для студентов первого курса по специальности &quot

Авторская идея в рамках практической части сетевого проекта «Современный
урок: кейс – метод»
Описание занятия по предмету технология художественных материалов, для
студентов первого курса
Автор: Татьяна Владимировна Кипко, преподаватель живописи, ГОУ СПО
ЯНАО «Ямальский многопрофильный колледж» г. Салехард, 2013 г.
Курс: 1 курс специальность «живопись»
Время занятия: 2 часа (100 минут)
Вид кейса: научно – исследовательский
Тип кейса: аналитический
Урок проведен в рамках одного из четырех типов подходов организации
образовательной деятельности разработанного Гарвардской школой: Аналитический
кейс. Технология создана на основе методов активного обучения. Основой
технологии является групповой метод обучения с элементами дискуссии и игры.
Цели урока:
1. Развивать у студентов эстетическое отношение к окружающей
действительности, умение видеть красоту повседневных предметов.
2. Узнать принцип работы масляными красками, акварельными красками и
гуашевыми красками в технике многослойной живописи.
3. Знакомство учащихся с принципами работы в рамках образовательной
технологии «Кейс - метод»
Проблемное задание: Студенты первого курса сталкиваются с новым видом
изобразительной деятельности живописью. Перед преподавателем станковой
живописи стоит задача рассказать про способы практического выполнения
живописного полотна в технике масляной живописи. Задача звучит так: В союз
художников России поступил заказ на выполнение портретов нобелевских
лауреатов России. Перед художниками была поставлена задача – определить в какой
технике будут выполнены портреты, какими материалами, в каком жанре.
Для дальнейшего решения учитель готовит необходимые материалы: статьи с
описанием видов и жанров искусства, статьи о художественных материалах,
примеры портретов в различных техниках исполнения и т. д.
Содержание кейса:
1. В кейсе предложены на рассмотрение репродукции картин в жанре
портретной живописи представителей разных эпох:
 Леонардо да Винчи (Возрождение в Италии) «Мона Лиза»; «Красавица
Ферроньера»; «Дама с горностаем»; «Дженевра де Бенчи»; «Портрет
музыканта»; «Беатриче д’Эсте»
 Альбрехт Дюрер (Возрождение в Германии) «Барбара Дюрер»; «Венецианка»;
«Дюрер старший»; «Иероним Хольцшуэр»; «Молодой человек»
 Ян ван Эйк (Возрождение в Нидерландах) «Кардинал Никколо Албергати»;
«Портрет ювелира»; «Портрет человека с гвоздикой»; «Портрет четы
Арнольфини»; «Портрет молодого человека»; «Портрет Маргарет ван Эйк»
 Винсент Ван Гог (постимпрессионизм во Франции) «Доктор Гаше»; «Папаша
Танги»; «Автопортрет 1887»; «Автопортрет 1888»; «Автопортрет с палитрой
1889»; «Автопортрет с отрезанным ухом 1889»; «Автопортрет 1890»
 Клод Моне (импрессионизм) «Госпожа Годибер»; «Жан Моне в колыбели»;
«Женщины в саду»; «Дама с зонтиком»; «На морском побережье Трувиля»
 Пьер – Огюст Ренуар (импрессионизм) «Две девочки за фортепиано»; «Две
читающие девочки в саду»; «Виктор Шоке»; «Тереза Берар»; «Танцовщица с
тамбурином»; «Танец в Буживале»; «Прогулка»; «Зонтики»; «Плавучий
ресторанчик»; «Мадмуазель Жюли Моне с кошкой»; «Девочка в соломенной
шляпе»; «Девочка в соломенной шляпе»; «Читающая девочка»; «Художник
Клод Моне»; «Дама с веером»; «Коко»; «Балерина»; «На террасе»
2. Проблемное задание
Основная задача
Проблемный вопрос 1
Этапы работы над проблемным вопросом
Проблемный вопрос 2
Этапы работы над проблемным вопросом
3. Дополнительные материалы
В кейсе так же представлены статьи из ниже приведенных книг о
том какие бывают художественные материалы и какие особенности
нужно учитывать при работе с ними. Кейс содержит статьи по
технологии масляной живописи, акварельного письма, работы
гуашевыми красками, статьи о фотографии.
4. Список литературы
 Виннер А.В. Материалы масляной живописи М. Изд-во Искусство, 1950
 Алпатов М.В. 'Этюды по истории русского искусства. Том 1, 2' - Москва:
Искусство, 1967
 Киплик Д.И. Техника живописи МОСКВА «СВАРОГ и К» 1998
 Беда Г.В. Живопись Москва Просвещение,1986
 Краморов С.Н. Конструктивный рисунок Омск «Академия» 2005
 Корсунский Л. Устойчивость современных художественных масляных красок
// Художник. 1962, № 10. С.56-58.
 Бергер Э. История развития техники масляной живописи. Пер. с немецкого.
М., 1961.
 Лужецкая А. Н. Техника масляной живописи русских мастеров с XVIII по
начало XX века. М., 1965.
 Клюнинг А. Материалы акварельной живописи // Художник. 1975, № 9. С.6062.
 Современная советская акварель. Автор вступ. ст. В. И. Володин, составитель
Н. А. Володина. М., Советский художник, 1983.
 Изаксон А. Как работать гуашью // Художник. 1961, № 3. С.54-55.
 Гуашь // Энциклопедический словарь Брокгауза и Ефрона: В 86 томах (82 т. и
4 доп.). — СПб., 1890—1907.
 Фотография // Энциклопедический словарь Брокгауза и Ефрона: В 86 томах
(82 т. и 4 доп.). — СПб., 1890—1907.
 Цветная фотография // Энциклопедический словарь Брокгауза и Ефрона: В 86
томах (82 т. и 4 доп.). — СПб., 1890—1907.
 Харт, Расселл. Фотография для «чайников» = Photography For Dummies. — 2-е
изд. — М.: «Диалектика», 2007. — С. 368. — ISBN 0-7645-4116-1
 Новая история фотографии / Под ред. Мишеля Фризо. Пер. с франц. — СПб.:
Machina; Андрей Наследников, 2008.
 Сапаров М. А. Импрессионизм и фотография // Материалы научной
конференции, посвященной первой выставке импрессионистов.
Государственный Эрмитаж. 22-23 октября 1974 г. — Л.:1974. — С.17-19.
Выставка на сайте.
 Краус Р. Переизобретение средства: История фотографии // Синий диван. —
2003. — № 3. — С.105—127.
 Раппапорт А. Фотографичность и автоматизм // Советское фото. — 1987. —
№ 6.
 Раппапорт А. Глубина резкости // Советское фото. — 1988. — № 6. — С.23—
24.
 Раппапорт А. Историческое время в фотографии // Мир фотографии / Сост.
В.Стигнеев и А.Липков. — М.: Планета, 1989. — С.35—39.
 Кораблёв Дмитрий. Фотосъемка. Универсальный самоучитель. — СПб.: ООО
"КОРОНА принт", 2003. — ISBN 5-7931-0255-8
 Акварель // Энциклопедический словарь Брокгауза и Ефрона: В 86 томах (82 т.
и 4 доп.). — СПб., 1890—1907. (Проверено 18 апреля 2011)
 Петрушевский Ф. Ф., Краски, употребляемые для живописи //
Энциклопедический словарь Брокгауза и Ефрона: В 86 томах (82 т. и 4
доп.). — СПб., 1890—1907. (Проверено 18 апреля 2011)
Проблемный вопрос 1 – определить какая техника лучше всего подходит для
выполнения портретов нобелевских лауреатов России, какими материалами
(живопись маслом, акварель, гуашь или фотография)?
Этапы работы над проблемным вопросом.
1. Что такое :
а) «масло» в живописи?
б) «акварель»?
в) «гуашь»?
г) «художественная фотография»?
2. Какие техники исполнения вы знаете в работе:
а) масляными красками?
б) акварельными красками?
В) гуашевыми красками?
Г) художественная фотография?
3. Какими преимуществами обладает:
а) масляная живопись?
б) акварельная живопись?
В) живопись гуашевыми красками?
г) художественная фотография?
4. Какие минусы в работе с другими красками вы знаете?
а) масляная живопись?
б) акварельная живопись?
В) живопись гуашевыми красками?
г) художественная фотография?
5. Почему именно вами выбранная живопись лучше всего раскроет внутренний
мир и внешнее сходство с предполагаемыми объектами портрета –
нобелевскими лауреатами России. Почему техника, которой вы отдали
предпочтение лучше всего подойдет для выполнения государственного заказа
серии портретов нобелевских лауреатов России?
Проблемный вопрос 2. Нужно ли делать предварительный картон с
линейно – конструктивным построением, прежде чем начать выполнять
живописную картину?
1.
2.
3.
4.
5.
6.
7.
Этапы работы над проблемным вопросом.
Что такое предварительный графический картон?
Какие техники исполнения и какие художественные материалы выполнения
графического картона вы знаете?
Какими преимуществами обладает способ ведения живописной картины с
выполнением предварительного графического картона?
Какие минусы существуют в работе над живописной картиной с помощью
предварительного графического картона?
Какими преимуществами обладают живописные полотна, написанные без
предварительного графического картона?
Какие минусы ведения живописной картины без предварительного
графического картона вы знаете?
Почему именно вами выбранный способ ведения живописной картины лучше
всего раскроет внутренний
мир и внешнее сходство с предполагаемыми
объектами портрета – нобелевскими лауреатами России. Почему техника,
которой вы отдали предпочтение лучше всего подойдет для выполнения
государственного заказа серии портретов нобелевских лауреатов России?
Как организована работа с кейсом по выработке решений для
поставленного практико-ориентированного задания:
Кейс предоставляется ученикам до начала занятия. На его изучение,
ознакомление с текстом кейса и предварительный анализ отводится несколько
дней до его обсуждения и реализуется как самостоятельная работа.
Данный сценарий урока в режиме кейс – метод предусматривает пять этапов.
На первом этапе организационный момент, объяснение принципов работы в
рамках новой технологии. Студенты конкретизируют проблему. Учитель
предлагает участникам игры разделиться на 5 творческих групп.
Преподавателем заранее были приготовлены карточки с названием групп по
количеству предполагаемых участников: группа экспертов, группа акварель,
группа масло, группа гуашь, группа фотография. Студенты тянут карточки и
переходят в отведенные для каждой творческой группы зоны. На втором этапе
отдельным творческим группам предлагается рассказать свой вариант
решения проблемы, обосновать свою точку зрения, привести наглядные
примеры. На третьем этапе работает группа экспертов, которая занимается
подведением итогов, подсчетом баллов и определением победителей.
Творческим группам предлагается поработать в разных ролевых позициях:
сначала в роли генераторов идей, затем – в роли экспертов. Все участники
пробуют себя в разных ролях и одновременно имеют возможность «взглянуть»
на свою собственную идею с разных точек зрения. На четвертом этапе учитель
напоминает второе проблемное задание. Участники готовятся к выступлению,
обобщают информацию, структурируют ее, конкретизируют проблему.
Студенты меняются ролями, те кто был в составе творческих групп, становятся
экспертами, те кто был в роли экспертов, тянут карточки с названием
творческих групп: 1 группы, считающей выполнение картона обязательным; 2
группы, выступающей против выполнения картона. На пятом этапе группа
экспертов определяет эффективность работы каждой творческой группы с
точки зрения поставленной перед данной группой цели деятельности;
выступление экспертов (работа каждой группы оценивается экспертами по
количеству набранных баллов; оценка обосновывается). Завершение урока.
Педагог подводит итоги.
Каждый этап может длиться от 15 до 25 минут в зависимости от сложности
рассматриваемой проблемы, возраста учащихся и т.д.
Предлагаемый сценарий предполагает работу в течение 100 минут учебного
времени (2 урока):
I этап
 5 минут – организационные моменты, объяснение принципов работы в рамках
новой технологии урок – игра(кейс – метод). Учитель озвучивает первое
проблемное задание, напоминает о методе, о значении каждой творческой
группы;
 15 минут – группы готовятся к выступлению, обобщают информацию,
структурируют ее, конкретизируют проблему; Учитель еще раз озвучивает
проблемный вопрос.
 аналитическая работа;
 формулирование вывода;
 2 минуты – делятся на группы: тянут жребий;
II этап
 8 минут – выступление 1 группы(акварель);
 8 минут – выступление 2 группы(масло);
 8 минут – выступление 3 группы(гуашь);
 8 минут – выступление 4 группы(фотография);
III этап
 4 минуты- работа группы экспертов по определению эффективности работы
каждой группы с точки зрения поставленной перед данной группой цели
деятельности;
 4 минуты - выступление экспертов (работа каждой группы оценивается
экспертами по количеству набранных баллов; оценка обосновывается).
Каждый раунд длится 8 минут:
IV этап
 2 минуты – Учитель напоминает второе проблемное задание.
 5 минут – организационные моменты; группы готовятся к выступлению,
обобщают информацию, структурируют ее, конкретизируют проблему;
 2 минуты – делятся на группы: меняются ролями, те кто были экспертами, тянут
жребий, те кто были в творческих группах – становятся экспертами.
 8 минут - выступление 1 группы, считающей выполнение картона
обязательным;
 8 минут - выступление 2 группы, выступающей против выполнения картона
V этап
 3 минуты - работа группы экспертов по определению эффективности работы
каждой творческой группы с точки зрения поставленной перед данной группой
цели деятельности;
 3 минуты - выступление экспертов (работа каждой группы оценивается
экспертами по количеству набранных баллов; оценка обосновывается).
 4 минуты – завершение урока. Педагог объявляет как хорошо ребята смогли
поработать в режиме кейс – метода.
Соблюдение протокола – это ответственность ведущего занятие в рамках
данной технологии педагога.
Все свои эмоции участники урока могут выплеснуть только в перерывах между
раундами. Если кто-нибудь из участников творческой группы во время работы
позволяет себе эмоциональные оценки, обсуждение с коллегами, то данная группа
получает штрафное очко. Такой способ позволяет структурировать обсуждение и при
обсуждении итогов, еще раз обратить внимание обучающихся:
 На необходимость уважительного отношения к выступающим однокурсникам;
 На необходимость внимательного прослушивания того, что презентуется, воизбежание ошибок и неточностей.
 На необходимость соблюдения протокола.
Оценивание презентуемых решений:
Каждая группа на первом этапе дискуссии зарабатывает по одному баллу за
приведенные в свою пользу доводы и по половине балла за довод указывающий на
минус идеи другой группы. Существуют штрафные санкции, когда у группы
забирается один балл за каждое некорректное высказывание в сторону другой
группы. После проведения первого этапа дискуссии, подсчитываются баллы и
выбирается техника и материал, которым будет выполнен государственный заказ
портретов нобелевских лауреатов.
Далее, оценка второго этапа дискуссии между двумя группами проходит в том
же режиме.
Оценка экспертов, а также все штрафные очки заносятся в сводную таблицу
следующего вида:
Количество
приведенных
минусов
Количество
приведенны
х плюсов
Штрафы
Итоговое
количество
баллов
Количество
приведенных
минусов
Количество
приведенны
х плюсов
Штрафы
Итоговое
количество
баллов
1 группа акварель
2 группа
масляная
живопись
3 группа гуашь
4 группа
фотография
1 группа,
считающая
выполнение
картона
обязательным
2 группа,
выступающая
против
выполнения
картона
Группа экспертов суммирует баллы и определяет ту группу, которая наиболее
эффективно отработала, решая предложенную задачу. Группа экспертов ведет
обсуждение предложенных творческими группами доводов и доказательств.
Преподаватель подводит итоги.
В режиме Аналитического подхода преподаватель сам задает проблему, сам
предлагает два – три способа ее разрешения, ставит вопрос. Все учащиеся,
разбиваются на подгруппы с помощью заранее приготовленных карточек учителем.
Каждая подгруппа заранее получает задание - подумать над проблемными вопросами:
 Определить, какая техника лучше всего подходит для выполнения
портретов нобелевских лауреатов России, какими материалами (живопись
маслом, акварель, гуашь или фотография)?
 Нужно ли делать предварительный картон с линейно – конструктивным
построением, прежде чем начать выполнять живописную картину?
Ход занятия:
I этап
Вступительное слово преподавателя. На сегодняшний день существует
множество способов отображения реальности. Перед художниками живописцами
всегда стояла задача изобразить трехмерный мир на двухмерной плоскости листа.
Из многочисленных техник и материалов курс академической живописи предлагает
художникам освоить самые распространенные, доступные и классические способы
письма основными общепринятыми художественными материалами, такими как
«масляная живопись», «акварельное письмо», «техника работы гуашевыми
красками», «художественная фотография»
Проблемное задание: Студенты первого курса сталкиваются с новым видом
изобразительной деятельности живописью. Перед преподавателем станковой
живописи стоит задача рассказать про способы практического выполнения
живописного полотна в технике масляной живописи. Задача звучит так: В союз
художников России поступил заказ на выполнение портретов нобелевских
лауреатов России. Перед художниками была поставлена задача – определить в какой
технике будут выполнены портреты, какими материалами, в каком жанре.
После Обучающиеся делятся на пять творческих групп: те, кто желает
выполнить заказ акварельными красками; те, кто выбрали масляную живопись;
группа сторонников гуашевых красок, группа отдавшая предпочтение фотографии,
группа экспертов. Для того, что бы задействовать всех студентов в уроке – игре,
преподаватель заранее подготовил карточки с названием групп по количеству
участников. Для разделения на группы, студентам предложено тянуть жребий.
Обучающиеся заранее познакомившись с предложенными источниками
информации, опираясь на них начинают дискуссию, выбрав варианты и обосновав
их. Участники групп приводят плюсы и минусы работы в каждой конкретной
технике и доказывают, почему именно их техника подойдет для выполнения
портретов нобелевских лауреатов.
Проблемный вопрос 1 – определить какая техника лучше всего подходит
для выполнения портретов нобелевских лауреатов России, какими
материалами (живопись маслом, акварель, гуашь или фотография)?
II этап
Этапы работы над проблемным вопросом.
Тезисы группы (масло)
Участники группы (масло), опираясь на изученные статьи кейса и личный творческий
опыт доказывают, что портрет должен быть выполнен в технике масляной живописи.
Свои доводы ребята подкрепляют показом репродукций художников и раскрывают
слабые стороны других художественных материалов и техник исполнения.











Плюсы работы масляной краской:
Картины, написанные маслом хранятся веками, при условии правильного
бережного отношения к произведению и соблюдению всех условий,
препятствующих разрушению и деформации красочного слоя, холста и
подрамника.
Художник, в отличии от фотоаппарата не фиксирует все подряд. Опытный
живописец делает отбор при изображении натуры. Все лишнее художник
убирает, а в картине использует только то, что помогает передать замысел,
интересную цельную композицию, настроение, определенную цветовую
гамму.
Масляная краска в отличие от других, более практичная, у нее широкий
спектр применения в различных жанрах. Масляной краской можно написать
картины огромных размеров (Явление Христа народу).
Масляная краска – укрывистая. Ей можно перекрывать неудачные мазки. Ее
можно соскоблить мастихином, краску можно стереть с холста при помощи
разбавителя. Можно исправить любую ошибку в картине.
Масляная краска позволяет добиться разной фактуры мазка(вибрирующая
поверхность), при помощи лессировок, протиров и пастозного письма.
Минусы работы акварельной краской:
Акварель не терпит исправлений.
Акварельной краской пишут по бумаге. В связи с этим прочность материала и
долговечность значительно уступает масляной живописи.
Минусы работы гуашевыми красками:
Гуашевые краски очень тусклые.
Картины написанные гуашевыми красками не предполагают большой формат
и чаще выполнены в декоративной технике, в силу определенных свойств
краски.
Минусы фотографии:
Фотоаппарат всегда искажает изображаемую реальность.
Часто фотографию приходится обрабатывать в специальных программах,
чтобы добиться нужных эффектов. Это требует знаний в работе в программах
и большого количества времени.
Вывод:
Считаем, портреты в технике масляной живописи более всего подойдут для
выполнения государственного заказа. Картины сохранят лица лучших умов
России – нобелевских лауреатов для будущих поколений. Масляная краска
очень пластичная, у нее много возможностей. На освещенных участках можно
писать пастозно, в тенях использовать прозрачные краски, тонко писать
лессировками(акварельно). При помощи масляной краски можно создать
более достоверную иллюзию трехмерного пространства на плоскости
двухмерного холста.
Тезисы группы (акварель)
Участники группы (акварель), опираясь на изученные статьи кейса и личный
творческий опыт доказывают, что портрет должен быть выполнен в технике масляной
живописи. Свои доводы ребята подкрепляют показом репродукций художников и
раскрывают слабые стороны других художественных материалов и техник
исполнения.
Плюсы акварельной живописи:
 Акварельная краска, бумага, планшет, ластик, графитный карандаш, баночка
для воды – все это стоит не очень дорого.
 Акварельная краска сохнет очень быстро.
 Акварельная краска не требует использования вредных разбавителей.
 Картины, выполненные в технике акварельного письма всегда сочные,
звонкие, свежие.
 Акварельная краска отличается светостойкостью и не осыпается с бумаги.
Минусы работы масляной краской:
 Работа маслом требует много времени, каждый слой масляной краски должен
просохнуть, прежде чем начнется очередной этап выполнения картины в
техники многослойного письма.
 Работа маслом требует очень большой интеллектуальной работы: понимание
трехмерности объекта и изображение трехмерного пространства на плоскости
двухмерного листа.
Минусы работы гуашевыми красками:
 Гуашевые краски осыпаются с бумаги, растрескиваются.
Минусы фотографии:
 Фотоаппарат фиксирует все, что попадает в его объектив.
 Фотографии это застывший момент жизни, не пропущенный через
человеческое сознание.
Вывод:
Считаем, что портреты нобелевских лауреатов необходимо выполнить
акварельной краской в технике лессировки. Акварельная краска при условии
правильного хранения не потеряет своей трепетности, нежности, свежести,
яркости, прозрачности и живости несколько столетий. (Пример: акварели
Карла Брюллова). Манера исполнения, диктуемая акварелью прекрасно
передаст дух острого ума и свежих идей, которыми светятся лица нобелевских
лауреатов.
Тезисы группы (гуашь)
Участники группы (гуашь), опираясь на изученные статьи кейса и личный творческий
опыт доказывают, что портрет должен быть выполнен в технике масляной живописи.
Свои доводы ребята подкрепляют показом репродукций художников и раскрывают
слабые стороны других художественных материалов и техник исполнения.
Плюсы гуашевых красок:
 Гуашевые краски – укрывистые, нижние слои краски не просвечивают сквозь
верхние.
 Гуашевые краски предполагают использования большого количества белил, из
– за чего картины, написанные гуашевыми красками, всегда светлые, матовые
и мягкие по восприятию.
 Гуашевые краски быстро сохнут.
 Гуашевые краски разводятся водой и не требуют разбавителя и лака.
 Гуашевые краски стоят не дорого.
Минусы работы масляной краской:
 Работа маслом требует длительной, тщательной подготовки. Нужно сделать
подрамник, натянуть холст, проклеить холст 3 раза, очистить поверхность от
ниточек и узелков, отшлифовать и загрунтовать з раза. Каждый слой сохнет
минимум сутки.
 Работа маслом требует большого мастерства, многих лет обучения и
каждодневной практики.
Минусы работы акварельной краской:
 В акварели нет белой краски. Белым цветом служит белый лист. Эта
особенность делает выполнение картины более сложным, особенно для
начинающих живописцев.
Минусы фотографии:
 Фотографии чаще всего печатают на бумаге, которая не долговечна.
Вывод:
Считаем, портреты нобелевских лауреатов нужно выполнить в призывной
плакатной манере гуашевыми красками. Изображенные люди – гении в своем
деле должны призывать человечество не сидеть на месте, развиваться
духовно, интеллектуально, работать на благо своей Родины.
Тезисы группы (фотография)
Участники группы (фотография), опираясь на изученные статьи кейса и личный
творческий опыт доказывают, что портрет должен быть выполнен в технике масляной
живописи. Свои доводы ребята подкрепляют показом репродукций художников и
раскрывают слабые стороны других художественных материалов и техник
исполнения.
Плюсы фотографии:









Точность изображения.
Быстрый результат – готовое изображение.
Не требует больших денежных затрат(фотоаппарат есть в наличии).
Возможность выполнения тысячи фотографий одного события в короткий
срок, для выявления наиболее удачного кадра.
Возможность любых исправлений изображения, всевозможных редакций в
специальных компьютерных программах.
Минусы работы масляной краской:
Работа маслом требует больших денежных затрат. Краски, разбавители, лаки,
кисти, холст, подрамник, рама, мольберт, этюдник – все это стоит очень
дорого.
Работа масляными красками очень вредна. Художник дышит парами краски,
разбавителей и лаков.
Минусы работы акварельной краской:
В технике акварельной живописи сложно и практически не возможно
выполнить картину огромного размера.
Минусы работы гуашевыми красками:
Картины написанные гуашевыми красками в основе содержат лист бумаги,
который в сравнении с другими материалами не долговечен.
Вывод:
Считаем самый лучший вариант – сделать художественную фотографию портрет каждого предложенного в государственном заказе лауреата
нобелевской премии. При помощи хорошей техники, профессионального
объектива можно отснять большое количество материала из которого выбрать
самые удачные снимки. Это современное решение, не требующие больших
материальных затрат.
Руководя дискуссией, преподаватель добивается участия в споре каждого
студента, выслушивает аргументы за и против и объяснения к ним, контролирует
процесс и направление дискуссии.
Эффективность, учебной стратегии обсуждения достигается четким
регламентом во времени, структурированностью и обязательным контролем.
Преподаватель должен прогнозировать развитие дискуссии и корректировать её ход,
ставя те вопросы и акцентируя те моменты, на рассмотрение которых он хотел бы
направить обсуждение. При этом нужно быть готовым к тому, что обучающиеся
могут высказывать точки зрения и взгляды, не предусмотренные заранее.
III этап
После того, как все четыре группы высказали свое мнение, привели доводы,
выбрали варианты и обосновали их, учитель выслушав все мнения, подводит итоги.
Начинается работа и выступление группы (эксперты)
Тезисы группы (эксперты)
Группа экспертов анализирует все высказывания. Выигрывает та группа
студентов, которая набрала больше всех баллов.
Анализ выступления группы (масло)
Положительные моменты:
 Студенты выступали организованно.
 Выделили характерные положительные моменты техники масляной живописи.
 Чётко сформулировали вывод.
Недочеты:
 Представители группы (масло) мало рассказали о масляной краске.
Экспертное заключение:
 К сказанному мы хотим добавить, что ребята убедительно, чётко говорили,
было интересно слушать.
 Озвучили хорошие качества масляной живописи, что доказывает правильность
выбора техники для выполнения государственного заказа на серию портретов
нобелевских лауреатов.
 Мы думаем, что выступление было бы более интересным, если бы ребята
подробнее рассказали, что такое масляная краска, какими качествами
обладает, из чего состоит, какие бывают техники письма масляной краской.
Нашли примеры из жизненного опыта.
Анализ выступления группы (акварель)
 Студенты выступали организованно.
 Выделили характерные положительные моменты техники акварельной
живописи.
 Чётко сформулировали вывод.
Недочеты:
 Ребята не рассказали о существующих классических техниках ведения работы
акварельными красками.
Экспертное заключение:
 К сказанному мы хотим добавить, что ребята убедительно, чётко говорили,
было интересно слушать.
 Привели много доводов в пользу выбора акварельной техники.
 Мы думаем, что выступление было бы более интересным, если бы ребята
нашли примеры из жизни о том как они сами работают акварелью.
Анализ выступления группы (гуашь)
 Студенты выступали организованно.
 Выделили характерные положительные моменты техники гуашевой живописи.
 Чётко сформулировали вывод.
Недочеты:
 Ребята привели мало примеров работ, выполненных в технике гуаши.
Экспертное заключение:
 К сказанному мы хотим добавить, что ребята убедительно, чётко говорили,
было интересно слушать.
 Хорошо раскрыли принцип работы с гуашевыми красками.
 Мы думаем, что выступление было бы более интересным, если бы ребята
нашли примеры из личного опыта работы гуашевыми красками.
Анализ выступления группы (фотография)
 Студенты выступали организованно.
 Выделили
характерные
положительные
фотографии.
 Чётко сформулировали вывод.
моменты
художественной
Недочеты:
 Ребята не рассказали историю фотографии, какие бывают фотографии.
 В пример не было приведено ни одной программы – редактора фотографий.
Экспертное заключение:
 К сказанному мы хотим добавить, что ребята убедительно, чётко говорили,
было интересно слушать.
 Хорошо изобразили схему «Пути поступления загрязняющих веществ в
организм человека».
 Мы думаем, что выступление было бы более интересным, если бы ребята
нашли примеры из жизни о существующих компьютерных программах и о том
какие эффекты можно делать на снимке с их помощью.
Выступление группы экспертов:
 Группа (масло) получает: 5 баллов за каждый плюс, 3 балла за указанные
минусы в работе с другими художественными материалами. Общее
количество баллов 8
 Группа (акварель) получает: 5 баллов за каждый плюс, 2,5 балла за
указанные минусы в работе с другими художественными материалами.
Общее количество баллов 7,5
 Группа (гуашь) получает: 5 баллов за каждый плюс, 2 балла за указанные
минусы в работе с другими художественными материалами. Общее
количество баллов 7
 Группа (фотография) получает: 5 баллов за каждый плюс, 2 балла за
указанные минусы в работе с другими художественными материалами.
Общее количество баллов 7
Итоги:
По подсчетам баллов, победила группа(масло) – 1 место. Группа (акварель)
занимает 2 место. Группа (гуашь) и группа (фотография) разделили 3 место.
IV этап
После того как выяснилось, какая техника больше всего подходит, для
выполнения государственного заказа начинается четвертый этап. Учитель
напоминает второе проблемное задание. Участники готовятся к выступлению,
обобщают информацию, структурируют ее, конкретизируют проблему. Студенты
меняются ролями, те кто был в составе творческих групп, становятся экспертами, те
кто был в роли экспертов, тянут карточки с названием творческих групп: 1 группы,
считающей выполнение картона обязательным; 2 группы, выступающей против
выполнения картона. студенты делятся на две группы: одна группа приводит
доводы в пользу выполнения подготовительного картона для живописи, приводит
примеры картин художников эпохи Возрождения; вторая группа доказывает, что
картон делать не обязательно и приводит массу примеров живописи от
импрессионистов, до нашего времени .
Проблемный вопрос 2. Нужно ли делать предварительный картон с
линейно – конструктивным построением, прежде чем начать выполнять
живописную картину?
Этапы работы над проблемным вопросом.
Тезисы группы 1 (считающей выполнение картона обязательным)
Плюсы выполнения предварительного картона с линейно –
конструктивным построением перед работой над живописным полотном:
 Если выполнить картон, как делали старые мастера, можно избежать ошибок и
их исправлений на холсте.
 Если выполнить линейно – конструктивное построение изображаемого
объекта, можно понять форму и верно передать объем.
 В процессе работы масляными красками, очень часто сбивается рисунок.
Поправить его можно, воспользовавшись картоном. Нужно еще раз перевести
очертание предметов на красочный слой (уточнить рисунок).
 Тональный разбор объекта на картоне, помогает быстрее и правильнее
выполнить тональные растяжки изображаемой натуры красками в цвете на
холсте.
Вывод:
Выполнение предварительного рисунка на картоне – это тренировка. На
бумаге можно компоновать предметы, стирать неудачные решения, можно
подклеивать какие – то «куски» изображения. Холст при этом не подвергается
агрессивным исправлениям, целостность поверхности грунта не нарушается –
это позволит красочному слою дольше сохранять свежесть, краска защищена
от прожухания (через поврежденные участки грунтовки – трещины, ткань
холста всасывает масло из красочного слоя, краска темнеет, теряет прочность
и эластичность). Разбор объектов композиции в картоне дает более четкое
представление конструкции формы и свето-тоновые отношения – это ускоряет
работу на холсте красками.
Тезисы группы 2 (выступающая против выполнения картона)
Минусы выполнения предварительного картона с линейно –
конструктивным построением перед работой над живописным полотном:
 Выполнение картона требует много времени.
 Появляются дополнительные расходы на бумагу и мягкий материал (уголь,
сангина, сепия).
 Может пропасть первое свежее впечатление от выбранного объекта
изображения. Импрессионистов к примеру, отличает свежесть письма. Они не
выполняли предварительные картоны, работали на пленере, писали чистыми,
открытыми цветами.
 Длительная, детальная разработка тонового предварительного картона, может
быстро наскучить неопытному художнику.
Вывод:
Не всегда для решения композиционных задач нужен картон. Иногда, для
достижения эффекта случайности, (иллюзия случайности, в картине не может
быть случайных «кусков» - это не профессионально), свежести письма, или
для передачи «пленерности» в работе, картон можно не выполнять. В таких
случаях делают предварительные маленькие фор-эскизы и маленькие
цветовые поиски(нашлепки). Рисунок делают сразу краской в формате.
V этап
После того, как все четыре группы высказали свое мнение, привели доводы,
выбрали варианты и обосновали их, учитель выслушав все мнения, подводит итоги.
Начинается работа и выступление группы (эксперты)
Тезисы группы (эксперты)
Группа экспертов анализирует все высказывания. Выигрывает та группа
студентов, которая набрала больше всех баллов.
Анализ выступления группы 1(считающей выполнение картона
обязательным)
 Студенты выступали организованно.
 Выделили
характерные
положительные
моменты
выполнения
предварительного картона для живописной картины.
 Чётко сформулировали вывод.
Недочеты:
 Ребята не указали материалы, которыми можно выполнить предварительный
графический картон.
Экспертное заключение:
 К сказанному мы хотим добавить, что ребята убедительно, чётко говорили.
 Хорошо раскрыли причины выполнения графического картона.
 Мы думаем, что выступление было бы более интересным, если бы ребята
нашли примеры из жизни о своем опыте работы с графическим картоном.
Анализ выступления группы 2 (выступающей против выполнения
картона)
 Студенты выступали организованно.
 Выделили характерные положительные моменты ведения картины в условиях
пленера.
 Чётко сформулировали вывод.
Недочеты:
 Ребята мало привели примеров репродукций картин великих художников,
написанных без предварительного картона.
Экспертное заключение:
 К сказанному мы хотим добавить, что ребята убедительно, чётко обосновали
свое мнение.
 Хорошо раскрыли принцип работы над картиной в условиях пленера.
 Мы думаем, что выступление было бы более интересным, если бы ребята
нашли примеры из жизни, рассказали о том как они работают над картинами
на улице (не в мастерской), рассказали, в чем разница между выполненными
картинами в мастерской и картинами написанными на пленере.
Выступление группы экспертов:
 Группа 1(считающая выполнение картона обязательным) получает: 4 балла
за каждый плюс. Общее количество баллов 4
 Группа 2 (выступающая против выполнения картона) получает: 4 балла за
каждый плюс. Общее количество баллов 4
Итоги:
По подсчетам баллов, победили обе группы. Ребята доказали, что работу над
живописным полотном можно вести по разному, в зависимости от
задуманных эффектов и желаемого результата.
Учитель выслушивает мнения обучающихся и подводит итоги, показывая
ошибки рассуждений или невнимательность при работе с кейсом и удачные
подходы при работе с кейсом.
В конце урока группа экспертов, подсчитав все баллы, проводит анализ
высказываний, определяет победителя. Учитель подводит итоги и озвучивает
решение поставленных проблемных задач, набравшее наибольшее количество
баллов- голосов. Обращает внимание студентов на плюсы и минусы в работе с
кейсом, анализирует поведение студентов и умение вести дискуссии.
1.
2.
3.
4.
5.
6.
7.
8.
Литература:
Алпатов М.В., Ростовцев Н.Н., Искусство Живопись, скульптура, архитектура,
графика Часть 1 Древний мир, средние века, эпоха Возрождения.
Всеобщая история искусств том третий, Академия художеств СССР, Институт
теории и истории изобразительных искусств, всеобщая история искусств в
шести томах том третий, редакционная коллегия: Б.В.Веймарн, Б.Р.Виппер,
А.А.Губер, М.В.Доброк/Юнский, Ю.Д.Колпинский, В.Ф.Левинсон-Лессинг;
А.А.Сидоров, А.Н.Тихомиров, А.Д.Чегодаев, Государственное издательство
"Искусство«, Москва 1962
Виннер А.В. Материалы масляной живописи М. Изд-во Искусство, 1950
Алпатов М.В. 'Этюды по истории русского искусства. Том 1, 2' - Москва:
Искусство, 1967
Киплик Д.И. Техника живописи МОСКВА «СВАРОГ и К» 1998
Беда Г.В. Живопись Москва Просвещение,1986
Краморов С.Н. Конструктивный рисунок Омск «Академия» 2005
Т. В. Ильина, ИСТОРИЯ ИСКУССТВ, западноевропейское искусство, © ГУП
«Издательство «Высшая школа», 2000
Ссылки на интернет-источники:
1. www.artcontext.info/pictures-of-great-artists/
2. www.planeta.tspu.ru
3. http://www.casemethod.ru/
4. http://volkov.mmm-tasty.ru/entries/31269
Приложение №1
Масляная живопись — одна из живописных техник, использующая краски с
растительным маслом в качестве основного связующего вещества.
Масляные краски состоят из сухих пигментов и высыхающего масла. Например,
может применяться масло семян льна, мака или масло грецких орехов.
Современные пигменты ярче, устойчивее и разнообразнее пигментов,
использовавшихся старыми мастерами. Они также менее токсичны.
Пигменты бывают прозрачные (лессирующие) и укрывистые (покрывные).
Прозрачные пигменты прозрачны сами по себе и создают ощущение глянца и
глубины в слое краски. Укрывистые непрозрачны и пропускают свет, только если их
сильно разбавить, но ощущения глубины все равно не получается. Прозрачные
краски почти не теряют насыщенность при смешивании, укрывистые же быстро
сереют — если смешать достаточно разные цвета. Старые мастера как правило
предпочитали прозрачные краски, а на палитрах импрессионистов, наоборот, все
краски, за исключением ультрамарина, были укрывистые.
Лучшие краски содержат всего один пигмент в максимальной концентрации. Но
иногда, чтобы заменить токсичный, неустойчивый или дорогой пигмент, краску
смешивают из нескольких пигментов. Часто такие краски смешиваются для того,
чтобы придать красочному слою прозрачность там, где оригинал укрывист. Хотя
большинство красок, полученных подобным способом, уступают оригиналу в
чистоте и яркости, случается, что грамотно подобранная смесь ярче и чище
оригинала. Единственное — в таких красках ни в коем случае не должно быть
белил, так как краска будет абсолютно непригодна для темных глубоких смесей.
Для производства масляных красок наиболее популярно льняное масло. Лучшим
маслом считается масло холодной выжимки. Качественное льняное масло имеет
золотистый цвет и не имеет запаха. Для белой и холодных красок часто
используется маковое масло, так как оно почти бесцветно, но основанные на нём
краски дольше сохнут и могут потрескаться.
На свету и в присутствии воздуха масло «окисляется» и затвердевает, образуя
прозрачную водоустойчивую пленку, удерживающую пигменты. Этот процесс не
прекращается в течение 2-3 лет, за которые картина сначала существенно
прибавляет в весе, а затем снова его теряет, но «подсохнуть» масло успевает за 4-12
дней. Полностью сухое масло очень хрупко и легко трескается при малейшем
изгибе.
Льняное масло желтеет без света. Поэтому картина, долго пролежавшая в шкафу,
обязательно пожелтеет. Если выставить пожелтевшую картину на пару недель на
солнце, она вернет свой изначальный цвет. Рафинированное льняное масло
устойчивее к пожелтению, но более хрупко. Некоторые пигменты боятся солнца
поэтому картину не следует держать на ярком свету слишком долго.
Чаще всего масляными красками пишут на льняном или хлопковом холсте, или на
деревянной панели. Чтобы писать масляными красками на холсте, дереве, картоне
или другом каком-либо основании, на него сначала наносят грунт, чтобы
воспрепятствовать вытеканию масла из красок, обеспечить лучшее сцепление
красочного слоя с поверхностью холста и придать основанию определенную
фактуру и цвет.
Наиболее популярными являются акриловые грунты как наиболее простые в
применении и легкодоступные. Акриловый грунт наносится в 4-5 тонких слоев на
растянутый холст или другую поверхность и полностью высыхает в течение одного
дня. Акриловый грунт легко окрашивается в любой цвет с помощью добавления к
нему акриловых красок или сухих пигментов. Чтобы воспрепятствовать
впитыванию масла в грунт, его покрывают тонким слоем льняного масла или
специально предназначенным для этого клеем. От качества грунта напрямую
зависят яркость красок и долговечность работы. При использовании прозрачных и
полупрозрачных красок цвет грунта может определять общий колорит картины, а
также, до некоторой степени, может облегчать и ускорять работу над ней
(Имприматура). Старые мастера умели пользоваться этим.
Для письма масляными красками наиболее популярны кисточки из свиной щетины,
использующиеся для грубой работы, и красный соболь для тонких деталей. Но
рисовать можно не только кисточками. Например, можно рисовать мастихином,
губкой или тряпкой — всем, кроме пальцев, так как многие пигменты токсичны и
легко проникают сквозь кожу. Синтетические кисточки для рисования маслом
практически непригодны, они легко портятся под воздействием лаков и
растворителей и удерживают мало краски. Хорошая синтетика, близкая по качеству
к натуральному волосу, зачастую намного его дороже. Важно отметить, что для
живописи качество кисточек важнее качества красок (субъективное мнение).
Краски смешивают на палитре кистью или мастихином (специальный «нож» или
«мастерок»). Мастихины делают из нержавеющего металла или пластика.
Металлические мастихины более надежны и удобны, но могут изменить цвет
некоторых пигментов или послужить катализатором для реакции некоторых
пигментов в краске. В случае подобного риска обычно используют пластиковый
мастихин. Чтобы избежать химических реакций пигментов и сохранить яркость
красок, не следует смешивать более трёх пигментов сразу — к оттенку надо идти
кратчайшим путем.
Палитрой может служить деревянная дощечка, вощеная бумага, керамическая
плитка или кусок стекла. Лучше использовать стекло, так как оно не впитывает
масло, не реагирует с пигментами, легко очищается скребком и, под него можно
подложить бумагу такого же цвета что и грунт, что существенно облегчает подбор и
смешивание цветов. Так же часто используются профессиональные палитры из
промасленного дерева, пластика или оргстекла.
Чтобы разбавить краску или сполоснуть кисточку, используют скипидар или любой
другой растворитель — достаточно чистый, чтобы полностью испариться, не
оставляя жирных пятен или других загрязнителей, способных испортить краску.
Сильно разбавлять краску нельзя, так как она может не прилипнуть к предыдущему
слою, если в ней не содержится достаточно масла. Минеральные растворители
могут способствовать выцветанию краски. В верхних слоях картины для
разжижения краски лучше использовать небольшое количество льняного масла.
Растворитель для мытья кисточки не выливают, а держат в специальной баночке с
двойным дном — второе дно с отверстиями. Пигменты постепенно оседают на дно
сквозь отверстия, и растворитель можно использовать снова, не боясь побеспокоить
осевшую на дно грязь. Кисточку перед мытьем тщательно вытирают тряпкой. После
мытья растворителем кисточки моют теплой водой с шампунем и тщательно
вытирают, перед тем как убрать. Хранят кисточки обычно ставя вертикально в
стакане, головой вверх, чтобы они быстрее высыхали и не теряли форму.
Для придания масляным краскам блеска к ним подмешивают специальные лаки и
смолы, например даммарную смолу, растворённую во французском терпентине с
добавлением сгущенного на солнце льняного масла. Краски могут потрескаться от
избытка лака, поэтому лаков и смол не рекомендуется добавлять более десяти
процентов от объема краски.
При работе с лаком, следует использовать растворитель способный данный лак
полностью растворить. Если растворитель недостаточно сильный, то некоторые
компоненты лака могут не раствориться и выпасть в осадок. Если такой лак смешать
с краской, то она скорее всего потеряет свой блеск. Иногда этот эффект используют
для получения более прозрачного, но в то же время более хрупкого лака.
В современные краски так же часто добавляют вещества ускоряющие высыхание,
так называемые сиккативы. Быстро сохнущие краски очень удобны, но могут
потрескаться через несколько лет, когда краска полностью высохнет. Иногда,
напротив, используют специальные краски, которые сохнут медленнее; это нашло
применение в технике алла прима, подразумевающей выполнение картины за один
сеанс.
Картины масляными красками чаще всего пишут, устанавливая холст на мольберте.
Мольберты бывают стационарные и переносные. И те, и другие делаются из дерева,
металла или пластика. Наиболее популярны деревянные мольберты, так как они
устойчивее алюминиевых и пластиковых мольбертов и в то же время существенно
легче стальных.
Законченную полностью высохшую картину часто покрывают лаком, чтобы
выровнять тон и защитить картину от разрушения. Один из наиболее популярных
лаков — кетоновый. Он легко смывается спиртом в случае повреждения его
поверхности.
История
Широкое применение в Европе масляная живопись получила в начале XV века
благодаря искусству нидерландского живописца Яна ван Эйка, хотя изобретателем
масляной живописи (как считалось ранее) он всё же не был. Подробнее см. Ранняя
нидерландская живопись.
Как выяснилось после разрушения Бамианских статуй Будды, масляная живопись
была в ходу уже в VII веке до н. э.[1]
В конце XX века рисование маслом получило широкое распространение как хобби,
чему способствовало появление техник в стиле «сделай сам», как, например,
техника рисования Боба Росса.
Приложение №2
Акваре́ль (фр. Aquarelle — водянистая; итал. acquarello) — живописная техника,
использующая специальные акварельные краски, при растворении в воде
образующие прозрачную взвесь тонкого пигмента, и позволяющая за счёт этого
создавать эффект лёгкости, воздушности и тонких цветовых переходов. Акварель
совмещает особенности живописи (богатство тона, построение формы и
пространства цветом) и графики (активная роль бумаги в построении изображения,
отсутствие специфической рельефности мазка, характерной для живописной
поверхности) [1] Основой для акварели является, как правило, бумага, которую часто
предварительно смачивают водой для достижения особой размытой формы мазка.
Для этого могут служить особые рамки — стираторы — на которые натягивается
лист. Таким образом, во время письма бумагу можно смачивать снизу, или бумагу
кладут на мокрую фланель. Возможен и более простой способ: предварительно
увлажненный лист акварельной бумаги, достаточно хорошо впитывающей влагу,
кладут на стекло, при этом, в зависимости от того, как долго отрабатывается
конкретный участок рисунка, выбирают угол наклона стекла, но чаще всего стекло
лежит горизонтально. Сообразуясь с собственными манерными возможностями,
можно допускать, чтобы вода на листе бумаги выступала в виде лужи или глубоко
впитывалась и создавала лишь отдельный влажный участок. Краска в таких случаях
играет по-разному, чем создает желаемый эффект. Собственно говоря, именно в
этом заключается наиболее распространённое современное понимание акварельной
техники. Кроме того, в акварели могут использоваться работа заливками и точечноштриховая техника. Именно для таких приёмов используется натягивание листа
бумаги на планшет, а также так называемые акварельные блоки.
Связующим веществом для акварельных красок служат легко растворимые водой
прозрачные растительные клеи — гуммиарабик и декстрин. В качестве
пластификатора в них вводят глицерин и инвертированный сахар, удерживающие
влагу. Без этого краски бы легко пересыхали и становились хрупкими. Другая
добавка к акварельным краскам, служащая поверхностно-активным веществом —
бычья желчь. Она препятствует скатыванию красок в капли, облегчая рисование.
Для защиты от плесени вводится антисептик — фенол.
По мнению специалистов XIX века, «для акварельной живописи употребляется или
бристольский картон, ватманская бумага, или торшон, кисти беличьи, куньи,
барсука или хорьковые. Однотонные рисунки делаются или по способу Губерта,
употребляя сепию, или нейтральтинтом. Для цветных акварелей наиболее
употребительные краски следующие: гуммигут, индийская жёлтая, жёлтая охра,
терр де Сиена натуральная, таковая же жжёная, киноварь, кармин гаранс, лакгаранс, кармин жжёный, охра красная, венецианская красная, индийская красная,
кобальт, ультрамарин, берлинская лазурь, индиго, нейтральтинт и сепия»
(Энциклопедия Брокгауза и Ефрона).
Работа акварельными красками на природе, с натуры, требует быстроты и
отработанной техники. Вместе с тем, под рукой должен быть сосуд с чистой водой и
губка, которая, как правило, участвует в процессе наравне с кистями. Качество
акварельной бумаги является очень важным для работы, но самая дорогая и лучшая
бумага не всегда доступна начинающим художникам, и потому вполне можно
приспособиться к уже имеющейся — настолько, что даже на самой хорошей, но
непривычной бумаге результат может оказаться слабее.
Современные художники достаточно успешно используют сравнительно недавно
появившиеся в продаже акварельные карандаши, а также другие материалы,
позволяющие «дорабатывать» акварель, к примеру: пастель, восковые мелки,
гелевые чернила, и т. д.
История
Акварельная техника стала развиваться в Китае после изобретения бумаги во II веке
нашей эры. В XII—XIII веках бумага получила распространение в Европе, прежде
всего в Испании и Италии. Предшественницей акварельной техники в Европе была
роспись по сырой штукатурке (фреска), позволявшая получать сходные эффекты.
В Европе акварельная живопись вошла в употребление позже других родов
живописи. Из первостепенных художников Ренессанса значительный след в
акварели оставили Дюрер, чей «Заяц» стал хрестоматийной работой, затем акварели
отдали дань Антонис ван Дейк, Клод Лоррен и Джованни Кастильоне. Однако эти
примеры оставались единичными вплоть до рубежа XVIII—XIX веков, так что даже
в 1829 году Пайо де Монтабер в «Полном трактате о живописи» упоминает об
акварели вскользь как об искусстве, не заслуживающем серьёзного внимания.
В то же время техника с использованием ослабленных контуров и растушёвки
кистью широко применялась, особенно в XVIII веке, участниками научных и
военных экспедиций для зарисовки археологических и геологических объектов,
растений, животных, при раскраске архитектурных и топографических планов:
первоначально употреблялась китайская тушь, затем тушь с лак-кармином, сепия, а
затем и другие водяные краски. В середине XVIII века рисование водяными
красками сделалось популярным видом досуга для непрофессионалов:
распространению этого развлечения особенно способствовали публиковавшиеся в
1780-е гг. и воспевающие красоту английской глубинки путевые дневники Уильяма
Гилпина, которые он снабдил собственными иллюстрациями. В результате на
рубеже XVIII—XIX века усилиями сперва Пола Сэндби, затем Томаса Гёртина и
наконец, прежде всего, Джозефа Тёрнера акварель превратилась в едва ли не
важнейший вид английской живописи — в 1804 г. было основано Общество
акварелистов (англ. Society of Painters in Water Colours).
Кроме того, популярность акварели возросла и в связи с распространившейся во
второй половине XVIII в. моде на портретную миниатюру, — жанр, который с
успехом начали осваивать многочисленные художники-любители.
Новации Гёртина, начавшего пользоваться акварелью для картин большого
формата, и Тёрнера, существенно обогатившего арсенал технических приёмов
акварелиста, вызвали к жизни дальнейший подъём английской акварели в
творчестве таких художников, как пейзажисты Джон Селл Котмен, Энтони Копли
Филдинг, Ричард Паркс Бонингтон, Дэвид Кокс, много писавший архитектурные
сооружения Сэмюэл Праут, мастер натюрмортов Уильям Генри Хант, а также
Сэмюэл Палмер, Джон Варли, Джон Фредерик Льюис, Майлз Бёркет Фостер,
Фридерик Уокер и другие мастера. Роль акварели в английском изобразительном
искусстве была закреплена сочинениями Джона Рёскина, объявившего Тёрнера
крупнейшим художником своего времени.
В середине XIX века акварель завоевала широкую популярность также в США
благодаря работам таких художников, как Уильям Трост Ричардс, Томас Моран,
Томас Икинс и Уинслоу Хомер.
Во Франции распространение акварельной живописи было связано с именами Поля
Делароша, Эжена Делакруа, Анри Жозефа Арпинье, а также мастера сатирических
рисунков Оноре Домье.
К концу XIX века произошёл некоторый пересмотр отношения к акварели, отчасти
связанный с тем, что многие новые краски, введённые в широкое употребление
акварелистами середины века, оказались весьма недолговечными, быстро
выцветающими. Тем не менее на рубеже веков акварели отдали дань Поль Синьяк и
Поль Сезанн во Франции, Морис Прендергаст и Джон Сингер Сарджент в США, а
затем Василий Кандинский, Эмиль Нольде, Эгон Шиле, Пауль Клее и Рауль Дюфи.
Акварель в России
Английская традиция акварели оказала сильное влияние на русских художников,
прежде всего тех, кто был связан с императорской Академией художеств,
находившейся в столице империи — Санкт-Петербурге.
Первое имя в летописи русской акварели, которое по праву зачинателя и уровню
мастерства необходимо назвать — Петр Фёдорович Соколов (1791—1848). Он
исполнял портреты, сцены охоты, жанры, запечатлев лик своей эпохи и своих
современников.
Акварелью, в портрете и жанре, работали живописец Карл Брюллов (1799—1852) и
его брат — архитектор Александр Брюллов (1798—1877). Акварелисты Василий
Садовников (1800—1879) и Людвиг Премацци (1818—1891), рисовали
императорские дворцы и пейзажи загородных резиденций.
Во второй половине XIX века, в ряду акварельных произведений выделяются листы,
исполненные Михаилом Клодтом (1832—1902), маринистами Львом Лагорио
(1828—1905) и Александром Беггровым (1841—1914). Свою оригинальную дань
искусству акварели принесли такие живописцы, как Илья Репин (1844—1930),
Михаил Врубель (1856—1910), Валентин Серов (1865—1911).
Акварельная живопись увлекала и членов объединения «Мир искусства»
Александра Бенуа (1870—1960), Льва Бакста (1866—1924), Ивана Билибина (1876—
1942), Константина Сомова (1869—1939), Анну Остроумову-Лебедеву (1871—
1955). Акварелью владел поэт Максимилиан Волошин (1877—1932), рисунки
которого пересекались с его поэтическими произведениями.
Важным этапом в развитии русской акварели стала организация в 1887 году
«Общества русских акварелистов», возникшего из кружка акварелистов. Его первым
председателем был избран А. Н. Бенуа. Общество вело активную выставочную
деятельность, проведя за 1896—1918 гг. тридцать восемь выставок. Его членами
были А. К. Беггров, Альберт Бенуа, П. Д. Бучкин, Н. Н. Каразин, М. П. Клодт, Л. Ф.
Логарио, А. И. Мещерский, Е. Д. Поленова, А. П. Соколов, П. П. Соколов и другие.
Общество прекратило свою деятельность в 1918 году. В 1998 году общество было
возрождено как «Общество акварелистов Санкт-Петербурга».
В ХХ веке круг русских советских художников, работавших в технике акварели
значительно расширился. Об этом интересе свидетельствуют Всесоюзные выставки
акварели, регулярно проводившиеся начиная с 1965 года. Например, в VI
Всесоюзной выставке акварели в 1981 году в Москве приняло участие около 400
художников[2]. Среди крупнейших мастеров-акварелистов XX века Н. А. Тырса, С.
В. Герасимов, А. А. Дейнека, С. Е. Захаров, М. А. Зубреева, А. С. Ведерников, Г. С.
Верейский, П. Д. Бучкин, В. М. Конашевич, Н. Ф. Лапшин, В. В. Лебедев, Г. К.
Малыш, А. Н. Самохвалов, С. И. Пустовойтов, В. А. Ветрогонский, В. С. Климашин,
В. К. Тетерин, А. И. Фонвизин и другие.
Такова в общих чертах история развития русской акварели. Ее особенность состоит
в том, что в России не было обособленной подготовки узких профессионаловакварелистов. Наметившийся в конце XX века рост интереса к акварели, изменил
положение вещей. Знаковым событием стало открытие специализированной школы
акварели Сергея Андрияки.
Приложение №3
Гуа́шь (фр. Gouache, итал. guazzo водная краска, плеск) — вид клеевых
водорастворимых красок, более плотный и матовый, чем акварель.
Термин первоначально возник в XVIII веке во Франции, хотя техника создания этой
краски значительно старше — она использовалась в Европе в средние века.
Гуашью выполнялись книжные миниатюры уже в Средние века, обыкновенно в
комбинации с акварелью. В эпоху Возрождения художники применяли технику
гуаши для эскизов, картонов и других подготовительных работ, а также для
портретных миниатюр. Расцвет техники гуаши приходится на конец XIX — начало
XX в. В России художники объединения «Мир искусства» писали гуашью большие
станковые произведения, эскизы театральных декораций, костюмов, плакатов,
используя её декоративные качества.
Произведения искусства, выполненные гуашью, тоже носят название гуашь.
Гуашевые краски изготавливаются из пигментов и клея с добавлением белил.
Примесь белил придает гуаши матовую бархатистость, но при высыхании цвета
несколько выбеливаются (высветляются), что должен учитывать художник в
процессе рисования. С помощью гуашевых красок можно перекрывать темные тона
светлыми. Высохшее изображение, сделанное гуашью, слегка светлее влажного, что
делает сложным подбор цвета. Основа также может быть чувствительной к
образованию трещин, если наложена слишком толсто. Эта проблема может быть в
определённой степени ослаблена использованием утолщающей основы, например,
aquapasto.
Гуашью можно работать не только на бумаге, но и на грунтованном (не
размываемом) холсте, на ткани, картоне, фанере. Гуашь широко применяется в
декорационной живописи, при выполнении различных эскизов. Очень часто
используют её для цветных набросков. Гуашь удобна в работе и, что важно, даёт
возможность вносить исправления в процессе работы. Слой краски средней
толщины сохнет от 30 минут до 3 часов в зависимости от влажности воздуха.
Плакатная гуашь отличается от художественной большей кроющей способностью и
цветовой насыщенностью, что достигается заменой цинковых белил каолином,
меньше разбеливающим краску и делающим её более плотной, насыщенной и
звучной.
Для декоративных работ и оформления спектаклей выпускаются флуоресцирующие
гуашевые краски. Эти краски обладают способностью флуоресцировать под
действием ультрафиолетовых и видимых фиолетовых, синих и зелёных лучей.
Флуоресцентная гуашь обладает свойством при облучении усиливать свою яркость,
что используется при декорационных эффектах в темноте. Гуашевые
флуоресцентные краски разбавляют водой. Эти краски имеют низкую кроющую
способность, поэтому рекомендуется наносить их на белую подложку — белый
грунт, бумагу и т. п., что делает их более яркими, при этом краски следует наносить
тонким слоем. Флуоресцентная гуашь не водостойка, поэтому применять её вне
помещений не рекомендуется.
Приложение №4
Фотогра́фия (фр. photographie от др.-греч. φως / φωτος — свет и γραφω — пишу;
светопись — техника рисования светом) — получение и сохранение неподвижного
изображения при помощи светочувствительного материала или
светочувствительной матрицы в фотокамере.
Также фотографией или фотоснимком, или просто снимком называют конечное
изображение, полученное в результате фотографического процесса и
рассматриваемое человеком непосредственно (имеется в виду как кадр проявленной
плёнки, так и изображение в электронном или печатном виде).
В более широком смысле, фотография — это искусство получения фотоснимков, где
основной творческий процесс заключается в поиске и выборе композиции,
освещения и момента (или моментов) фотоснимка. Такой выбор определяется
умением и навыком фотографа, а также его личными предпочтениями и вкусом, что
характерно для любого вида искусства.
В зависимости от принципа работы светочувствительного материала фотографию
принято делить[источник не указан 1416 дней] на три больших подраздела:
 Плёночная фотография — основана на фотоматериалах, в которых происходят
фотохимические процессы.
 Цифровая фотография — в процессе получения и сохранения изображения
происходят перемещения электрических зарядов (обычно в результате
фотоэффекта и при дальнейшей обработке), но не происходит химических
реакций или перемещения вещества. Правильнее было бы называть такую
фотографию электронной, так как в ряде устройств, традиционно относимых к
«цифровым», происходят аналоговые процессы (такова самая первая камера с
электронной матрицей Sony ProMavica MVC-5000, таковы многие дешёвые
телекамеры систем видеонаблюдения).
 Электрографические и иные процессы, в которых не происходит химических
реакций, но происходит перенос вещества, образующего изображение.
Специального общего названия для этого раздела не выработано, до
появления цифровой фотографии часто употреблялся термин «бессеребряная
фотография».
Также употребляются следующие устойчивые словосочетания:
 Галогеносеребряная фотография для галогеносеребряного
фотографического процесса.
 Бессеребряная фотография — для всех остальных фотографических
процессов[1].
 Аналоговая фотография — как синоним плёночной фотографии, в
противопоставлении цифровой.
 Аналоговая печать, оптическая печать — получение фотоснимков путём
оптического увеличения с негатива либо использования специального
проектора (для оптической печати цифровых фотографий), в
противопоставление цифровым методам печати.
Получение движущихся изображений, основанное на фотографических принципах,
называется кинематографией.
Фотография основана на достижениях науки прежде всего в области оптики,
механики и химии. Развитие на нынешнем этапе цифровой фотографии происходит,
благодаря, в основном, электронным и информационным технологиям.
Принцип действия
Принцип действия фотографии основан на получении изображений и фиксировании
их с помощью химических и физических процессов, получаемых с помощью света,
то есть электромагнитных волн, излучаемых непосредственно или отражённых.
Изображения с помощью отражённого от предметов видимого света получали ещё в
глубокой древности и использовали для живописных и технических работ. Метод,
названный позже ортоскопической фотографией, не требует серьёзных оптических
приспособлений. В те времена использовались лишь малые отверстия и, иногда,
щели. Проецировались изображения на противоположные от этих отверстий
поверхности. Далее метод был усовершенствован с помощью оптических приборов,
помещаемых на место отверстия. Это послужило основой для создания камеры,
ограничивающей получаемое изображение от засветки не несущим изображение
светом. Камера была названа обскурой, изображение проецировалось на её заднюю
матовую стенку и перерисовывалось по контуру художником. После изобретения
методов химической фиксации изображения, камера-обскура стала конструктивным
прообразом фотографического аппарата. Название «фотография» было выбрано как
наиболее благозвучное из нескольких вариантов во Французской академии в 1839
году.
Фототехника
По мере развития фотографии было создано большое количество различных
конструкций и вспомогательных механизмов для получения изображений. Основное
устройство — фотографический аппарат, сокращённо «фотоаппарат» или
«фотокамера», и принадлежности к нему.
Фотоаппарат
Основная статья: ФотоаппаратВ фотоаппарате есть:
 объектив — оптическая система, формирующая оптическое изображение на
светочувствительном материале;
 затвор, определяющий время, в течение которого свет падает на
светочувствительный материал (его роль может исполнять крышка объектива,
вращающяеся призма в сверхскоростных фото-кинокамерах);
 корпус, защищающий светочувствительный материал от засветки
посторонним светом в процессе съёмки, вместе с оправой объектива или
объективной доской корпус может служить для наводки на резкость;
 кассета со светочувствительным материалом (в одноразовых фотоаппаратах
ею служит корпус) или светочувствительная матрица с сопутствующим ей
оборудованием;
Все остальные элементы фотоаппарата не оказывают непосредственного влияния на
процесс съёмки и могут как присутствовать в конструкции, так и отсутствовать.
Существуют фотографические камеры и без объектива (см. стеноп).
Фотопринадлежности
Помимо собственно фотоаппарата и сменных объективов, в процессе съёмки могут
использоваться другие фотопринадлежности.
Съёмочные
 Экспонометр и флешметр — устройства для определения световых условий
съёмки.
 Осветительное оборудование. Для съёмки в условиях недостаточной
освещённости используются различные осветительные приборы и отражатели.
Наиболее массовыми среди них стали фотовспышки, однако в студийных
условиях и при кино- видеосъёмке продолжают применяться традиционные
осветительные системы.
 Студийное освещение. При студийной фотосъемке используются специальные
фотовспышки, которые на порядок мощнее присоединяемых к горячему
башмаку. Существует два вида студийного освещения: импульсное освещение
и постоянное.
 Штативы используются для предотвращения «смаза» при недостаточной
освещённости, съёмке панорам, при больших выдержках, для установки
дополнительного осветительного оборудования, для многократной съёмки на
один кадр и т. д.
 Светофильтры используются для компенсации цветовых (конверсионные) и
пространственных (градиентные) недостатков освещения, получения
специальных эффектов.
Принадлежности для обработки
 В цифровой фотографии — программы обработки изображений, компьютеры
вообще и фотопринтеры.
Основная статья: Плёночная фотография
 В плёночной фотографии — фотореактивы, бачок, фотоувеличитель,
кадрирующая рамка, лабораторный фонарь и т. п.
История фотографии
Основная статья: Хронология фотографии
Химическая предыстория фотографии начинается в глубокой древности. Люди
всегда знали, что от солнечных лучей темнеет человеческая кожа, искрятся опалы и
аметисты, портится вкус пива. Оптическая история фотографии насчитывает
примерно тысячу лет. Самую первую камеру-обскуру можно назвать «комнатой,
часть которой освещена солнцем». Арабский математик и ученый X века Альгазен
из Басры, который писал об основных принципах оптики и изучал поведение света,
заметил природный феномен перевёрнутого изображения. Он видел это
перевёрнутое изображение на белых стенах затемнённых комнат или палаток,
поставленных на солнечных берегах Персидского залива, — изображение
проходило через небольшое круглое отверстие в стене, в открытом пологе палатки
или драпировки. Альгазен пользовался камерой-обскурой для наблюдений за
затмениями солнца, зная, что вредно смотреть на солнце невооруженным глазом.
В 1725 году А. П. Бестужев-Рюмин (1693—1766) химик-любитель, впоследствии
политический деятель и Иоганн Гейнрих Шульце (1687—1744), физик, профессор
Галльского университета в Германии обнаружили, что под влиянием света растворы
солей железа меняют цвет . В 1725 году, пытаясь приготовить светящееся вещество,
он случайно смешал мел с азотной кислотой, в которой содержалось немного
растворённого серебра. Шульце обратил внимание на то, что когда солнечный свет
попадал на белую смесь, то она становилась тёмной, в то время как смесь,
защищённая от солнечных лучей, совершенно не изменялась. Затем он провёл
несколько экспериментов с буквами и фигурами, которые вырезал из бумаги и
накладывал на бутылку с приготовленным раствором, — получались
фотографические отпечатки на посеребрённом меле. Профессор Шульце
опубликовал полученные данные в 1727 году, но у него не было и мысли
постараться сделать найденные подобным образом изображения постоянными. Он
взбалтывал раствор в бутылке, и изображение пропадало. Этот эксперимент, тем не
менее, дал толчок целой серии наблюдений, открытий и изобретений в химии,
которые спустя немногим более столетия привели к изобретению фотографии. В
1818 г. русский ученый X. И. Гротгус (1785—1822)? продолжил изучение и
установил влияние температуры на поглощение и излучение света.
Первое закреплённое изображение было сделано в 1822 году французом Жозефом
Нисефором Ньепсом (Nicéphore Niepce), но оно не сохранилось до наших дней.
Поэтому первой в истории фотографией считается снимок «вид из окна»,
полученный Ньепсом в 1826 году с помощью камеры-обскуры на оловянной
пластинке, покрытой тонким слоем асфальта. Экспозиция длилась четырнадцать
часов при ярком солнечном свете. Достоинством метода Ньепса было то, что
изображение получалось рельефным (после протравливания асфальта), и его легко
можно было размножить в любом числе экземпляров.
В 1839 году француз Луи́-Жак Манде́ Даге́р (Jacques Daguerre) опубликовал способ
получения изображения на медной пластине, покрытой серебром. Пластина
обрабатывалась парами иода, в результате чего покрывалась светочувствительным
слоем иодида серебра. После тридцатиминутного экспонирования Дагер перенёс
пластину в тёмную комнату и какое-то время держал её над парами нагретой ртути.
В качестве закрепителя изображения Дагер использовал поваренную соль. Снимок
получился довольно высокого качества — хорошо проработанные детали как в
света́х, так и в тенях, однако, копирование снимка было невозможно. Свой способ
получения фотографического изображения Дагер назвал дагеротипия.
Практически в то же самое время англичанин Уильям Генри Фокс Тальбот изобрёл
способ получения негативного фотографического изображения, который назвал
калотипией. В качестве носителя изображения Тальбот использовал бумагу,
пропитанную хлористым серебром. Эта технология соединяла в себе высокое
качество и возможность копирования снимков (позитивы печатались на
аналогичной бумаге). Экспозиция длилась около часа, на снимке — решётчатое
окно дома Тальбота.
Кроме того, в 1833 году метод получения фотографии при помощи нитрата серебра
опубликовал франко-бразильский изобретатель и художник Эркюль Флоранс. Свой
метод он не запатентовал и в дальнейшем не претендовал на первенство.
Сам термин «фотография» появился в 1839 году, его использовали одновременно и
независимо два астронома — английский, Джон Гершель, и немецкий, Иоганн фон
Медлер.[2]
Виды фотографии
Чёрно-белая фотография
Чёрно-белая фотография — исторически первый вид фотографии. После появления
цветной, а затем и цифровой фотографии, чёрно-белые снимки сохранили свою
популярность. Зачастую цветные фотографии преобразуются в чёрно-белые для
получения художественного эффекта.
Цветная фотография
Основная статья: Методы цветной фотографии
Цветная фотография появилась в середине XIX века. Первый устойчивый цветной
фотоснимок был сделан в 1861 году Джеймсом Максвеллом по методу трёхцветной
фотографии (метод цветоделения).
Для получения цветного снимка по этому методу использовались три фотокамеры с
установленными на них цветными светофильтрами (красным, зелёным и синим).
Получившиеся снимки позволяли воссоздать при проекции (а позднее, и в печати)
цветное изображение.
Вторым важнейшим шагом в развитии метода трехцветной фотографии стало
открытие в 1873 г. немецким фотохимиком Германом Вильгельмом Фогелем
сенсибилизаторов, то есть веществ, способных повышать чувствительность
серебряных соединений к лучам различной длины волны. Фогелю удалось получить
состав, чувствительный к зелёному участку спектра.
Практическое применение трехцветной фотографии стало возможным после того,
как ученик Фогеля, немецкий ученый Адольф Мите разработал сенсибилизаторы,
делающие фотопластину чувствительной к другим участкам спектра. Он также
сконструировал фотокамеру для трёхцветной съемки и трёхлучевой проектор для
показа полученных цветных снимков. Это оборудование в действии впервые было
продемонстрировано Адольфом Мите в Берлине в 1902 г.
Большой вклад в дальнейшее совершенствование метода трёхцветной фотографии
внёс ученик Адольфа Мите Сергей Прокудин-Горский, разработавший технологии,
позволяющие уменьшить выдержку и увеличить возможности тиражирования
снимка. Прокудин-Горский также открыл в 1905 г. свой рецепт сенсибилизатора,
создававшего максимальную чувствительность к красно-оранжевому участку
спектра, превзойдя в этом отношении А.Мите.
Наряду с методом цветоделения с начала XX века стали активно развиваться и
другие процессы (методы) цветной фотографии. В частности, в 1907 году были
запатентованы и поступили в свободную продажу фотопластины «Автохром»
Братьев Люмьер, позволяющие относительно легко получать цветные фотографии.
Несмотря на многочисленные недостатки (быстрое выцветание красок, хрупкость
пластин, зернистость изображения), метод быстро завоевал популярность и до
1935 г. в мире было произведено 50 млн автохромных пластинок.
Альтернативы этой технологии появились только в 1930-х годах: Agfacolor в 1932
году, Kodachrome в 1935, Polaroid в 1963.
Цифровая фотография
Основная статья: Цифровая фотография
Цифровая фотография — относительно молодая, но популярная технология,
зародившаяся в 1981 году, когда компания Sony выпустила на рынок камеру Sony
Mavica с ПЗС-Матрицей, записывающей снимки на диск. Этот аппарат не был
цифровым в современном понимании (на диск записывался аналоговый сигнал),
однако позволял отказаться от фотоплёнки. Первая полноценная цифровая
камера — DCS 100 — была выпущена в 1990 году компанией Kodak.
Принцип работы цифровой камеры заключается в фиксации светового потока
матрицей и преобразования этой информации в цифровую форму.
В настоящее время цифровая фотография повсеместно вытесняет плёночную в
большинстве отраслей.















Жанры фотографии
В XX веке, когда техника фотографии достаточно усовершенствовалась, появились
достаточно чувствительные фотографические материалы и удобные фотоаппараты,
фотография превратилась из технического курьёза в один из типов
изобразительного искусства, родственного живописи, но отличающегося от неё.
Особое место и значение фотографии в художественной культуре связано с
технической, научной сущностью фотографии. Важнейшим свойством фотографии
является её достоверность, подлинность запечатлённых событий. Одновременно с
этим, изображение, как и в живописи или рисунке, несёт в себе художественное
обобщение, раскрытие внутреннего смысла показанной ситуации, характер
изображаемого человека и многое другое.
По сути своей, фотограф является художником, располагающим определёнными
«красками» — фототехникой и фотоматериалами.
Фотограф использует изобразительные средства фотографии (точка съёмки, ракурс,
линейная композиция, план, перспектива, освещение), родственные
изобразительным средствам живописи. Дополнительным инструментом является
химико-фотографическая обработка.[3]
Часть современных жанров фотографии повторяет соответствующие жанры
живописи, часть же специфична только для фотографии.
Фотография является одной из дисциплин в категории «Визуальные искусства» на
Международных Дельфийских играх (МДС)[4][5], а также одной из номинаций на
Молодёжных Дельфийских играх России.
Основные жанры в фотографии как искусства
 Портрет
 Натюрморт
 Пейзаж
 Обнажённая натура
 Фотоохота
 Макросъёмка
 Репортаж
Специфические виды фотографии
Аэрофотосъёмка
 Свадебная фотография
Метафизическая фотография
 Светографика
Архитектурная фотография
 Сканография
Астрофотография
 Спортивная фотография
Имиджевая фотография
 Стеклянная фотоплитка
Жанровая фотография
 Стереоскопическая фотосъёмка
Ломография
 Стрит-фото
Люминография
 Стробизм
Макрофотография
 Фотографии в путешествии, тревелфото
Репортажная фотография
 Фотоистория, фотостори
Панорамная фотография
 Фоторобот
Пин-ап
 Фотоохота
Пикториальная фотография
 Фотографический монтаж
Пинхольная фотография
 Фотоколлаж
Пленерная фотография
 Фотограмма





Подводная фотография
 Флюрографика
Посмертная фотография
 Чёрно-белая фотография
Промышленная фотосъёмка
 Шадография
Рекламная фотография
Репродукция
Некоторые внежанровые термины
Люби́тельская фотогра́фия, фотолюби́тельство — один из видов массового
самодеятельного творчества с использованием методов и средств фотографии.
Помимо самостоятельных занятий фотографией, потребность фотографа в росте и
обучении приводит к созданию фотокружков и фотоклубов.
Журнал «Советское Фото» всегда уделял большое внимание фотолюбителям.
В 1980 году в СССР насчитывалось около 450 фотоклубов.
В 1975-77 гг. был проведён 1-й Всесоюзный фестиваль самодеятельного
художественного творчества. На нём любительская фотография представлялась как
самостоятельный вид самодеятельного творчества.
Итогом этого фестиваля стала проведённая в октябре-декабре 1977 года Всесоюзная
выставка работ фотолюбителей в Москве, где было показано около 800 лучших
фотоснимков.[6]
Сто́ковая фотография — покупка и продажа фотографий в высоком
разрешении.[7][8] Фотографы предоставляют свои фотографии специальным сайтам,
фотобанкам. Журналы, различные фирмы и просто люди, заинтересованные в
приобретении фотографии в хорошем качестве, обращаются на эти сайты. Введение
фотобанков позволяет упростить процесс покупки фотографии. Особенностью
данной индустрии является высокое качество фотографий.
Применения фотографии и её значение
Техническая документальная фотосъёмка, историческое значение
Изобретение и массовое применение фотографии, а в дальнейшем и кинематографа
изменило представление об исторических событиях, зафиксированных на плёнку, не
в меньшей степени, чем изобретение письменности.[9]
См. также: Фото-возможность
Законодательство, судебная и следственная практика
 Применение фотографии, как плёночной, так и цифровой (а ныне и развитие
методик распознавания и обработки изображений), позволило принципиально
изменить деятельность органов следствия, сделало ряд уже выработанных
судебных норм более объективными и позволило выработать новые,
основанные на документальных свойствах и функциях фотографии, на
способности её объективно фиксировать образ события. Однако появление
цифровой фотографии, развитие программ для редактирования изображений
чрезвычайно усложнило доказательство подлинности фотографий.
Компромиссом на сегодняшний день является признание (по умолчанию)
подлинности плёночного фотоснимка и цифрового, сделанных в
контролируемых условиях.
 Массовость применения фототехники, явно и неявно используемой, породило
изменения в законодательстве многих стран (см. например, Свобода
панорамы), меняет отношения людей, меняет общество.[10]
 В обществе существует ряд своеобразных, порой противоречащих здравому
смыслу, норм и запретов, связанных с фотографией.[11][12]
 До появления копировальных аппаратов фотокопия документов была широко
распространена в юриспруденции.
 Изменился подход к ведению документации (на сегодняшний день почти все
документы: паспорт, права, визы, личные дела, резюме и т. д.) обязательны с
фотографией.
Астрономия, микроскопия, ядерная физика, биология, картография
См. также: Фотографический метод
В этих сферах использование фотографии привело к колоссальному скачку в
объективности получаемых результатов, расширению возможностей и ускорению
исследований. Переход астрономов от наблюдений к фотографии с длительными
выдержками полностью изменил эту науку и доступные для исследования
пространства.[13]
В честь фотографического метода назван астероид (443) Фотографика (англ.)русск.,
открытый в 1899 году Максом Вольфом, пионером этого метода в астрономии.
Психотерапия
В рамках арт-терапии в 1970-х годах сформировалось направление — фототерапия
(арт-терапия), которое может использоваться как в рамках комплексов
психотерапевтических техник, так и в качестве самостоятельной психотехники[14].
Рентгенография и флюорография
Основная статья: Рентгенография
Вид исследования внутренней структуры объектов, которые проецируются при
помощи рентгеновских лучей на специальную плёнку или бумагу. Применяется в
медицине (для диагностики различных органов на наличие переломов, заболеваний),
промышленности (рентгеновская дефектоскопия) и науке.
Фотолитография и близкие к ней технологические процессы
Именно фотография и смежные с ней процессы позволили развиться электронной
промышленности, сделали нынешний мир полупроводниковым и «цифровым».
Приложение №5
Стадии конструктивного рисунка головы человека:
1.
Композиционный поиск графического пространства рисунка;
2.
Работа над пропорциональными отношениями частей и целого в
рисунке;
3.
Конструктивный анализ формы головы человека в пространстве;
4.
Конструктивное построение обобщенной формы головы человека в
пространстве листа;
5.
Конструктивная проработка деталей в рисунке, подчинение деталей
целому;
6.
Частичное введение тона, выявление объема формы головы светом;
7.
Светотеневая моделировка формы головы;
8.
Определение тоновой конструкции рисунка;
9.
Тоновое решение объема головы человека в пространстве согласно
тоновой конструкции;
10. Обобщение, завершение рисунка.
Рисунок
- конструктивный анализ + метод + средства + материал.
Рисунок состоит из двух частей: теоретической и практической.
Теоретическая часть включает в себя конструктивный анализ и метод.
Практическая часть рисунка включает в себя выразительные средства
рисунка и материалы.
Конструктивный анализ дает полное представление о форме предмета и его
положении в пространстве. Вы должны осознать, что рисуемый вами предмет, как и
окружающее его пространство, трехмерен. Его можно рассмотреть с разных сторон
и понять конструктивный строй этого предмета.
Ваше понятие о конструкции должно быть полным, чтобы вы смогли создать в
вашем сознании ясное отражение рисуемого объекта. Далее необходимо
материализовать отраженный образ в двухмерном пространстве листа при помощи
определенных методов. Если вы не имеете представления о форме рисуемого
предмета в пространстве, вам методы ни к чему; а если вы думаете, что владеете
методами рисунка, тогда не понятно, что вы рисуете и рисуете ли вообще.
Метод – это путь к достижению цели. Ваша цель – создать в двухмерном
пространстве листа трехмерное пространство при помощи метода композиционного
решения листа; метода «золотого сечения»; метода пропорциональных отношений;
метода прямой перспективы; метода конструктивного построения; метода
выявления формы светом; метода тональных отношений; метода обобщения. В
основе методов лежит природа человеческого восприятия действительности.
Итак: увидели, осознали, выбрали путь – и приступили к рисунку.
Средства. К средствам относятся точка и линия – это все выразительные
средства рисунка. Они обладают качественными характеристиками. Например,
линия лежит на плоскости листа и может при этом быть длинной, волнистой,
красной, широкой, а также созданной таким материалом, как сангина.
Материал. Это карандаш, уголь, соус, сепия.
Без конструктивного рисунка (анализа) не может существовать рисунка
вообще.
Перспектива.(франц. Perspective – проникать взором, видеть насквозь) – это
способ построения пространства на плоскости листа. Любое изображение на
плоскости можно рассматривать как проекцию реально существующего или
воображаемого предмета на данную плоскость (это взгляд через прозрачную
картинную плоскость на предмет). Существует прямая и обратная перспектива.
Законы прямой и обратной перспективы вытекают из объективно существующих
особенностей зрительного восприятия. Они могут быть использованы художником
для создания убедительного пространственного образа. Прямая перспектива имеет
научное математическое обоснование и является одним из методов проекции
реального пространства на плоскости. Обратная перспектива – это диаметрально
противоположная перспектива по отношению к прямой). Прямую перспективу
называют – линейной перспективой. Линия горизонта всегда находится на уровне
ваших глаз. Все параллельные линии, уходящие в глубину плоскости, сходятся в
одну точку(которая находится на линии горизонта); все предметы по мере удаления
в глубину уменьшаются в размере.
Линия – это абстрактное понятие. Существует форма в пространстве,
которую мы отделяем от этого пространства при помощи линии. Существует два
вида линий. Это контурная линия (абрис), которая замыкает форму или множество
форм и отделяет их от пространства, и линия границ или граней формы, дающая
понятие о положении сторон формы в пространстве.
Светотень – «свет» это свет, «тень» - это тень, а «светотень» - это граница
между светом и тенью. Граница света и тени всегда темнее самой тени.
К рисунку головы человека можно переходить, освоив конструктивный
рисунок костной основы головы человека, которая представляет собой череп.
Работа над конструктивным рисунком головы человека складывается из двух
частей: конструкция головы человека и влияние на нее конструкции черепа(костной
основы); тоновый рисунок головы человека.
В качестве материала для предварительного рисунка на картоне лучше
использовать мягкие графитные карандаши и прессованный уголь.
Композиция листа
Рисунок головы человека начинается с поиска композиционного решения
пространства листа, в котором будет создаваться рисунок. Приступая к
композиционному решению пространства листа, необходимо выбрать положение, с
которого вы будете рисовать голову человека, и определить задачу. Каким будет
ваш рисунок? Конструктивным линейным рисунком, конструктивным рисунком с
частичным введением тона без фона или конструктивным тоновым рисунком с
включением фона?
Для выполнения предварительного картона под масляную живопись, мы
поставим себе задачу – выполнить конструктивный тоновый рисунок с включением
фона. Для этого необходимо создать небольшой эскиз. В нем тоновые отношения
фона и теневой части рисунка головы будут очень близки, активным пятном будет
освещенная часть головы. В эскизе нужно найти пропорциональные отношения
между массой пятна освещенной части головы, фоном и теневой частью головы.
Найдите баланс тоновых пятен, то есть создайте тоновую конструкцию
графического листа, и приступайте к конструктивному рисунку головы человека.
Обобщенно нарисуйте на листе массу головы. Рисунок живой головы человека
поставит перед вами проблему выбора: что включить в рисунок? Голову; голову и
шею; голову, шею и плечевой пояс; голову и шею без плечевого пояса? И как их
разделить?
Делите по замкнутой границе, проходящей через две точки, которым
соответствуют яремная ямка и седьмой шейный позвонок. Можно также завершить
воротничком рубашки или элементом трикотажного изделия.
Далее убедитесь в правильности пропорциональных отношений между массой
головы и окружающим ее пространством листа. Затем найдите пропорциональные
отношения между высотой и шириной выбранной массы, сверяя полученный
результат с натурой, и приступайте к конструктивному рисунку (анализу) головы
человека.
Первое, что нужно сделать, это найти пропорциональные отношения в
рисунке между частями и целым. Визуально сравнивая части натуры между самими
собой, используйте в качестве измерительного прибора карандаш. Обратите
внимание на два полученных пропорциональных отрезка: один соответствует
высоте головы человека в листе, а другой – ее ширине. Эти два отрезка найдены
путем сравнения насколько ширина всей массы головы меньше ее высоты.
Конструктивное построение головы человека.
Проведите срединную линию головы человека согласно выбранному вами
положению натуры. Это будет линия вертикальная или почти вертикальная, в
зависимости от наклона головы. Проводить ее надо наполненной, ощущая под ней
поверхность эллипса. Срединная линия проходит через переносицу, основание носа,
середину разреза рта и подбородок. Ее пересекают под прямым углом другие
вспомогательные линии, которые проходят через глазничные впадины, образуя
осевую глаз, через скуловые кости, лобную кость, подбородок. Осевая глаз
разделяет высоту головы на почти равные части(лицевую часть и черепную
коробку). Осевая линия скул делит на равные части высоту от подбородка до
верхней осевой линии лба. Размечать вспомогательные линии нужно с учетом
пропорционального отношения частей лица к целому, а также характера натуры.
Все горизонтальные вспомогательные линии надо проводить с учетом
выбранного положения и перспективы. Определите положение натуры
относительно линии горизонта: выше линии, на уровне линии, ниже линии.
Проведите вспомогательные осевые линии: голова прямая, без наклона. Но
даже если голова рисуемой модели будет иметь наклон вперед или назад, все равно
горизонтальные осевые линии будут параллельны и сойдутся в точку на линии
горизонта.
Рисунок начинается с конструктивного построения фронтальных
поверхностей головы. Они соответствуют фронтальной поверхности куба (если
модель головы человека абстрагировать до модели куба).
Нарисуйте переднюю поверхность лобной кости головы человека согласно
осевой линии. Ширина поверхности лба приблизительно равна расстоянию между
центрами глазниц.
Далее определите глубину осевой линии глаз, рассмотрев голову в профиль и
поняв, насколько поверхность лба выдвинута вперед по отношению к данной
осевой. На этой линии найдите точку срединной линии; соедините со срединной
линией, проходящей через поверхность лба. Затем найдите на осевой линии глаз
крайние точки глазниц и соедините их с поверхностью лба. Таким образом, мы
получили «козырек», который будет нависать над фронтальной поверхностью
лицевой части головы.
Определите глубину осевой линии скул относительно фронтальной
поверхности лба. Найдите опорные точки на осевой линии скул. Скуловая линия
соответствует самому широкому месту лицевой части головы человека. Если вы
рисуете голову в три четверти, то одна точка будет совпадать с контурной линией на
самом ее выступающем месте. Другая точка будет находится на границе поворота
лицевой части в пространстве, между фронтальным и боковым положением сторон.
Хорошо, если вы в это время сможете себе представить конструкцию черепа.
Соедините опорные точки скул со внешними точками глазниц на осевой линии глаз
– получите площадку, выдвигающуюся вперед. Продолжите срединную линию до
пересечения со скуловой линией, а потом проведите ее вертикально вниз.
Посмотрите еще раз на контурную линию лицевой части: она опускается вниз, с
наклоном к осевой. Проведите две линии от опорных скуловых точек вниз, на
сужение, до пересечения с нижней частью челюсти. Это поможет нам построить
переднюю вертикальную поверхность лицевой части головы.
Постройте переднюю площадку подбородка на срединной линии. Площадка
подбородка окажется «выдвинутой» вперед от передней поверхности лицевой части
головы. Перейдите к конструктивному построению боковой части маски лица.
Представьте боковую поверхность куба и черепа головы человека. Найдите
величину скуловой дуги от опорной точки до уха. Проведите осевую линию в
глубину листа с учетом перспективы. От верхней части поверхности лба до
пересечения с осью скулы проведите линию к уху, затем вниз, чтобы построить
дальнюю, нижнюю и переднюю части нижнечелюстной кости. Таким образом, вы
построите конструктивную основу маски головы человека.
От передней поверхности лобной кости продолжим конструктивное
построение черепной коробки по представлению.
Обратите внимание на форму прически головы. Она повторяет форму черепа,
все его площадки; необходимо просто добавить толщину прически. Каким бы
волнистым ни был волос, какими бы ни были крупными локоны, они (в обобщенной
форме) представляют форму черепа.
Шея представляет собой форму цилиндра, имеющего наклон вперед. Это
зависит от положения шейного участка позвоночника, который соединяется с
основанием черепа. Шея завершается как бы скошенным сечением (с осевой линией
от яремной ямки до седьмого шейного позвонка), которое находится на
ромбовидном участке плечевого пояса. Не увлекайтесь в дальнейшем выявлением у
шеи грудинно–ключично-сосцевидных мышц – это приведет к разрушению
целостности формы.
Итак мы завершили работу над конструктивной основой всей головы
человека(возвели фундамент)
От срединной линии передней поверхности лобной кости проведите
срединную осевую линию носа. Найдите длину носа, постройте его переднюю
площадку, соответствующую положению в пространстве передних поверхностей
лицевой части головы. Так получится блок носа.
Убедитесь, что блок носа перпендикулярен лицевой поверхности,
соответствует срединной осевой линии головы человека, имеет правильный наклон
лицевой площадки.
Далее приступайте к рисунку глаз. Глаз представляет собой шарик,
вставленный в глазницу черепа. Посмотрите на рисунок: как пластически
организовано место для глаза тремя поверхностями (боковой поверхностью носа,
козырьком нависающего лба и наклонной площадкой лицевой части головы)?
Найдите место и ширину глаза на вспомогательной осевой линии. Нарисуйте часть
выступающего из глазницы шарика, обращая внимание на дугообразные линии,
образованные от пересечения шариком навесной поверхности лба и лицевой части.
Шарик отделил от этих поверхностей верхнее и нижнее веко.
Голова человека, как и вся его фигура, при рассмотрении в фас симметрична,
имеет срединную осевую линию.
Рисуйте попарно, на счет раз - два. Не рисуйте один глаз, а рисуйте оба сразу;
намечаете опорную точку на скуловой кости – намечайте парную. Их свяжет
поперечная осевая линия, идущая параллельно лицевым поверхностям головы в
точку на линии горизонта, и таких линий в рисунке лицевой части головы очень
много.
Постройте блок формы, включающий в себя носогубную часть, верхнюю и
нижнюю губу, подбородок. Срединная осевая линия проходит по передней
площадке этого блока, от носа до нижней части подбородка. Срединная осевая
линия проходит по передней площадке этого блока, от носа до нижней части
подбородка. Ширина площадки увеличивается к подбородку и соответствует
ширине передних площадок частей формы. Блок примыкает к лицевой части
головы, на него опирается нос.
После конструктивной деталировки , уберите ненужные линии, оставляя только
линии, связанные с конструкцией формы. Подготовьте линии к эстетическому
восприятию. Примените к рисунку головы законы воздушной перспективы. Самая
темная линия – та, которая находится ближе всего к вам. Переведите линии граней
формы в мягкое, размытое состояние.
Частичное введение тона
Понимая положение поверхностей формы относительно источника освещения,
приступим к моделированию формы головы человека светом и тенью в рисунке.
Первое: разберите состояние освещения поверхностей формы относительно
источника света по горизонтали. Все передние и боковые поверхности слева (если
источник освещения находится слева) будут светлыми, а боковые поверхности
справа будут иметь тень; между светом и тенью находится светотень. Моделируйте
поверхности, добиваясь эффекта наполненного объема.
Второе: разберите состояние освещения поверхностей формы относительно
источника света по вертикали. Источник находится немного сверху. Водим
частично тон: собственные тени, по мере удаления в глубину , становятся светлее.
После конструктивной проработки деталей головы человека в рисунке и их
моделирования светотенью необходимо привести рисунок к обобщенному
состоянию. Обобщенное состояние – это баланс между темными и светлыми
поверхностями в вашем рисунке. Все детали формы на свету должны в целом
читаться как единое пластическое пятно, так же должны читаться и детали формы,
находящиеся в тени. Иными словами это называется тоновой конструкцией
графического листа. Масса темного пятна, которую образуют все теневые части
рисунка, никогда не может быть одинаковой с массой пятна, которую образуют
светлые и полутоновые части рисунка – что-то должно быть больше.
Тоновой рисунок головы
Переходим ко второй части работы над рисунком модели головы человека.
Свет, направленный на форму имеет свойства отражаться от нее. Сила отраженного
света зависит от положения участка формы относительно источника света и
вас.(угол падения равен углу отражения), а также от способности принимать и
отражать свет. Это способность у предметов разная, она зависит от фактуры
предмета, его материальности, окраса по светлоте.
Приступаем к тоновой проработке формы головы человека. Усильте тон
собственных теней форм, стараясь привести их к обобщенному целостному
состоянию, тем самым закладывая гармоничное, пропорциональное по отношению к
другим пятнам композиции рисунка тоновое пятно.
Лучше начать с темного пятна, потому что, определяя предел возможности
графитного карандаша , вы устанавливаете шкалу тона. Такая шкала дает раскладку
тона, от самого светлого до самого темного. Чем более в шкале удалены друг от
друга пятна черного и белого, тем больше встанет между ними пятен полутоновых
отношений, тем больше возможностей моделировки формы на свету. Самым
светлым тоном является тон бумаги.
Далее подключайте полутона. Следуйте от общего к частному, расширяя
палитру возможностей тона для моделировки формы головы. Тональную
конструкцию рисунка вы уже заложили, когда вводили частичный тон по
горизонтали и вертикали относительно источника света. Теперь не хватает
пластичности форм. Добейтесь иллюзии объема. Справа от светотени (если
источник света слева) находится тень, рефлекс, контурная линия. Слева от
светотени находится полутон, тон, блик, контурная линия. Также помните о
воздушной перспективе.
Избегайте падающих теней, разрушающих формы, на которые они падают.
Используйте только те тени, которые выявляют пластику формы. Если никак не
избежать разрушительной роли падающих теней, то линию контура теней нужно
делать размытой, в крайнем случае, сменить положение источника света.