Живопись России первой половины 19 века

Живопись России первой половины 19 века
Главное движение шло в сторону реализма, но он утверждался в борьбе с авторитетным
классицизмом, представленным Академией и поэтому сумел завоевать позиции намного позже, чем в
литературе. В то время, как Пушкин уже к 25 – 26 году стал «Поэтом действительности», русская
живопись с трудом преодолевала косное влияние предшествующей эпохи. Первоначально новая
русская живопись связала себя с романтизмом.
Орест Адамович Кипренский (1782 – 1836)
Этот художник стоял у истоков русской живописи 19 века. Его искусство отличает страсть и порыв,
стремление к передаче движения внутренней жизни. Он искал в человеке возвышенное, изображал
героев в лучшие минуты, передавал способность чувствовать, стремление жить духовной жизнью.
Лучшая часть его творчества – портреты конца 1800-1810-ых гг. Кипренский искал в лицах людей
отблески идеала. Его интересует человек, не имеющий отношения к государственной службе, живущий
в сфере частных интересов, в мире чувств.
Портреты: портрет Евграфа Давыдова (1809), портрет мальчика Челищева (1808 – 1809),
портрет поэта В. А. Жуковского (1816). Все они «раздумчивы», герои их вглядыавются в мир. Их
можно сравнить с жанром послания в литературе. Основные приемы живописи следующие:
резкий контраст света и тени, иногда близкая градация соседних цветов. Преимущественно красный,
синий и белый составляют основной аккорд цвета. Каждое лицо Кипренского неповторимо, про такого
героя можно сказать, что он единственный. Это черта романтизма.
Наиболее известный портрет кисти Кипренского был создан в 1827 году. Это портрет А. С. Пушкина,
про который все близкие говорили, что он ближе других похож на оригинал. Гравюра Уткина с этого
портрета считается наиболее схожей с обликом Александра Сергеевича. На портрете мы видим
петербургского Пушкина в его любимом темно-коричневом сюртуке, в некоей романтической
шотландской шали, чьи цвета повторяют любимую цветовую гамму Кипренского. Белый воротничок
мягко оттеняет смуглое лицо, волосы по-романтически взвихрены. На лице печать мысли и
вдохновения. На заднем плане фигура с лирой, возможно, древнегреческий герой мифа Арион, с
которым поэт соотносил свою судьбу. «Себя как в зеркале я вижу, но это зеркало мне льстит…» - писал
Пушкин про этот портрет.
Сильвестр Щедрин (1791 – 1830)
Пейзаж романтизма. После поездки в Италию Щедрин избавляется от академического налета и обретает
свободу. 10 лет проводит он там, переживает расцвет творчества и умирает, не успев вернуться на
Родину. Он пишет итальянские виды. Природа на его полотнах предстает сияющей, радостной,
опьяняющей. Сверкают краски. Человек и природа составляют основу его мировоззрения. Щедрин шел
тем же путем, что Констебл в Англии, что Коро во Франции. Задача – открыть внутреннюю жизнь для
бытия в согласии с природой. Щедрин стал первый из русских художников работать на открытом
воздухе – на пленэре.
«Новый Рим»
Перед нами набережная Тибра, рыбаки за своим обычным занятием, самые простые дома, а в стороне от
них – древние памятники: средневековый замок Святого Ангела, а совсем вдали – собор Святого Петра.
Смысл такого построения картины в том, что акцент перенесен с прославленных памятников на ничуть
не примечательную, казалось бы, обычную жизнь, но именно она и дорога художнику. Отсюда и
название – «Новый Рим».
«Берег в Сорренто с видом на остров Капри».
Жанровые мотивы те же: рыбаки, раскидывающие сети, люди, стоящие группами и беседующие между
собой, женщины и мужчины, торговцы на набережной и отдыхающие в тени путники. Главное же –
природа. Композиции уравновешены, гавани закрыты цепью скал.
Щедрин искал правду света и воздуха, их взаимодействия, овладевал законами пленэра. Он изгонял
музейные «коричневые» тона. Любил холодные серебристые, серые. Под конец жизни художник
вернулся к горячим краскам. Веранда, увитая виноградом, разбросанные пятна красной краски,
горячие коричневые, розовые блики и сильные удары красного в одежде, национальных шапках –
таковы последние работы Щедрина, например, «Терраса на берегу моря».
1
Московская школа живописи. В. А. Тропинин ( 1776 – 1857)
Бывший крепостной, не успевший из-за хозяина доучиться в Академии, он освободился из неволи
только в 45 лет. Обосновался в Москве и развернул портретную деятельность. Его главная заслуга в
том, что он придал портрету жанровые черты, то есть связал портрет с бытовой сценой. Тропинин
усвоил уроки сентиментализма Боровиковского. Но в 20-30-ые гг. он создает свою манеру. Тропинин в
чем-то антипод Кипренского. Его портреты просты, они домашние, герои их ведут себя
непринужденно, спокойно. Передана обстановка, особенности самой модели. Интерес к тому, что
окружает человека, к одежде.
«Портрет сына» (1818) г. ГТГ
Одна из наиболее замечательных работ Тропинина. Портрет погрудный. Мальчик очень
непосредственен, изображен в сильном движении, голова повернута в сторону, солнечный свет заливает
правую часть фигуры, в этом есть элемент случайности. Светотень лепит самые объемы. Разметавшиеся
непричесанные волосы светятся солнечными лучами. На портрете выявлено все детское,
непосредственное и простое.
Интерес художника к среде, к обстановке привел Тропинина к созданию жанрового портрета:
«Кружевница», «Золотошвейка», «Гитаристы». На этих портретах создано простое и точное
действие.
Интересно сравнить портрет Пушкина кисти Кипренского и Тропинина. На московском тропининском
портрете поэт изображен в момент домашний, перед ним стопка бумаги, небрежно запахнут халат.
Интересен аккорд черного и зеленого в цветовой гамме. Белый воротник домашней сорочки оттеняет
смуглые черты Александра Сергеевича, но в этом элементе на портрете Тропинина больше мягкости.
Воротник небрежно отложен. В лице поэта сильнее заметны африканские черты, при этом отчетливо
видны голубые навыкате глаза.
Родоначальник бытового жанра. Алексей Гаврилович Венецианов (1780 – 1847).
Простой служащий, землемер, в начале 19 века занялся живописью. Переехал из Москвы в Петербург,
брал уроки у Боровиковского. Венецианов был близок к передовым кругам общества. Об этом говорит
его офорт «Вельможа». На рубеже 10-40-ых гг. Венецианов открыл для себя бытовой жанр, приобрел
небольшое имение в Тверской губернии и занялся изображением крестьянского мира.
Перед ним встала задача изображения света, льющегося из разных источников, показ крестьян в
различных положениях. Его любимые сюжеты: крестьяне за чисткой свеклы, пастушок, заснувший у
дерева, пахота, жатва, сенокос. Поэзию он видел в самой обыденности, в жизни деревни. В этом он
близок Пушкину. На картинах Венецианова ничего особенного не происходит. Действие обычно
односложно. Конфликтов художник не изображает. Человек на его полотнах изображен в окружении
природы. Венецианов первый открывает красоту родной природы. Лучшие создания Венецианова
«На пашне. Весна», «На жатве, Лето».
«На пашне. Весна» ГТГ
Замечателен пейзаж. Маленькие деревца, кусты, трава, комья земли, еще не взрыхленной бороной.
Противопоставлена фигура на первом плане и пространство. Это создает ощущение глубины. Сама
фигура еще носит на себе черты академизма – высокого, почти классицистического идеала. Но в ней
заметны и черты чувствительности – традиции сентиментализма. Сюжет предельно прост: крестьянка
ведет под уздцы двух лошадей, запряженных бороной, а на краю поля – ребенок, занятый игрой.
Плавная походка, торжественный поворот головы – вот черты классицизма. В то же время само
обращение Венецианова к картинам чисто русской жизни было необыкновенно важно для русской
живописи, с трудом преодолевавшей академические каноны.
«На жатве. Лето» ГТГ
Вновь изображен крестьянский труд, объединенный с материнской темой. Жаркие краски передают
сияние солнечного дня. Все наполнено внутренним горением. Уместно вспомнить строчки Фета:
«Зреет рожь над жаркой нивой..»
Творчество Венецианова имело немного продолжателей, но среди них такие замечательные художники,
как, например, Григорий Сорока, автор настоящего лирического шедевра «Озеро, Молдино».
2
Попытка реформировать академизм в рамках самого академизма.
Карл Павлович Брюллов (1799 – 1852)
Ровесник Пушкина, Брюллов нередко пересекается с великим поэтом в своем творчестве. Но если
Пушкин стремительно шел от романтизма к реалистической манере, к «поэзии действительности», то
Брюллов смог только соединить академическое холодное мастерство с романтическим размахом,
особенно в самой знаменитой своей картине. Он искал идеальное, светлое и радостное, но не шел
трудными путями в искусстве. После Академии Брюллов, как это всегда и случалось с лучшими
выпускниками, оказался в Италии. В картинах 20-ых годов на сюжеты античности, из итальянского
ренессанса, из Библии преобладают декоративные элементы, внешний блеск. В 30-ые годы появляется
трагическое восприятие жизни. В это время зреет центральный замысел Брюллова.
«Последний день Помпеи» (1830 – 1833) гг. ГРМ
Перед нами многофигурная композиция. Гремит гром, сверкает молния, падают кумиры с крыш,
объятые ужасом люди спасаются бегством. Но и в это время они сохраняют достоинство и величие. Это
как бы предчувствие всемирной катастрофы. Главный герой картины – людская масса, человечество.
Это было ощущение недавних европейских катастроф и предчувствие новых. Брюллов стремится
максимально реалистично передать сюжет истории. Он был знаком с археологией, с археологами,
которые вели раскопки Помпеи. На картине Брюллов изобразил реальный кусок города с его
памятниками. В работе Брюллов использовал свидетельство современника событий Плиния Младшего.
Все это преодолевало театрализованность академического полотна, эффектность поз, придуманное
романтическое освещение с контрастами света и тьмы. Композиция довольно устойчива, а формы, сами
фигуры находятся в движении. В этом и было соединение классицизма с романтическими тенденциями.
На полотне Брюллов изобразил и себя в облике молодого художника с палитрой на голове,
вглядывающегося в падающих кумиров. Картина Брюллова чем-то близка великой поэме Пушкина
«Медный всадник», созданной в те же годы. Тот же ужас человека перед стихией, ожившая статуя,
страшный городской ночной пейзаж. Но Пушкин писал о самом злободневном в русской жизни и для
этого предельно смелого материала нашел совершенно новый язык.
Недаром Николай запретил публикацию поэмы даже в переделанном виде. Ее сходство с полотном
Брюллова больше формальное. Но и поэт и художник ощутили грядущие потрясения и рассказали о них
каждый как смогли.
В 30-ые гг. Брюллов создает ряд парадных портретов. Он стал необыкновенно модным художником,
заваленным заказами. Брюллов стремится запечатлеть некий возвышенный момент. Такова «Всадница»
ГТГ.
Воспитанница графини Самойловой – Джованина, юная девушка, в блестящем бело-голубом платье,
отливающем серебром. Она гордо восседает на вороном коне. Конь поднялся на дыбы, но девушка
сохраняет спокойствие. Фон – зелень, крыльцо богатой виллы. Картина большого формата.
В 40-ые гг. художник искал психологической выразительности. Замечателен «Автопортрет» 1848 г.
написанный художником после тяжелой болезни. Перед нами усталый, разочарованный, утомленный
жизнью человек. Этот портрет далек от холодного академизма. Он написан в свободной манере, мазок
широкий, не зализанный, что говорит о будущем русского искусства.
Центральная фигура русской живописи первой половины 19 века.
Александр Иванов (1806 – 1858 )
Это был человек исключительной силы мысли, характера, «золотая душа», умевший заботится о
близких, и при этом очень строгий в домашней жизни. Он был настоящим поэтом и презирал все
внешние эффекты, выгоды. Его отличала огромная, беспредельная любовь к родине, мечта о ее
возвышении. Беспредельная жажда самоусовершенствования, постоянное саморазвитие, недовольство
собой – все это делало его исключительно яркой личностью. Александра Иванова ценили Герцен и
Огарев, Чернышевский, его другом был Н. В. Гоголь.
3
Иванов родился в Петербурге в семье художника. Окончил Академию и в 1830 году приехал в Италию,
в Рим. Он вернется только за полтора месяца до смерти и привезет «Явление Христа народу». Задачи,
которые Иванов ставил перед собой, все время усложнялись. Сначала он хотел постичь итальянскую
школу и ее дух, затем связать религию и мифологию с проблемами добра и зла.
«Явление Христа Магдалине» – первый подступ к новой задаче, еще во многом академический.
«Явление Христа народу». ГТГ
С 1836 по 1848 Иванов писал вторую и главную свою работу. По сути он продолжал над ней работать
до самой смерти. Это полотно полно удивительных достоинств: изображение природы и людей,
характеров, душевных проявлений, движения сердца, гениальна сама мысль – изобразить открывшуюся
людям истину и надежду на спасение.
Для создания своего шедевра Иванов ездил к берегам моря и рек. Чтобы увидеть и понять живую
красоту обнаженного тела, чтобы запечатлеть еврейские лица, художник создал огромное количество
этюдов. Еврейские типы искал в синагогах, это особенно нравилось Гоголю. Самого писателя,
считается, Иванов изобразил в облике человека в красном плаще справа на полотне. Но самой большой
трудностью было изображение лица Христа. Он искал его в церквях, в лицах молящихся, в любом
душевном высоком проявлении, изучил огромный материал, посвященный изображению Христа до
него. Живописные и мозаичные изображения Христа были им изучены в совершенстве. Чтобы
нарисовать пейзаж окрестностей Иерусалима, реки Иордан, Иванов по несколько месяцев сидел в
Понтийских болотах, в пустынных местах Италии, изучал всякий камешек и древесный листок. Он
посещал скалы и дикие места, зарисовывал реки, ивы и тополя по их берегам. Читал книги о Палестине
и ее видах. Такая работа уже не имеет ничего общего с условными пейзажами академистов. Иванов
ничего не хотел выдумывать, фантазировать – это принципы глубокого и истинного реализма.
Поразительны Христос и Иоанн Креститель на полотне. Как разнообразна людская толпа: юный
стремительный Иоанн, фарисеи, косящиеся в бессильной злобе, уверовавшие старики, зрелые мужи,
мальчики. Упорные в своей вере старые упрямцы, рабы, богачи, робкие женщины, безучастные и
равнодушные – все типы человеческих характеров и темпераментов.
Но при всех этих достоинствах картина Иванова полна противоречий: фигуры не столь живописны,
сколько скульптурны, почти барельефны. Масса народа размещена на малом участке, на узком
пространстве земли. Складки одежды искусственны, хотя и изящны. Все это традиции классицизма.
Особенно это заметно в симметричности пространства, в неглубоком развороте его. Замечательны
пейзажные этюды Иванова к картине: «Ветка дерева», «Аппиева дорога» и др.
Природа представлена созвучной великому событию. Иванов сремился постичь воду, землю,
растительность, небо. Он работал на пленэре, изучал свет и цвет.
Иванов не вводил в этюды фигуры людей, жанровые мотивы. Его пейзажи философски-историчны. На
«Аппиевой дороге» представлена та дорога, на которой стояли кресты с распятыми рабами после
восстания Спартака. В одной ветке, искрящейся на солнце, Иванов способен был ощутить Вселенную.
После 1848 года, после революций в Европе, деньги из России перестали поступать. Умер отец. Иванов
не мог теперь завершить картину так, как он этого хотел. А новые его замыслы были еще грандиознее:
цикл библейских картин на стене специального здания. Эскизы становятся свободнее. Освобождаются
от остатков академизма. Но, как и Микеланджелло, Баженов, Роден, Иванов не сумел воплотить все
свои замыслы. Иванов не получил признания в России, но его творчество сыграло огромную роль в
развитии всего русского искусства 19 века.
Создатель русского реализма. Павел Андреевич Федотов. (1815 – 1852)
Его расцвет и гибель пришлись на 40-ые гг. 19 века – время торжества николаевской реакции. Трагична
судьба художника, заплатившего дорогую цену за то, что первый смело стал вглядываться в черты
русской жизни. Он закончил московский кадетский корпус, попал в Петербурге в Гвардейский
Финляндский полк, с русской армией была связана большая часть его жизни. Если бы не это знание
армейской среды, он не смог бы так точно нарисовать образ своего майора в прославленной картине. В
армии Федотов увлекся рисованием, карикатурой, наброском, часто рисовал своих друзей, бытовые
военные сценки, выезды в летние вонные лагеря и т.д. Он учился живописи самостоятельно, стал брать
уроки в Академии. Известны его замечательные рисунки «Следствие кончины Фидельки», «Муж
обманутой жены», Девушка, соблазняемая офицером у постели больной матери», Сами названия
4
этих работ напоминают о натуральной школе в литературе, смыслом которой было непосредственное
изображение самых типичных сторон русской жизни. Но Федотов не входил в круг писателей,
связанных с идеологом натуральной школы – Белинским. Он шел своим путем сам. В 40-ые гг. Федотов
начинает пробовать себя в масляной живописи. Он углубляется в суть жизни, все более трагичными
становятся его работы.
Самые значительные полотна Федотов создал с 1846 по 1852 гг. Каждая из его картин была вехой на
пути новой системы художественного осмысления действительности.
«Свежий кавалер» 1846 г.
Представлена обличительная идея. Чиновник – чинодрал, взяточник, подлец изображен в столкновении
со служанкой, простой и милой девушкой. Он стоит в позе римского сенатора, гордо выпятив нижнюю
губу, завернувшись в халат, как с сенаторскую тогу. Он указывает на свой первый полученный им
накануне орден – крестик. Суть столкновения в том, что праздновавшие получение крестика приятели
главного персонажа оставили в комнате хлам, который должна разбирать служанка. Но, обличая
ненормальные условия существования человека, Федотов умеет любоваться вещами, миром. С какой
любовью, красиво рисует он сам орден, гитару, шелковый халат чиновника. Слияние критического и
поэтического мира сближает Федотова с Гоголем. Плох не мир вещей, окружающий людей, плохи
только их отношения.
«Сватовство майора» 1848 г. ГТГ
Это вершина творчества Федотова. Суть знаменитого полотна – изображение мира обмана, лжи, брака,
который, конечно, предстает как заурядная сделка. Несколько перезрелая девица, немного жеманная, но
по-настоящему взволнованная, ждет появления жениха – майора. На него, лихо подкручивающего усы
перед зеркалом, указывает сваха. Майор написан на светлом фоне дверного проема и этим выделен на
полотне. Из темного фона выплывают фигуры женщин в светлых платьях. Цветовая гамма – желтые,
оранжевые, сиреневые, коричнево-красные и зеленовато-коричневые тона. Тут же и сам хозяин дома –
купец, этакий «Тит Титыч Большов» из произведений Островского. Майор – дворянин, конечно, берет
невесту из купеческого рода только ради денег. Замечательно создание на полотне целой галереи типов:
невеста, ее мать, пытающаяся урезонить «бесстыдницу». Сам майор – тип солдафона – служаки
николаевского времени, это, конечно, не герой 1812 года. А мир вещей, предметов, изображенный
Федотовым, так же замечателен, хрупок, фарфоров, как и на первом полотне.
Все более страшным становится мир на полотнах художника. Искажаются предметы, появляется
сильная экспрессия. Исчезает сатира в картине «Вдовушка», где на портрете умершего мужа женщины
Федотов представил самого себя.
«Анкор, еще анкор» 1851 – 1852 гг.
Трагедия бессмысленного существования офицера в дальнем гарнизоне представлена чисто
художественными средствами. Уже в названии повторены одни и те же слова по-русски и пофранцузски. Офицер бессмысленно тренирует собачку, сама бесцельность занятия видна в узком
замкнутом пространстве, где есть только одна деталь, напоминающая о другой жизни – окно. Но в нем
виден тоскливый зимний пейзаж. Денщик в дальнем углу занят привычным делом.
«Игроки» 1852 г.
Корчатся фигуры то ли отчаявшихся, то ли уже сошедших с ума из-за проигрыша игроков. Цвета
борются друг с другом, мерцает причудливо свет, на стенах пустые рамы без картин – гротеск в духе
«Пиковой дамы» и Гоголя. Сцена почти нереальна, фантастична. Вскоре Федотов заболел душевной
болезнью и закончил свои дни в доме для умалишенных Он похоронен на кладбище АлександоНевской Лавры в Петербурге. Сам Федотов, как писал критик Стасов, наверное, удивился бы, если бы
узнал, что его поиски шли в том же русле, что поиски лучших французских художников 19 века,
прокладывавших пути реалистическому направлению. За смелость, с которой он всмотрелся в
николаевскую действительность, он заплатил высокую цену, но его достижения, серьезность которых
не сразу поняли академики, готовили почву русским художникам реалистам – передвижникам.
5