И снова – «Ваш выход! - Архангельский театр драмы им М.В

№3 (39) Ноябрь 2015 г.
И снова – «Ваш выход!»
Спектакль «Небесный тихоход»
Северодвинский драматический театр
Спектакль «Мы здорово повеселились!»
Архангельский театр кукол
Со 2 октября по 16 ноября в Архангельске проходит VII областной фестиваль театрального искусства
«Ваш выход!». Фестиваль был создан в 2002 году
по инициативе Архангельского отделения Союза театральных деятелей. Традиционно фестиваль проводится раз в два года при поддержке Министерства
культуры Архангельской области.
В рамках фестиваля Союз театральных деятелей подводит итоги
за два предшествующих театральных сезона, чтобы назвать наиболее интересные актерские работы.
Участники фестиваля – пять профессиональных театров Архангельской области: Архангельский театр драмы им. М.В. Ломоносова,
Архангельский молодежный театр,
Архангельский театр кукол, Северодвинский и Котласский драматические театры.
Каждый театр выдвигает несколько спектаклей на суд компетентного жюри под руководством народной артистки РФ, обладательницы национальной премии «Золотая маска», актрисы Архангельского театра кукол Светланы Михайловой. Жюри отсматривает представленные на фестиваль спектакли и выбирает лучшие актерские работы в различных номинациях. Кроме традиционных номинаций за лучшую женскую и мужскую роль, эпизодиче-
скую роль, женскую и мужскую
роли второго плана, а также актерский дуэт и ансамбль, на фестивале присуждаются специальные призы: «Надежда сцены» для
начинающих актеров, «За творческую инициативу» и другие.
Приза зрительских симпатий среди номинаций нет, однако
мнение зрителя учитывается при
отборе спектаклей, которые театры
представляют на фестиваль. По
книгам отзывов, аплодисментам, цветам, врученным на сцене, всегда можно проследить, какие работы пользуются наибольшим успехом. «Публика образует
драматические таланты», – писал
Пушкин.
В этом году на конкурс
выдвинуты актёрские работы
в спектаклях:
– «Костюмер», «Царь Эдип.
Прозрение», «Василий Тёркин»,
«Корсиканка», «Садко» – Архангельского театра драмы им. М. В.
Ломоносова;
Спектакль «Капитанская дочка»
Архангельский молодёжный театр
– «У войны не женское лицо»,
«Пираньи. Дневник 12-летнего»,
«Попытка к бегству», «Капитанская
дочка» – Архангельского молодежного театра;
– «Лягушиный король», «Сказка из волшебного ящика», «Мы
здорово повеселились!..» – Архангельского театра кукол;
– «Шикарная свадьба», «Как
боги», «Небесный тихоход», «Метель» – Северодвинского драматического театра;
– «Айседора» – Котласского
драматического театра.
Спектакли, вошедшие в фестивальную программу, театры
покажут на своих площадках в
октябре-ноябре. На гастроли в
этом году приезжает и Котласский
драматический театр. Моноспектакль «Айседора» по пьесе З. Сагалова зрителям представят 14 и 15
ноября на Камерной сцене Архангельского тетра драмы.
Завершится VII областной фестиваль театрального искусства
«Ваш выход!» 16 ноября заключительным вечером, подготовленным актерами всех театров. Вечер
пройдет на сцене Архангельского
театра драмы, где и состоится награждение актёров, победивших в
разных номинациях.
Спектакль «Садко»
Архангельский театр драмы им. М.В. Ломоносова
Надежда Курилович,
заместитель председателя
Архангельского отделения СТД,
член жюри фестиваля «Ваш выход!»,
заслуженный работник культуры РФ:
- На мой взгляд, такой фестиваль крайне необходим. В его афише представлены спектакли театров, куда наши зрители ходят постоянно, поэтому хорошо знают и наших актеров. Но всегда остается желание увидеть актера в неожиданной роли
или неожиданном ракурсе даже в привычных ролях.
По мнению нашего замечательного режиссера Льва
Додина, самое страшное начинается тогда, когда у
актера нарабатывается «сценический навык», «растущий арсенал профессиональных отмычек». Они приводят на путь самоповтора или повтора пути, уже
пройденного другими. Каждый актер справляется с
этой проблемой по-разному. Но содержание произведения всегда надо выстрадать: ведь только тогда
оно может стать содержанием спектакля, а не пересказом сюжета, и могут появиться потрясающие актерские работы. Конечно, это зависит не только от
актера, но и от режиссера-постановщика спектакля.
Вот на эту тему мы и надеемся услышать мнение
театральных критиков, которые приглашены для участия в работе фестиваля.
Андрей Тимошенко,
главный режиссер
Архангельского театра драмы:
- «Ваш выход!» – это актерский фестиваль, в
рамках которого артистам интересно оценить работу
друг друга, отметить какие-то спектакли и роли. Потому польза фестиваля, несомненно, есть – это своеобразный «движочек», необходимый для нормальной жизнедеятельности театрального организма.
Читайте в номере
Интервью
За сценой
Дмитрий Лохов:
Чудеса преображения:
«Мечтаю о театреот причёсок до бород
стр. 3
стр. 6-7
ансамбле»
Гость
Исторические
фантазии Сергея
Коковкина стр. 9
2
№3 (39) Ноябрь 2015 г.
Открываем сезон
Все в сборе!
1 сентября в Архангельском театре драмы им. М.В.Ломоносова состоялся традиционный сбор труппы. Творческий коллектив
вернулся из отпуска отдохнувшим и готовым вновь радовать зрителей уже полюбившимися работами и новыми постановками,
которых планируется немало.
Директор театра Елена Шитова поздравила всех с началом нового 83-го театрального сезона и рассказала о ближайших планах коллектива. Первая премьера намечена на 22
ноября: комедию «Скупой» по пьесе Ж.-Б. Мольера с Сергеем
Чуркиным в главной роли ставит молодой режиссер Анастас
Кичик, зарекомендовавший себя в прошлом сезоне удачными постановками «Черная курица, или Подземные жители» и
«Волшебник Изумрудного города». Кроме того, он готовит к
Новому году спектакль «Братец Кролик и братец Лис» для
самых маленьких зрителей, который пройдет на Камерной
сцене со своей елкой и Дедом Морозом.
Главный режиссер театра Андрей Тимошенко обещает
очень интересный и насыщенный театральный сезон. По уже
сложившейся традиции он поставит сказку, на этот раз –
«Царевна-лягушка», которую в зимние каникулы труппа будет
играть на Основной сцене впервые по три спектакля в два
состава. Премьера запланирована на 22 декабря.
На пути к творческому росту
В Международный день театра 27 марта планируется премьера драмы А.Островского «Гроза». Кстати, это
уже пятое обращение театра к пьесе: ранее ее ставили
в 1937, 1943, 1970, 1998 годах. По словам Андрея Тимошенко, сегодня идет воспитание труппы, обновление,
которое происходило и происходит, например, в процессе работы над спектаклем «Царь Эдип. Прозрение»:
«Для всех артистов, и для меня тоже, он стал тренингом, творческим ростом. Это как канал копать – долбим
породу, выкапываем дорогу, чтобы вода потом потоком
полилась. Путь тернистый... Я в поиске не только своего личного творческого пути, но и со всем театральным
сообществом мы занимаемся поиском нового героя, нового конфликта, новых сюжетов. А когда в этом творческом процессе человек созревает для какой-то роли,
нужно обязательно ставить спектакль. В прошлом сезоне неожиданно ярко открылась Нина Няникова, и я понял – Катерина есть, пора ставить «Грозу».
Предполагается, что решение спектакля будет традиционным, но все зависит от трактовки. По мнению режиссера, важно, что в этой истории нет ни отрицательных, ни положительных персонажей: каждый по-своему
прав.
Дорогу молодым
На Камерной сцене в этом сезоне будут работать
молодые режиссеры из Москвы. Валерия Итименева, знакомая зрителям по комедии «Рябина кудрявая», поставит «Каштанку» А.Чехова, а Алексей Ермилышев, представивший в прошлом сезоне «Василия Теркина», будет работать над «Братьями Карамазовыми» Ф. Достоевского.
Кроме того, Анастас Кичик репетирует «Маленькие трагедии», актер Михаил Кузьмин предложил замечательную
историю «Спасти камер-юнкера Пушкина» М. Хейфица.
«Мы хотим работать с хорошей литературой, побольше
классики – на сцену. Поощряем и самостоятельные работы актеров. Заявлены сказки Киплинга и «Сказка о царе
Салтане» А. Пушкина», – пояснил главный режиссер.
Гастроли и фестивали
В 83-м театральном сезоне театр планирует активно
выезжать на гастроли. В стадии переговоров поездки в
Казань, Калининград и Витебск.
Полным ходом идет подготовка к V Международному фестивалю театрального искусства им. Ф. Абрамова «Родниковое слово», который пройдет с 13 по 20
мая 2016 года. Сейчас формируется фестивальная программа: уже подал заявку Камерный театр из Италии со
спектаклем «Кроткая» по Ф. Достоевскому, Театр на Литейном из Санкт-Петербурга предложил два своих спектакля на выбор.
Вперёд, к открытиям
25 октября Архангельский театр драмы им. М.В.
Ломоносова открыл 83-й творческий сезон.
В этот день на Основной сцене зрители увидели майскую премьеру прошлого сезона – спектакль «А зори здесь тихие...» по повести Б.
Васильева. Директор театра Елена Шитова торжественно открыла новый
сезон и поздравила зрителей и труппу с этим событием. Затем на сцену поднялся и губернатор Архангельской области Игорь Орлов, который
сказал добрые напутственные слова коллективу театра и пожелал зрителям хорошего настроения.
В честь открытия театрального сезона режиссер спектакля «А зори
здесь тихие...» Рената Сотириади направила приветственное письмо. В
нем она выразила благодарность губернатору Игорю Орлову за его личное участие и внимание к театру: «Именно Ваша помощь дала возможность воплотиться этому творческому проекту и подарить радость соприкосновения с чудом Театра архангельскому зрителю. Пока в России
есть государственные умы, которые, поддерживая российскую культуру,
заботятся о нравственных устоях, о традициях, о духовном росте общества – страна крепнет. Надеюсь и верю, что Вы еще не раз подставите
свое мужское плечо поддержки родному театру».
Приветственные слова директора театра Елены Шитовой и главного режиссера Андрея Тимошенко для зрителей и артистов прозвучали и
с Камерной сцены, где театральный сезон открылся спектаклем по сказке А. Погорельского «Черная курица, или Подземные жители» в постановке Анастаса Кичика.
Новые лица
Гастроли
В труппе театра пополнение
Театр едет к вам!
В коллективе Архангельского театра драмы им.
М.В. Ломоносова два новых актера – Андрей Голошапов и Маргарита Москвичева. Выпускники Нижегородского театрального училища им. Е.А. Евстигнеева, они делают свои первые шаги в профессиональной карьере.
Маргарита Москвичева дебютировала на сцене Архангельского театра драмы в спектакле «Костюмер» (первая любовь сэра Джона). Увидеть Андрея Голошапова можно в комедии «За двумя зайцами» и массовых сценах «Корсиканки» и «Садко». Скоро оба молодых актера предстанут перед зрителями в первой премьере сезона – спектакле «Скупой»
по Ж.-Б. Мольеру.
Поздравляем артистов с обретением театрального дома и желаем
удачи в начале их творческого пути!
Артисты труппы Архангельского
театра
драмы им. М.В. Ломоносова успешно открыли новый гастрольный
сезон в рамках акции
«Выездной театр». Жители Северного округа,
Соломбалы и Цигломени смогли увидеть поставленный в прошлом
сезоне спектакль «Василий Тёркин» по мотивам поэмы А. Твардовского на площадках
культурных центров.
9 сентября спектакль «Василий Теркин» показали в Северном округе, 16 сентября - в Соломбале и 17 сентября - в Цигломени. Спектакль-реставрация, поставленный
московским режиссером Алексеем Ермилышевым, позволил взглянуть на известную поэму по-новому и дал возможность каждому зрителю осознать родство с главным
героем – не конкретным человеком, а обобщенным образом русского солдата, живущим в нашей генетической памяти, почувствовать национальный дух и сопричастность к
истории страны.
13 сентября жители посёлка Уйма от души посмеялись над комедией «Рябина кудрявая». Яркая актёрская
игра никого не оставила равнодушным.
В ноябре встречи со спектаклями театра драмы ждут
жителей Рикасихи, Соломбалы и Новодвинска. В рамках
очередной акции «Выездной театр» зрителям вновь представят спектакль «Василий Тёркин»: 4 ноября в Рикасихе и
11 ноября в Новодвинске. А в «Соломбале-Арт» 10 ноября
покажут сказку для детей и их родителей «Чёрная курица,
или Подземные жители».
№3 (39) Ноябрь 2015 г.
Рецензия
3
Гастроли
Котласскому
драматическому
театру – 80 лет!
Простые сложности
Светланы
Алексиевич
в спектакле Архангельского молодёжного театра
«У войны не женское лицо»
«О новом рождении прошлого» - именно эта фраза, может быть, лучше всего подходит для описания цели книги Светланы Алексиевич, которой зрители аплодировали как новоиспеченному нобелевскому лауреату,
и спектакля, поставленного на архангельской сцене режиссером из
Санкт-Петербурга Максимом Михайловым.
Книга памяти
В зале было много школьников. Для них
тема Великой отечественной войны преподается в школе в стандартизированном ключе:
были такие-то операции, погибло столько-то
людей, сделаны такие-то выводы. Безличность
фактов еще лет десять назад могли оживить
немногие оставшиеся в живых ветераны, которых приглашали в школы и которые от первого лица рассказывали про свою войну Теперь свидетелей тех лет почти не осталось. В
нашем распоряжении только записи, фильмы,
книги, спектакли. Но и на страницах учебников,
и в фильмах, и в книгах чаще всего основные персонажи – мужчины. А были ли женщины на войне, как на нее смотрели и за что
сражались?
На эти вопросы без пафоса, как на духу,
отвечают персонажи Алексиевич, образуя собственный, полный нечеловеческих страданий и
счастливых моментов учебник жизни. Эта книга,
полная самых горестных и самых порой неожиданно счастливых воспоминаний, – тоже одна
из героинь спектакля. Не случайно она первая
появляется на сцене, выхваченная лучом света из мрака, в скромном молчании лежащая на
стуле до тех пор, пока ее не возьмет в руки и
не начнет читать альтер эго Алексиевич в исполнении Яны Пановой.
Стена между живыми и мёртвыми
Две двигающиеся панели, собранные из
матовых, полупрозрачных квадратных стекол
в металлическом обрамлении. Они похожи на
современные конструкции в торговых центрах
или офисных зданиях. Панели сдвигаются и
раздвигаются, впуская или выпуская в этот мир
персонажей из прошлого – девушек, любовниц,
жен, сестер, матерей. Это стена между временами, стена непонимания между поколениями,
которую уже невозможно преодолеть полностью. В момент, когда персонажи, как тени, собираются по ту сторону стены и стучат, этот
потусторонний стук – знак того, что она разделяет мир живых и мертвых.
У каждой из героинь свой короткий рассказ о войне, который нужно обязательно поведать современному зрителю. А, может быть,
они даже держат перед ним ответ у школьной доски? Матовое стекло походит и на нее. И
одна из девушек в голубеньком платье, тоненькая, с веселыми косичками, рассказывает: мечтала в институт, а пошла со школьной скамьи
прямо на фронт.
По очереди актрисы выходят к публике.
На стуле, стоящем посредине сцены, – солдат-
ская шинель, которую они то нежно обнимают, то накидывают на озябшие плечи, то бросают прочь в порыве негодования на собственную судьбу.
Хрупкая девушка вспоминает первый поцелуй в мертвые губы любимого, страх и ужас
медсестры, оказавшейся в окопе рядом с ранеными немцем и русским... Все актерские работы
в спектакле очень искренние, но самые пронзительные истории рассказаны, на мой взгляд,
Натальей Малевинской и Полиной Третьяковой.
Первая вошла в образ ППЖ, походно-полевой
жены, для которой война была счастьем, которое вопреки всему не хотелось прерывать. А
Полина Третьякова сыграла мстительную партизанку, годами наблюдавшую страдания родной земли и людей, захваченных в плен фашистами.
Урок усвоен
В более чем скромных и даже нарочито невзрачных декорациях все внимание – на женщин. На их лица падают свет и тени, их голоса
дрожат, звенят, казнят прошлое. Их же голоса
к финалу собираются в единую, бесконечно повторяющуюся песню: «Эшелон за эшелоном...»,
олицетворяющую, в общем, их единую судьбу.
Это разговорный спектакль, совсем без
внешнего действия. Он полон колоссального внутреннего напряжения как зрителей, так
и актрис, которым удалась невероятно сложная задача – заставить слышать сокровенную
боль своих героинь. Сделать близким, прочувствованным и понятным публике непростой
материал литературного первоисточника можно было, пожалуй, только с помощью этой кажущейся, обманчивой простоты костюмов, лиц
без макияжа, исповедальных интонаций в голосе актрис.
Смотреть спектакль «У войны не женское
лицо» – трудная душевная работа. Уверена,
большей части зрителей она удалась. Глаза
блестели от слез. Выход актрис на поклон сопровождался гробовой тишиной – она звучала
как незапланированная минута молчания. Спекуляции на патриотических чувствах не было, и
многие почувствовали настоящую, а не кем-то
нагоняемую как неясный туман, пронзительную
сердечную боль-любовь к своей земле, стране
и людям, а еще поняли вдруг ясно – не должно быть войны никакой, ни с женским, ни с
мужским лицом. Урок, полученный из учебника
Алексиевич, был усвоен. Зал заслуженно аплодировал актерскому ансамблю стоя.
Мария ГАВРИЛОВА
В октябре Котласский драматический театр открыл свой юбилейный 80-й сезон мелодрамой по пьесе А. Островского «Блажь». В
рамках областного фестиваля театрального искусства «Ваш выход!»
состоится еще одна премьера: моноспектакль по пьесе З. Сагалова
«Айседора» в постановке главного режиссера театра Натальи Шибаловой. Роль Айседоры в спектакле исполняет ведущая актриса театра Ольга Белых. Спектакли пройдут 14 и 15 ноября на Камерной
сцене Архангельского театра драмы.
Котласский драматический театр был образован в 1935 году. Первым спектаклем на его
сцене были «Без вины виноватые» по пьесе А. Островского. В годы Великой Отечественной
войны многие сотрудники театра ушли на фронт. Оставшаяся же труппа продолжала гастролировать по региону, играть спектакли для тружеников тыла, в госпиталях для раненых бойцов Красной армии. В послевоенный период Котласский драматический театр остался без государственной помощи. Многие театры в стране тогда закрылись, а Котласский выстоял.
В 70 – 80-е годы репертуар театра пополнился интересной советской и зарубежной драматургией, а география гастрольной деятельности коллектива расширилась. Успешно прошли гастроли в Украине, Белоруссии и многих областях РСФСР. В нелегкие 90-е годы удалось сохранить костяк труппы из опытных мастеров сцены. А в 1999 – 2000-х годах при Котласском драматическом театре был открыт заочный актерский курс Ярославского государственного театрального института.
В последние годы значение Котласского драматического театра как культурного центра заметно повысилось. С 2012 года здесь проводится театральный фестиваль для детей и юношества «Тарарам», уровень которого быстро вырос до международного. В фестивале принимали
участие известные театральные коллективы из России и Белоруссии.
Гастроли театра проходят в Республике Коми, Кировской, Мурманской, Вологодской, Владимирской, Ярославской, Псковской, Пермской, Ивановской областях. Гастролировала труппа в
Москве и Санкт-Петербурге, Белоруссии и Украине.
В рамках фестиваля «Ваш выход» Котласский драматический театр покажет в Архангельске моноспектакль «Айседора». Это проникновенная исповедь легендарной танцовщицы Айседоры Дункан о своей жизни: рассказ об её трудном, но вместе с тем ярком пути в искусстве. Её, одну из лучших танцовщиц XX века и основоположницу нового стиля в хореографии, называют «божественной босоножкой»: танцевала она босиком, в греческом хитоне, что
было настоящим потрясением для публики.
В то же время этот спектакль – история трагической судьбы женщины, которая творила,
любила и была любима. Её мужьями были всемирно известный режиссер Гордон Крэг, фабрикант Парис Зингер и великий русский поэт Сергей Есенин. Она была безмерно счастлива со своими мужьями и болезненно переживала разрыв семейных отношений, не могла простить себе гибель любимых детей в автокатастрофе... Сама Айседора Дункан трагически погибла в Ницце, задушенная собственным шарфом, попавшим в ось колеса автомобиля, на
котором она совершала прогулку.
Роль Айседоры в спектакле исполняет ведущая актриса Котласского драматического театра, мастер сцены Ольга Белых. Она осуществила свою детскую мечту: в одном из интервью актриса призналась, что еще девочкой грезила о славе балерины. Сейчас в ее профессиональной копилке уже более 60 ролей. Она окончила музыкальную школу, Архангельское музыкальное училище, затем Ярославский государственный театральный институт. Ольга Белых
считает, что актрису в ней разглядел бывший директор Котласского драмтеатра – Реваз Исидорович Маглаперидзе. Сегодня она опытная артистка, пластичная и обладающая тонким музыкальным слухом и красивым голосом. Дипломант многих конкурсов, она плотно занята в
репертуаре театра, постоянно гастролирует с труппой. Помимо актерского амплуа, Белых уже
попробовала себя в роли режиссера, на ее счету несколько успешных спектаклей в детской
студии Котласа. Но как актриса Ольга Белых по-прежнему любима зрителями.
Юлия НОВОСЕЛЬЦЕВА
4
№3 (39) Ноябрь 2015 г.
Личность
Театральный путь Андрея Калеева
знаю, но я ведь учиться пришел!». И,
конечно, поступил.
Сегодня Андрей Евгеньевич с
улыбкой вспоминает историю своего
легкомысленного поступления в институт. Как и в юности, он с юмором смотрит на происходящее: «Одно
из правил, которых я придерживаюсь
– во всём искать положительные стороны, тогда и жизнь будет восприниматься иначе».
В Архангельском театре драмы Андрей Калеев работает больше десяти лет. За это время среди его актёрских работ были характерные и трагические, центральные и эпизодические роли. Тевье в «Поминальной молитве», кавторанг Буйновский в «Одном дне огромной страны» или Шодерло де Лакло в «Опасных связях» - каждая
его роль оказывается особенной и запоминается зрителю.
В этом году артист отметил свой 55-летний юбилей.
Легкомыслие или судьба
Возможно, он мог бы стать
ученым-химиком:
точные
науки
всегда давались ему хорошо, а в
школьные годы Андрей даже становился победителем олимпиады
по химии. Оставалось только отнести документы в приемную комиссию, и он стал бы студентом химфака. Вместо этого – устроился на
завод слесарем-автоматчиком. Отец
был против такого выбора и настаивал на учебе. Тогда юноша решил: «Если уж идти учиться, то в
театральный!». И поехал поступать в
Ташкентский Государственный институт культуры, на режиссёрскотеатральное отделение.
Аттестат был хороший, без единой тройки – на серебряную медаль
чуть-чуть не вытянул. На консультации перед экзаменами будущий актер и режиссер Андрей Калеев поч-
Шодерло де Лакло,
спектакль «Опасные связи»
ти не ходил, а с собой у него была
лишь тоненькая тетрадка (тогда как
другие абитуриенты носили с собой
целые «талмуды» и отчаянно пытались
подготовиться к вступительным испытаниям).
Выбор театрального пути может
показаться случайным, если не знать
о том, что еще в десятом классе Андрей сам организовал в школе агиттеатр, а до этого участвовал в выступлениях агитбригады и занимался танцами. На сцене он помнит себя
с пяти лет. Не удивительно, что первый тур испытаний по актерскому мастерству он прошел без труда, да и
на втором спокойно защитил режиссерский анализ пьесы. А вот на дополнительные вопросы о театральных
режиссерах и артистах ответить было
сложнее. Однако молодой человек
снискал своей честностью расположение мастера, набиравшего курс: «Я не
Копать глубже
Андрей Калеев не любит рассказывать о своих ролях и выделять близкие и любимые: каждая из
них, пусть и маленькая, дорога артисту, в каждую вложена частичка его
души. Да и дело артиста – играть
роли, а не рассказывать о них. «Самое
интересное в работе актера – создание образа,– размышляет он. – Когда
приходишь на первую репетицию и
берешь лист с ролью, ты еще не знаешь, как ее читать. Читаешь просто.
Плохо, когда с первой же репетиции
актер начинает играть. Сначала надо
разобраться с ролью. Чем серьезнее
автор, тем глубже приходится копать».
Актер нередко наблюдает за
людьми вокруг, подмечает детали и
складывает характерные черты случайных, «уличных персонажей» в свою
копилку. Невольно обращаешь внимание на проницательный и живой
взгляд артиста, в котором то и дело
мелькают чуть насмешливые искорки.
Кажется, что и собеседника он «видит насквозь», собирая по кусочкам
его образ.
Кстати, «разбираться с ролью» Андрею Калееву не раз приходилось и
в качестве режиссера. Он думает, что
в режиссуру следует идти через актерскую работу, чтобы «на своей шкуре» почувствовать её и бережнее относиться к актерам. Именно от режиссера зависит, в каком направлении поведет актер своего персонажа:
«Знаете, как говорил об этом Товстоногов? Режиссер выстраивает коридор
для актера, а уж как он по этому коридору пойдет, зависит от его таланта
и способностей».
А какие способности нужны артисту? «Доброта и щедрость, – не задумываясь, очень просто отвечает Андрей Евгеньевич на этот вопрос. –
Надо отдавать себя зрителю. Одна актерская техника ничего не даст, ведь
и робота можно научить каким-то
приемам».
Театр остаётся в театре
«Хороший актер в жизни зачастую
неинтересен, – считает Андрей Калеев. – Как правило, ему хватает сцены. А «плохой» актер наоборот играет
в жизни, и на сцене ему оказывается
нечего сказать». Актерство и сценические образы Андрей Евгеньевич старается оставлять в театре. В обычной
Федот,
спектакль «Рябина кудрявая»
жизни он муж, отец, умеющий быть
другом для своих детей. «Семья – это
святое, – говорит он. – Люблю своих
детей, многое им прощаю. И с проблемой «отцов и детей» я не сталкивался, дочка любит делиться со мной
секретами».
Кроме театра, артист обожает книги. Но любовь к чтению пришла далеко не сразу: лишь в восьмом классе он прочитал первую книгу не по
школьной программе, а по собственному желанию. Это были «Три мушкетера» Александра Дюма. После этого
были прочитаны все его романы, а с
поступлением на театральное отделение много читать стало просто необходимо. Сейчас у Андрея Евгеньевича самая большая домашняя библиотека. Любимый писатель – Пушкин:
«Обожаю Пушкина! У него нет лишних слов». Не раз ему приходилось
самому ставить и играть в «Маленьких трагедиях» Пушкина. Были роли
и Моцарта, и Сальери, причем еще
в самом начале творческого пути. Кажется, это был тяжелый, но бесценный для него опыт.
Сцена – это ответственность
Казалось бы, опытному актеру нечего волноваться перед выходом на
сцену. Однако это не так – волнение есть всегда, перед каждым спектаклем. «Если его нет, надо ставить
крест на актерской профессии. Пока
актер волнуется, он живет!» – уверен
Андрей Калеев.
Он вспоминает, что во время учебы студентов не выпускали на настоящую сцену до третьего курса: «Первые два года мы работали только в
аудитории, на специальной площадочке. Потому что сцена – это уже ответственность». Конечно, чтобы бороться с излишним волнением, у актеров есть свои хитрости, специальные
упражнения на расслабленность. Но в
каждом спектакле должен быть особый нерв, и появляется он не сразу,
а к спектаклю примерно десятому после премьеры. «Поэтому истинные театралы никогда не ходят на первые
показы, – улыбается артист. – С пятого, седьмого раза спектакль постепенно начинает набирать обороты и находится в постоянном развитии».
Андреев Калеев никогда не жалел о том, что посвятил свою жизнь
театру. Наверное, потому, что это профессия из тех, в которую окунулся
однажды и «пропал». «Главное, чтобы театр оставался живым! – говорит
он. – Хочется, чтобы и зрителю было
интересно приходить в театр, ведь
мы работаем для него. Иногда кажется, что зрительный зал как вата, будто пустой. А бывает, наоборот, дышит
вместе с тобой, сопереживает, плачет,
смеется. Всё это ощущается и много
значит для артиста».
Ольга СЕРГЕЕВА
Анкета Марселя Пруста
Что вы больше всего цените в ваших друзьях? Верность.
К чему вы испытываете отвращение? К предательству.
Ваш любимый цвет? Синий.
В какой стране вам хотелось бы жить? В моей.
Ваш любимый цветок? Живой. Не сорванный.
Ваши любимые имена. Имена моих любимых людей.
Исторический персонаж, которого вы презираете. Иуда. Хотя в
последнее время его стараются оправдывать.
Как бы вы хотели умереть? Быстро.
Ваш любимый писатель. Пушкин.
К каким порокам вы чувствуете наибольшее снисхождение?
Человеку многое можно простить. Самое главное – понять его. Если
ты поймешь, то будешь снисходителен к недостаткам.
Качество, которое вы больше всего цените в женщине.
Ум. Обожаю умных женщин. Умная женщина будет и красивой, и
привлекательной.
Ваша любимая птица. Пингвинов люблю, особенно «мужиков».
Они, бедные, высиживают яйца сами, такой подвиг совершают. А вот
кукушку не люблю! Подкидывает своих детей, бросает...
Ваше любимое блюдо. Обожаю плов!
Ваш девиз. Торопиться не спеша.
Ваше состояние духа в настоящий момент. Бодрый!
Если не собой, то кем бы вы хотели быть? Только собой!
Тевье,
спектакль «Поминальная мотитва»
Кавторанг Буйновский,
спектакль «Один день огромной страны»
№3 (39) Ноябрь 2015 г.
Молодёжный театр
Найти ребёнка в себе
В основе спектакля Архангельского молодежного театра «Пираньи.
Дневник 12-летнего» – истории из жизни реального подростка Андрея
Руденко, описанные им самим в личном дневнике. Персонажами стали
одноклассники подростка, учителя, родители, младшая сестра, приятели
из летнего лагеря и, конечно, он сам. Исполнитель главной роли Антон
Чистяков не просто перевоплощается в подростка, но искренне, честно и
с юмором проживает ситуации, в которые попадает его герой. В интервью он поделился мыслями о том, что сближает его с этим персонажем
и почему семья – самое главное в жизни.
– Чтобы перевоплотиться в 12-летнего мальчика, вы используете жесты, мимику, экспериментируете с голосом. При работе над этой ролью для вас были важнее
внешние приёмы или всё-таки психологическая проработка образа?
– Для меня в первую очередь важно было понять психологию моего персонажа. «Физика» откликается потом, когда ты хорошо проработал текст,
попытался определить, зачем, почему герой говорит и мыслит именно так, а не иначе. Когда внутренняя линия продумана, появляется её внешнее
выражение. Есть много путей подхода к созданию
образа, в каждом конкретном случае происходит
по-разному, и я не могу сказать, что придерживаюсь какой-то одной системы в работе над ролью.
– Был ли для вас опыт работы в жанре документального театра сложным? Возникают ли трудности, когда надолго остаёшься на сцене практически один на один
с залом?
– Когда читаешь дневник, важно чувствовать,
что рассказываешь другу. Зритель для меня – это
друг, с которым я хочу поделиться тем, что наболело у персонажа, эмоции которого я транслирую
через себя. Поэтому я беру зрителя себе в союзники. И если я чувствую, что из зала идет ответная
энергия, и зрители включены в процесс, тогда мне,
конечно, легко. Зритель тоже бывает разный, но у
меня не возникало особых проблем, я ни разу не
чувствовал какого-то сильного дискомфорта.
Кстати
– Антон, насколько вам близок герой
и тема, которая поднимается в спектакле?
Опирались ли вы на свой личный опыт при
работе над ролью?
– Мой герой мне, конечно, близок. В школе у
меня тоже была очень похожая ситуация, отношения с одноклассниками были порой очень сложные и долгое время не складывались. В старших
классах всё более или менее нормализовалось,
встало на свои места, меня стали уважать.
– На ваш взгляд, спектакль получился
для подростков или в большей степени для
родителей, которые могут открыть в нем
что-то важное для себя?
– Мне кажется, что этот спектакль для всех
возрастов. Взрослые могут окунуться в атмосферу своей юности и вспомнить школьные годы, а
молодежь как в зеркале увидеть отражение самих себя. Отзывы самые разные, кто-то полностью принимает этот спектакль и говорит о том,
что все очень точно и тонко, а кто-то считает,
что ситуация показана странная и в современной
жизни нивелированная. Я же считаю, что это актуальный спектакль. В любом случае, судить зрителю: каждый увидит что-то своё.
– Мне кажется, в этом спектакле можно
не только 12-летнего мальчика увидеть, но
и «ребёнка в себе»...
– Да, конечно. Наверное, все помнят детские
лагеря, слёты, и как родителей вызывали в школу. Естественно, тема первой любви в этом спектакле не менее важна. Бывает так, что первая любовь быстро проходит, а бывает, что человек проносит ее через всю жизнь.
– Одна из ваших первых ролей, сыгранная ещё в спектакле Северодвинского драматического театра «Всё в саду» по пьесе
Эдварда Олби, – это роль мальчика, который чувствует себя «лишним ребёнком» в
мире взрослых. Прослеживается ли этот мотив в вашей новой роли?
– Да, можно так сказать. В той истории персонаж видит, как на его глазах разворачивается
драма родителей, и взрослые решают свои проблемы, не обращая особого внимания на сына. А
ведь в детях, наверное, смысл нашей жизни. В
«Пиранье » мама тоже живёт в каком-то своем
мире: не зря в спектакле исполняется песня «Я
серая шейка, пускай меня лисы съедят...». Может
быть, поэтому герой так замкнут в себе, закрыт,
при этом у него очень богатый внутренний мир,
но его просто не хотят услышать. Он добрый, и,
как любой человек, многогранный и сложный.
– Какую главную мысль вы хотите донести до зрителя, когда играете в этом
спектакле?
– Казалось бы, спектакль про школу и про
то, как герой столкнулся с проблемой взаимоотношений со сверстниками. Дома на первый взгляд
всё хорошо: мама, сестра, папа. Но я убеждён,
что если бы было понимание в семье, тогда проблем с окружающим его обществом в лице одноклассников было бы меньше. Поэтому для меня
этот спектакль в первую очередь про конфликт
отцов и детей. Хочется показать, как часто взрослые не понимают своего ребенка. На мой взгляд,
семья – это главное, на чем всё держится, а
остальное вокруг – мишура. Но я оптимист по
жизни! И очень надеюсь, что когда люди посмотрят спектакль, будут еще больше сил и времени
отдавать семье и своим детям.
– Расскажите, как шла работа над спектаклем и созданием образа вашего героя.
Вы наблюдали за поведением современных
подростков?
– Над этим спектаклем мы работали в три
этапа. Началось с того, что проект «Открытые
двери», учрежденный РАМТом, совместно с Архангельским молодежным театром проводил
творческую лабораторию «Молодые режиссёры – детям». В рамках лаборатории был сделан
небольшой фрагмент, а после режиссёр Максим
Соколов начал работать над спектаклем. Можно сказать, что мы с первой встречи поняли
друг друга, и работать было очень легко и свободно. Кажется, совпало место, время и режиссер. В какие-то моменты он «отпускал на вольные хлеба» и предлагал сделать что-то самостоятельно, в других случаях говорил, что «будет
только так, а не иначе», и я принимал его позицию. В результате совместного творчества и получился спектакль.
Вместе с режиссёром мы ходили в школу, и
не раз. Стояли в коридорах на переменах, смотрели, как ребята себя ведут. Они увлечены своими
планшетами, телефонами, гаджетами. Для меня
это имитация реальной жизни. По мне, так лучше
сходить с друзьями прогуляться по улице и пообщаться вживую, нежели сидеть в соцсетях и ставить друг другу какие-то «лайки». Поэтому наш
спектакль еще и об этом. Хочется сказать: «Ребята, давайте будем человечнее!».
Спектакль «Пираньи. Дневник 12-летнего» получил приз
за лучшую режиссуру на фестивале-лаборатории современного театрального искусства «ВЕРЮ!», который проходил в
Астрахани в июне 2015 года. Исполнитель главной роли Антон Чистяков стал обладателем спецприза от фонда поддержки и развития культуры имени А. Райкина.
– А за время работы в спектакле «Пираньи» вы уже открыли что-то новое для самого себя?
– Мне казалось, что герой в какой-то момент
уступит, сдастся, тем более что родители забрали
документы из школы и переехали в другой город,
он потерял возможность видеться с девочкой, которая ему нравилась. Круг общения изменился,
и я думал, что здесь должен произойти какой-то
слом. Наверное, нас с этим персонажем роднит
то, что мы оба оптимисты (смеётся). Мне кажется,
что это естественная потребность – жажда жизни лучшей, более достойной. Конечно, перелом у
героя произошел, но не такой трагичный, как мог
бы быть. Он внутренне изменился, в чём-то повзрослел. Через что должен пройти человек, чтобы стать человеком? Через испытания. Преодолев
их на этом жизненном этапе, герой обретает самого себя.
Беседовала Ольга ИСТОМИНА
Есть мнение
Максим Соколов, режиссёр:
– «Дневник 12-летнего» – это не придуманная история. Мальчик записал свои самые сокровенные мысли. Мне нужно было
отнестись к материалу очень бережно и попытаться рассказать
историю человека, который пытается вжиться в окружающий мир,
не принимая правил этого мира. Он не может драться – это его
болевая точка. Все ему говорят: «Взрослей, давай сдачи». Но он
никак не может пристроиться, всё время оказывается последним
в очереди. Я хотел бы, чтобы зритель посмотрел на этого последнего в очереди человека и узнал, что он ощущает. Мне кажется,
такой болезненный период был у каждого.
Хорошо, если зрители моего спектакля будут разного возраста. Надеюсь, что увидев эту историю глазами ребёнка, взрослые
поймут: чтобы кого-то изменить, нужно начать с себя. Спектаклем
хочется отстоять право каждого на детство: на то, чтобы меняться тогда, когда готов, на одиночество и искренность, на слёзы,
которых не стесняешься, на право быть самим собой в условиях
мира, где выживают стаями.
6
№3 (39) Ноябрь 2015 г.
За сценой
Чудеса преображения:
Творчество в руках мастериц
Небольшое помещение с несколькими гримировочными столиками.
Зеркала на них освещены маленькими лампочками. На столах – расчёски, щипцы, шпильки, бигуди и таинственные коробочки, деревянные болванки с закреплёнными на них париками: пышными и заплетёнными в аккуратные косы. У стен – шкафы с прозрачными дверцами, сквозь которые выглядывают растрёпанные и гладкие, снежнобелые, синие и огненно-рыжие, легкомысленные в своей яркости парики. Где-то среди них прячутся и внушительные накладные бороды.
Когда заходишь сюда впервые, кажется, что попадаешь в мир, живущий по законам творческого беспорядка. Однако здесь всё на своих местах и подчинено особой системе. Хозяйки этого мира – Тамара
Захарова и Залина Гергаулова, а название его – парикмахерский цех.
Залина Гергаулова преображает Дмитрия Белякова
Тамара Захарова - специалист по нежным образам.
Обычно театральный цех, где занимаются не только созданием причёсок для героев спектаклей, но и изготовлением париков,
накладных усов и бород, называется гримёрно - постижёрным. В Архангельском театре
драмы его привыкли называть проще – парикмахерским. Подготовка к спектаклю здесь
начинается примерно за два с половиной
часа до его начала: каждого актёра, занятого в представлении, нужно причесать, помочь
ему сделать грим. В этот момент происходит
чудо перевоплощения – создаётся художественный образ, который помогает актёру выйти на сцену и уверенно чувствовать себя в
своей роли.
Шумно и весело
Перед спектаклем «За двумя зайцами» в
парикмахерском цехе особенно многолюдно.
Это и не удивительно – в представлении занята вся труппа театра. Кто-то приходит взять
свою коробочку с усами, заботливо приготовлёнными ещё накануне, кто-то снимает или
накручивает бигуди, кто-то спрашивает тени
и пудру. Пока мастерицы колдуют над образами одних актеров, другие терпеливо ждут
своей очереди, делятся новостями, смеются и даже напевают. Никому здесь не тесно,
а, кажется, почти по-домашнему уютно: актерам нравится преображаться, а заодно немного пошутить друг над другом – куда же
в творческой, но очень непростой профессии
без юмора!
Правильно надеть парик – это тоже настоящее искусство. Я наблюдаю за тем, как с
помощью гримёра-постижёра Залины Гергауловой актер Дмитрий Беляков перевоплощается в рыжеволосого певца из семинарского хора Ореста. На эту роль артиста ввели совсем недавно. И вот незадача: парик оказался маловат. Но волшебницы парикмахерского цеха найдут выход из любой ситуации: они
надежно закрепили огненную шевелюру с помощью шпилек, и парик продержался до конца спектакля.
В это время последние штрихи в образе
Прони Прокоповны делает мастер-парикмахер
Тамара Захарова, укладывая пышные, завитые
волосы актрисы Татьяны Боченковой. После
первого звонка помещение парикмахерского
цеха пустеет, но работа здесь не заканчивается. В течение всего спектакля помощницы актеров Тамара Сергеевна и Залина Муратовна
наготове: вдруг потребуется поправить прическу, подклеить усы или помочь костюмерам
во время переодевания. В антракте предстоит
создать несколько новых образов: например,
Константин Феофилов во втором действии из
шпрехшталмейстера перевоплощается в Дедулю, персонажа с внушительными усами и кустистыми бровями, а живые и непосредственные кудряшки Татьяны Боченковой прячутся
под гладкий парик.
Когда спектакль закончится, мастерицы
помогут актёрам снять грим, отклеить усы
(они крепятся специальным клеем, в составе
которого канифоль и спирт), сложат их обратно в маленькие коробочки, а парики натянут
на специальные деревянные болванки. Только
тогда завершится рабочий день для этих бодрых, жизнерадостных и, кажется, не ведающих усталости женщин, которые очень любят
свою работу.
Преемственность мастерства
Заведующая парикмахерским цехом Тамара Захарова в Архангельском театре драмы
более 30 лет. Она руководит всеми работами
по созданию грима, париков и наклеек, причесок для новых спектаклей, выполняя задание
художника-постановщика и режиссёра. По образованию Тамара Сергеевна парикмахер широкого профиля, а все театральные премудрости, в том числе технологию изготовления па-
Отзывы
«Смерть дурака»
или «Костюмер»
Вся вселенная этого спектакля Архангельского театра драмы
выстроена именно вокруг сэра Джона (заслуженный артист РФ Валерий Колосов). Вокруг него – женщины, с которыми был счастлив он и которые могли бы быть счастливы без него. На этих женщинах держится театр, на сэре Джоне – душа театра. Довольно
эгоистичная, но всё-таки душа. И всё внимание режиссёра обращено именно к ней. Прерывающие действие флешбэки относятся
лишь к прошлому сэра Джона, иногда – его жены. Что чувствуют
остальные персонажи, зритель узнаёт здесь и сейчас из диалогов.
О том, что сподвигло их на служение театру, говорится вскользь.
Помощница Нора, хотя и до конца заступается за больного актёра, всё-таки оказывается одной из рассерженных женщин. Потому никакого «Костюмера» тут нет.
Спектакль оказался «крепко сшит», игра актёров – отточенная
и слаженная. Особенно хочется отметить игру Марии Стрелковой,
исполняющей роль Норы – того самого Костюмера. Персонаж получился ироничным и остроумным, но нисколько не карикатурным.
Каждое движение и каждая реплика уместны. Ни одного промаха.
Пожалуй, этот образ – один из самых ярких в постановке.
Элла САВЕЛЬЕВА
Кстати
Инструменты мастериц
выглядят странно и даже
Но никаких травм умелые
шебниц парикмахерского
нанесут.
зачастую
страшно.
руки волцеха не
№3 (39) Ноябрь 2015 г.
7
от причёсок до бород
парикмахерского цеха
махерском цехе идёт постоянно. Сейчас в театре
к выпуску готовят спектакль «Скупой» по Ж.-Б.
Мольеру, и к этому времени нужно сделать большое количество париков.
риков, она освоила уже на практике: перенимала
опыт Тамары Николаевны Оришиной, заведовавшей парикмахерским цехом до неё.
В свою очередь и Залина Гергаулова – ученица Тамары Сергеевны. Несмотря на то, что Залина Муратовна закончила гримёрно-постижёрный
курс при Архангельском колледже культуры, а
затем получила театроведческое образование в
Санкт-Петербурге, преемственность в этой уникальной, штучной профессии оказалась не менее
важна. «Это ёмкая работа, которая требует обширных знаний и в технологии, и в создании художественного образа для спектакля, – поделилась она. – У Тамары Сергеевны гигантский стаж
работы в театре, и Только здесь, на собственном
опыте можно научиться всему «театральному».
А учиться здесь есть чему. Задача театрального парикмахера и гримёра – не только преобразить актёра перед выходом на сцену, но и
воплотить в жизнь задумку художника по его
эскизам. Бывает, что художник подаёт мастерам
идею, которая может быть неконкретна и требует от них большей фантазии. Однако при создании художественного образа в любом случае
нельзя забывать о соответствии эпохе, времени,
духу спектакля. Такая творческая работа в парик-
Тайна театрального парика
Постижёр – специалист по изготовлению париков, а также накладных усов, бород и ресниц.
Тамара Захарова и Залина Гергаулова владеют
этим мастерством и раскрыли несколько секретов своей работы.
По технологии на изготовление парика уходит не меньше месяца. В основе парика – хлопчатобумажный тюль в мелкую сеточку, на который прикрепляют волосы (искусственные или натуральные). Иногда постижёр сначала шьет трес
(ряд сплетенных волос) и затем прикрепляет его
к основе, а в других случаях сразу закрепляет волосы с помощью специального крючка. Однако
времени на такую кропотливую работу часто не
хватает, и мастера обращаются к запасникам театра, в которых хранятся парики из прошлых спектаклей: их реставрируют и создают новые образы. Порой в поисках внешней характерности персонажа мастер может «поймать» и совершенно
новую идею.
Однажды наши героини придумали сделать
парики из цветной шерсти для валяния. Задача была непростая – для спектакля «Волшебная
флейта» требовались парики с дредами, и постижёры переживали: с какой стороны к ней подступиться? «Нам предлагали и настоящие дреды купить, но мы решили: сделаем сами! – вспоминает Тамара Захарова. – Делали мы не по технологии, и сначала было сложно и непонятно. Париков надо было много, и приходилось брать работу домой. У нас всё получилось, художник остался доволен. Поэтому «Волшебная флейта» – спектакль, с которым мы особенно любим работать».
Находчивость и старинные щипцы
В самый последний момент художнику или
режиссёру может не понравиться, как внешность
персонажа воспринимается из зала – приходится
вносить изменения в уже готовый художественный образ. Однажды, после генерального прогона «Принцессы Турандот», у мастериц оставалось меньше суток, чтобы переделать прическу
главной героини. Они «пришли пораньше, что-то
сплели» – и получилось так хорошо, что переделывать больше ничего не пришлось.
Несмотря на то, что перед мастерами стоят
самые разные, подчас трудновыполнимые задачи,
для воплощения задумки художника они пользуются в основном старинными методами. Новые
технологии мало затрагивают работу парикмахерского цеха: «Как много лет назад гримеры и па-
рикмахеры работали со щипцами, крючками, волосами, так мы и продолжаем работать, – рассказывает Тамара Сергеевна. – Главное – это ручной кропотливый труд. Те новшества, что предлагаются сегодня в парикмахерских, нам просто не
нужны. Волосы мы завиваем в основном на термобигуди: это намного быстрее, и причёска держится дольше».
Один из старинных инструментов, хранящийся в отдельном ящичке – внушительные на вид
металлические щипцы, которыми завивают накладные усы и бороды, которые тоже время от
времени надо подкручивать. Такие щипцы сегодня используют только в театрах, и возраст у
них не менее ста лет. Ручки сделаны из особого сплава, благодаря чему они не нагреваются, а
в рабочей части дольше сохраняют тепло и лучше завивают. Только вдумайтесь: эти щипцы являются свидетелями всех событий, происходивших за кулисами Архангельского театра драмы
за его историю!
Артистическая жилка
Каждый сапожник или парикмахер – артист
в душе, если он относится к своей работе как
к творчеству, а не ремеслу. Тамара Захарова в
юности даже мечтала стать артисткой: «Я занималась в драматическом кружке, играла в КВН,
принимала участие в каких-то концертах. Мне это
очень нравилось!». Однажды Тамаре Сергеевне,
уже работая в театре, пришлось выйти на сцену вместе с актерами и сыграть небольшую роль:
«Одна актриса не смогла присутствовать на нашем выездном спектакле в Северодвинске. Тогда мне сказали: «Ладно, ты выйдешь!». Это был
спектакль «Маленькая фея», небольшая детская
сказочка. По сюжету там была бабка, которая превращалась в красавицу. Я и сыграла эту бабку.
Никаких репетиций, конечно, не было. Костюм на
меня надели – и на сцену! Сказка была несложная, шла у нас много, поэтому текст и все мизансцены я знала хорошо».
На вопрос о том, какое место в их жизни занимает театр, Тамара Захарова и Залина Гергаулова не задумываясь отвечают: «Это наш второй дом». Конечно, не только потому, что в преддверии выпуска спектакля им приходится порой
оставаться на ночные генеральные репетиции и
по полсуток проводить на работе. «Театр – это
большая семья, – замечает Тамара Сергеевна. –
Несмотря на то, что все мы разные и порой весьма непростые люди, всё это уже второстепенное.
Все мы зависим друг от друга, и без артистичности и чувства юмора здесь просто невозможно работать».
Ольга ИСТОМИНА
Театр женских обличий
Действие в пьесе Рональда
Харвуда «Костюмер» происходит в
1942 году в Англии: время, когда
мужчины ушли на войну. Потому и
вполне логичен ход режиссера Андрея Левицкого, который для постановки спектакля по мотивам пьесы в Архангельском театре драмы
заменил почти все мужские образы женскими.
Сэр Джон (Валерий Колосов) –
центральный мужской образ в спектакле. Он многие годы на сцене
провинциального театра в Англии
гениально играет шекспировских
героев. Теперь он, не скроешь, стал
стар для театрального мира. Если в
пьесе усталые размышления постаревшего любимца публики сталкиваются с монотонностью будней и
рассуждениями преданного костюмера Нормана под стать им, то в
спектакле важно столкновение сэра
Джона с целым «маленьким театром женских обличий».
Пять женщин в театре: они актрисы, администраторы, костюмеры.
Они – единый механизм, благодаря
которому живет театр. Даже чисто
технически: им и бурю для своего
«короля Лира» поодиночке было бы
невозможно создать. Они же представляют и разные ипостаси женщины. Как у Дмитрия Быкова: «во всех
моих женщинах были твои черты»,
так и здесь каждую героиню, пусть
некрасивую, смешную, равнодушную
или хитрую, можно смело назвать
частичкой Музы актера.
Думаю, идея переделать мужские образы в женские также помогла режиссеру выявить иной конфликт – конфликт мечты и реальности. Если собирательный образ
Музы некогда окрыленного творчеством и влюбленного в театр юно-
ши, каким молодого сэра Джона в
его воспоминаниях создает актер
Михаил Кузьмин, теперь представляют женщины, в которых так мало
идеального, то ответ один: мечта не
сбылась!
Контраст между мечтой и реальностью отмечен и в сценографии. На сцене сосуществуют два
мира: гримерка сэра Джона, загроможденная пыльными театральными костюмами, и подвесной мост,
на который перенесены все воспоминания актера. На этом же мосте
проигрываются музыкальные вставки в спектакль. Для чего они? Я
предположу, что это небольшие
фрагменты из тех спектаклей, что
ставил на сцене своего театра сэр
Джон. И судя по содержанию этих
спектаклей, мечта разбилась о реальность очень давно.
Полина КАРПОВИЧ
Последний штрих - подкрутить ус.
... а ко второму действию артист
обзаводится еще более шикарными усами,
перевоплощаясь в нового персонажа.
Образ циркового акробата создать непросто.
8
№3 (39) Ноябрь 2015 г.
Портрет
Анна Венгерович:
«С персонажем
нужно договориться»
Хрупкая и трогательная журналистка Лена в «Небесном тихоходе»,
пушкинская Маша в «Метели», злая волшебница в «Спящей красавице»,
Коробочка в «Мёртвых душах» – всё это актриса Северодвинского драматического театра Анна Венгерович, которой подвластны самые разные
жанры и амплуа.
– Анна, расскажите о своей работе в
спектакле режиссера Игоря Ларина «Небесный тихоход». Сложно ли было работать над этим материалом?
– Жанр спектакля необычный для нашего
театра – мюзикл. Хотя у нас артисты в основном профессионально не поющие и не танцующие, мы поднатужились, и, благодаря огромному труду хореографа Надежды Селянкиной и
репетитора по вокалу Екатерины Зориной, затанцевали и запели. Работа над спектаклем шла
очень легко и весело, и он получился с хорошим настроением. Моя героиня – корреспондент Лена Павлова. Не сказала бы, что она на
меня похожа, но это и хорошо: мне легче, когда
роль идет на сопротивление. Интереснее, когда
влезаешь в чужую кожу, другой характер, образ
жизни, привычки. Мне кажется, иногда люди в
актерскую профессию и идут, потому что им
нравится примерять на себя то, что им самим
не свойственно.
– А как вы пришли в актерскую профессию?
– Все детство я занималась в театральной
студии. Моя мама тоже связана с театром, только с самодеятельным, она до сих пор руководит
театром-студией «Ключ» при гимназии №14 в
Северодвинске. Насколько я себя помню в школе, театральный коллектив для меня был един-
ственной отдушиной, после уроков я туда бегом
бежала, и там начинался отдых от суровых будней. Потом это плавно перешло в профессию.
– Сейчас от работы устаете?
– Бывает по-разному, в зависимости от
того, как идет работа над ролью. На открытие
сезона у нас была премьера спектакля «Мертвые души», где я играю Коробочку. В этой роли
мне тяжело давалось все: например, поиск возраста этой женщины. Наши «Мертвые души»
получились какие-то очень неклассические: Собакевич – женщина, Коробочка – не старушка.
Было сложно «договориться» с этим персонажем, поскольку я долго никак не могла соединить его классический образ с собой.
– Насколько важно взаимодействие с
партнером на сцене?
– От партнера зависит огромный процент
успеха того, что ты делаешь. Потому что если
на сцене несколько человек, и каждый играет «про своё», то будет неинтересно ни зрителям, ни самим актерам: будет непонятно, о чем
речь. Хороший партнер – тот, кто тебя на сцене
видит, слышит, улавливает, что ты в этот момент чувствуешь, играешь, переживаешь. Любой
спектакль идет по определенной канве, но в то
же время он видоизменяется каждый раз. Когда партнер видит, как ты играешь сегодня, получается хорошо. Конечно, должен быть взаим-
ный отклик. Тогда спектакль выходит на более
высокий уровень.
– Сложно ли вам совмещать «поглощающую» актерскую профессию с семьей?
– Да, это профессия, поглощающая эмоционально, психологически и чисто физически. Но
мне повезло: у нас с мужем общая сфера деятельности, он работает в театре художником по
свету, и поэтому меня понимает. Понимает, когда я прихожу домой совершенно без сил после
спектакля или после репетиций. Когда с любимой работы возвращаешься домой к любимым
людям – это счастье. Но с воспитанием ребенка
конечно сложно: не всегда удается уделять ему
достаточное количество времени, когда постоянно пропадаешь в театре! Бабушка нас в этом
смысле спасает: она как вторая мама.
– Вы заняты в сказках «Спящая красавица», «Три поросёнка», «Брысь! Или истории кота Филофея». От работы в детских
спектаклях какие-то особенные ощущения,
эмоции испытываете?
– Да, конечно. Взрослые – вежливые зрители. Дети же не будут смотреть спектакль, если
им не интересно, они начнут бродить по залу,
зевать, кричать... Или они твои, или ты их потерял. Поэтому работать с детской аудиторией
сложнее, но и интереснее: если ты чувствуешь,
что дети тебя слышат, откликаются, то возника-
ет потрясающее чувство удовлетворения, потому что понимаешь – это настоящее. Так, прошлой осенью мы вывозили спектакль «Метель»
на гастроли в Волгоград. . Несмотря на то, что
зрителями были подростки, было удивительно,
как хорошо его принимали.
– Расскажите об этом спектакле. В
нем вы исполняете одну из центральных
ролей...
– Спектакль красивый, поэтичный. Режиссер Антон Гришкевич сплёл воедино пьесу Василия Сигарева и текст самого Пушкина, включил много его стихов. Но главное действующее
лицо в этом спектакле – не сами герои, а некий хор, по аналогии с древнегреческим. В массовых сценах актеры то читают стихи, то они
– вьюга, то – гости в доме. Они становятся обрамлением, в которое герои периодически попадают. Именно хор задает атмосферу и становится мощным действующим лицом. И спектакль
получился какой-то особенный: воздушный, легкий, пушкинский.
– Есть ли у вас мечта сыграть какуюто роль?
– Я бы не сказала, что мечтаю о ролях.
Скорее, мечтаю о режиссерах. Когда приезжает
хороший режиссер, любая роль становится открытием. Такой режиссер разрабатывает материал еще до того, как приехать к нам, а приехав, заранее знает, чего он хочет достичь. Хороший режиссер добивается результата от актера и делает это разными способами: иногда
кнутом, а иногда пряником. Хороший режиссер
всегда найдет те кнопки, на которые нужно нажать, чтобы получить результат от актера.
Еще я думаю, что весь театр у нас мечтает
о главном режиссере. Потому что художественная часть театра – без головы. Как будто одно
туловище живет само по себе. Административная часть театра возглавлена, есть директор. А
художественной части очень не хватает главного
режиссера, крепкой руки, репертуарной политики.
Конечно, каждый приезжающий ставить
спектакли режиссер требует чего-то своего, и в
этом случае тоже очень не хватает главного режиссера, который бы вел театр определенным
курсом и следил бы за дисциплиной. Поскольку актеры – народ творческий, иногда начинают вести себя недостаточно дисциплинированно. Я считаю, что главный режиссер мог бы такие вещи пресекать.
Беседовала Ольга ИСТОМИНА
Рецензия
Жизнеутверждающе о войне
Владимир Кулаков
в роли майора Булочкина
Добрая шутка, задорная песня и
весёлый перепляс помогали поддерживать душевные силы в страшных
испытаниях войны. Широко известны и любимы зрителями кинокомедии
военных и первых послевоенных лет,
среди них особо выделяется «Небесный тихоход». Почти водевиль – на
первый взгляд, нечто легкомысленное
и неглубокое, однако его персонажи
отнюдь не водевильные. Они истинные герои войны – отважные летчики
и летчицы, которые выполняли сложнейшие боевые задания и ежедневно
оказывались на грани жизни и смерти.
Именно сценарий старого фильма Семена Тимошенко лег в осно-
Каким должен быть спектакль к
юбилею Великой Победы? В нём необходимо отразить подвиг народа, показать, какой тяжкой ценой досталась
победа, передать страх и ужас войны, чтобы никогда и никому не хотелось пережить подобное. Такие спектакли, безусловно, нужны. Но разве менее значимыми и полезными окажутся
представления, выдержанные в жанре
легкой непритязательной музыкальной
комедии? Ведь воины Великой Отечественной были живыми людьми, и ничто человеческое было им не чуждо.
ву пьесы Алексея Яковлева, которая
была поставлена на северодвинских
подмостках в сценической редакции
режиссера и сценографа Игоря Ларина в преддверии 70-летия Великой
Победы.
Центральной деталью декорации
стала модель знаменитого самолета
У-2 в натуральную величину, которая
используется в спектакле весьма эффектно, впечатляя зрителей. Чего, например, стоит взлет самолета в конце первого действия! Военная форма,
военная выправка, бравая маршировка – все это работает на идею и настроение спектакля. К тому же, сцена
задрапирована маскировочной сеткой,
поэтому создается ощущение самых
настоящих боевых условий (художник
Денис Стальмаков).
Сюжет при этом вполне водевильный: бравые летчики-истребители заключили суровый мужской союз – не
жениться и не ухаживать за девушками до окончания войны, в то же время не менее отважные летчицы, летающие на легких бомбардировщиках
У-2, заключили не менее жесткий союз
– не выходить замуж до победы. Естественно, клятвы вскоре были нарушены, и в результате образовались счастливые семейные пары.
Актерские работы исполнителей
основных ролей, безусловно, явля-
О спектакле Северодвинского
драматического театра
«Небесный тихоход»
ются достоинством спектакля. Майор
Булочкин (Владимир Кулаков) – человек отважный, но не бахвалистый,
ироничный, но не дерзкий, очень надежный и преданный своему делу
– полюбил молоденькую журналистку
Лену (Анна Венгерович), трепетную,
хрупкую, трогательную, но отнюдь
не беспомощную и не бесхарактерную. Это тот самый случай, когда
от взаимной любви высекается искра, способная поддерживать устойчивое пламя.
Гармоничный
дуэт
составляют тщательно, но тщетно скрывающие от окружающих свой брак капитан Кайсаров (Даниил Овинников) и старший лейтенант Светлова
(Юлия Корельская): поцелуи украдкой, сцены ревности, нарочитая таинственность – что-то в этом есть от
подростково-романтических отношений, если не иметь в виду, что перед
нами бесстрашные боевые летчики.
Яркую комедийно-гротесковую пару
представляют старшие лейтенанты
Семен Туча (Вадим Мизин) и Екатерина Кутузова (Юлия Зарецкая): любовь
простодушной хохотушки и застенчивого увальня поистине взрывоопасна, уморительна и по-хорошему трогательна. Лирико-драматический дуэт
генерала Рыбакова (Сергей Варнашов)
и военврача Львович (Валентина Иргизнова) исполнен благородства и достоинства, нежности и предупреди-
тельности по отношению друг к другу. Запоминающийся образ доброго
хлопотуна шофера дяди Саши создает Сергей Черноглазов. Убедительно играют участники массовых сцен,
впечатляет их органичное существование на сцене, эффектные переходы
и перестроения.
В спектакле много песен и танцев. У каждого персонажа есть либо
сольный, либо дуэтный номер. Звучат, конечно же, знаменитые песни из
одноименного фильма: «Первым делом – самолеты, ну а девушки – потом...», «Пора в путь-дорогу...», другие
песни военных лет, а также произведения, написанные гораздо позже, но
органично вписанные в канву спектакля (репетитор по вокалу – Екатерина Зорина). Песни в спектакле звучат
под фонограмму, что, однако, вполне
понятно и извинительно. Замечательная хореография Надежды Селянкиной – связующее звено частей представления, танцы помогают организовать действие, создать необходимое
настроение. У спектакля эффектный
финал, украшением которого стали
красочные платья женской эскадрильи.
Получилось яркое, увлекательное,
по-настоящему зрелищное и оптимистичное представление – хороший
подарок к юбилею Победы, праздничный и жизнеутверждающий.
Андрей ПЕТРОВ
№3 (39) Ноябрь 2015 г.
9
Добрая память
Человек-праздник
Памяти режиссёра Александра Горбаня
Александр Горбань – российский театральный режиссер, выпускник Киевского института театрального искусства и ГИТИСа, лауреат премии
Правительства Москвы. Он сотрудничал с театром им. Е. Вахтангова, с Московским драматическим театром им. Р. Симонова, «Московской опереттой», Центром драматургии и режиссуры, много и успешно ставил в «Сатириконе» и выдвигался на «Золотую маску». Он стремительно проносился между городами и театрами, оставляя особый след в их творческих судьбах. С Архангельским театром драмы режиссёра также связывало
многолетнее творческое сотрудничество: зрителям
он знаком по спектаклям «Принцесса Турандот»,
«Один день огромной страны» и «За двумя зайцами». 21 июня 2015 года режиссер Александр
Горбань трагически погиб, и коллектив театра понес неоценимую утрату.
Светлый человек, обладавший чувством юмора и пониманием того, как на сцене сделать
смешно, занимательно, в то же время не выхолостив содержания, Горбань имел вкус к яркому
зрелищу, театральной феерии. Его работы всегда
были завораживающими и отличались масштабностью действа. Архангельский зритель мог по достоинству оценить эту особенность режиссерского
стиля в спектакле «За двумя зайцами», который
много сезонов подряд остается одним из самых
любимых у зрителей.
3 октября на Основной сцене Архангельского театра драмы прошел вечер памяти режиссера
Александра Горбаня, и поставленную им комедию
«За двумя зайцами» актеры в этот день играли, в
первую очередь, для него. Перед началом спектакля зрители увидели короткометражный фильм о
жизни и творчестве режиссёра, в котором автору
Светлане Синицыной удалось собрать эксклюзивные записи интервью и фрагменты с репетиций.
Александр Николаевич с чуткостью и вниманием относился к актерам. «Специфика в том, что
они хотят работать, и когда нащупывают почву
под ногами, начинают расцветать, – говорил он.
– Актеры – как сорванные цветочки. Их корни цепляются, а иначе – как по льду, скользят, замерзают, вянут...».
«Рассказывать об Александре Николаевиче
очень сложно, все равно что описывать шаровую молнию или торнадо, – сказал главный ре-
жиссер Архангельского театра драмы Андрей Тимошенко. – Он так мощно ворвался в жизнь нашего театра, пролетел ярким метеоритом, озарил
всех искрами своего таланта. Те, кто его знал или
иногда встречал, никогда его не забудет, потому что он был изящный, узнаваемый, высокий,
с безупречным чувством стиля и удивительным
чувством юмора. Какие-то его выражения до сих
пор гуляют в театре. Это был настолько яркий,
незабываемый человек, который хотел, чтобы все
были счастливы. Человек, который дарил людям
радость, человек – праздник».
В завершение спектакля зрители стоя аплодировали артистам и режиссеру Александру Горбаню. Под несмолкающие аплодисменты, словно
последний привет труппе и зрителям, откуда-то
с высоты опустился на сцену портрет режиссерадруга. Подаренные зрителями цветы актеры символично возложили на сцену как дань уважения и
памяти Александру Николаевичу.
В 83-м театральном сезоне в планах режиссера
было сделать необычную постановку по мотивам
повести М. Булгакова «Собачье сердце» на сцене Архангельского театра драмы. Этой задумке не
суждено было воплотиться в жизнь. Но благодаря
своим ярким режиссерским работам, доброте и радушию в жизни Александр Горбань навсегда останется в памяти актеров, работников театра и благодарных зрителей человеком, дарившим окружающим радость. Ведь он был – человек-праздник.
Памяти
Эдуарда Симоняна
15 лет назад ушел из жизни
главный режиссер Архангельского театра драмы Эдуард Симонян. Он вернулся в театр в 2000
году, через 12 лет после вынужденного ухода в 1988 году, и
за полгода сумел вернуть интерес зрителей к театру. Мне интересно, каким бы он был сейчас?.. Что поставил бы?.. Знаю
одно: на сцене был бы Абрамов,
спектакли «плаща и шпаги», мюзиклы... Эдуард Семёнович мечтал поставить спектакли о молодом Ломоносове, об архангельском мужике – первом российском фермере. Мне кажется, что
и в 80 лет он не был бы стариком, так же стремительно взлетал бы на сцену и так же самозабвенно увлекался новыми авторами и новыми интересными
пьесами. Он оставил о себе добрую память.
Репетиция спектакля
«Один день огромной страны»
Сцены из спектакля
«Принцесса Турандот»
Добрые роли
Валерия Калинина
8 ноября исполнилось бы 75 лет заслуженному артисту РСФСР Валерию Калинину. Более 20 лет выходил
он на сцену Архангельского театра драмы, сыграл около 30 ролей, драматических и комедийных, больших и
маленьких. Среди его работ: де Тревиль в «Трех мушкетерах», Брюхатый в «Энергичных людях», Звягинцев в
драме «Полк идет», Князь К. в «Дядюшкином сне», Уинстон Черчилль в «Экипажах адских широт».
Невозможно представить Валерия Викторовича в
роли отъявленного негодяя или коварного злодея. Он
любил работать в спектаклях для детей. Его многочисленные короли, ежики, коты, грибы были уютными и
добрыми, а глупого и смешного Короля из «Бременских музыкантов», сыгранного более ста раз, наверняка помнят повзрослевшие зрители, которые в детстве
обожали этот спектакль.
Был Валерий Викторович доброжелательным, остроумным, хлебосольным хозяином и неутомимым рассказчиком. Умер он 23 января 1998 года в своей гримёрке, перед спектаклем «Как бы нам пришить старушку»,
уже одетый в костюм своего персонажа – доктора. В
нем его и похоронили.
Полосу подготовила Нина САМОЙЛОВИЧ
Репетиция спектакля «За двумя зайцами»
10
Событие
№3 (39) Ноябрь 2015 г.
Последнее искушение
Михайло Ломоносова
7 октября прошла читка пьесы «Последнее искушение Михайло Ломоносова», написанной
московским драматургом Анастасией Экаревой специально
для Архангельского театра драмы. Труппа театра собралась в
малом репетиционном зале, и в
течение почти трех часов знакомилась с произведением, над
которым вскоре предстоит работать. Премьера спектакля по
новой и во многом неожиданной пьесе запланирована на ноябрь следующего года.
Текст пьесы читала автор – драматург
Анастасия Экарева. Актёры внимательно вслушивались и вдумывались в диалоги, реплики,
пространные ремарки и, кажется, уже предполагали, кому достанется та или иная роль.
Жанр пьесы необычен. Анастасия Экарева назвала свое произведение научномаскарадной драмой. «Настоящих» действующих лиц время от времени сменяют маски, участвующие в интермедиях, где фантастические персонажи вступают во взаимоотношения с реальными историческими лич-
Анастасия Экарева, драматург:
- В пьесе я хочу показать живого, яркого Ломоносова. Я была в потрясении от того, насколько мы его
не знаем, каким он был удивительным, самобытным
и странным, как и любой гений. Кроме того, мы решили
пойти на удивительный эксперимент. Жанр, который мы
придумали для этой пьесы – научно-маскарадная драма. В спектакле будут физические и химические опыты,
которые реально покажут зрителям.
Андрей Тимошенко,
главный режиссер Архангельского театра драмы
имени М.В. Ломоносова:
- В этой пьесе есть что ставить и есть что играть.
Получился, как мы и хотели, рассказ о живом человеке
с большим талантом. О том, как тяжело эту ношу нести,
существовать в быту с близкими людьми, как они страдают, и как он мучается... Ломоносов здесь глубоко верующий и глубоко сомневающийся. Это не «дежурная»
и не пафосно-датная пьеса – её можно играть всегда.
ностями. Их в пьесе немало: Екатерина Великая, ее фрейлина и соратница Екатерина
Дашкова, чопорные профессора Петербургской академии наук и пылкий ученик Ломоносова Алексей Протасов, лукавый царедворец Никита Панин и поэты-соперники Василий Тредиаковский и Александр Сумароков.
Здесь нашлось место историческому вымыслу: одна из самых драматичных сцен –
объяснение Ломоносова с Екатериной Дашковой, не могла случиться в реальности, но
такая фантазия автора оказалась уместна. В
ней с неожиданной стороны раскрывается
твердый характер и сила воли ученого.
Гость
В сентябре Архангельск посетил известный драматург
Сергей Коковкин. Зрителям он известен как автор пьесы «Раненый зверь», которую несколько раз ставили на
архангельской сцене. Многие его пьесы – это исторические фантазии, основанные на глубоком знании подлинных фактов. В этот раз автор приехал на премьеру молодежного театра «Страстотерпцы»: эта пьеса посвящена
трагической судьбе сосланного в Холмогоры Ивана VI. На
следующий день после премьеры Сергей Борисович зашел в гости в Архангельский театр драмы, с которым его
многое связывает.
О Ломоносове
В Архангельске Сергей Коковкин
был еще на практике во время учебы в ЛГИТМиКе, и затем не раз возвращался в наш город. В 1986 году
режиссер Архангельского театра драмы Эдуард Симонян поставил по его
пьесе спектакль «Аки раненый лев» к
275-летию Михаила Ломоносова. Автор определил жанр своей пьесы как
«фреска из двух половин»: по замыслу
драматурга, Ломоносов предстал в ней
не хрестоматийным гением, а «живым»
человеком, одержимым страстями.
«Я написал эту пьесу по заказу
Эллы Кокотовой, тогдашнего завлита
Архангельского театра драмы, – рассказывает Сергей Борисович. Мы с
режиссером Эдуардом Симоняном
много говорили об этом образе. Мне
было важно соединение Ломоносова с
вечностью, космосом. Так возник образ огненного шара – для того, чтобы
«зажечь» имя Ломоносова».
В те далекие годы драматург приехал в Архангельск с известным по
созданной им музыке ко многим советским фильмам композитором Эдуардом Артемьевым, детство которого
прошло в Соломбале. Он написал замечательную музыку к спектаклю.
По мнению Сергея Коковкина,
история отношений Ломоносова с
властью повторяется вновь и вновь
и в сегодняшней жизни. В пьесе есть
эпизод, когда императрица Екатерина II привозит учёному два воза медных денег, чтобы выплатить причита-
Есть мнение
ющуюся сумму. «Выплатила, но пятаками! – замечает автор. – Таково
было отношение к этому человеку
со стороны власти. Как же он страдал, несчастный! Я нашел к Ломоносову какой-то свой подход: для меня
главное заключается в его динамизме
и противоречии внутреннем. Именно
это интересно».
Когда спектакль был готов, управление культуры не разрешило дать
ему название пьесы, вместо этого на
афишах написали «Аки раненый лев».
В пьесе есть такая фраза: «Рычу аки
раненый лев, только эха нет».
В 2006 году спектакль «Раненый зверь» поставили в Архангельском молодежном театре. Роль Ломоносова в этой постановке исполнил Илья Глущенко. Сергею Коковки-
Мир реальный – с научными экспериментами ученого в химической лаборатории, работой над мозаикой и семейными
отношениями – в пьесе вступает во взаимодействие с миром фантастическим. То и
дело появляется чёрт, который и предлагает стареющему и теряющему силы Михаилу Васильевичу заключить «выгодную»
сделку: обменять душу на вечную молодость, любовь и знания. Выбор, перед которым оказывается главный герой пьесы,
становится последним искушением гения
– с ним он борется до последней минуты
своей жизни.
Нина Самойлович,
заведующая литературно-драматургической
частью Архангельского театра драмы
имени М.В. Ломоносова:
- Пьеса обещает интересный спектакль. Столько
персонажей, столько сюжетных линий – и все они связаны с Ломоносовым. Характеры выписаны так, что артистам будет где развернуться, и будет как показать
себя даже в самой маленькой роли. Жанр определен
как научно - маскарадная драма – игра. Значит, на сцене предстанет блистательный и страшный восемнадцатый век с балами и маскарадами, с интригами и войнами, с немецким засильем в российской академии
наук – век Ломоносова...
Исторические фантазии
Сергея Коковкина
ну созданный образ понравился: «Он
был совершенно не иконописный, а
жёсткий, странный, больной, ревнивый – раненый зверь!»
Фантазии на тему
Драматург Сергей Коковкин считает, что его пьесы на исторические
темы – это, скорее, фантазии по поводу исторических событий: «Они
обостряют наше понимание истории.
Сначала ты погружаешься в исторический материал, а затем начинаешь
фантазировать На базе глубоких знаний я могу играть этим материалом.
История может начать «дышать» в художественных произведениях. При
этом историческая фантазия всегда
должна быть основана на подлинном
факте и абсолютно свободна».
Неожиданные повороты, театральность, юмор, ирония и абсурд – всё
это характерно для фантазийноисторических пьес Сергея Коковкина.
Наиболее известные из них: «Кого-то
нет, кого-то жаль» – об истории изгнания из Москвы скоморохов царем Алексеем Михайловичем, «Миссис Лев» – о взаимоотношениях Льва
Наша справка
Сергей Коковкин – заслуженный артист России, театральный
режиссёр, драматург. Автор 30
пьес, широко шедших на сценах
Москвы. Его произведения переведены на многие языки мира. Сергей Коковкин работает за рубежом
и преподаёт, руководит мастерской Театрального факультета Московского Института Телевидения и
Радиовещания «Останкино», ставит
русскую классику и современные
пьесы русских авторов в США.
Заведующая литературно-драматургической частью Нина Самойлович
рассказывает Сергею Коковкину об экспонатах театрального музея.
Драматург был рад ненадолго вернуться во времена начала своего
творческого пути, связанные с Архангельским театром драмы...
Толстого и его жены Софьи Андреевны, фантазия «Пушкингоголь» на тему
возможного конфликта между Пушкиным (останься поэт жив на дуэли) и Гоголем. «Магическое «если бы»
– это основа театра, как об этом писал Станиславский. Представьте: если
бы Пушкин выстрелил первым и убил
Дантеса, что было бы тогда с Пушкиным? Всё равно был бы убит, но уже
Гоголем и в другом смысле!» – рассказывает об идее своей пьесы Сергей Борисович.
О страстотерпцах
«В истории со ссылкой Ивана VI
и всего Брауншвейгского семейства
мне были интересны та несправедливость и зло жизни, которые обрекают
на страшные испытания людей, абсолютно не готовых к ним и совершенно безвинных, – поделился Сергей Коковкин. – Но они это испытание несут, возлагают на свои плечи,
вытягивают и побеждают. Потому что
они – страстотерпцы. Потому что те,
кто давил на них – ничтожны».
Страдания юноши, его родителей и сестер, обреченных на вечное
заточение, ибо истинный наследник
престола представляет потенциальную опасность для правителей, один
за другим сменяющих друг друга во
время дворцовых переворотов, оказываются в центре спектакля Архангельского молодежного театра «Страстотерпцы» по пьесе Сергея Коковкина.
«Почему в нашей многовековой
истории получается так, что мы спустя время начинаем говорить о тех,
кого унижали, уничтожали? – размышляет автор. – Мы делаем вид,
будто не было того, что испытали эти
люди. К сожалению, не были наказаны те, кто для них испытания уготовил. Их жертвы погибли – но они побеждают в историческом аспекте, потому что мы говорим мы о них, помним их, живём ими. Это противостояние и легло в основу моей пьесы».
Полосу подготовила Ксения ДВИНСКАЯ
№3 (39) Ноябрь 2015 г.
11
Привет от короля Квака
Кукольный театр
«Театральная буффонада с волшебными превращениями» – так
определил жанр спектакля Архангельского театра кукол «Лягушиный
король» режиссёр-постановщик, художественный руководитель театра
Дмитрий Лохов. Ужасное и прекрасное, реальное и фантастическое, смешное и трагическое смешивается в волшебный сказочный
коктейль, рекомендованный детям
старше шести лет.
Спектакль поставлен по мотивам одноименной сказки известной голландской писательницы, лауреата Золотой медали имени Г.Х Андерсена Анни Шмидт. «В стародавние времена...»
– нараспев начинают свой рассказ пятеро актеров, поочередно доставая своих сказочных кукольных героев из двух волшебных сундуков,
расположенных на сцене. Маленькие зрители замирают в ожидании чуда.
Художник из Санкт-Петербурга Алевтина Торик, лауреат премии «Золотая Маска», создала
на сцене по-настоящему волшебную атмосферу. Первой перед зрителями появляется главная
героиня: в голубом платьице, с забавными белыми косичками, широко распахнутыми наивными глазками. «Принцесса такая смешная!» – говорит своей маме девочка неподалеку от меня.
Кукольные родители тоже «смешные»: удивленное выражение круглых глаз – характерная особенность всех созданных для спектакля кукол.
Интервью
Художественный руководитель Архангельского театра кукол, заслуженный деятель искусств РФ Дмитрий Лохов отметил свой
65-летний
юбилей.
Более сорока лет он работает здесь в качестве режиссёра, хотя первые шаги в
профессии делал как актёр. В интервью «Бенефису» он рассказал о философской природе театра
кукол и о том, почему самое важное для артиста –
быть личностью.
– Дмитрий Александрович,
как происходит «воспитание» артиста внутри вашего театрального коллектива?
– С кадрами у нас всегда было
очень сложно, потому что обычно получается так, что учиться на артиста
театра кукол идут «по остаточному
принципу»: в первую очередь всем
хочется в драму. Это понятно, потому что театр кукол – особый вид
театрального искусства, который не
всем хорошо знаком. Но если человек приходит с желанием овладеть
этим искусством и вникает в наш
жанр, то остается в нем надолго, часто на всю жизнь. Кроме того, в театре кукол очень много династий:
дети идут по стопам родителей.
Когда в театр приходит молодой
актер, мы стараемся, чтобы он работал в одном спектакле вместе с мастерами сцены. Как таковой специальной учебы у нас нет, и артист постепенно «вырастает» в процессе создания спектакля, в котором он обычно принимает очень активное участие
и является в большей степени соавтором, чем это бывает в драматических театрах. Во время репетиций актеры импровизируют, предлагают какие-то реплики, ходы. Мне ка-
Они привлекают внимание и делают персонажей сказки более живыми и близкими в детском и «шуточными» во взрослом восприятии.
Наконец-то распахивается третий сундук, до
поры до времени скрывающий свою тайну, и
перед нами предстает пруд со сверкающим водопадом – владения лягушиного короля. Он
становится местом таинственных перевоплощений и неожиданного появления новых персонажей. Поднимающиеся из пруда большие лягушачьи лапы, а затем и огромная лягушачья голова, приводит в восторг и пугает маленьких
зрителей одновременно.
Игра со светом также помогает создать атмосферу волшебства на сцене: всё сверкает,
блестит и переливается. Стоит только подключить
воображение, и кажется, будто настоящие брызги
рассыпаются по сцене. Но вот происходит затемнение, что-то гремит и вспыхивает: словно настоящая гроза разыгралась в королевстве.
Как в любой хорошей сказке, даже если
это «буффонада с волшебными превращениями», в спектакле должна быть мораль. На мой
взгляд, кроме хрестоматийной победы добродетели над эгоизмом – самопожертвование принцессы, когда она просит короля Квака о помощи для принца, а не для себя – в спектакле
затрагиваются актуальные проблемы, с которыми жизнь сталкивает современного ребенка. Чем
образ зеркала, от которого часами не отходит
маленькая принцесса, не аналогия сегодняшним
гаджетам, которые создают имитацию реальной
жизни и фокусируют внимание ребёнка лишь на
самом себе и собственных интересах? «На при-
роду – марш! Совсем не дышит свежим воздухом!» – возмущается король-отец. Звучит удивительно современно и своевременно.
Казалось бы, всё это не такие уж значительные эпизоды в спектакле. Однако звучащие мотивы возрастающего человеческого эгоизма, равнодушия к реальному миру и желания всё новых
и новых вещей – как и принцессе в этой истории стало недостаточно всех её ярких шляпок –
возможно, поможет взрослым обратить внимание
на нюансы воспитания своего ребёнка и на самих себя. Чтобы не получить когда-нибудь «привет» в виде лягушачьей головы от короля Квака.
Мария Иванова
Дмитрий Лохов:
«Мечтаю о театре-ансамбле»
жется, это положительный момент: в
театре кукол артисты более свободны. Помню, как замечательная актриса Архангельского театра драмы Светлана Невоструева говорила:
«Мы, актеры – люди подневольные!».
Мы же стараемся, чтобы актеры были
все-таки не «подневольные». Огромное значение имеет творческая атмосфера, которую мы стараемся поддерживать. В первую очередь, чтобы
все было доброжелательно: у нас в
театре очень хорошие взаимоотношения старшего, среднего и младшего
поколения актеров.
– Какие наиболее важные
моменты в работе артиста театра
кукол вы бы назвали?
– На мой взгляд, самое главное,
чтобы актер присутствовал в разрабатываемом материале как личность, с этого все начинается. У наших спектаклей всегда какая-то игровая основа, то есть происходит игра
между личностями на основе предлагаемого сюжета. Так происходит не
только в театре кукол – например,
Эфрос репетировал так же. Когда на
репетициях возникает игра между ак-
терами, добавляется текст персонажа,
маска или кукла. Важно, что не актер
ведет куклу и не кукла ведет актера:
актер через куклу играет, действует
«от себя». Актер должен идти от себя
и как можно дальше, сохраняя при
этом личностное присутствие на протяжении всех репетиций. Конечно, с
куклой это сыграть сложнее, но суть
остается та же, что и в драматическом театре. В театре кукол мы почти всегда имеем дело с гротеском,
с преувеличением, с фантасмагорией – здесь нет реализма. Но в том и
фокус, что если актер в этих условиях теряется как личность, то остается
только внешний рисунок и получается холостой спектакль: интересный
снаружи, но пустой внутри.
– Насколько сложно освоить
куклу, чтобы передать через неё
внутренние движения актера?
– Многое зависит от сложности
самой куклы. Освоить петрушку или
перчаточную куклу намного проще,
чем, например, марионеток. Управление марионеточной куклой происходит с помощью специальных нитей,
что более сложно – поэтому у нас
немного таких спектаклей. В спектакле «Любовь к золотому апельсину»
используется еще один вид – масочный театр, живущий по своим законам пластики.
– В Архангельском театре кукол вы начинали как актер, и
многие до сих пор помнят ваши
замечательные работы. Не жалеете, что перешли на режиссерское поприще?
– Я думаю, что каждый должен
заниматься своим делом, и поскольку я ступил на путь режиссуры, не
жалею об этом. Собственный актерский опыт в этой работе помогает.
В ЛГИТМиКе я учился у замечательного мастера Сергея Константинови-
ча Жукова, который передал нам метод работы с куклой. Он заключается в «протаптывании дорожки» от
личности, воображения, по нервам
через руку к кукле так, чтобы итогом было не «кукловождение», а анимация, одушевление куклы. Народная артистка РФ Светлана Михайлова тоже училась у этого мастера. Это
была очень хорошая актерская школа. Чтобы быть актером, нужно быть
в очень хорошей форме, постоянно
поддерживать и развивать свои навыки, не останавливаться ни в коем
случае.
Иногда, конечно, хочется что-то
сыграть, возникает даже такое ощущение, словно что-то еще не доиграл. Был такой спектакль Василия
Дерягина «Иосиф Швейк против», я
играл в нем фельдкурата Каца. Помню, что у меня возник вариант новой трактовки образа моего персонажа: я хотел добавить ему трагической ноты. Но вскоре спектакль перестал идти, и мне до сих пор жалко, что я что-то еще не попробовал
в этой роли.
– Архангельский театр кукол
дважды был обладателем «Золотой Маски», его прекрасно принимают на российских и международных фестивалях, любят зрители. Как вы думаете, в чем секрет успеха?
– Думаю, успех приходит во
многом благодаря стечению обстоятельств. Но есть еще один важный
момент. Когда я говорю об актереличности, который должен присутствовать в спектакле, я всегда имею
в виду некий объем этой личности.
Если человек не читает книг, не смотрит фильмов и спектаклей, не наблюдает сегодняшнюю жизнь во
всех ее проявлениях, у него другой
глаз. Независимо от того, какой спек-
такль играет актер, пусть даже это
будет «Три поросенка», если он читал, скажем, Пелевина и Кафку, это
придаст совершенно другую интонацию любому, самому наивному детскому спектаклю. Если же такого багажа нет – все опускается на уровень детских утренников.
– В современном театре много различных экспериментов.
Как вы относитесь к ним?
– Я считаю, что в театре возможно все. Наше искусство – философское, метафорическое, здесь всегда присутствует какая-то вечная тема:
любовь, смерть. Сама кукла требует
таких тем: не бытовых и узко реалистических, а философских, глобальных. Главное, чтобы артисту было интересно работать над материалом, и
даже в «зайчиках» и «лисичках» он
мог найти и передать зрителю какуюто глубину. Мы стараемся работать с
разными художниками и режиссерами, чтобы в театре было разнообразие спектаклей, тем и смыслов.
– Есть ли у вас мечта, связанная с работой в Архангельском театре кукол?
– Это, скорее, не мечта, а сверхзадача для меня как художественного руководителя: чтобы существовал
театр-ансамбль. Я имею в виду не
только актерский ансамбль, когда в
процессе репетиций вдруг возникает
одна реплика, другая, идет какая-то
импровизация, как в джазе. Желательно, чтобы весь театр так работал:
и цеха, и бухгалтерия, и директор. Но
это уже из области мечтаний (улыбается). Конечно, пока у нас было стационарное здание, мы к этому стремились, и во многом это получалось,
мы приближались к этой цели. Главное – человеческая атмосфера, которая есть в нашем театре.
Беседовала Ольга ИСТОМИНА
12
№3 (39) Ноябрь 2015 г.
Конкурс
С юбилеем!
Место, которое
хочется посетить!
В честь открытия 83-го театрального сезона для своих зрителей Архангельский театр драмы им. М.В. Ломоносова приготовил сюрприз. Любой желающий
мог выиграть билеты на первый спектакль сезона, подписавшись на официальную страницу
театра Вконтакте (https://vk.com/
arhdramaru) и сделав репост объявления о розыгрыше.
Поздравляем с победой наших зрительниц
Любаву Буланову, Ольгу Трубиенко, Ольгу Печурину и Арину Запасову. «Я была очень счастлива оказаться среди победителей! Это моя первая победа в подобных розыгрышах. Я люблю
театр, спасибо вам!» – сказала Любава Буланова. «Меня переполняют эмоции! Если честно, я
думала, что выиграть нереально, а оказалось, совсем наоборот», – поделилась Арина Запасова.
Впереди зрителей ждут новые конкурсы, выиграть в которых может каждый. Главное – захотеть!
Вера Томилина появилась в нашем театре...
46 (!) лет назад. Красивая и миниатюрная с нежным мелодичным голосом, выходя на сцену в
роли Красной Шапочки, принцессы или сказочной
Феи, казалась какой-то неземной, пришедшей из
неведомых миров.
Наш город стал для нее родным, здесь родились ее дети и внуки. Здесь осуществилась ее
давнишняя мечта: она, можно сказать, своими руками построила ДОМ, самый настоящий на своем
небольшом дачном участке, и очень любит принимать в нем гостей. Но в первую очередь, она, конечно же, актриса. На архангельской сцене сыграно около 100 ролей, самых разных: от малюсеньких эпизодов до главных героинь. К сожалению, как нередко бывает в театре, сыграно не все,
о чем мечталось, были у актрисы и сезоны простоя, когда она не получала ни одной новой работы, но несла свой крест безропотно и верила.
Зрители со стажем наверняка вспомнят ее работы: Кабаниху («Гроза»), Татьяну («Пока она умирала»), Габи («Восемь любящих женщин»), Бабку
(«Семейный портрет с посторонним»), Викторию
(«Сирена и Виктория»), тётю Анхелину («Дикарь»),
Жанну Владимировну («Аккомпаниатор»), Бояркину («Беда от нежного сердца»), Беллу Соломоновну («Вышел ангел из тумана»), Сталину («Последний герой»). Сейчас Веру Николаевну можно увидеть в роли Христофоровны в «Пелагее и Альке»
и в роли Пидоры в комедии «За двумя зайцами».
Поздравляем Веру Николаевну с юбилеем, желаем крепкого здоровья, душевной гармонии, нежности, добра и творческих успехов.
От горшка два вершка
Театральные байки
Дорогие читатели! В газете появилась новая рубрика: мы начинаем публиковать фотографии и истории из детства актеров Архангельского театра драмы.
Первыми нашими героями стали Иван Морев и Татьяна Боченкова.
Им не страшен
серый Волк
Татьяна Боченкова:
На фотографии мне лет пять. Тогда от садика нас каждое лето,
на июль и август, отправляли в лагерь на Украину, в Чернигов. Мой
день рождения как раз приходился на это время. Однажды в этом
лагере на день рождения мне подарили набор для доктора. Он мне
так нравился! Там был и шприц, и какие-то маленькие витаминчики, и грелочка, очень много всего. Всем, конечно, хотелось поиграть
с этим набором, и домой я его так и не довезла. Но яркое впечатление об этой игрушке осталось. И хотя в детстве я и в учителя играла, и в доктора, у меня такое ощущение, что я всегда хотела быть
только артисткой.
(Байка от заведующей литературной
частью Архангельского театра кукол
Светланы Логиновой).
Один из любимейших спектаклей архангельской детворы – «Три поросенка».
Он не сходит с афиш Архангельского театра кукол более тридцати лет.
Однажды, когда театр был на гастролях в глубинке, оказалось, что забыли
взять маску Волка. Как быть? Коллективно нашли выход: на актера надели меховую шапку-ушанку так, что «уши» торчали в разные стороны. Так и отыграли.
Никто ничего не заметил, и дети все так
же радовались, что у Волка не получилось съесть веселых Поросят.
«Перепутали»
(Байка от актрисы Архангельского
молодежного театра, заслуженной
артистки РФ Натальи Малевинской).
Некогда на сцене Молодежного театра
шел спектакль «В списках не значился».
Роль лейтенанта Плужникова одно время
играл Евгений Шкаев. В спектакле был такой эпизод – герою Шкаева надо взять
на руки девушку Мирру и выйти с нею
на сцену. Обычно актеру «подавали» актрису из-за кулис прямо на руки. Однажды
Евгению Шкаеву (уж неизвестно почему)
вместо актрисы, исполнявшей роль Мирры,
положили на руки актера Сашу. А Шкаев,
будучи в образе, не заметил – так и вышел обратно на сцену с юношей на руках
вместо девушки. Как актер вышел из щекотливого положения, история умалчивает...
Дорогие читатели!
Иван Морев:
Моим увлечением детства была музыка. Всякий раз, когда мои
родные отворачивались, я подходил к радио и нажимал кнопки. А
когда транзистор включался, и все обращали на меня внимание, я
говорил: «Музика да». После этого мне купили гитару и гармошку.
Для меня эти подарки были самым большим счастьем!
Если вы или ваши дети пишете стихи, фотографируете, рисуете и хотите поделиться своим творчеством, то вам сюда! Присылайте свои работы по электронной почте (dramalit@mail.ru) или размещайте на официальной странице театра «Вконтакте» (http://vk.com/arhdramaru). Самые
интересные из них будут опубликованы на страницах газеты «Бенефис»!
Шеф-редактор – Е.В. Шитова. Выпускающий редактор – О.С. Истомина. Верстка и дизайн – А.А. Овчинников.
Над номером также работали: М. Гаврилова, П. Карпович, Н. Курилович, Н. Латухина, Ю. Новосельцева, А. Онучина, А. Петров, Э. Савельева, Н. Самойлович, В. Слободенюк.
Адрес редакции: 163000, г. Архангельск, Петровский парк, 1.
№3 (39) Ноябрь 2015 г. Тираж 999 экз. Заказ № __. Отпечатано в ООО «Северодвинская типография», г. Северодвинск, ул. Южная, д. 5 Подписано в печать 6.11.2015 г.
Электронную версию газеты «Бенефис» читайте на сайте www.arhdrama.ru
и на официальной странице Архангельского театра драмы имени М.В. Ломоносова Вконтакте http://vk.com/arhdramaru.