
со дня его рождения. Он пел в лучших
оперных театрах Европы и Америки, считался выдающимся интерпретатором партий в операх Вагнера: Тристана, Парсифаля, Лоэнгрина, а также итальянского
и французского репертуара. Автор книги
«Искусство пения» («El arte del canto», 1932),
и сегодня не потерявшей своей ценности.
Среди лауреатов конкурса вокалистов
Франческо Виньяса прошлых лет —
Е. Образцова и З. Соткилава (оба — 1970),
Н. Охотников (1972), О. Кондина (1987),
О. Бородина (1989), Д. Алиева (2010)…
В этом году конкурс посвящен памяти Марии
Виларделл Виньяс, известной пианистки и президента конкурса, скончавшейся в 2011.
22 января на традиционном концерте победителей в театре Лисеу, Барселона (где пел Ф. Виньяс в начале века) за дирижерским пультом
стоял Г. Воронков, окончивший в 1980-х годах
Московскую консерваторию по классу скрипки
и проработавший 10 лет в оркестре Большого
театра. Последние 20 лет он живет в Барселоне
и совмещает исполнительскую, преподавательскую деятельность и должность ассистента-дирижера в оркестре театра Лисеу.
 Ж юри: Джоан Матабош
(председатель, художественный
руководитель «Лисеу», Барселона),
Фиоренца Коссотто (Италия),
Анна Эстебан (Испания),
Тобиас Хазан (Австрия), Йезус Иглесиас
Норьега (Испания), Петер Марио
Катона (Германия), Элизабет Пеццино
(Франция), Леонор Розенберг (США),
Илиас Цемпетонидис (Греция),
Хосе ван Дам (Бельгия),
Ева Вагнер-Паскуайер (Германия).
 Л АУРЕАТЫ:
Мужской вокал
I премия — не присуждена
II премия — Орхан Илдиз (баритон, Турция)
(5000 евро)
III премия — Ча Вук Лим (баритон, Южная
Корея) (4000 евро)
Женский вокал
I премия — Ольга Бусуйок (сопрано,
Молдова) (15000 евро, также контрактное
предложение от «Гран Театро Лисеу»
в Барселоне и от «Театро Реал» в Мадриде)
II премия — Джессика Муирхед (сопрано,
Великобритания) (5000 евро)
III премия — Кристина Мхитарян (сопрано,
Россия) (4000 евро)
29
Кристина Мхитарян родилась в Новороссийске. Там же окончила музыкальную школу.
В возрасте 13 лет переехала в Москву и поступила в школу Галины Вишневской, где училась у Ж. Цупиковой. Продолжила обучение
в Музыкальном колледже им. Гнесиных в классе Р. Лисициан. В настоящее время — студентка вокального отделения РАМ им. Гнесиных.
Певица — лауреат Международного студенческого конкурса Bella Voice (2011),
XXIV Международного конкурса вокалистов им. Глинки, Лауреат III фестиваля академического сольного пения «Серебряный
Голос России», конкурса «Романсиада».
В репертуаре К. Мхитарян — заглавные
партии в операх Перселла «Дидона
и Эней» и «Королева Фей», арии из оперы «Сорочинская ярмарка» Мусоргского
и «Свадьба Фигаро» Моцарта, ария Странника из оратории Вивальди «Триумф
Юдифи», романсы Глинки, Мендельсона,
русские народные песни. Гастролировала
с Московским театром оперетты.

Фортепианное трио Московской консерватории
А лександр Шайкин,
Кирилл Кравцов,
Федор Землеруб — II премия
Интерес к музыке Шуберта при жизни был
умеренным, но значительно вырос после
смерти и выдержал испытание временем.
Последние годы своей жизни великий
австрийский композитор провел в Вене.
Его приятель собирался посетить столицу
Штирии, и предложил Шуберту поехать
вместе. В Граце Шуберт провел восемнадцать дней, но они оказались чрезвычайно
насыщенными. Здесь он познакомился
с Марией Пахлер, прекрасной пианисткой,
заслужившей похвалу и дружбу Бетховена.
Здесь он написал некоторые из лучших
своих песен.
Международный конкурс «Франц Шуберт
и современная музыка» («Franz Schubert and
Modern Music») проводится Университетом
музыки и исполнительского искусства Граца
один раз в три года, начиная с 1989, в трех
номинациях. Две из них постоянные: дуэт
для голоса и фортепиано и струнный квартет.
Третья номинация меняется от конкурса
к конкурсу, и в 2012 ею стало Трио для фортепиано, скрипки и виолончели. Среди лауреатов конкурса разных лет много российских исполнителей: дуэт А. Тростянский
(скрипка) и Д. Вайнштейн (фортепиано)
(1997), пианисты О. Андрющенко, Т. Корсунская, И. Пурыжинская (2000) и М. Мордвинов (2003), струнные квартеты Twins
(2003) и Anima (2009) и другие.
 Ж юри (номинация «Трио для фортепиано, скрипки, виолончели»): Чиа Чу (председатель, Канада), А. Бекова (Россия),
К. Дюрер (Германия), Й. Клесс (Израиль),
Р. Пиду (Франция), С. Томес (Великобритания), Л. Те Винкель (Дания).
 Л АУРЕАТЫ (номинация «Трио для фортепиано, скрипки, виолончели»)
I премия – не присуждена;
II премия – Трио Московской консерватории (А. Шайкин/К. Кравцов/Ф. Землеруб)
(9750 евро); Трио «Суйана» (Е. Тибо,
Д. Кастро-Балби, А. Кастро-Балби)
(9750 евро); Специальный приз — трио
«Суйана» (3000 евро).
Фортепианное трио студентов
Московской консерватории
сформировалось в 2008 в классе
проф. А. Бондурянского. Участники трио
ведут активную концертную деятельность в составе ансамбля и в качестве
солистов. В 2009 трио удостоилось специального приза конкурса камерных ансамблей «Trio di Trieste» (Триест, Италия). В ноябре 2011 ансамбль стал победителем I Всероссийского музыкального конкурса по специальности
«Камерные ансамбли». Ансамбль много
концертирует в Москве, Нижнем Новгороде, Казани, Чебоксарах, Орле, Троицке
и других городах России. В репертуаре
коллектива произведения Гайдна, Моцарта, Бетховена, Шуберта, Мендельсона,
Чайковского, Брамса, Равеля, Танеева,
Шостаковича, Шнитке и др.
Александр Шайкин (фортепиано)
род. в 1987. Окончил Москоускую консерваторию, в настоящее время учится
в аспирантуре (класс проф. Э. Вирсаладзе). Лауреат Первого международного
конкурса пианистов им. С. Губайдулиной
(I премия, Казань, 2006), Четвертого
международного конкурса пианистов
в Алматы (I премия, 2008), Международного конкурса «Frechilla-Zuloaga»
(II премия, Вальядолид, Испания, 2009).
В 2009 – 2010 — обладатель стипендии
Президента РФ.
Кирилл Кравцов (скрипка) род. в 1987.
Студент Московской консерватории (класс
проф. М. Глезаровой, класс камерного ансамбля проф. И. Кандинской). Лауреат
Гран-при Пятого Международного конкурса «Маленький принц» (Запорожье, Украина, 1998), II премии Международного конкурса скрипачей им. Коциана (г. Усти-надОрлици, Чехия, 2000), II премии Международного конкурса скрипачей в рамках
Фестиваля «В гостях у Айвазовского»
(Феодосия, Украина, 2004). Стипендиат
фондов Е. Кушнарева, «Юные звезды
Украины», «Юные Дарования», стипендиат
Благотворительного фонда В. Спивакова.
Федор Землеруб (виолончель)
род. в 1989. Студент Московской
консерватории (класс проф. Н. Шаховской).
Победитель всероссийского конкурса «Юные
дарования России» (Москва, 2009), лауреат
Первого всероссийского конкурса виолончелистов им. С.М. Козолупова (II премия,
Москва, 2009), Первого Всероссийского музыкального конкурса (III премия, Москва,
2010). Участник многих фестивалей и мастерклассов, проходящих в России и за рубежом,
в т.ч. Всероссийского фестиваля «Музыкальное обозрение — ХХ» (2009).

Восьмой международный музыкальный конкурс. 18 – 29 апреля, Сеул, Южная Корея
Павел Милюков (скрипка) — II премия
Конкурс основан Правительством
города Сеула и наиболее влиятельной
в Корее газетой «Донг-А Илбо».
Он проводился в 1996 – 1997, затем,
после 10-летней паузы — с 2007
ежегодно в номинациях фортепиано,
скрипка и вокал, в периодической
ротации, согласно которой
в нынешнем году соревновались
скрипачи. В числе лауреатов
предыдущих конкурсов — российские
музыканты: скрипач А. Баранов
(2009, II премия) и пианист
Г. Громов (2011, I премия).
 Ж юри: Ж. Пуле (председатель,
Франция), Ба Ик Хван (Корея/США),
Д. Чероне (США), Б. Кушнир (Австрия),
Ли Ми Кьюнг (Корея/Германия),
Ли Сунь-Ю (Корея), П. Мунтяну
(Германия), О. Киеши (Япония),
Д. Паук (Великобритания), Д. Шварцберг
(Австрия), Тонг Вей Донг (Китай).
Конкурс проходил в 4 тура. В программу
III тура было включено обязательное
произведение корейского композитора
Ли Ген Юна. Участники финального тура
исполняли Концерт в сопровождении
симфонического оркестра.
 Л АУРЕАТЫ:
I премия ($ 50 000) — Мори Фумика (Япония)
II премия ($ 30 000) — Павел Милюков
(Россия)
III премия ($ 20 000) — не присуждена
IV премия ($ 10 000) — Ли Чанг (Китай),
Ли Джи Юн (Корея)
V премия ($ 7 000) — Жу Лифан (Китай)
VI премия ($ 5 000) — Ханна Чой (США/
Корея)
Павел Милюков род. в 1984 году
в Перми. В 4 года начал заниматься
на скрипке у Т. Шевцовой. В 16 лет
поступил в Академический музыкальный
колледж при Московской консерватории,
а позже — в Московскую консерваторию
в класс профессора В. Иванова.
В настоящее время — аспирант Московской консерватории. Лауреат российских
и международных конкурсов скрипачей,
среди которых Международный
конкурс Kloster Shontal (II премия,
Германия, 2003), Международный
конкурс Роберто Канетти (I премия,
Венгрия, 2005), IV Международный
конкурс имени А.И. Ямпольского
(2006, Москва), V Московский международный конкурс скрипачей им. Паганини
(2007, II премия), III Международный
конкурс скрипачей им. Д.Ф. Ойстраха
(2008, Москва), Международный конкурс
«Vibrarte» (2008, Париж, в составе
трио «Con Spirito»), I Международный
конкурс скрипачей в Астане (2008,
Гран-при) и многие другие. В ноябре
2007 добился уникального успеха:
принял участие в течение недели
одновременно в двух международных
конкурсах в Москве и на обоих завоевал
высшие награды (I премия на Конкурсе
камерных ансамблей им. Н. Рубинштейна
в составе трио «Con Spirito» и II премия
на Конкурсе им. Паганини, первая премия
не присуждалась).
П. Милюков — участник программ
Московской филармонии (в частности,
абонемента «Молодые таланты»).
Гастролировал в России, Австрии,
Германии, Швеции, Венгрии, Греции,
Южной Корее, Китае. В 2008 принял
участие во встрече молодых
музыкантов с В. Путиным.
В 2008 и 2009 — стипендиат
Санкт-Петербургского Дома музыки
и Акционерного Банка «Россия».
С 2009 — постоянный солист
Санкт-Петербургского Дома музыки.
В марте 2010 выступал на торжественной
церемонии открытия памятника
российской императрице Марии
Александровне в Сан-Ремо (Италия).
Музыкант играет на скрипке
Антонио Страдивари (1723), предоставленной Государственной коллекцией
уникальных инструментов.

30
конкурсы: итоги
музыкальное обозрение | №5(341). 2012
VIII Международный конкурс молодых пианистов имени П.А. Серебрякова. 2 – 6 мая 2012, Волгоград
 У чредители: Администрация г. Волгограда, Департамент по делам культуры
администрации г. Волгограда, Волгоградский институт искусств им. П.А. Серебрякова, академический симфонический оркестр
Волгоградской областной филармонии, Ассоциация музыкальных конкурсов России.
 Ж юри: В. Овчинников (Россия), нар.
арт. РФ, доцент Московской консерватории,
директор ЦМШ при Московской консерватории (председатель); В. Витайте (Литва),
проф. кафедры специального фортепиано
Литовской академии музыки и театра;
А. Куртев (Болгария), академик, проф. Национальной музыкальной академии им. Панчо
Владигерова; А. Нечаев (Россия), доцент,
зам. зав. кафедрой специального фортепиано Исполнительского факультета Челябинской государственной академии культуры
и искусств; В. Носина (Россия, Москва), проф.
РАМ им. Гнесиных, зав. кафедрой специального фортепиано МГИМ им. А.Г. Шнитке,
проф. МГУМИ им. Ф. Шопена; М. Панфилова
(Россия), засл. раб. культуры РФ, проф., зав.
кафедрой специального фортепиано ВИИ
им. П.А. Серебрякова; А. Устинов (Россия),
засл. деят. иск. РФ, секретарь Союза
композиторов РФ, главный редактор национальной газеты «Музыкальное обозрение».
Конкурс стал частью научно-творческого
проекта Международный форум «Piano
Volgograd». Его программа включала также
научно-практическую конференцию «Фортепианная музыка: век минувший — век
нынешний», мастер-классы В. Овчинникова,
семинар-практикум «Драматургия классической сонаты» В. Носиной.
Генеральный директор проекта — засл.
раб. культуры, ректор ВИИ им. П.А. Серебрякова проф. Д. Арутюнов.
Исполнительный директор — канд.иск.,
проректор ВИИ им. П.А. Серебрякова
по научной и концертно-творческой работе
доц. В. Давыдова.
Главный информационный спонсор — национальная газета «Музыкальное обозрение».
В адрес проекта поступили приветствия от
Министра культуры Волгоградской области
В. Гепфнера, руководителя департамента по
делам культуры администрации Волгограда
А. Бабушкина, ректора Национальной академии музыки имени Панчо Владигерова
профессора, доктора Д. Момчилова, ректора Литовской академии музыки и театра
З. Ибелгауптаса.
На открытии форума с сольной программой
выступил ученик П.А. Серебрякова А. Куртев, исполнивший сонаты h-moll Ф. Шопена
и Ф. Листа.
Начиная с 2008, конкурс проходит
в 3 тура. Первый — отборочный (по видеозаписям). Второй проходит в Концертном
зале ВИИ им. П.А. Серебрякова. Третий (исполнение фортепианного концерта в сопровождении симфонического оркестра) — в Центральном концертном зале Волгограда.
По результатам отборочного тура к участию
в конкурсе им. П.А. Серебрякова было допущено 28 пианистов, студентов средних
и высших учебных заведений из Беларуси,
Болгарии, Китая, Литвы, России и Южной
Кореи.
По результатам II тура в группах А (студенты ссузов) и В (студенты вузов) финалистами конкурса стали 9 участников, выступивших на III туре в сопровождении Волгоградского академического симфонического оркестра. Дирижер — нар. арт. РФ,
художественный руководитель и главный
дирижер оркестра Э. Серов.
Лауреаты конкурса были награждены
дипломами, денежными премиями
и медалями.
Дипломанты — дипломами и ценными
подарками Волгоградской городской Думы.
 ЛАУРЕАТЫ:
I премия: В. Зырянова (Московская консерватория, класс проф. В.К. Мержанова);
М. Кустас (ЦМШ при Московской консерватории, класс преп. В.В. Пясецкого);
П. Паскалев (Национальная академия
музыки имени Панчо Владигерова, София,
Болгария, класс проф. А. Куртева).
II премия не присуждена.
III премия: А Ин Юн (Южная Корея,
ЦМШ при Московской консерватории,
класс преп. Н.В. Богдановой);
К. Савельева (Челябинская
государственная академия культуры
и искусств, класс доц. А.Ю. Нечаева).
Дипломы: Ю. Попова (Новосибирский
музыкальный колледж им. А.Ф. Мурова,
класс преп. А.Г. Полонского);
А. Дудко (ЦМШ при Московской консерватории, класс преп. Н.Н. Макаровой);
А. Лузько, РАМ им. Гнесиных
(класс проф. Ю.А. Розума);
М. Стручкова (Литовская академия музыки
и театра, Вильнюс, класс проф. В. Витайте).
В ходе научно-практической конференции, заседания которой провел А. Куртев,
обсуждались следующие аспекты:
1. Фортепианное образование:
модели и технологии;
2. Проблемы музыкального содержания:
взгляд из XXI века.
В работе конференции приняли участие
доктора и кандидаты наук, профессора
из учебных заведений Болгарии, Литвы,
России, представленной выступлениями
педагогов из Москвы, Казани, Астрахани,
Саратова, Волгограда.
Доклады были посвящены общим
проблемам фортепианного исполнительства, музыкально-исполнительского
процесса, педагогическим инновациям
в обучении игре на фортепиано,
вопросам концертмейстерского
мастерства и другим актуальным темам.
Информационную поддержку проекту
оказали СМИ города и области,
в том числе областное и муниципальное
телевидение. К форуму был выпущен
рекламно-информационный пакет
материалов (афиша, флаеры,
пригласительные билеты, программы,
буклет).

Материал подготовила
Виктория Давыдова
V Международный конкурс дирижеров академических хоров среди студентов средних специальных
и высших учебных заведений. 3-5 апреля 2012, Красноярск
 У чредители:
Министерство культуры
РФ, Министерство
культуры Красноярского
края, Красноярская академия музыки и театра
при поддержке Правительства
Красноярского края, Ассоциация музыкальных конкурсов
России.
 Ж юри: нар. арт. РФ, проф., худ. рук.
и главный дирижер Государственного академического русского хора им. А.В. Свешникова, зав. кафедрой современного хорового исполнительского искусства МГК
Б. Тевлин (председатель); хормейстер,
ректор Академии хорового искусства
им. В.С. Попова Н. Азаров; хормейстер, ректор Академии музыки С. Кравчински (Краков,
Польша), засл. деятель искусств РФ, проф.,
зав. кафедрой хорового дирижирования КГАМиТ Л. Краевая; проф. Нью-Йоркского
Хартвик Колледжа Й. Кратоквил; засл.
деятель искусств РФ, проф., зав. кафедрой
Института искусств и культуры при Томском университете В. Сотников; нар. арт.
РФ, проф., зав. кафедрой Новосибирской
консерватории (академии) им. М.И. Глинки
И. Юдин, засл. деятель искусств РФ, проф.,
ректор КГАМиТ, худ. рук. хорового ансамбля «Тебе поемъ» К. Якобсон.
Первый конкурс состоялся в 2000 по инициативе Красноярской академии музыки
и театра. С тех пор состязание молодых
музыкантов проводится раз в 3 года.
Победители предыдущих конкурсов в настоящее время работают в известных коллективах страны. Среди них: А. Кашаев,
Н. Балышев, С. Шебалин.
В этом году конкурс расширился до рамок
международного, собрав почти 50 участников от Минска до Улан-Удэ. Все прослушивания проходили публично — в Малом
концертном зале Красноярской академии
музыки и театра.
В первом туре участвовали 19 конкурсантов по номинации «Студенты вузов»
и 26 — по номинации «Студенты ссузов».
Ко второму туру допускались участники,
набравшие от 18 до 25 баллов — по 10 конкурсантов от каждой номинации. Участников третьего тура определяло жюри.
В рамках конкурса в Красноярской академии музыки и театра прошли творческие
и научные встречи, состоялся круглый
стол по проблемам современного музыкального образования с участием дирижеров и руководителей музыкальных вузов
зарубежья: Й. Кратоквила (США), С. Кравчински (Польша). В малом зале КГАМиТ
состоялся концерт ансамбля академии
хорового исполнительства «Vocademia»
им. В.С. Попова (Москва).
 ЛАУРЕАТЫ:
Вузы
I премия — В. Шарафутдинова (Москва),
МГК им. Чайковского, проф. В.А. Калинин.
В. Ларин (Белорусия), Белорусская
академия музыки, преп. И. М. Бодяко.
II премия — Т. Карпова (Красноярск),
Красноярская академии музыки и театра,
проф. Л. В. Краевая; И. Муслимова (Уфа).
Уфимская академия искусств им. З. Исмагилова, преп. Р.Д. Зянчурина.
III премия —М. Янгибаева (Новосибирск),
Новосибирская консерватория
им. М.И. Глинки, доц. А. А. Париман;
В. Яцкевич (Москва), РАМ им. Гнесиных,
преп. А. А. Соловьёв и Ю. М. Рогачева.
Ссузы
I премия — О. Белоногова (Красноярск),
Красноярский колледж искусств
им. П.И. Иванова-Радкевича,
преп. О. Ф. Котлярова; А. Демидов (Новосибирск), Новосибирский музыкальный
колледж им. Аскольда Мурова,
преп. О. Е. Захваткина.
II премия — А. Андреева (Москва) студентка
2-го Московского музыкального училища
имени С.С. Прокофьева, преп. В.Л. Игнашова.
III премия — И. Леус (Улан-Удэ) студент
отделения хорового дирижирования
Улан-Удэнского колледжа искусств
имени Чайковского, доц. О. Н. Полякова.
Дипломы — К. Котельникова (Москва)
и К. Персман (Красноярск).
Специальный приз от губернатора
Красноярского края Л. Кузнецова
для самого талантливого участника
конкурса — сертификат на 30 000 руб. —
получила студентка Красноярского
колледжа искусств им. П.И. ИвановаРадкевича О. Белоногова.
На концерте-закрытии дирижеров
состоялось исполнение на сцене
Большого зала Красноярской филармонии
сочинения С. Рахманинова «Всенощное
бдение». Его представили красноярцам
Хор академии хорового искусства
им. В.С. Попова, Хор студентов КГАМиТ
и хоровой ансамбль солистов «Тебе поемъ» под руководством К. Якобсона.

VII Всероссийский конкурс-фестиваль Анатолия Шутикова «Народные мелодии». 23 апреля 2012, Казань
 У чредители: Министерство культуры
Республики Татарстан, Татарская филармония им. Г. Тукая, Ассоциация музыкальных конкурсов России.
 Ж юри: худ. рук. и главный дирижер
Государственного оркестра народных
инструментов РТ, нар. арт. РФ, лауреат
Государственной премии им. Г. Тукая,
проф. А. Шутиков (председатель); начальник отдела развития искусств и защиты
авторских прав Министерства культуры РТ
З. Салехова; директор Татарской
филармонии им. Г. Тукая К. Нуруллин;
худ. рук. и главный дирижер Ульяновского
оркестра народных инструментов,
засл. арт. РФ Е. Федоров; композитор
и дирижер, засл. деят. иск. Украины
В. Зубицкий; проф., зав. кафедрой теории
и истории исполнительского искусства
Казанской консерватории (академии)
им. Н.Г. Жиганова В. Яковлев; солист
Государственного оркестра народных
инструментов Р Т, засл. арт. РТ М. Шамаев.
Количество поданных заявок — 22.
Количество ансамблей-участников — 21.
Конкурс-фестиваль проводился
по следующим номинациям:
1. Ансамбли народных инструментов
до 5 человек.
2. Ансамбли народных инструментов
до 10 человек.
3. Ансамбли народных инструментов
до 15 человек.
4. Оркестры народных инструментов.
По итогам конкурса все участники
удостоились премий и денежных наград.
 ПРЕМИИ:
Ансамбли до 5 человек
I (5149 руб.) — Дуэт (баян-аккордеон):
И. Занозовский, Е. Сакмаров.
КГК (академия) им. Н. Жиганова, Казань.
Рук. А.А. Файзуллин.
II (по 3000 руб.) — Дуэт (домра, гитара),
Казанский музыкальный колледж
им. И. В. Аухадеева, Казань), рук. Е.М. Тимофеева, А.А. Лаврентьев; Дуэт (домра,
балалайка): А. Кильдюшкина, А. Низамов
КГК (академия) им. Н. Жиганова, Казань,
рук. Г.Ф. Мухаметдинова, А.А. Усов; Дуэт
баянистов: А. Ахмадиев, Д. Окатов,
Казанский музыкальный колледж
им. И. В. Аухадеева, Казань, рук. А.С. Попов; Дуэт баянистов «Мы из Челнов»,
Набережночелнинский колледж искусств,
Набережные Челны, рук. М.Р. Мухаметшин.
III (по 2000 руб.) — Дуэт домристов:
А. Филиппова, Н. Волкова, Национальная
президентская школа искусств,
Йошкар-Ола, рук. В.С. Виноградова;
ансамбль «Юность», ДМШ № 6 им. Салиха
Сайдашева, Набережные Челны,
рук. Э.М. Левша; Дуэт «Гармоника-Мюзет», ДМШ № 6 им. Салиха Сайдашева,
Набережные Челны. Рук. Е.В. Лобанова.
Ансамбли до 10 человек
I (10 897 руб.) — Ансамбль народных
инструментов Театра танца
«Булгары», Набережные Челны,
рук. Н.А. Мухаметзянов.
II (7448 руб.) — Ансамбль гусляров
«Чинчывий», Колледж культуры и искусства им. И.С. Палантая, Йошкар-Ола,
рук. М.А. Эльтемерова.
III (по 5149 руб.) — Ансамбль «Браво,
аккордеон!», ДМШ № 6 им. Салиха Сайдашева, г. Набережные Челны, рук. Е.В. Лобанова, Н.В. Лобанова; Ансамбль «Акварель», ДШИ школа искусств, Чистополь,
рук. А.М. Рогожкин.
Ансамбли до 15 человек
III (5149 руб.) — Ансамбль «Веселуха»,
Колледж культуры и искусства
им. И. С. Палантая, Йошкар-Ола,
рук. В.К. Короткова.
Оркестры народных инструментов
I (по 10897 руб.) — Оркестр народных
инструментов, факультет искусств Чувашского государственного университета
им. И. Н. Ульянова, Чебоксары,
рук. Н.И. Иванова; Оркестр народных
инструментов, ДМШ №1, им. П.И. Чайковского, Казань, рук. А.В. Гришин.
II (по 7448 руб.) — Студенческий оркестр
народных инструментов, УлГУ, Ульяновск,
рук. Д.Г. Орлов; Оркестр народных инструментов, ДМШ № 3, Набережные Челны, рук. Е.Ю. Силина; Оркестр народных
инструментов «Казанский сувенир»,
ДМШ № 20, Казань, рук. Н.А. Ананичева.
III (по 4000 руб.) — Оркестр народных инструментов Марийского государственного
университета. Йошкар-Ола, рук. А.В. Мирошников; Оркестр народных инструментов,
ДМШ № 6 им. С. Сайдашева (Набережные
Челны), рук. Ю.А. Иванова; Оркестр народных инструментов Казанского музыкального колледжа им. И. В. Аухадеева,
Казань, рук. Р.Э. Ильясов.

полная информация о конкурсах на сайте Ассоциации музыкальных конкурсов России: www.music-competitions.ru
31
конкурсы: итоги
музыкальное обозрение | №5(341). 2012
VIII Международный конкурс юных музыкантов «Симфония». 1 – 8 апреля 2012, Волгоград
 У чредители: Администрация Волгоградской обл.,
Комитет по культуре Администрации Волгоградской обл.,
Департамент по делам
культуры Администрации
Волгограда, Волгоградский
областной информационнометодический центр по художественному
образованию, Волгоградская областная филармония, Волгоградский академический
симфонический оркестр, Волгоградский институт искусств и культуры, Ассоциация музыкальных конкурсов России.
 Ж юри: председатель объединенного
жюри — Э. Серов, нар. арт. РФ, профессор,
художественный руководитель и главный
дирижер Волгоградского академического
симфонического оркестра.
Струнные смычковые инструменты, арфа:
С. Нестеров (скрипка), засл. арт. РФ, проф.
Ростовской консерватории; В. Горбунов
(альт), проф. Ростовской консерватории;
Е. Румянцев (виолончель), преп. Московской
консерватории, лауреат международных
конкурсов; А. Бельский (контрабас), засл.
деят. иск. РФ, засл. арт. РФ, проф. РАМ
им. Гнесиных; И. Амозова (арфа), засл. арт. РФ,
солистка Волгоградского академического
симфонического оркестра.
Деревянные духовые инструменты:
О. Худяков (флейта), доц., декан факультета
исторического и современного исполнительского искусства Московской консерватории; С. Дереза (кларнет), засл. арт. РФ,
концертмейстер Волгоградского академического симфонического оркестра; И. Шегай (фагот), преп. Московской консерватории, солистка оркестра театра «Новая
опера»; М. Шапошникова (саксофон),
нар. арт. РФ, проф. РАМ им. Гнесиных.
Медные духовые и ударные инструменты:
А. Селянин (труба), засл. арт. РФ, засл. деят. иск.
РФ, проф. Саратовской консерватории, президент Европейской гильдии трубачей; А. Горбунов (валторна), засл. арт. РФ, проф. Волгоградского института искусств и культуры; Б. Морозов (тромбон), засл. арт. РФ, концертмейстер
Волгоградского академического симфонического оркестра; Д. Лукьянов (ударные инструменты), засл. арт. РФ, проф. РАМ им. Гнесиных,
солист Российского национального оркестра.
Международный конкурс «Симфония»
проводится с 1995. Идея его проведения
принадлежит художественному руководителю и главному дирижеру Волгоградского
академического симфонического оркестра
Э. Серову. Перечень специальностей,
по которым проходят конкурсные прослушивания, постоянно расширяется: в 2004
в состав конкурсных инструментов была
введена арфа, а в 2010 — саксофон.
На конкурс было подано 57 заявок
из 15 городов России, а также Беларуси,
Украины, Азербайджана, Узбекистана. Возраст участников — до 20 лет (по специальности тромбон до 22 лет). Окончательное
число участников — 34 человека.
 ЛАУРЕАТЫ:
Струнные смычковые инструменты
I место — М. Павлова (скрипка), МССМШ
им. Гнесиных, преп. Т.С. Беркуль;
А. Дзюбенко (контрабас), МССМШ
им. Гнесиных, преп. А.А. Бельский.
II место — А. Рубцова (скрипка), Волгоград,
ДМШ № 2, преп. Е.В. Кузьмина; Н. Мамунц
(альт), Московская консерватория,
преп. В.А. Астахов.
III место — А. Сафуанова (виолончель),
РАМ им. Гнесиных, преп. Е.Н. Жулева;
Д. Мирзаев (контрабас), Ташкент, Республиканский специализированный музыкальный
академический лицей им. В. Успенского,
преп. М.Т. Розиев; А. Калашников (контрабас),
Колледж им. Гнесиных, преп. А.А. Бельский.
Деревянные духовые инструменты
I место — В. Устьянцев (саксофон),
В. Майоров (саксофон), РАМ им. Гнесиных.
преп. М.К. Шапошникова.
II место — Е. Галышев (фагот), Е. Гришина
(фагот), АМК при Мосоквской консерватории, преп. В.С. Попов.
III место — Т. Кисиль (гобой), Харьков,
ССМШ, преп. А.В. Назарьян; А. Комкин
(кларнет), Екатеринбург, Музыкальный
колледж при Уральской консерватории
им. М.П. Мусоргского, преп. М.Н. Морев;
И. Ганичев (фагот), Калининград, областной
музыкальный колледж им. С.В. Рахманинова, преп. В.М. Фрадкин.
Дипломы: Н. Донской (флейта), Колледж
им. Гнесиных, преп. В.Л. Кудря; А. Бирюков
(кларнет), Волгоград, ВИИ им. П.А. Серебрякова, преп. Д.В. Аствацатуров.
Медные духовые и ударные инструменты
I место — А. Шуст (труба), АМК при Московской консерватории, преп. А.О. Корнильев;
М. Виницкий (тромбон), АМК при Московской консерватории, преп. А.В. Старков.
II место — А. Ильющенко, (труба).
Музыкальный колледж им. Гнесиных,
преп. В.А. Докшицер; В. Торчанин (тромбон),
Музыкальный колледж им. Гнесиных,
преп. О.А. Макаришин.
III место — Н. Кислов (валторна), Волгоград, ВИИ им. П.А. Серебрякова, преп. А.И.
Горбунов; А. Орлов (труба), ССМШ при Ростовской консерватории, преп. С.П. Крылов;
В. Грякалова (ударные инструменты), Саратов, ДМШ № 14, преп. Д.В. Поволоцкий.
Диплом: В. Носаков (валторна), Волгоград,
ВИИ им. П.А. Серебрякова, преп. Л.П. Жабоедов.
Призовой фонд конкурса «Симфония» составил 240 тыс. руб. В каждой номинации
I премия составила 35 тыс. руб., II премия —
25 тыс. руб., III премия — 20 тыс. руб.
Лауреатам I премии были вручены памятные знаки Международного конкурса
«Симфония».
По традиции, в рамках конкурса состоялся
концерт Волгоградского академического
симфонического оркестра. Солисты — члены
жюри Е. Румянцев (виолончель) и О. Худяков
(флейта). 4 и 6 апреля члены жюри провели
мастер-классы для преподавателей и учащихся школ искусств и вузов.
Конкурс завершился Гала-концертом лауреатов в сопровождении Волгоградского академического симфонического оркестра.

III Международный конкурс вокалистов имени Б.Т. Штоколова. 19 − 26 марта 2012 года, Санкт-Петербург
 У чредители: Министерство образования и науки РФ, Министерство культуры
РФ, Законодательное собрание СанктПетербурга, Комитет по образованию
Правительства Санкт-Петербурга, Комитет
по науке и высшей школе Правительства
Санкт-Петербурга, Комитет по культуре
Правительства Санкт-Петербурга, Комитет
по молодежной политике и взаимодействию с общественными организациями
Санкт-Петербурга, Союз концертных деятелей Санкт-Петербурга, Союз композиторов Санкт-Петербурга.
Организатор — факультет музыки РГПУ
им. А.И. Герцена.
 Ж юри: нар. арт. СССР, солистка Мариинского театра, проф. кафедры сольного
пения РГПУ им. А.И. Герцена Л. Шевченко
(сопредседатель); солист Национальной
оперы Эстонии, проф. Таллиннской консерватории М. Пальм (сопредседатель);
генеральный директор и художественный
руководитель театра Lyrichoregra 20
А. Нона (Канада); нар. арт. РФ, солист ГАБТ
России, проф. Московской консерватории
и Центра оперного пения Галины Вишневской П. Глубокий; проф. вокала университета Северной Айовы, солист оперы
Дж. Хайнс (США); проф. Консерватории
им. Дж. Верди в Милане, композитор,
дирижер Д. Меникуччи (Италия); проф.
Швейцарской Академии музыки, солистка
оперы Д. Галли (Швейцария); проф. Братиславской консерватории Э. Блахова
(Словакия); зав. кафедрой сольного пения,
проф. РГПУ им. А.И. Герцена Т. Смелкова;
засл. арт. РФ, ведущий концертмейстер
Мариинского театра И. Соболева.
Международный конкурс вокалистов имени Б.Т. Штоколова проводится с 2008, каждые два года. С 2010 входит в Ассоциацию
музыкальных конкурсов России.
На III конкурс было подано 172 заявки. Количество участников составило 154 человека — представители 45 городов России,
а также из Украины, Беларуси, Армении,
Молдовы, Южной Кореи, Китая, Монголии,
в возрасте до 36 лет включительно (на момент начала конкурса).
Процедура жеребьевки на Конкурсе им
Штоколоваа имеет свои традиции: порядковый номер участника обозначается на
обороте живописных коробок конфет, подаренных Кондитерской фабрикой
им. Н.К. Крупской.
Прослушивания проводились по трем категориям: I — учащиеся средних специальных учебных заведений (в два тура);
II — студенты, магистранты и выпускники
музыкальных факультетов педагогических
и других вузов (музыкально-педагогические институты, университеты культуры
и т. п.); III — студенты музыкальных вузов
(консерватории, институты искусств,
музыкальные академии), оперные и концертные певцы (в три тура).
В рамках конкурса 18 марта был проведен
сольный концерт сопредседателя жюри
конкурса, солиста национальной оперы
Эстонии М. Пальма.
 ЛАУРЕАТЫ:
I категория
Гран-при (60 000 руб.) — П. Червинский
(Омск, преп. Чебаненко Р.К.)
Женские голоса:
I премия — Е. Ефимова (Астрахань,
преп. Михайлова Е.А.)
II премия — Е. Борисова (Самара,
преп. Афанасьева Н.А.)
III премия — Д. Шилова (Санкт-Петербург,
преп. Лебедь Т.Б.)
Мужские голоса:
I премия — М. Силантьев (Курган,
преп. Алексиевская Л.В.)
II премия — А. Максимов (Петрозаводск,
преп. Латышева Н.А.), А. Хайруллин
(Уфа, преп. Юсупова Н.Г.)
Дипломанты: А. Сторожев, С. Солодилова,
К. Безносова, О. Куликова, А. Андреева,
Д. Родионова.
II категория
Женские голоса:
I премия — О. Короткова (СанктПетербург, преп. Корженская О.Г.)
II премия — О. Скрипниченко (СанктПетербург, преп. Морозова Е.В.), М. Кипинган (Санкт-Петербург, преп. Шевченко Л.А.)
Мужские голоса:
I премия — В. Соболев (Кемерово, преп.
Масягина В.Л.)
II премия — А. Ахметов (Санкт-Петербург,
преп. Думцев Н.М.)
III премия — Н. Родионов (Москва, преп.
Баскин А.М.)
Дипломанты: И. Михайлова, О. Привалова,
Сюй Минлу, Е. Чекмарева, А. Гантимурова,
Н. Башкатова.
III категория
Женские голоса:
I премия — Ю. Щербакова
(Ростов-на-Дону)
II премия — Р. Рустамова
(Санкт-Петербург)
III премия — О. Гордеева
(Омск, преп. Огнева Н. И.)
Мужские голоса:
I премия — К. Жаровин (Санкт-Петербург)
II премия — С. Сергеев (Санкт-Петербург,
преп. Охотников Н.П.)
III премия — В. Аникин (Екатеринбург,
преп. Гуревич В.Б.)
Дипломанты: А. Дудкина, О. Егорова,
И. Крутиков, Н. Леляева, Е. Солодовников,
Ли Сяодань.
Специальные премии:
За лучшее исполнение произведения из
репертуара Б.Т. Штоколова — К. Жаровин
Специальный диплом и звание дипломанта двум лучшим концертмейстерам
конкурса — Д. Лебедева (СанктПетербург), Л. Коновалова (СанктПетербург).
Общий призовой фонд конкурса — более
400 000 руб.

Международный конкурс пианистов к 100-летию Саратовской государственной консерватории
им. Л.В. Собинова. 3 – 9 мая 2012, Саратов
 У чредители: Министерство культуры
Российской Федерации, Министерство
культуры Саратовской области, Саратовская государственная консерватория
(академия) им. Л.В. Собинова.
Председатель Оргкомитета — министр
культуры Саратовской области С. Краснощекова;
заместители председателя — зам. директора Департамента науки и образования
Министерства культуры РФ А. Аракелова;
ректор Саратовской государственной консерватории (академии) им. Л.В. Собинова,
нар. арт. РФ, проф. Л. Шугом.
В адрес конкурса было направлено приветствие председателя общественного Совета Ассоциации музыкальных конкурсов
России, главного редактора национальной
газеты «Музыкальное обозрение»
А. Устинова.
В конкурсе приняли участие 17 музыкантов в возрасте от 16 до 32 лет из России
(Москва, Санкт-Петербург, Нижний Новгород, Саратов, Екатеринбург), Узбекистана
и Сербии. Состязание проходило в три
тура. В программе I тура: полифоническое
произведение (Бах, Шостакович, Щедрин
или Хиндемит), классическая соната
(Гайдн, Моцарт, Бетховен или Шуберт),
два виртуозных этюда (Шопен или Лист;
Скрябин, Рахманинов или Прокофьев).
Программа II тура — свободная (от 40
до 50 мин.). Участники III тура исполняли
Концерт для фортепиано с оркестром
в сопровождении Академического симфонического оркестра Саратовской филармонии под управлением нар. арт. РФ
М. Аннамамедова.
Торжественное открытие и закрытие конкурса прошли в Большом зале Саратовской консерватории им. Л.В. Собинова.
В рамках конкурса состоялись концерт педагогов кафедры специального фортепиано Саратовской государственной консерватории (академии) им. Л.В. Собинова,
мастер-классы членов жюри конкурса:
А. Диева, В. Козлова, С. Почекина.
Призовой фонд конкурса был предоставлен федеральным и областным бюджетами:
Гран-при — 100 000 руб.; I премия —
80 000 руб.; II премия — 60 000 руб.; III премия — 40 000 руб.; Диплом — 20 000 руб.
 Ж юри: А. Тараканов, нар. арт. РФ,
проф., зав. кафедрой специального фортепиано Саратовской консерватории (председатель); Л. Шугом, нар. арт. РФ, ректор,
проф. Саратовской консерватории;
А. Диев, засл. арт. РФ, доц. кафедры специального фортепиано Московской консерватории; В. Козлов, засл. арт. Украины,
проф. Национальной музыкальной академии Украины им. П.И. Чайковского; С. Почекин, проф., зав. кафедрой фортепиано
Консерватории «Лицео» (Барселона),
проф. Klavierakademie в Murrhardt (Германия); И. Хрулькова, доц. кафедры специального фортепиано Саратовской консерватории (ответственный секретарь).
 ЛАУРЕАТЫ:
Гран-при — не присуждалось.
Диплом II степени — Виктория Епихина
(Саратовская государственная консерватория (академия) им. Л.В. Собинова).
I премия — Алла Долженко (Саратовская
государственная консерватория (академия) им. Л.В. Собинова);
Илья Рамлав (Московская государственная консерватория им. П.И. Чайковского).
II премия — Андрей Андреев (Саратовская государственная консерватория (академия) им. Л.В. Собинова).
III премия — не присуждалась.
Диплом I степени — Гузаль Тагиева (Государственная консерватория Узбекистана);
П. Хорошилов, зам. министра культуры
РФ: «Выражаю уверенность, что Международный конкурс пианистов станет заметным событием в культурной жизни России,
подарит нам новые имена молодых
талантливых пианистов и незабываемые
мгновения общения с высоким искусством».
С. Краснощекова: «Саратов известен
богатейшей музыкальной культурой, в том
числе, одной из старейших и авторитетнейших фортепианных школ. Конкурс —
это испытание, и победа в нем — достойная награда лучшим. Подобные состязания
закаляют дух, воспитывают волю, дают
возможность оценить свои силы, окунуться в творческую среду. Все это имеет
огромное значение для воспитания гармонично развитой личности, способной
мыслить, чувствовать и оценивать. На
этом конкурсе не может быть проигравших, потому, что тот, кто выбрал музыку —
выбрал свет».

32
конкурсы: итоги
музыкальное обозрение | №5(341). 2012
Областной (открытый) конкурс композиции и импровизации
им. С.С. Прокофьева. 21 – 22 апреля, г. Пушкино Московской обл.
 У чредители: Министерство культуры
Московской области, Научно-методический центр «Колледж искусств», 2-е Московское областное музыкальное училище
им. С.С. Прокофьева, Ассоциация музыкальных конкурсов России.
 Ж юри: засл. деят. иск. РФ, профессор
Московской консерватории Т.А. Чудова;
проф. РАМ им. Гнесиных Г.В. Чернов, доц.
РАМ им. Гнесиных В.М. Келле; протоиерей
Свято-Тихоновского Богословского института Ф.Ю. Стацевич, преп. Московской
консерватории А.С. Наджаров.
Количество поданных заявок — 69.
Общее количество участников — 69.
 ЛАУРЕАТЫ:
Композиция
Учащиеся ДМШ и ДШИ
Младшая группа (до 12 лет)
Гран-при — Д. Малюков, ДМШ №1, Пушкино, преп. Т.И. Милехина.
1 место — И. Маслов, Истринская ДМШ,
преп. И.Ю. Канашева.
2 место — Е. Голунова, Истринская ДМШ,
преп. И.Ю. Канашева.
3 место — К. Антипина, ДШИ № 4, п. Богородское, преп. Л.И. Ярыш; Т. Астахова,
ДМШ № 2, Пушкино, преп. А.О. Павлова,
Р. Большаков, ДМШ № 3, Сергиев Посад,
преп. Т.П. Дармидонтова.
Старшая группа (от 13 до 16 лет)
1 место — А. Михайлов, ДШИ, Щелково,
преп. Л.Л. Першина.
3 место — О. Герман, ЦДМШ им. А.А. Алябьева, Коломна, преп. С.В. Савельева;
Г. Чевычелов, ДШИ, Московский,
преп. С.М. Соснин.
Студенты средних профессиональных
образовательных учреждений
Младшая группа (1-2 курс)
2 место — Е. Жарова, Московский областной базовый музыкальный колледж
им. А.Н. Скрябина, Электросталь,
преп. И.Б. Энская; В. Шигалев, 2-ой Московский областной музыкальный колледж
им. С.С. Прокофьева, преп. Е.М. Стасеева.
3 место – Е. Зубарева, Московский
областной базовый музыкальный колледж
им. А.Н. Скрябина, преп. Ю.А. Пионтковский; Д. Моргачева, МКИМ,
преп. О.Б. Оськина.
Старшая группа (3-4 курс)
1 место — И. Ольков, 2-ой Московский
областной музыкальный колледж
им. С.С. Прокофьева, преп. Е.М. Стасеева.
3 место — К. Семенцов, 2-ой Московский
областной музыкальный колледж
им. С.С. Прокофьева, преп. С.А. Плеханов;
Ю. Харивуло, 2-ой Московский музыкальный колледж, преп. В.П. Русских.
Студенты вузов
Гран-при — А. Стоянова, РАМ им. Гнесиных, Москва, преп. Г.В. Чернов.
1 место — А. Поспелова, Московская консерватория, преп. Т.А. Чудова; А. Файзуллина, РАМ им. Гнесиных, преп. А.Л. Ларин.
2 место — Л. Тернер, РАМ им. Гнесиных,
Москва, преп. А.Л. Ларин.
3 место — М. Гусейнов, А. Стоянова, РАМ
им. Гнесиных, Москва, преп. Г.В. Чернов,
Гун Цзыхуэй, РАМ им. Гнесиных, Москва,
преп. В.В. Пьянков.
практикум» (сольфеджио) — Н. Найко,
доцент, зав. кафедрой теории музыки
и композиции КГАМиТ;
в номинации «Музыкально-интеллектуальный практикум» (гармония, теория музыки):
В. Басс, доцент КГАМиТ.
В жюри работали преподаватели КГАМиТ,
а также музыкальных колледжей из Красноярска, Омска, Читы.
Конкурс зародился в 2002. Его организатором стала кафедра теории музыки и композиции КГАМиТ. Название — Symphoniacus
integer (приблизительно переводится как
«музыкант целостный») — отражает главную цель конкурса: привлечь внимание
к проблеме разностороннего развития
учащихся средних специальных учебных
заведений, способствовать выявлению
и поддержке талантливых и перспективных
молодых музыкантов.
Конкурс призван поднять престиж теоретических предметов, стимулировать интерес
учащихся к развитию музыкального слуха
и проблемам гармонии, направить усилия
педагогов на совершенствование преподавания соответствующих дисциплин. Многие
лауреаты предыдущих конкурсов
Simphoniacus Integer стали студентами
музыкальных вузов.
В этом году на конкурс прибыли более
60 участников из Читы, Улан-Удэ, Иркутска,
Кызыла, Минусинска, Красноярска, Новосибирска, Прокопьевска (Кемеровской обл.),
Омска, Орска (Оренбургской обл.). Возраст
конкурсантов: от 8 до 22 лет.
Конкурс проводился по трем номинациям:
«Творческий практикум» (композиция, импровизация, в трех возрастных категориях),
«Музыкально-интеллектуальный практикум», «Музыкально-слуховой практикум».
 ЛАУРЕАТЫ:
Номинация «Творческий практикум»
I возрастная категория
I премия — В. Панютин, 11 лет, Иркутская
областная ДШИ, преп. Круль Я.Л.
II премия — Б. Кара-Сал, 11 лет, Республиканская основная общеобразовательная музыкально-художественная школа-интернат им.
Р.Д. Кендебиля (Кызыл), преп. Хомушку У.Б.
III премия — А. Петренко, 12 лет, ДМШ № 1
г. Новосибирска, преп. Александров И.И.
 Ж юри возглавили: в номинации
«Творческий практикум» — Т. Чудова,
композитор, засл. деят. иск. РФ,
проф.Московской консерватории;
в номинации «Музыкально-слуховой
II возрастная категория
I премия — Т. Шахов, 15 лет, ДМШ № 1
г. Красноярска, преп. Юдин И.В.
II премия — А. Ойдупаа, 15 лет, Сектор пед.
практики Кызылского колледжа искусств
им. А.Б. Чыргал-оола, преп. по композиции
Оюн А.Д.
III возрастная категория
I премия — А. Сторожева, 17 лет, Новосибирская специальная музыкальная школа
(колледж), преп. Александров И.И.;
И. Созинова, 17 лет, НСМШ (колледж),
преп. Александров И.И.; Г. Коротченко,
20 лет, Иркутский областной музыкальный
колледж им. Фридерика Шопена, преп.
Круль Я.Л.
III премия — Р. Чекмачев, 20 лет, Орский
колледж искусств, преп. Федоров А.С.;
А. Едакина, 20 лет, Прокопьевский колледж
искусств, преп. Островень Е.А.
Номинация «Музыкально-интеллектуальный практикум»
I премия — И. Москвитина, Красноярский
колледж искусств им. П.И. Иванова-Радкевича,
20 – 26 апреля 2012, Тольятти
II премия: Ким Мунчжонг (Сеул, Корея),
ЦМШ при Московской консерватории,
преп. И.С. Ко;
III премия: Е. Леонова, МССМШ им. Гнесиных, преп. В.Г. Иголинский.
Аранжировка
1 место — А. Рузняев, РАМ им. Гнесиных,
преп. А.Л. Ларин.
Композиция
Педагоги
Гран-при — Яно Хироми, 2-ой Московский
областной музыкальный колледж
им. С.С. Прокофьева.
1 место — В.П. Русских, 2-ой Московский
областной музыкальный колледж
им. С.С. Прокофьева.
2 место — Г.Н. Максимов, Жуковская ДШИ.
3 место — И.Х. Романова, ДШИ, Волоколамск; И.Ю. Канашева, Истринская ДМШ.
Импровизация
Учащиеся ДМШ и ДШИ
1 место — Д. Малюков, ДМШ №1 Пушкино,
преп. Т.И. Милехина.
2 место — А. Михайлов, ДШИ, Щелково,
преп. Л.Л. Першина.
3 место — А. Оводов, Менделеевская
ДШИ, преп. А.А. Боков.
Студенты училищ
1 место — Е. Богомолов, Академический
музыкальный колледж при Московской
консерватории, преп. М.Б. Якшиева.
2 место — И. Андросов, В. Жандаров,
Академический музыкальный колледж
при Московской консерватории,
преп. М.Б. Якшиева.

Четвертый открытый сибирский конкурс Symphoniacus
integer-2012. 27 – 31 марта 2012, Красноярск
 У чредители:
Красноярская государственная академия музыки и театра (кафедра
теории музыки и композиции), Красноярская региональная
организация Союза
композиторов России
XVII Тольяттинский международный
конкурс музыкантов-исполнителей
(струнные инструменты)
теор. отд., преп. по гармонии
Кудряшова Н.В.
II премия — К. Мигмарова, Красноярский
колледж искусств им. П.И. Иванова-Радкевича, теор. отд., преп. по гармонии
Кудряшова Н.В.; В. Голобокова, Забайкальский техникум искусств (Чита), теор. отд.,
преп. по гармонии Усова Т.М.
III премия — Е. Полякова, Омское
музыкальное училище (колледж) имени
В.Я. Шебалина, теор. отд., преп. по гармонии Кудрявцева С.И.; В. Озеров, Красноярский колледж искусств им. П.И. ИвановаРадкевича, теор. отд., преп. по гармонии
Кудряшова Н.В.; О. Абрамитова, Музыкальный колледж при КГАМиТ, ф-ное отд.,
преп. по гармонии Белоносова И.В.
Номинация «Музыкально-слуховой
практикум»
I премия — Д. Корытько, Иркутский
областной музыкальный колледж
им. Фредерика Шопена (кларнет),
преп. по композиции Круль Я.Л.
II премия — Т. Шахов, ДМШ № 1
г. Красноярска (фортепиано),
преп. по сольфеджио Башмакова И.В.;
К. Бибикова, НСМШ (колледж)
(теория музыки), преп. по сольфеджио
Александрова Н.Л.
III премия — А. Куроедова, Музыкальный
колледж при КГАМиТ (струнное отд.),
преп. по сольфеджио Бозина О.А.;
А. Едакина, Прокопьевский колледж искусств, преп. по композиции Островень Е.А.
В день открытия конкурса в Красноярской
академии музыки и театра состоялся
концерт из произведений красноярских
композиторов, С. Слонимского и Т. Чудовой
(премьера Сонаты для балалайки
с фортепиано).
Во время конкурса проф. Московской
консерватории Т. Чудова дала серию
мастер-классов в Красноярской академии
музыки и театра.

 У чредители: Министерство
культуры РФ, фонд «Русское исполнительское искусство», Благотворительный фонд
имени С.Ф. Жилкина «Духовное наследие», Мэрия городского округа Тольятти,
Департамент культуры Тольятти, Тольяттинское филармоническое общество,
Тольяттинская консерватория, Ассоциация
музыкальных конкурсов России.
Председатель Оргкомитета — министр
культуры РФ А. Авдеев. Президент
конкурса — ректор Тольяттинской
консерватории, засл. деят. иск. РФ,
проф. Е. Прасолов
 Ж юри: засл. арт. РФ, проф. Московской консерватории С. Кравченко
(председатель), засл. деят. иск. РФ,
проф., ректор ГМПИ им. М.М. ИпполитоваИванова, президент фонда «Русское
исполнительское искусство» В. Ворона,
главный дирижер и худ. рук. симфонического оркестра Мокпо Чжин Юн Иль
(Южная Корея), засл. арт. РФ, проф.,
декан факультета Санкт-Петербургской
консерватории В. Стопичев, проф. Консерватории в Афинах В. Халапсис (Греция),
докт. иск., засл. деят. иск. РФ М. Берлянчик, засл. арт. РФ, доц. Тольяттинской
консерватории А. Иванов, концертмейстер
оркестра ГАБТ России П. Степин, доц.
Тольяттинской консерватории Л. Кленских, доц. Тольяттинской консерватории
М. Паршин (ответственный секретарь).
Тольяттинский международный конкурс
охватывает различные музыкальные
специальности: фортепиано, струнные
инструменты, духовые инструменты,
народные инструменты, вокал. За семнадцатилетнюю историю конкурс открыл
для музыкальной общественности имена
свыше 1400 талантливых музыкантов России
и зарубежных стран: США, Японии, Франции, Италии, Греции, Голландии, Китая и др.
Лауреаты Тольяттинского международного конкурса в настоящее время выступают
в концертных залах России, Европы, Америки и Японии.
Большим событием стало выступление
членов жюри на концерте, посвященном
открытию XVII Тольяттинского международного конкурса музыкантов – исполнителей (струнные инструменты, состоявшегося 21 апреля в 18.00 в Концертном
зале Тольяттинской консерватории.
П р Е М И И:
Младшая группа: I — 3000 руб.,
II — 2000 руб., III — 1000 руб.
Средняя группа: I — 4000 руб.,
II — 3000 руб., III — 2000 руб.
Старшая группа: I — 5000 руб.,
II — 4000 руб., III — 3000 руб.
Контрабасы: I — 5000 руб.,
II — 4000 руб., III — 3000 руб.
Конкурс проводился по следующим
возрастным группам:
скрипка и виолончель — младшая
(до 14 лет включительно), средняя
(от 15 до 18 лет включительно),
старшая (от 19 до 28 лет включительно);
альт — средняя (от 15 до 18 лет
включительно), старшая (от 19 до 28 лет
включительно);
контрабас — единая группа
(до 27 лет включительно).
 ЛАУРЕАТЫ:
Скрипка
Младшая группа
I премия: З. Нестеренко, ДМШ № 4,
Тольятти, преп. В.Т. Волкова;
Средняя группа
I премия: Е. Даугирдайте, Национальная
художественная школа им. М.К. Чюрлениса, (Вильнюс, Литва), преп. Д. Юргис;
Хэжунцзя Хань, (Фошан, Китай), ЦМШ
при Московской консерватории,
преп. С.И. Кравченко.
II премия: А. Тимошенко, ГМПИ
им. М.М. Ипполитова-Иванова,
преп. В.И. Ворона.
III премия: О. Коссович, ЦМШ
при Московской консерватории,
преп. А.Г. Богданян. Диплом: А. Мишанина,
ЦМШ при Московской консерватории,
преп. М.А. Готсдинер.
Старшая группа
I премия: М. Карменова (Казахстан), ЦМШ
(колледж) при Московской консерватории,
преп. Т.С. Беркуль;
В. Беглецов, Московская консерватория,
Москва, преп. С.И. Кравченко.
II премия: А. Сыч, Московская консерватория, преп. В.Г. Иголинский.
III премия: Е. Дьякова, Московская консерватория, преп. А.А. Гуляницкий.
Специальная премия фонда «Русское
исполнительное искусство»: М. Карменова, В. Беглецов.
Альт
Средняя группа
II премия: Т. Мацуда (Япония, Такамацу),
ССМШ им. Гнесиных, преп. Е.И. Озол.
III премия: В. Агабеков, Колледж
при Тольяттинской консерватории,
преп. Г.Е. Анисимова; М. Муртузалиева,
Академический музыкальный колледж
при Московской консерватории,
преп. С.А. Симакин.
Старшая группа
II премия: Н. Мамунц, Московская
консерватория, преп. В.А Астахов.
III премия: Г. Хван, Московская консерватория, преп. Г.И. Одинец; А. Иванова,
Саратовская консерватория,
преп. Э. Гавриленков.
Диплом: Ю. Черепанова, музыкально-педагогический институт им. ИпполитоваИванова, Москва, преп. М.И. Спиридонова.
Виолончель
Младшая группа
III премия: К. Тугашев, ЦМШ, Самара,
преп. О.М. Золотова.
Средняя группа
I премия: Чой Су Бин, Ким Донг Ноук
(Корея), Сеульская школа искусств,
преп. Аэ Веол Чо.
Контрабас
I премия: Г. Карасев, Московская
консерватория, преп. Р.И. Габдуллин.
III премия: А. Пушкин, Саратовская
консерватория, преп. В.Т. Резников.
Диплом: А. Сидоров, Ростовская
консерватория, преп. Д.П. Гусев.
Специальная премия фонда «Русское
исполнительное искусство»: Г. Карасев.
26 апреля в Концертном зале Тольяттинской
консерватории состоялось закрытие XVII Тольяттинского международного конкурса музыкантов – исполнителей (струнные инструменты) и концерт лауреатов I премий.

полная информация о конкурсах на сайте Ассоциации музыкальных конкурсов России: www.music-competitions.ru
33
конкурсы: итоги
музыкальное обозрение | №5(341). 2012
VII Международный конкурс молодых музыкантов-исполнителей «Музыкальный Владивосток 2012»
1 – 8 апреля, Владивосток
I премия — М. Чистякова, Хабаровск,
Колледж культуры и искусств,
преп. Т.Н. Иванова.
 У чредители: Министерство культуры РФ, Управление по делам молодежи
Владивостока, ДШИ №1 им. Прокофьева,
компании «Ямаха Мюзик», Артцентр
«Синтез-В», ООО «Канон-центр», база отдыха «Жемчужина», гостиницы «Шале», «Владивосток» «Экватор», Общественное телевидение Приморья, Ассоциация музыкальных конкурсов России.
Количество заявок: 324 от солистов, 37 от ансамблей; 74 от ансамблей и оркестров на видеоконкурс. Участвовали юные музыканты
из России, Беларуси, Китая, Кореи, Японии.
 Ж юри: засл. арт. РФ, проф. кафедры
специального фортепиано Московской
консервтаории А. Мндоянц; засл. деятель
иск. РФ, проф. Академии музыки имени
Рубина в Тель-Авиве С. Ярошевич (Израиль); засл. раб. культуры РФ, доц. кафедры
духовых и ударных инструментов Новосибирской консерватории Н. Фуренкова;
композитор, баянист, дирижер В. Зубицкий
(Украина – Италия); нар. арт. РФ, проф. РАМ
им. Гнесиных А. Цыганков; засл. арт. РФ,
проф., зав. кафедрой оркестрового дирижирования РАМ им. Гнесиных Б. Ворон;
засл. деятель иск. РФ, худ. рук. Камчатской
хоровой капеллы Е. Морозов.
 ЛАУРЕАТЫ (Гран-при и первые премии):
Солисты
Фортепиано
Младшая группа
Гран-при — А. Иванова, Иркутск, Школаинтернат с углубленным изучением музыки,
преп. А.Г. Михеева.
Средняя группа
Гран-при — И. Кулиговский, Владивосток,
Музыкальный колледж при ДВГАИ,
проф. Р.Е. Илюхина.
С трунные инструменты
Скрипка
Младшая группа
Гран-при — А. Танака, Япония, НСМШ
(колледж), Новосибирск, проф. М.А. Кузина.
Средняя группа
I премия — А. Лахина, Новосибирск,
Музыкальный колледж при НГК(А)
им. М.И. Глинки, проф. М.А. Кузина; В. Свешникова, Новосибирск, НСМШ (колледж),
проф. Е.В. Баскина.
Старшая группа
Гран-при — Н. Мальцева, Новосибирск,
НГК им. М.И. Глинки, проф. М.А. Кузина.
I премия — Е. Струкова, Владивосток,
ДВГАИ, проф. Ф.Г. Кальман.
Альт, виолончель, контрабас
Средняя группа
I премия — Ван Цзэкай (альт), Китай, Пекин,
СШ при Центральной консерватории; Люй
Цеочжи (виолончель), Пекин, СШ при консерватории.
Духовые и ударные инструменты
Младшая группа
Гран-при — Чжен Дянь (гобой), Китай,
Пекин, МШ при Пекинской консерватории.
I премия – Се Цзышу (флейта), Пекин,
МШ при Пекинской консерватории; Сун
Цзяй (флейта), Пекин, МШ при консерватории; Ши Айчэн (гобой), Пекин, МШ при консерватории.
Средняя группа
I премия — В. Помогов (саксофон), Владивосток, Музыкальный колледж при ДВГАИ,
преп. доц. А.А. Климович; Тан Шань (гобой),
Китай, Пекин, МШ при Пекинской консерватории; Е. Травина (саксофон), Владивосток,
Музыкальный колледж при ДВГАИ, проф.
В.Я. Колин.
Старшая группа
Гран При — Чо Е Хи (флейта), Корея, НГК(А)
им. М.И. Глинки, доц. Н.П. Фуренкова.
I премия — Е. Присяжнюк (валторна),
Владивосток, ДВГАИ, преп. А.Ю. Штод;
О. Расулов (кларнет), Владивосток, ДВГАИ,
проф. В.Я. Колин.
Н ародные инструменты
Баян, аккордеон
Младшая группа
I премия — И. Шевченко (аккордеон),
Улан-Удэ, ДШИ № 6, преп. А.Л. Шаренда.
Средняя группа
I премия — В. Мормышева (аккордеон),
Братск, Музыкальнрое училище,
преп. Т.А. Костюк.
Старшая группа
I премия — Гуо Шень (баян), Китай,
Шанхайская консерватория.
Домра, балалайка, гитара
Младшая группа
I премия — Ф. Ляшенко (гитара),
Биробиджан, ДМШ, преп. А.Е. Марасанов.
Средняя группа
Гран-При — В. Афанасьев (домра),
Хабаровск, Колледж культуры и искусств,
преп. А.Г. Фурта.
Старшая группа
I премия — И. Дингес (домра), Новосибирск, НГК им. М.И. Глинки, преп. Е.П. Янковская.
Вокал
Средняя группа
I премия — А. Павленко, Магадан,
Колледж искусств, преп. М.Ф. Сергиенко.
Старшая группа
I премия — Г. Казакова, Владивосток,
ДВГАИ, преп. Г.С. Алексейко.
Вокальные ансамбли
I премия — Ансамбль колледжа культуры
и искусств, Хабаровск: Ю. Овчинникова,
П. Удовенко, А. Хован. Рук. Э.К. Ким.
Хоровое дирижирование
Средняя группа
I премия — М. Галлиардт, Чита, ЗТИ,
преп. Е.М. Гайдабура.
Старшая группа
I премия — М. Щигрева, Владивосток,
ДВГАИ.
А нсамбли
Фортепианные ансамбли
Младшая группа
I премия — И. Кулиговский – Л. Селиванова,
Владивосток, Музыкальный колледж при
ДВГАИ. Рук. Е.В. Пилипчук.
Ансамбли народных инструментов
Младшая группа
I премия — Ансамбль гитаристов: Д. Крывко, Р. Мамедов, И. Леонов, С. Белых. Находка, ДШИ № 1. Рук. Т.Ю. Струкова, С.Г. Белых;
Ансамбль «Родные просторы»: А. Верещаева, А. Верещаев, Е. Дацко, Е. Шведюк. Шахтерск, ДШИ. Рук. Н.Б. Дацко; Дуэт аккордеонистов: Д. Баринов, И. Дроздина. Амурск,
ДМШ. Рук. И.К. Дроздина; Ансамбль:
Н. Шелковникова, В. Дробышева, Хабаровск, Колледж культуры и искусств.
Рук. А.Г. Фурта, В. Дробышева.
Видеоконкурс
Смешанные ансамбли и однородные
составы
Молодежные составы
I премия —Струнный квартет: В. Флетчер,
Я. Цизман, Е. Струкова, А. Тищенко, Владивосток, ДВГАИ. Рук. Л.Б. Борщева. Кларнетовый квинтет: Жихао Су (кларнет), Чжуо
Чен, Вэй Ю, Ичжень Сян, Хэ Чжоу. Китай,
Пекин. Рук. Ян Тао.
Академические хоровые коллективы
Молодежные составы
Гран-при — Хор ДВГАИ, Владивосток.
Рук. Л.Е. Швейковская.
Гран-при — Хор ДВГАИ, Владивосток.
Рук. Е.Я. Балагуш.
I премия —Хор «Сардана», Якутск, Музыкальный колледж им. М.Н. Жиркова.
Рук. С.Г. Антонова; Образцовый хоровой
коллектив «Радуга», Владивосток, ДШИ
№ 6. Рук. Р.Г. Августина.
Хоровые коллективы
Учитель и ученики
I премия — Смешанный хор, Комсомольскна-Амуре, ДМШ. Рук. Н.С. Коробкова.
Вокальные ансамбли
Учитель и ученики
Гран-при — Вокальный ансамбль,
Владивосток, ДВГАИ. Рук. Л.Е. Швейковская.
Л. Швейковская, М. Кольева, Н. Изосимова,
А. Шестакова, Т. Жердева, В. Туманов,
Е. Корнаков, В. Могай, В. Теплов.
Оркестры
Гран-при — Студенческий симфонический
оркестр им. И.И. Соллертинского,
Новосибирск, НГК им. М.И. Глинки.
Рук. В.М. Минасян.
Эстрадно-джазовые ансамбли
I премия — Джаз-банд «Премиум»,
Владивосток, ДВГАИ. Рук. А.В. Лукаш.
Оркестры народных инструментов
Молодежные составы
Гран-при — Концертный русский оркестр
РАМ им. Гнесиных, Москва, Рук. Б.С. Ворон.
I премия — Оркестр «ART-HARMONICUM»,
Беларусь, Минск, Белорусская академия
музыки, худ. рук. В.М. Черников.
Учитель и ученики
I премия — Оркестр русских
народных инструментов «Академия»,
Омск, ОмГУ им. Достоевского.
Рук. А.А. Дубянский; Образцовый оркестр
русских народных инструментов, Чита,
ДШИ № 1 им. Н.П. Будашкина.
Рук. С.Н. Пономарев.
Ансамбли русских народных инструментов
Учитель и ученики
I премия — Ансамбль «Теремок»:
И. Шевченко, А. Мусин, Т. Миронов,
А. Игумнов, Б. Субанов, А. Гавин,
О. Шаренда. Улан-Удэ, ДШИ № 6.
Рук. А.Л. и О.Г. Шаренда; Образцовый
ансамбль «Теремок»: А. Бушуев,
Н. Пантюхин, А. Здорик, А. Герасткина,
М. Мичкова, Н. Сопов. Орел, ДШИ №2.
Рук. С.А. Густова.

Международный фестиваль-конкурс детских хоровых коллективов «Гатчинская радуга-XV»
29 – 31 марта 2012, Гатчина
 У чредители: Комитет по культуре
Правительства Ленинградской обл.,
Администрация МО «Гатчинский район»,
Отдел культуры администрации МО «Гатчина», ДМШ им. М.М. Ипполитова-Иванова
(Гатчина), Ассоциация дирижеров детских
и молодежных хоров Северо-Западного
региона при поддержке Европейской
хоровой ассоциации «Европа Кантат»,
хоровое общество «Лира» в Варшаве
(Польша), Ассоциация музыкальных
конкурсов России.
Финансовую поддержку фестивалю
обеспечивают Отдел культуры администрации Гатчинского муниципального района, отдел культуры администрации
МО «г. Гатчина»
Идея организовать хоровой конкурс родилась 15 лет назад и принадлежала И. Рогановой, зав. хоровым отделом ДМШ, руководителю нескольких хоров в Гатчине. Все
эти годы фестиваль, а затем конкурс, проводится в гатчинской ДМШ им. М.М. Ипполитова-Иванова. Начинавшийся как
областной детский хоровой конкурс,
он постепенно расширился до рамок
Всероссийского, а затем международного.
 Ж юри: доцент РГПУ им. А.И. Герцена
А. Логинов (председатель, СанктПетербург), засл. арт. РФ, директор
МХШ «Радость», Т. Жданова (Москва),
руководитель Ассоциации женских хоров
Эстонии Р. Тальмар (Эстония), руководитель концертных коллективов в Риге, член
совета «Европа Кантат» Г. Малевица (Латвия), руководитель мужского хора «Кантилена» А. Вробель (Польша), руккокодитель
хоровых коллективов в Германии
П. Брохин (Германия-Россия).
Заявки на участие в конкурсе подали
75 хоровых коллективов и ансамблей
из Москвы, Санкт-Петербурга, Пскова, Старой Руссы, Соликамска (Пермский край),
Воронежа, Петрозаводска, Зеленоградска
(Калиниградская обл), ДМШ Медвежьегорска (Карелия), Заокья (Тульская обл.),
Великих Лук, Гатчины и Гатчинского района (Ленинградская обл.), Астаны (Казахстан), Аугсбурга (Германия).
Количество участников — около
2000 человек.
 ЛАУРЕАТЫ:
Средние и младшие хоры и ансамбли
(7 – 12 лет)
Категория Б (общие хоры ДМШ и ДШИ)
Диплом II степени — Младший хоровой
коллектив1-3 кл. (общий хор) СанктПетербург, ДМШ №34; Ансамбль 3-4 кл.,
Санкт-Петербург, ДМШ №34; Младший хоровой коллектив (общий хор), Колпинский
р-н, Санкт-Петербург, ГОУ ДОД ДШИ
им. П.И. Чайковского; Хор 2-3 классов,
Петродворец, ДМШ № 17 им. А. Рубинштейна.
Диплом III степени — Младший хор 1-4 кл.
Коммунаровской школы искусств (1-4 кл.),
Коммунар, ДШИ; Младший хор (общий
хор), Гатчина, ДМШ им. М.М. ИпполитоваИванова.
Диплом лучшему концертмейстеру —
А.В. Толоконина, Коммунар, ДШИ.
Диплом за лучшее исполнение
народной песни — Младший хор,
Гатчина, ДМШ им. М.М. ИпполитоваИванова.
Диплом лучшему солисту — В. Кармышев,
Санкт-Петербург, ДМШ №34.
Диплом за исполнение знаменного распева — хор 2-3 кл., Петродворец, ДМШ
№ 17 им. А. Рубинштейна.
Старшие хоры и ансамбли
Категория Б (общие хоры ДМШ и ДШИ)
Диплом I степени — старший
общешкольный хор, Санкт-Петербург,
ДШИ им. В. Гаврилина; хор «Фреско»,
Казахстан, Астана, ДМШ №2.
Диплом II степени — хор «Родничок»,
Пермский край, Чайковская ДМШ №2;
ансамбль-дуэт: Т. Балабанова,
Г. Глазырина, Пермский Край, Чайковская
ДМШ №2; хор «Глория», Зеленоградск,
Калиниградская обл., ДМШ.
Диплом III степени — хоровой ансамбль
«Родники», Воронеж, ДШИ №1;
Концертный хор школы искусств,
Старая Русса, ДШИ; Ансамбль «Фантазия»,
Колпинский р-н, Санкт-Петербург,
Диплом III степени — Хор старших
классов, Петрозаводск, ДМШ им. Г.В. Свиридова.
Диплом III степени — Старший хор, Гатчина, ДМШ им. Ипполитова-Иванова.
Диплом за лучшее исполнение казахской
народной песни — Старший хор «Фреско»
ДМШ №2, Казахстан, Астана.
Диплом лучшему концертмейстеру —
Е.Н. Поликина, Петрозаводск, ДМШ
им. Г.В. Свиридова.
Диплом лучшему солисту — Е. Брусова,
Отрадное, ДШИ.
Диплом лучшему солисту — А. Деткова,
Отрадное, ДШИ.
Диплом за яркую разнохарактерную программу — Старший общешкольный хор,
Санкт-Петербург, ДШИ им. В. Гаврилина.
Старшие хоры и ансамбли
Категория А (хоровые школы, хоровые
отделения ДМШ и ДШИ)
Диплом I степени — хор «Гармония»,
Гатчина, ДМШ им. Ипполитова-Иванова.
Диплом II степени — Хор «Концерт», ДШИ
им. С.И. Мамонтова, Концертный хор «Виват» Москвы ДМШ им. Д.Д. Шостаковича,
Ансамбль 6-7 кл. «Гармония», Гатчина,
ДМШ им. Ипполитова-Иванова.
Диплом III степени — ансамбль «SANСTA»,
школа им. П.А. Серебрякова; ансамбль
4-5 кл. «Гармония», Гатчина, ДМШ им. Ипполитова-Иванова, ансамбль 7-8 кл.,
Псков, ДМШ № 2 им. М. Мусоргского; старший хор, ДШИ им. Е.А. Мравинского.
Диплом за лучшее исполнение народной
песни — Ансамбль 6-7 кл. хора «Гармония»
хорового отдела ДМШ им. ИпполитоваИванова, г. Гатчина
Диплом за яркую разнохарактерную программу — хор «Виват», Москва, ДМШ им.
Д.Д. Шостаковича; старший хор «Гармония»,
Гатчина, ДМШ им. Ипполитова-Иванова.
2-й этап конкурса.
Младшие и средние хоры и ансамбли
Категории Б и А
Диплом I степени — ансамбль 3 класса из
хора «Гармония» — «Русская песня», Гатчина, ДМШ им. М.М. Ипполитова-Иванова;
средний ансамбль хора «Гармония»; младший концертный хор, Медвежьегорск,
ДМШ.
Диплом II степени — ансамбль младшего
хора, ДМШ, Сертоловск.
Диплом III степени — кандидатский хор
«Балтика», Сосновый Бор, Ленинградская
обл.; хор 1 класса хорового отделения
ДШИ им. М.И. Глинки, Санкт-Петербург;
средний хор ДМШ №38, Санкт-Петербург;
младший вокальный ансамбль и младший
хор Детской хоровой капеллы, Новгород;
хор Дворца детского (юношеского) творчества им. Л. Голикова, Великие Луки;
Детский хор ДМШ №1 им. М. Мусоргского; хор младших кл., Псков, ДМШ №2;
средний хор «Апрель», Гатчина, школа
№8; Старший хор, Лодейное Поле, Лодейнопольский детский центр эстетического
развития.
Диплом за лучшее исполнение произведение современного композитора —
средний хор «Гармония», Гатчина,
ДМШ им. Ипполитова-Иванова.
Диплом за лучшее исполнение народной
песни — ансамбль 3 класса «Русская
песня» из хора «Гармония», Гатчина, ДМШ
им. Ипполитова-Иванова.
Конкурс детско-юношеских хоров
и ансамблей
Диплом I степени — хор «Аугустана»,
Германия, Аугсбург.
Диплом I степени — хор «Радость»,
Москва, Музыкально-хоровая школа
«Радость».
Диплом II степени — хор «Вдохновение»
ДМШ № 96, Москва; хор «Камерата», ДШИ
им. С.И. Мамонтова, Москва; камерный хор
выпускников ДМШ №1 им. С.С. Прокофьева, Москва.
Диплом за лучшее исполнение произведения современного композитора —
хор «Аугустана», Германия, Аугсбург
Диплом лучшему солисту — Б. Шульман,
Гатчина, школа №8, «Центр образования».
Диплом лучшему дирижеру —
Т.А. Жданова, руководитель хора «Радость», Москва

полная информация о конкурсах на сайте Ассоциации музыкальных конкурсов России: www.music-competitions.ru
34
конкурсы: итоги
музыкальное обозрение | №5(341). 2012
IV Всероссийский открытый конкурс баянистов и аккордеонистов «Югория-2012»
4 – 9 апреля 2012, Сургут
Бюджет конкурса — 2 300 000 руб.,
премиальный фонд — более 800 000 руб.
С 2008 конкурс «Югория» входит в Ассоциацию музыкальных конкурсов России.
 У чредители и организаторы:
Департамент культуры ХМАО-Югры,
Департамент культуры, молодежной политики и спорта администрации г. Сургута,
Сургутский музыкальный колледж, при поддержке Министерства культуры РФ.
Генеральный информационный партнер:
телекомпания «СургутИнформТВ».
Информационные партнеры: газета
«Музыкальное обозрение», газета «Новый
город», ЗАО ТРК «Сургутинтерновости».
Партнеры конкурса: Ассоциация музыкальных конкурсов России, «Банк Зенит».
ОАО «Лукойл», ОАО «ТНК-ВР», «Сургутская
филармония», БУ «Сургутский музыкальнодраматический театр».
Председатель Оргкомитета — А. Кармазин,
директор Департамента культуры ХМАОЮгры.
Место проведения — Сургутский музыкальный колледж.
Приветствия в адрес конкурса направили
зам. министра культуры РФ П. Хорошилов,
губернатор ХМАО-Югры Н. Комарова,
Глава города Сургута Д. Попов, Директор
Департамента культуры ХМАО-Югры
А. Кармазин, главный редактор газеты «Музыкальное обозрение», председатель Совета
Ассоциации музыкальных конкурсов России
А. Устинов.
Конкурс «Югория» — одно из важнейших
музыкальных и культурных событий
г. Сургута и ХМАО-Югры. Он проводится
с 2001; с 2004 — один раз в 4 года. Особое
внимание конкурсу уделяют руководители
культуры г. Сургута (Я. Черняк, вице-мэр, курирующий вопросы культуры; А. Литвин, начальник Управления культуры Департамента
культуры, молодежной политики и спорта),
дирекция Сургутского музыкального колледжа (с 2011 его возглавляет Л. Яруллина).
 Ж юри: В. Семенов — нар. арт. РФ,
проф. РАМ им. Гнесиных (председатель);
З. Алешина — проф., засл. арт. РФ (ХантыМансийск); Л. Куракин — засл. учитель РФ
(Москва); М. Патарини — директор
фабрики аккордеонов «SCANDALLI»
(Кастельфидардо, Италия); А. Романов —
доцент Новосибирской консерватории;
А. Селиванов — ст. преп. РАМ им. Гнесиных; О. Шаров — засл. арт. РФ, проф.,
зав. кафедрой баяна и аккордеона СанктПетербургской консерватории; Ю. Шишкин — засл. арт. РФ (Ростов-на-Дону).
С каждым разом конкурс становится
все более представительным. В 2012 было
подано 58 заявок на участие по трем
номинациям: «Солисты — академическое
направление» (4 возрастные категории),
«Ансамбли» с количеством участников
до 5 человек (2 возрастные категории)
и — впервые — «Солисты — исполнители
на электронных инструментах». В конкурсе приняли участие 47 человек (некоторые участники выступили и как солисты,
и в составе ансамблей) из 19 городов
и поселков России, а также из Казахстана
и Великобритании. Самому младшему
участнику на момент начала конкурса
было 8 лет, самому старшему — 31.
Высокий творческий уровень конкурса
«Югория» обеспечивает представительное
жюри, которое бессменно возглавляет
профессор РАМ им. Гнесиных, один
из инициаторов проведения конкурса
В. Семенов. Среди лауреатов конкурса
разных лет — такие известные мастера,
как Ю. Медяник, А. Селиванов
(член жюри «Югории»-2012), А. Пересидлый, Э. Аханов,
А. Листунов, О. Ивашина, Р. Валеев и другие. О престиже «Югории» говорит и тот
факт, что конкурс вошел во Всероссийскую систему отбора исполнителей
на баяне и аккордеоне «Чемпион России
— Чемпион мира» для участия в крупнейших международных конкурсах «Кубок
мира 2012» и «Трофей мира 2012», включающую крупнейшие всероссийские и ряд
международных конкурсов баянистов и
аккордеонистов.
 ЛАУРЕАТЫ:
Гран-при (55 000 руб.) — С. Малышев
(Волгодонск), номинация «Солисты — исполнители на электронных инструментах»
Номинация «Солисты — академическое
направление»:
Категория № 1 (до 12 лет)
I степень — П. Яриненко (Краснодар,
преп. Бойченко Т.Л.)
II степень — Н. Войтенко (Сургут,
преп. Крылова С.В.), К. Десяткова (Сургут,
преп. Тиунова С.В.)
III степень — С. Патраков (Ханты-Мансийск,
преп. Мурзакова Н.С.), И. Батвинов
(пгт. Высокий, преп. Денькова З.Ф.)
Категория № 4 (19 – 25 лет)
I степень — В. Кондратенко (Москва,
преп. Семенов В.А.), А. Нефедов
(Москва, преп. Селиванов А.В.)
II степень — Л. Лавров (Москва,
преп. Семенов В.А.), А. Веретенников
(Москва, преп. Селиванов А.В.)
III степень — И. Овчинников (Москва,
преп. Селиванов А.В.), П. Чернейкин
(Санкт-Петербург, преп. Шаров О.М.)
Номинация «Ансамбли»
Категория № 5 (до 15 лет)
II степень — дуэт К. Десяткова,
Н. Войтенко (Сургут, преп. Тиунова С.В.);
трио К. Десяткова, Н. Войтенко,
А. Брюзгина (Сургут, преп. Тиунова С.В.)
III степень — трио Д. Коптелов,
А. Жикулин, С. Аксенов (пгт. Уренгой,
преп. Балабаева С.З.)
Категория № 6 (16 – 25 лет)
I степень — К. Тарабрина, А. Веретенников
(Москва, преп. Семенов В.А.)
III степень — А. Павлов, И. Гурский
(Новосибирск)
Номинация «Солисты — исполнители
на электронных инструментах»
Категория № 7 (до 32 лет)
Категория № 2 (13 – 15 лет)
I степени — Д. Коптелов (пгт. Уренгой,
преп. Балабаева С.З.)
II степени — И. Данилов (п. Белый Яр,
преп. Бедрик М.А.)
III степени — А. Рыбочкина (п. Губкинский,
преп. Чобан С.П.)
I степень — Т. Хардейкер (Великобритания,
преп. Шаров О.М.)
Категория № 3 (16 – 18 лет)
II степень — Т. Самороков (Ханты-Мансийск,
преп. Алешина З.И.), А. Мыкитенко (Димитровград, преп. Зевахин С.И.),
И. Савина (Москва, преп. Бобышева В.А.)
III степень — А. Матвейчук (Сургут, преподаватель Жмаев А.Б.)
Специальный приз от «Банка Зенит» (сертификат на денежную сумму) — С. Малышев.
Призы от Творческой школы «Мастер
класс»: рекомендация на участие
в международном конкурсе
аккордеонистов «Кубок мира 2012
в США — А. Нефедов;
рекомендация на участие в международном конкурсе баянистов и аккордеонистов
«Трофей мира 2012» в Италии — В. Кондратенко.
Четко и оперативно работал пресс-центр,
который возглавляла представитель Департамента культуры, молодежной политики и спорта Администрации г. Сургута
К. Токтонова. В составе пресс-центра —
преподаватели, сотрудники и студенты
Сургутского музыкального колледжа.
По традиции, насыщенной была концертная программа в рамках конкурса. В концерте-открытии на сцене Органного зала
Сургутского музыкального колледжа приняли участие члены жюри конкурса В. Семенов, З. Алешина, О. Шаров, трио в составе В. Семенов, А. Селиванов, М. Патарини. Их выступления сопровождал камерный оркестр русских народных
инструментов Сургутской филармонии
«Былина» (худ. рук. Е. Сигута, дирижер
Ю. Рябцева). 7 апреля состоялся концерт
молодых исполнителей: дуэта баянистов
О. Ивашина – Е.Листунов (лауреаты
II конкурса «Югория») и студента IV курса
Санкт-Петербургского музыкального колледжа им. Н.А. Римского-Корсакова А. Коломийцева. К сожалению, из-за недомогания Ю. Шишкина не состоялся его сольный
концерт.
Торжественное закрытие, церемония
награждения и гала-концерт лауреатов
конкурса прошли 9 апреля в Концертном
зале Сургутского музыкально-драматического театра. Участников и гостей конкурса приветствовал вице-мэр Сургута
Я. Черняк.
Конкурс «Югория», как всегда, привлек
внимание местных СМИ. Сюжеты и материалы о конкурсе прошли по телеканалам
«СургутинформТВ», «Югра-ТВ», «Сургутинтерновости», звучали по радио, публиковались в газетах «Новый город», «Сургутская
трибуна», «Сургутские ведомости».

Павел Райгородский
фото И. Мутуль
конкурсы: условия
Национальный конкурс «Российская жемчужина»
(Euro Pop Contest «Russian Pearl»). 30 августа – 3 сентября 2012, Москва
ОрганизаторЫ: АНО «Центр развития талантов “Звездный мир”» (Москва,
Россия); MTV Berlin e.V, «Lieder Leis» Musik
Produktion (Берлин, Германия).
Идея и авторские права Европейского телевизионного конкурса исполнителей популярной песни Euro Pop Contest «Berliner
Perle», национального и региональных отборочных туров принадлежат «Lieder Leis»
Musik Produktion (Берлин) и лично продюсеру и музыканту, директору конкурса, гражданину Германии г-ну Виктору Лейсу.
Конкурс Euro Pop Contest «Berliner Perle»
проходит в три этапа:
I этап: Региональные отборочные туры
(в течение января – июня 2012). Один
исполнитель имеет право принять участие
в одном или нескольких Региональных
отборочных турах в Санкт–Петербурге,
Екатеринбурге, Кемерово, Москве.
II этап: Национальный конкурс Euro Pop
Contest «Russian Pearl» (30 августа –
3 сентября 2012, Москва).
Гарантированное право участия в Национальном конкурсе получают лауреаты
I степени — победители Региональных отборочных туров; лауреаты II и III степени,
дипломанты (4-е и 5-е место) в каждой возрастной группе — по решению жюри.
III этап (международный финал): Европейский конкурс Euro Pop Contest «Berliner Perle»
(22 – 26 ноября 2012, Германия, Берлин).
Победители Национального конкурса,
занявшие 1-е, 2-е и 3-е места в каждой возрастной группе, получают гарантированное
право принять участие в Европейском конкурсе Euro Pop Contest «Berliner Perle».

У частники
В конкурсе могут принять участие солисты,
вокальные группы (дуэты, трио), ансамбли (до 9 человек включительно). Солисты,
вокальные группы и ансамбли объединены в одну номинацию.
Возрастные группы: I — 10 – 13 лет включительно; II — 14 – 17 лет включительно;
III — 18 – 24 года включительно (в ансамбле или вокальной группе для определения
возрастной группы определяющим является возраст старшего участника).
Возраст участников, а также возрастная
группа определяются на момент участия
претендента в Национальном конкурсе. Если
с момента проведения Региональных отборочных туров к Национальному конкурсу
у участника изменяется возраст, то он переходит в следующую возрастную группу.
Программа
Участник исполняет:
1) песню российских авторов на русском

Московский конкурс
исполнителей эстрадной песни
«Московская жемчужина»
28 – 29 августа 2012, Москва
языке или свою (оригинальную) песню
на любом языке;
2) мировой хит на языке оригинала.
Конкурсная программа может повторяться
в Региональных отборочных турах, Национальном и Европейском конкурсах.
 Ж юри:
Жюри конкурса формируется Оргкомитетом
из известных деятелей эстрадного искусства и шоу-бизнеса, представителей звукозаписывающих компаний и обнародуется
на сайте за 10 дней до начала конкурса.
n Всем участникам, рекомендованным к участию в Национальном конкурсе по итогам
Региональных отборочных туров в Санкт–Петербурге, Екатеринбурге и Кемерово,
необходимо не позднее 15 июля 2012 выслать на электронный адрес Оргкомитета
mail@zvezdnyi-mir.ru: фотографию; заявку на участие с конкурсной программой; подписанный односторонний договор; фонограмму «минус один» на playback@zvezdnyi-mir.ru.
Участникам, рекомендованным к участию в Национальном конкурсе, необходимо иметь
заграничные паспорта.
n Замена репертуара возможна до 31 июля 2012. Бланк анкеты-заявки можно получить
по e-mail: mail@zvezdniy-mir.ru, либо на официальном сайте www.zvezdnyi-mir.ru.
n Подробная информация на сайтах www.zvezdnyi-mir.ru, www.звездный-мир.рф
n Контактная информация: АНО «Центр развития талантов “Звездный мир”»:
107076, Москва, Колодезный переулок, д.14, оф. 608. Тел./факс: +7 (495) 505-18-12;
+7 (963) 612-70-04. Электронная почта: mail@zvezdniy-mir.ru

Организатор: АНО «Центр развития
талантов “Звездный мир”»
конкурса Euro Pop Contest «Russian
Pearl».
Конкурс является Региональным
отборочным этапом Европейского
телевизионного конкурса юных исполнителей популярной эстрадной песни
Euro Pop Contest «Berliner Perle»
(22 – 26 ноября 2012, Германия, Берлин)
и Национального конкурса Euro Pop
Contest «Russian Pearl», который
пройдет с 30 августа по 3 сентября 2012
в Москве.
Участник конкурса «Московская
жемчужина» исполняет:
1) песню российских авторов
на русском языке или свою
(оригинальную) песню на любом
языке;
2) мировой хит на языке оригинала.
Лауреаты I степени — победители
конкурса «Московская жемчужина» —
получают гарантированное право
участия в Национальном конкурсе;
лауреаты II и III степени, дипломанты
(4-е и 5-е место) в каждой возрастной
группе — по решению жюри.
Положение о конкурсе, его финансовые
и прочие условия соответствуют
Положению и условиям Национального
З аявку на участие в конкурсе необходимо представить в оргкомитет по электронn ной почте не позднее 23 августа 2012.
Вместе с заявкой направляются:
n — ксерокопия свидетельства о рождении (оригинал представляется во время регистрации);
— фотография в электронном виде (JPG – разрешение 300dpi) — портрет солиста,
фото коллектива;
— данные заграничных паспортов (собственных и руководителей);
— фонограмма в формате MP3 на playback@zvezdnyi-mir.ru.
Замена репертуара возможна до 25 августа 2012.
n Контакты Оргкомитета Регионального отборочного тура (г. Москва)
АНО «Центр развития талантов «Звездный мир»: 107076, Москва, Колодезный
переулок, д.14, оф. 608. Тел./факс: +7 (963) 612-70-04
Официальный сайт: www.zvezdnyi-mir.ru,www.звездный-мир.рф
Электронная почта: mail@zvezdnyi-mir.ru

полная информация о конкурсах на сайте Ассоциации музыкальных конкурсов России: www.music-competitions.ru
Издание осуществлено при финансовой поддержке
Министерства культуры РФ
III Всероссийский открытый конкурс композиторов
на создание симфонической музыки для детей «Петя и волк-2012»
информационные партнеры
Сентябрь 2012, Екатеринбург
Организатор: Свердловская
государственная академическая филармония при поддержке Министерства
культуры и туризма Свердловской
области
Ж юри: художественный руководитель и главный дирижер Уральского
академического филармонического оркестра, народный артист РФ Д. Лисс
(председатель);
Состав жюри конкурса формируется
Организационным комитетом конкурса
(далее – Оргкомитет) из числа видных
деятелей музыкальной культуры России, композиторов, дирижеров, музыковедов.
Жюри имеет право присуждать специальные призы, присуждать не все дипломы и призы.
При решении вопросов, касающихся
компетенции жюри, его председатель
имеет право дополнительного голоса.
Условия
На конкурс представляются оригинальные сочинения, написанные для детской аудитории, длительностью не более 15 минут, не исполнявшиеся ранее
в публичных концертах, не изданные
издательствами и не получавшие призов на других конкурсах. Авторы могут
представить для рассмотрения жюри
не одно произведение.
Состав оркестра: от малого
симфонического до тройного с видовыми
инструментами. Возможна партия
 чтеца. Не предусмотрено участие певцов и хора.
К рассмотрению принимаются сочинения, написанные в самых различных
стилях.
Конкурс проводится анонимно.
Конкурс проводится в Екатеринбурге
в два тура.
К первому туру допускаются произведения, соответствующие условиям конкурса.
Прием заявок на участие в I туре —
до 31 августа 2012.
Первый тур (рассмотрение заявок и отбор на второй тур) завершится 10 сентября 2012, после чего жюри определит не более пяти произведений для
участия во втором туре конкурса. Результаты первого тура будут опубликованы на сайтах Свердловской филармонии www.sgaf.ru и www.sgafest.ru.
Все финалисты получат письмо-уведомление от Оргкомитета по электронной почте.
Второй (заключительный) тур, подведение итогов конкурса и вручение призов авторам лучших сочинений пройдут 23 сентября 2012 в Большом зале
Свердловской филармонии.
Произведения, допущенные к участию
во II туре, будут исполнены Уральским
академическим филармоническим
оркестром в концерте.
Финалистам конкурса присваиваются
звания лауреатов или дипломантов
конкурса.
Распределение призовых мест проводится после II тура по результатам
прослушивания сочинений авторов.
Призами конкурса является заключение
авторских договоров с композиторами
— участниками на сумму, определенную условиями конкурса.
Первый приз — авторский договор
с композитором — участником второго
тура конкурса на сумму 90 тыс. руб.
и звание лауреата
Второй приз — авторский договор
с композитором — участником второго
тура конкурса на сумму 60 тыс. руб.
и звание лауреата
Третий приз — авторский договор
с композитором — участником второго
тура конкурса на сумму 30 тыс. руб.
и звание лауреата
Авторы, чьи сочинения прошли во II тур
конкурса, но не были удостоены призов, получают дипломы конкурса.
На конкурсе может быть учрежден Приз
слушательских симпатий.
Спонсоры, государственные и общественные организации, выступившие
соучредителями и партнерами конкурса, могут, по согласованию с Оргкомитетом, учреждать специальные призы
участникам.
Авторы — участники II тура конкурса
передают Свердловской филармонии
исключительные права на теле-, радиои/или интернеттрансляцию заключи-
тельного тура, равно как и все права
на его кино, видео- и/или аудиозапись,
в том числе на их дальнейшее распространение, без выплаты вознаграждения конкурсантам.
Порядок подачи документов
Конкурс проводится анонимно,
на присланных материалах должен
стоять девиз.
Присланный на конкурс нотный материал (партитуры и оркестровые голоса)
не возвращается.
В Оргкомитет направляются два конверта.
Конверт № 1 должен содержать:
— партитуру и оркестровые голоса на
CD (набор в компьютерных программах
Sibelius или Finale);
— партитуру и оркестровые голоса
в распечатанном виде;
— CD c демонстрационной записью сочинения (компьютер или фортепиано).
Конверт № 2 должен содержать:
— данные об авторе сочинения —
участнике конкурса;
— квитанцию об уплате вступительного
взноса в сумме 1000 руб. для граждан
России и 50 евро или 70 долларов США
для граждан других стран. На обоих
конвертах указывается только девиз.
Документы принимаются до 31 августа 2012 (по штемпелю пункта
n отправки на почтовых конвертах, либо по дате отправки по электронной почте)
по адресу: Россия, 620075, г. Екатеринбург, ул. К. Либкнехта 38-а,
Свердловская филармония, Оргкомитет конкурса «Петя и волк-2012».
Телефон: (343) 371 30 21, 371 17 05; факс: (343) 371 44 68;
e-mail: filarm@sgaf.ru
Дополнительная информация — на сайтах www.sgaf.ru и www.sgafest.ru
n 
VI Международный конкурс юных пианистов имени А.Д. Артоболевской
10 – 16 декабря 2012, Москва
У чредители: Министерство культуры РФ, Московская консерватория
им. П.И. Чайковского, ЦМШ при Московской консерватории, Музыкальный
фонд им. А.Д. Артоболевской, Международный благотворительный фонд
Юрия Розума, Методический кабинет
по учебным заведениям искусств и
культуры комитета по культуре правительства г. Москвы, ДМШ № 43
им. А.Д. Артоболевской, Ассоциация
музыкальных конкурсов России.
Анна Даниловна Артоболевская
(1905 – 1988) — пианистка, педагог,
засл. учитель РСФСР (1966). Ученица
В. Пухальского и М. Юдиной.
С 1930-х преподавала в музыкальных школах школ Ленинграда,
в 1943 – 1953 в Московской консерватории и Музыкальной школе
им. Гнесиных, с 1944 в ЦМШ
при Московской консерватории.
Выдающийся детский педагог, она
была автором многих работ по вопросам музыкального воспитания
и учебно-методических пособий,
сохраняющих свое значение
и в наши дни. Среди ее учеников —
Р. Тамаркина, А. Наседкин, А. Любимов и многие другие прославленные
мастера фортепианного искусства.
Первый конкурс им. А.Д. Артоболевской прошел в 1996 как московский городской конкурс, инициатором которого была музыкальная школа № 43 им.
А.Д. Артоболевской. Спустя три года во
Втором конкурсе участвовали уже около 200 пианистов из России, Украины
и Белоруссии, а впоследствии приобрел
статус Международного (с участием
пианистов из России, стран СНГ, Европы, Китая и Японии).
Ж юри: председатель — Президент
Музыкального Фонда им. А.Д. Артоболевской, нар. арт. России, проф. Московской консерватории Токийской
музыкальной академии Мусашина
А. Наседкин. В состав жюри конкурса
приглашены известные музыканты —
ученики А.Д. Артоболевской.
В конкурсе участвуют пианисты
из России, стран ближнего и дальнего
зарубежья) не старше 19 лет на момент
его закрытия (до 18 лет включительно).
Возрастные номинации конкурса:
1. Младшая группа — до 11 лет
включительно (2 тура);
2. Средняя группа — до 14 лет
включительно (2 тура);
3. Старшая группа — до 18 лет включительно (3 тура, III тур с оркестром).
Конкурс пройдет с 10 по 16 декабря
2012 в залах ЦМШ и Московской
консерватории.
П ремии
В каждой номинации учреждены три
премии. В старшей группе: I — 25 000
руб., II — 20 000 руб., III — 15 000 руб.
В средней группе: I — 20 000 руб.,
II — 15 000 руб., III — 10 000 руб.
В младшей группе: I — 15 000 руб.,
II — 10 000 руб., III — 5 000 руб.
Также решением жюри может быть присуждено Гран-при в размере
30 000 руб.
Конкурсанты, занявшие 4, 5 и 6 места,
получают дипломы конкурса.
Обладатели Гран-при, I, II и III премией
должны безвозмездно участвовать
в концертах лауреатов.
Оргкомитет в течение трех лет
со дня окончания конкурса имеет
право задействовать лауреатов
в концертах в Москве, регионах России
и за рубежом.
З аявки на участие принимаются до 1 октября 2012.
n Участникам будет предоставлена возможность ежедневных репетиций.
n Финалистам старшей группы предоставляется одна репетиция с оркестром.
Вступительный взнос для российских участников — 2000 руб., для иностранn ных участников — 50 евро.
Документы направляются в Оргкомитет по электронной почте:
n f_artobolevskoy@mail.ru или по почтовому адресу: Россия, 115280, Москва,
Пересветов переулок, д.6, «Музыкальный фонд им. А.Д. Артоболевской».
Тел.: (495) 675-29-01, (903)799-35-57 (Огнева Елена Геннадьевна),
Факс: (495) 675-31-16.
Дополнительная информация по тел./факс: (495) 447-59-84, по эл. почте
n yubogdanov@yandex.ru (Богданов Юрий Александрович) и на сайте АМКР:
www.music-competitions.ru

VIII Московский международный конкурс юных пианистов
имени Фредерика Шопена. 14 – 21 сентября 2012, Москва (к 20-летию основания конкурса)
Учредители: Общество им. Фредерика Шопена в Москве, АНО культуры
«Международный конкурс юных пианистов имени Фредерика Шопена»,
Правительство Москвы, при поддержке
Министерства культуры РФ.
Председатель Оргкомитета — С. Бэлза.
Художественный руководитель —
35
конкурсы: условия
музыкальное обозрение | №5(341). 2012
генеральный директор —
М. Александров.
Ж юри: М. Воскресенский (председатель), М. Александров, Ю. Слесарев
(все — Россия), Ю. Гильдюк (Беларусь),
Янг Сук Ли (Южная Корея), А. Маликова
(Германия), Э. Осиньска (Польша),
К. Янг (Малайзия).
В конкурсе могут участвовать пианисты, родившиеся после 21 сентября
1995. В конкурсную программу входят
только произведения Ф. Шопена.
Вступительный взнос — $ 100 (оплачивается по прибытии на конкурс).
Конкурс состоит из трех туров
и финала, который проходит в сопровождении симфонического оркестра. Отбор
участников I тура производится по присланным видеозаписям. К I туру будет
допущено не более 30 участников, ко
II туру — не более 15, к III туру — не более
шести, к финалу — не более трех.
Премии: I — $ 5 000; II — $ 3 000;
III — $ 2 000;
три премии по $ 1000 и звание дипло-
манта — участникам III тура,
не прошедшим в финал;
шесть премий по $ 500 и почетные
грамоты за успешное участие
в двух турах конкурса.
Специальные премии: «За лучшее
исполнение полонеза», «За лучшее
исполнение миниатюр (прелюдий,
мазурок и вальса)», «За лучшее исполнение концерта» по $ 500 каждая.
Документы для участия и видеозаписи необходимо выслать в Оргкомитет
до 1 июля 2012.
Подробная информация — на сайте www.chopin-competition.com.

Министерства, Департаменты культуры:
Министерство культуры Астраханской области
Управление культуры Белгородской области
Министерство культуры Республики Татарстан
Театры:
Астраханский театр оперы и балета  Театр оперы и балета
Республики Башкортостан  Екатеринбургский театр оперы
и балета  Театр оперы и балета Республики Коми 
Московский театр «Новая опера» им. Е.В. Колобова  Московский академический камерный музыкальный театр им. Б.А. Покровского  Нижегородский государственный академический
театр оперы и балета имени А.С. Пушкина  Новосибирский
государственный академический театр оперы и балета 
Омский государственный музыкальный театр  Ростовский
государственный музыкальный театр  Самарский академический театр оперы и балета  Саратовский академический
театр оперы и балета  Государственный театр оперы и балета
Республики Саха (Якутия)
Концертные организации:
Государственная филармония Алтайского края  Астраханская
государственная филармония им. М.П. Максаковой 
Белгородская государственная филармония  Вологодская
филармония им. В.А. Гаврилина  Волгоградская филармония
 Воронежская государственная филармония  Иркутская
областная филармония  Федеральная филармония на Кавказских Минеральных Водах  Краснодарское творческое
объединение «Премьера» им. Л.Г. Гатова  Красноярская краевая филармония  Курская областная государственная филармония  Липецкая областная филармония  Московская
государственная академическая филармония  Мурманская
областная филармония  Нижегородская государственная
академическая филармония им. Мстислава Ростроповича 
Новосибирская государственная филармония  Омская филармония  Пермская краевая филармония  Псковская областная филармония  Самарская государственная филармония 
Санкт-Петербургская академическая филармония им. Д.Д. Шостаковича  Свердловская академическая филармония 
Сочинская филармония  Сургутская филармония  Тольяттинская филармония  Тюменская филармония  Хабаровская
краевая филармония  Челябинское концертное объединение
 Государственная филармония Республики Саха
(Якутия)  Ярославская государственная филармония
Учебные заведения:
Астраханская государственная консерватория (академия) 
Волгоградский институт искусств им. П.А. Серебрякова  Воронежская академия искусств  Дальневосточная государственная академия искусств  Калининградский областной музыкальный колледж им. С.В. Рахманинова  Магнитогорская
государственная консерватория им. М.И. Глинки  Москва:
Московская государственная консерватория им. П.И. Чайковского  Центральная музыкальная школа при МГК им. П.И. Чайковского  Российская академия музыки им. Гнесиных 
Московский музыкально-педагогический институт им. М.М. Ипполитова-Иванова  Московский государственный институт
музыки им. А.Г. Шнитке  Академия хорового искусства
им. В.С. Попова  Нижегородская консерватория им. М.И. Глинки  Новосибирский средний специальный музыкальный колледж-лицей  Новосибирская консерватория (академия)
им. М.И. Глинки  Петрозаводская консерватория (академия)
им. А.К. Глазунова  Ростовская консерватория (академия)
им. С.В. Рахманинова  Санкт-Петербургская государственная
консерватория им. Н.А. Римского-Корсакова  Саратовская государственная консерватория им. Л.В. Собинова  Свердловский мужской хоровой колледж  Северо-Кавказский институт
искусств  Тольяттинский институт искусств  Уральская государственная консерватория им. М.П. Мусоргского  Уфимская
государственная академия искусств имени Загира Исмагилова
 Челябинская государственная академия культуры и искусства
Творческие коллективы:
Алтайский оркестр русских народных инструментов «Сибирь»
им. Е.И. Борисова  Государственная академическая симфоническая капелла России  Государственный симфонический оркестр Республики Татарстан  Государственный академический
русский хор им. А.В. Свешникова  Дубненский симфонический
оркестр  Московский симфонический оркестр п/у Д. Орлова 
Российский государственный музыкальный центр  Симфонический оркестр «Москвы «Русская филармония»
Издательства:
Издательство «Композитор — Санкт-Петербург»
Творческие союзы:
Союз композиторов России
музыкальное обозрение
Свидетельство ПИ № ФС 77-29038
Газета выходит с 1989 года. Учреждена в 1990 году
главный редактор Андрей Устинов
Заместитель главного редактора
Павел Райгородский
Над номером работали
Екатерина Беляева, Роман Берченко, Анна Виноградова,
Людмила Воронкова, Мария Зуева, Екатерина Ключникова,
Дмитрий Лилеев, Полина Стрельник,
Надежда Тетерина, Нино Хасиева
Корректор — Антонина Титова
Логотип и фирменный стиль — Татьяна Ян
Художник номера, верстка — Полина Любарова
АДРЕС РЕДАКЦИИ
125047, Москва, ул. Чаянова, д. 10
Тел. : +7 (495) 927–02–54, +7 (499) 250–58–17
Факс: +7 (499) 251–69–47
muzobozrenie@mail.ru
www.muzobozrenie.ru
Перепечатка допускается по согласованию с редакцией,
ссылка на «Музыкальное обозрение» обязательна
Отпечатано в в типографии
ОАО «ИД Красная звезда».123007 Москва,
Хорошевское шоссе, д. 38 www.redstarph.ru
Объем 9 п. л.
Заказ № 2244
Подписано в печать 13.04.2012
Распространение – Агентство «ООО Книга-Сервис»
Индексы: 50070, 26133
36
Steinway — всегда праздник
C
основанием в 2005 в России
эксклюзивного представительства компании
Steinway&Sons, процедура
приобретения инструментов
Steinway в нашей стране значительно
упростилась, они стали гораздо доступнее. За эти годы новые инструменты появились в Большом театре, Московской
филармонии, Государственной академической капелле Санкт-Петербурга,
во многих региональных вузах, колледжах, филармониях, театрах, музыкальных школах и школах искусств.
Приобретение инструмента каждый
раз становится событием: проходит
презентация, мастер-классы для настройщиков, которые проводит специалист фирмы, окончивший академию
Steinway и имеющий сертификат настройщика международной категории.
Презентация фортепиано Boston, Essex
в ЦМШ при Московской консерватории
сопровождалась мастер-классом настройщика гамбургской фабрики
Steinway&Sons Я. Кителя. Гостям презентаций предоставляется возможность
посмотреть уникальный архивный
фильм об истории дома Steinway (США).
В этой ленте собраны редчайшие кадры:
как выбирает рояль Артур Рубинштейн,
как инструменты доставляются владельцу на слонах и рикшах или как 16 роялей
Steinway грузят на «Титаник»…
Кульминацией презентации становится концерт с участием известного исполнителя. Так «артист Стейнвей» В. Овчинников выступал на презентации рояля в Башкирской филармонии в декабре 2005, а также представил публике
уникальный инструмент «Tricentennial»
в зале московского представительства
Steinway&Sons. Рояль для Самарской
филармонии выбирал «артист Стейнвей» В. Крайнев, он же выступал на презентации инструмента и одновременно
открытии Дома музыки в Калуге (2006).
Б. Березовский принимал участие
в презентации в Костромской филармонии (2009), а в канун открытия
памятнику «артисту Стейнвей»
С.В. Рахманинову в Великом Новгороде
(см. № 2, 2012) он представил новый
рояль в центре «Диалог» в присутствии
правнучки композитора.
А. Гиндин был приглашен для презентации нового рояля Steinway во владимирском Зале классической музыки (январь 2008). Он же выбирал и презентовал
рояль нового Концертного зала Омской
филармонии в 2011. В Кировской филармонии на презентации играл А. Набиуллин (ноябрь 2008), отметивший, что
«Steinway принципиально отличается по
конструкции от аналогичной продукции
других производителей. Можно сказать,
что это корпус скрипки с клавиатурой,
может быть, даже сложнее и тоньше.
Играть на нем — огромное удовольствие».
Д. Мацуев представил новые инструменты в Ставропольской, Псковской
филармониях (во время прошлогоднего
фестиваля «Crescendo»), Государственной филармонии Кузбасса и два —
в Свердловской филармонии. По его
словам, «приобретение такого инструмента, как Steinway, говорит об уровне
культуры власти в регионе». На презентации рояля в Курской областной
филармонии выступила Е. Мечетина
(март 2009). В Астраханской (декабрь
2008) и Брянской (сентябрь 2010) филармониях, а также в марте 2011 в Капелле Санкт-Петербурга — Н. Петров.
Крупным событием стала презентация
рояля «Аристократ концертной сцены»
в Санкт-Петербургской консерватории в рамках VIII фестиваля «Международная неделя консерваторий», организованного, в том числе, при поддержке
российского представительства
Steinway&Sons. В концерте приняли
участие Д. Башкиров, П. Егоров,
М. Култышев и другие известные пианисты. Ю. Розум играл в зале российского представительства на концерте-презентации эксклюзивного рояля
«Ellipse»(единственном в мире) из серии
«Art Case» (это самые дорогие рояли
в мире, которые создавались по эскизам
К. Лагерфельда, Д. Джексон, А. Гертца,
Т. Ханта), а также презентовал рояль,
приобретенный для Симфонического
оркестра Министерства обороны РФ.
И. Баринова, коммерческий директор
представительства Steinway&Sons в России: «Приобретение нового Steinway повышает статус любого зала, любой музыкальной организации. Для нас очень
важно, когда инструменты Steinway покупают учебные заведения, готовящие
будущих профессионалов, лауреатов.
В любом вузе, колледже и даже музыкальной школе, где есть сильный фортепианный отдел, должен быть хотя бы
один инструмент Steinway, чтобы те молодые пианисты, которые выезжают за
рубеж на конкурсы или концерты, имели
возможность готовиться на этом инструменте. Ведь в 97% концертных залов
мира стоят рояли Steinway.
В 2011 презентации роялей Steinway
состоялись в Капелле Санкт-Петербурга,
в Омской, Калужской, Курской, Псковской, Ставропольской филармониях,
филармонии Кузбасса, в Иркутске —
в музыкальном театре и в Доме музыки
Дениса Мацуева… Если нет возможности
пригласить именитого исполнителя,
концерт проводят собственными силами
педагоги и выпускники учебных заведений, артисты филармоний и театров.
Яркая презентация состоялась в Перми
в октябре 2009, в зале ДК им. А. Солдатова, где участвовали воспитанники хореографического колледжа, танцевавшие
под музыку «Лебединого озера». Это
было символично: одна из первых презентаций рояля Steinway — на открытии
Carnegie Hall в 1891 — проходила при участии П.И. Чайковского».

Мария Зуева
Официальный представитель Steinway&Sons в России
ООО «СТАРТ-ВЕСТ-94» — STEINWAY & SONS, BOSTON, ESSEX
121170, Москва, Кутузовский пр-т., д. 41, стр. 1.
Тел. /факс: (495) 780-05-96, 763-49-88 е-mail: sw7800596@yandex.ru
Гамбург, Ронденбарг 10, Д 22525, Германия, тел. +4 (940) 85-39-11-07 www.steinwaysons.ru
Гарантия завода – изготовителя, выбор концертных роялей Д-274 на фабрике
III Международный конкурс скрипачей имени Ю.И. Янкелевича. 1 – 10 марта 2013, Омск
 У чредител ь: Министерство культуры Омской области
 О рганизатор: Омская филармония.
Конкурс проводится в соответствии с распоряжением Губернатора Омской области
от 11 марта 2011 в рамках сотрудничества
с Международным Благотворительным
Фондом Владимира Спивакова.
Почетным президентом Конкурса является
В. Спиваков.
Руководит подготовкой Конкурса и осуществляет отбор кандидатов для участия в нем
Оргкомитет, состав которого утвержден распоряжением Губернатора Омской области.
Конкурс носит имя выдающегося скрипача
и педагога Юрия Исаевича Янкелевича
(1909 – 1973), в детстве и юности жившего
и учившегося в Омске. Окончил Московскую консерваторию и аспирантуру
у А.И. Ямпольского. Почти 40 лет (с 1934)
Янкелевич преподавал в Московской консерватории, Училище при консерватории
и ЦМШ. У него учились В. Третьяков,
В. Спиваков, Т. Гринденко, Н. Школьникова,
И. Бочкова, Д. Ситковецкий, Г. Жислин,
П. Коган, А. Брусиловский, В. Ланцман
и многие другие известные музыканты.
Международный конкурс им. Ю.И. Янкелевича впервые состоялся в год его столетия, в 2009, и проходит каждые два года.
У частники
Соревнование проводится в двух возрастных категориях: первая — до 16 лет
(родившиеся не ранее 2 марта 1997);
вторая — до 28 лет включительно (родившиеся в период со 2 марта 1984 по 1 марта 1997).
Участники допускаются к участию в Конкурсе после внесения ими организационного взноса (2 500 руб. для 1-й возрастной
категории, 5 000 руб. для 2-й). Средства,
полученные от взносов, используются
на организацию и проведение Конкурса.
 Ж юри: М. Копелман (США), проф. Истменовской школы музыки Рочестерского университета, нар. арт. РФ (председатель);
Б. Кушнир (Австрия – Россия), проф. Венской
консерватории и Венского университета
музыки (зам. председателя); И. Бочкова,
проф. Московской консерватории, нар. арт.
РФ; Э. Гаретти (Италия), проф. Консерватории
им. Н. Паганини; А. Муралев, засл. арт. РФ,
концертмейстер Омского академического
симфонического оркестра; А. Мусаходжаева
(Казахстан), ректор Казахского национального университета искусств, нар. арт. КазССР;
Е. Цукерман, первый концертмейстер Национального филармонического оркестра России,
засл. арт. РФ; В. Цю (Китай), проф. Центральной Пекинской консерватории.
Член жюри, являющийся преподавателем участника Конкурса, не имеет право
голоса при обсуждении этого участника
в отборочных турах.
Конкурс проводится в два тура
для 1-й возрастной категории (оба
в сопровождении фортепиано)
и в три тура для 2-й возрастной категории
(III тур с симфоническим оркестром).
К участию во II туре Конкурса для 2-й возрастной категории допускается не более
10 участников.
К участию в финальных турах Конкурса
допускается не более 6 участников
1-й возрастной категории; не более
5 участников 2-й возрастной категории.
Н аграды
По итогам Конкурса победителям вручаются дипломы лауреатов, памятные знаки
и премии:
для 1-й возрастной категории:
I место — 50 000 руб.; II место —
30 000 руб.; III место — 18 000 руб.;
для 2-й возрастной категории:
Главный приз — скрипка итальянского
мастера Г. Антониацци, изготовленная
в Милане в 1880, и 1 200 000 руб.;
I место — 500 000 руб.; II место –
280 000 руб.; III место – 180 000 руб.
Кроме того, в каждой возрастной категории жюри определяет по три участника,
которым вручаются стипендии:
для 1-й возрастной категории —
по 7 000 руб. каждая;
для 2-й возрастной категории —
по 37 000 руб. каждая.
Жюри вправе присудить не все премии
и стипендии, либо разделить одну премию
или стипендию между несколькими участниками.
Участники конкурса могут быть награждены специальными призами.
По решению жюри концертмейстерам
могут быть вручены почетные дипломы
Конкурса.
Все лауреаты Конкурса обязаны принять
участие в заключительном гала-концерте
на безвозмездной основе. В случае отказа
от участия в гала-концерте лауреат может
быть решением жюри лишен премии.
Заявка и документы направляются в Оргкомитет до 10 декабря 2012 по адресу:
n yankelevitch@rambler.ru.
Официальная информация о Конкурсе размещается на сайте www.yankelevitch.ru
n 